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개념예술(Conceptual art)은
개념(concept)이나 아이디어(idea)를 이용하여 전통적인 형태의 미술작품과 다른 철학적 가치를 보여주는 예술세계이다. 솔 르윗(Sol LeWitt)의 수 많은 작품들의 경우 어느 누구라도 정해진 절차에 의해서 단순히 배치만 하더라도 재현할 수 있게 되어 있으며, 이런 방법이 가장 전형적인 개념예술의 형태이다.
개념예술가의 작품들은 보통 일반적인 예술작품을 만드는 행위가 매우 적거나 아예 포함되지 않으며, 전통적인 예술가들이 가지고 있는 작가의 물리적 기술이나 미적감각 등을 요구하지 않는다. 개념예술은 1960년대에 구체화가 되어 여러 작가들이 나왔지만, 1990년대에 들어 영국에서 크게 유행한 젊은 영국 예술가(Young British Artists)와 터너상(Turner Prize)와도 밀접한 관련이 있다.
개념예술의 시초는 프랑스 예술가인 마르셀 두챔프(Marcel Duchamp)가 소변기를 이용하여 1917년 만든 "Fountain"이라는 작품(우측)으로 보고 있다. 일반적인 소변기에 작가의 필명인 "R. Mutt"라는 사인을 한 것이 전부인데, 이 작품은 뉴욕에서 열린 독립예술가 협회의 전시에 출품되었으나 거절당했다. 전통적인 관점에서 소변기와 같은 일반적인 생활에서 볼 수 있는 물건을 예술작품으로 볼 수는 없었다는 것이 당시의 판단이었다. 두챔프의 작품의 영향은 미국의 유명한 개념주의 예술가인 조셉 코수쓰(Joseph Kosuth)가 쓴 1969년 에세이에서도 잘 드러난다. 그는 "Art after Philosophy"라는 제목의 글에서 "두챔프 이후의 모든 예술은 기본적으로 개념적(conceptual)하다. 왜냐하면 예술이라는 것이 예술이 개념적으로 존재하기 때문이다." 라고 써서 두챔프 작품에 대한 의미를 부여하였다. 개념미술이 하나의 예술사조로 등장한 것은 1960년대이다. 1961년 헨리 플린트(Henry Flynt)가 "컨셉트 아트"라는 표현을 사용한 경우가 있었으나, 본격적으로 이를 적용한 예술가는 조세프 코수쓰였다. 그는 전통적인 예술작품의 형식을 버리고 예술가들의 사회적, 철학적, 정신적인 상태에 대한 문서화된 비평적 질문을 던지고, 이를 체계화한 서적과 작품, 퍼포먼스 등을 통해 이를 알렸다. 1970년 최초의 개념예술에 대한 전시회인 Conceptual Art and Conceptual Aspects가 뉴욕문화센터에서 열렸다.
http://blog.naver.com/wolide/140054440578
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Fluxus란 '변화', '움직임', '흐름'을 뜻하는 라틴어에서 유래한 단어로, 1960년대 초부터 1970년대에 걸쳐 일어난 국제적인 전위예술 운동이다. 리투아니아 출신의 조지 마키우나스(George Maciunas)가 1962년 독일 비스바덴에서 열린 '플럭서스-국제 신음악 페스티벌'의 초청장 문구에서 처음 사용되었다.
플럭서스는 독일과 뉴욕, 파리, 런던, 일본 등 전세계 주요 도시에서 거의 동시에 나타났는데, 이는 플럭서스 작가들이 여행과 서신 교환 등을 통한 교류를 활발히 했기 때문이다. 엽서 형태의 콜라주(Collage)나 소규모 작품을 우편을 이용해서 상호교류를 많이 했는데, 이를 '메일아트'라고 한다.
1963년 마키우나스는 뉴욕에 플럭서스 본부를 창설하고, 이듬해에는 딕 히긴스(Dick Higgins)가 "Something Else Press"를 설립해 1974년까지 플럭서스와 관련된 주요 서적들을 출간하는 등 이 시기를 전후해 플럭서스 운동은 전성기를 맞았다. 특히 플럭서스는 처음에는 미술에서 출발하였으나, 곧 예술의 어느 한 장르에 국한되지 않고 콘서트, 이벤트, 출판 등에 이르기까지 이용이 되는 전반적인 예술운동이 되었다.
플럭서스 아트의 가장 독특한 형태로 알려진 것은 이벤트 스코어(event scores)와 플럭서스 박스(Fluxus boxes or Fluxkits)이다. 플럭서스 박스는 인쇄된 카드나 게임, 아이디어 등을 모아서 작은 플라스틱 또는 나무상자에 넣어둔 것에서 유래되었다. 이벤트 스코어의 아이디어는 최초 헨리 코웰(Henry Cowell)의 음악철학에서 나왔다. 그는 플럭서스 아티스트의 대표적인 인물들인 존 케이지(John Cage)와 딕 히긴스(Dick Higgins)의 선생님이기도 했다. 스코어라는 용어는 음악에서 사용되는 악보(score)와 본질적으로는 비슷한 의미를 내포한다. 음표로 표기한 내용을 가지고서 어느 누구나 이를 재현할 수 있도록 한 것이 악보인데, 이를 다른 예술에도 접목한 것이다. 이벤트 스코어에 있어 가장 중요한 역할을 했던 예술가 중의 한 명이 한국이 낳은 세계적인 비디오 아티스트인 백남준(Nam June Paik)이다. 백남준은 이벤트 스코어의 아이디어를 "do it yourself"라고 명명을 하고, 이를 널리 보급하였다. 사실 음악에 있어서는 악보를 만들고 이를 이용한 다양한 연주가 이루어지는 것이 수백년간 일반화되어 왔지만, 다른 예술분야에서 이를 적극적으로 시도하여 보급한 것이 플럭서스 예술가들인 백남준과 존 케이지, 딕 히긴스 등이다. 이를 통해, 예술을 행하는 사람들과 해당 예술을 창조한 작성자(coomposer)가 모두 가능하게 되었다.
대표적인 플럭서스 예술가들로는 조세프 뷰이(Joseph Beuys), 딕 히긴스(Dick Higgines), 백남준, 울프 보스텔(Wolf Vostell), 라몬 영 (La Monte Young), 오노 요코(Ono Yoko) 등이 있으며, 이들은 행위예술과 시, 실험음악과 영화에 이르기까지 다양한 예술영역에서 활동하였다. 이들은 전통적인 방법의 예술과는 반대되는 개념의 예술활동을 하였고, 예술가들의 개성과 액션, 그리고 그들의 의견을 중시하는 예술활동을 하였다. 1960~70년대를 통해 여러 가지 다양한 무대에서의 액션(action) 이벤트를 개최하였고, 정치적인 색체도 상당히 강하게 드러내었다.
대표적인 작품으로는 백남준의 여러 형태의 비디오 아트 작품이 첫 손가락에 꼽히며, 조세프 뷰이의 행위예술 등이 많이 알려졌다. 플럭서스 아트는 여러 형태로 다다이즘(Dada), 그리고 이후의 팝 아트(Pop Art)와 비교되는데, 실제로 이들과 상당한 연관성도 있고 서로 영향을 미쳤다고 할 수 있다.
1978년 플럭서스 운동의 아버지인 마키우나스가 사망한 이후, 딕 히긴스나 백남준 등이 더 이상 자신들을 플럭서스 예술가라고 표방하지 않으면서 일부 예술학자들은 플럭서스가 1978년을 기점으로 끝난 운동으로 주장한다. 그렇지만, 플럭서스의 영향력은 현대의 멀티미디어 디지털 아트에 있어서 그대로 나타나고 있다. 또한 현대에 있어서 인터넷을 사이버스페이스 공간에서 과거 플럭서스 예술가들이 메일을 통해 서로에게 영향력을 미친 것과 같은 다양한 움직임이 있는데, 이 역시 플럭서스 당시의 형태와 닮아있다고 할 수 있다.
이러한 현대의 플럭서스와 비슷한 집단 중에 대표적인 곳이 바로 PLATOON이다. 인터넷을 통한 사이버 예술집단 PLATOON에 대해서는 다음기회에 좀더 집중적으로 조명해 보도록 하겠다.
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컬러필드 페인팅 (Color Field painting)은
추상표현주의에 이어 1950년대 후반에 나타났다. 컬러필드 페인팅의 특징은 단순한 컬러로 많은 영역을 칠한 추상적인 캔버스이다. 컬러필드 페인팅은 추상표현주의 일부로 처음 시작되었는데, 특히 마크 로스코(Mark Rothko), 클리포드 스틸(Clyfford Still), 바넷 뉴만(Barnett Newman), 로버드 마더웰(Robert Matherwell), 아돌프 고틀리브(Adolph Gottleb), 호안 미로(Joan Miro) 등이 유명하다.
1960년대 초중반 컬러필드 페인팅은 줄레서 올리츠키(Jules Olitski), 케네스 놀란드(Kenneth Noland), 헬렌 프랑켄텔러(Helen Frankenthaler)와 같은 작가들의 작품들을 이야기하는 용어가 되었다. 이들의 작품들은 추상표현주의 2세대와 연관되어 있으며, 새로운 방향의 예술을 추구하던 래리 푼스(Larry Poons), 래리 족스(Larry Zox), 프랭크 스텔라(Frank Stella)와 같은 젊은 예술가들과도 관련이 있다. 1964년 예술 평론가인 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)는 미국 전역을 순회하면서 "Post-painterly abstraction"이라고 불리는 전시회를 열고 다녔는데, 이 전시회가 컬러필드 페인팅의 정의를 확장하게 만드는 계기가 된다. 1960년대말 리차드 디벤콘(Richard Diebenkorn)은 그의 유명한 "Ocean Park" 시리즈를 그리기 시작한다. 그의 작품들은 컬러필드 페인팅에 있어 가장 중요한 대표작들이 된다.
컬러필드 페인팅 작가들은 컬러를 선택하고 이용하는데 최고의 전문가 들이었으며, 컬러의 심리적인 영향력을 최대한 고려한 작품들을 만들었다. 잭슨 폴록이나 윌렙 드 쿠닝과 같은 추상표현주의 작가들이 정서적인 에너지와 강렬한 제스처를 활용하는데 비해, 컬러필드 페인팅은 비교적 차분하고 완고한 인상을 주며, 크고 넓은 컬러의 영역을 이용하여 최대한 단순한 추상화를 시도하였다. 여기에 캔버스의 실제 모양을 최대한 활용하였는데, 특히 프랭크 스텔라는 곡면과 직선의 조합으로 이루어진 모서리를 최대한 활용하는 것으로 유명했다.
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개념미술 [槪念美術, conceptual art]
:미니멀 아트(minimal art) 이후에 대두한 현대미술의 경향.
사진 또는 도표로 나타내는 문서 등을 수단으로 종래의 예술에 대한 관념을 외면하고 완성된 작품 자체보다 아이디어나 과정을 예술이라고 생각하는 반(反)미술적 제작태도를 가리킨다. 이와 같은 현상은 동유럽권을 포함해서 북미·남미·오스트레일리아 및 일본에까지 확산되어 있다. 그 맥락은 예술의 ‘최소한’을 강조하는 미니멀 아트의 논리적 귀결에서 찾을 수 있다. 또한 네오다다이즘이나 플럭스(flux) 파문을 일으켰던 1960년을 전후하여 여러 기존형식을 파괴하는 일련의 운동과 함께 거의 같은 시기에 발생하였다.
그러나 개념미술의 선구자는 M.뒤샹으로 거슬러 올라간다. 그는 1913년 미술가의 역할에 대하여 “물질을 교묘하게 치장하는 데 있지 않고 미의 고찰을 위한 선택에 있다”는 정의를 내렸다. 이것이야말로 개념미술의 근본적인 미학이다. 뒤샹은 《레디 메이드：Ready-made》와 그 이후의 작품들을 통하여 형식과 기교 및 회화의 낭만성을 버리고 평범한 대상물과 사상쪽으로 관심을 기울였다. 이러한 동향은 예술 일반의 전통적인 입장에서 본다면 결과적으로 그는 아무런 미술작품도 제작하지 않은 셈이다. 그러나 그는 생활 그 자체가 미술이요, 조형활동이기도 하였다. 이러한 관점에서 그는 이미 미술가들이 창조자로서의 존재에서 밀려나와서 연출자나 제조자로 빠져들어갈 함정을 예견하였던 것이다. 뒤샹의 작품은 1960년대 말기에 홍수처럼 쏟아져 나온 미국의 신진 개념미술작가들이 계속 추구한 아이디어의 원천이 되었다. 개념미술의 또 다른 원류는 다다이즘에서 찾아볼 수 있다.
제1차 세계대전 이후 정신적인 갈등과 혼매(昏昧)에서 탄생한 다다이즘은 허무주의적인 내용과 반미술적인 형식을 띨 수밖에 없었다. 그러한 상황과 흡사한 1960년대의 정신적인 고갈에서 많은 젊은 미술가들은 반물질적인 태도로 작품을 만들었다. 즉, 물질적인 형태를 갖추지 않은 조형예술을 추구하였다. 산업적으로 조립된 회화와 조각은 미술에서 점차적으로 ‘손재주’가 제거당하는 구체적인 증거로 나타났다. 복잡한 형태가 허물어지는 당연한 귀결로서 나온 것이 바로 미니멀 아트였다. 그러다가 여기에서 한 걸음 더 나아가 미술작품 자체를 제거하려고 시도하는 새로운 바람이 곧 개념미술이다. 물질적 대상에서 심리적 이미지로 옮겨간 비약적인 변천이고, 그 내용은 보통 사진이나 문서, 상투적 문구 또는 일상적인 산문뿐만 아니라, 때때로 작가들의 공식적인 서명을 수단으로 하여 형성되었다. 어떤 비평가가 지적한 바와 같이 이러한 변천된 사항은 미술을 문학으로 대체하려는 것 같은 인상마저 풍기는 것이다.
개념미술의 대표적 작가인 J.코주드는 사전의 낱말풀이를 그대로 신문에 실어 작품으로 발표하였고, D.후에불러는 《지속적인 단편들》이란 명칭으로 작품을 내놓았는데, 이것은 지도와 도면에 기록을 남긴 것이다. 특히 개념미술은 상품으로서의 작품을 거부함으로써 미술작품의 소유권에 대한 개념을 약화시켰다. 이것은 곧 수집가 ·미술가 및 전통적인 미술작품에 적용하는 모든 가치기준을 거부하는 공격의 화살이다. 따라서 이 미술가들은 자신을 장인(匠人)이 아니라 ‘마음’이라고 주장한다. 이러한 주장은 거의 모든 사물을 미술작품으로 제시하게 한다. 그들의 주제는 일반적인 것뿐만 아니라 전문적인 것도 포용한다. 사소하거나 심오한 것, 사실이거나 추상적인 그 어느 것도 가리지 않는다. 한정된 주제와 꾸며낸 조형이 아니라 가능성의 전달을 의도한다. 따라서 작품은 조형물의 결과에서가 아니라 거기에는 표현되어 있지 않은 미술가의 관념에서 우러나온 가치성에서 찾아야 한다. 이러한 견해에 따르면 감상자는 메티에(métier:전문적 또는 특이한 기법) ·마티에르(matière)를 부정한 작품 또는 작품의 흔적을 대하면서 거기에서 작가가 추구한 과정 또는 관념을 찾아야 한다. -두산백과
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서정추상주의(Lyrical Abstraction)
는 포스트-워 현대회화에 있어 2개의 관련되지만 분리된 운동이다. 유럽서정추상주의는 2차 세계대전 이후 파리에서 시작되었다. 이러한 새로운 추상주의를 어떤 예술평론가들은 전후 폐허가 된 파리를 다시 복구하기 위한 노력의 시도로 보았고, 일부는 파리와 미국에서 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝으로 대표되는 표현추상주의와 경쟁을 하기 위한 운동으로 보았다.
서정추상주의는 그 이전에 발달한 큐비즘이나 초현실주의와 적대적이었는데, 추상화의 아버지로 불리는 칸딘스키(Kandinsky)의 철학을 많이 따르고 있다. 서정추상주의 작가로는 Jean Le Moal, Gustave Singier, Alfred Manessier, Roger Bissière, Wols 등이 꼽히며, 조지 매튜(Georges Mathieu)가 Palais du Luxemboug에서 1947년 "Abstraction Lyrique"라는 전시회를 열고, 뒤이어 "HWPSMTB" (Hans Hartung, Wols, Francis Picabia, Francis Stahlym Georges Mathieu, Michael Tapie, Camille Bryen) 전시회를 1948년에 열면서 세세계로 알려지게 되었다. 그렇지만, 이 사조는 1957년 후반 정도까지 비교적 짧게 유행을 하였다. 이후 피에르 레스타니(Pierre Restany)와 입스 클라인 (Yves Kelin)으로 대표되는 신사실주의(New Realism)으로 연결된다.
미국에서는 서정추상주의가 뉴욕과 로스엔젤레스, 워싱턴 DC 등을 중심으로 1960~70년대에 유행을 하게 된다. 이 당시의 작품들을 보면 직관적이면서 자발적인 표현과 다소 몽환적인 공간, 아크릴 염색의 이용, 그리고 새로운 테크놀로지를 접목한 작품들이 많다. 1960년대 당시 유행하던 미니멀리즘(Minimalism), 포멀리즘(Formalism), 팝아트(Pop Art)나 기하추상(Geometric abstraction)과 같은 스타일에 반감을 가지던 예술가들이 중심이 되어 보다 실험적이고, 회화적이면서, 표현력이 뛰어난 추상화 스타일을 추구하면서 유행을 하게 된다. 많은 수의 작가들이 미니멀리스트(Minimalist) 였고, 이들의 작품들이 대중적이면서도 새로운 형태의 추상회화의 모티프(motif)를 가지게 되는 방식으로 발전을 하였다. 미국 서정추상주의는 그 정신적인 측면은 1940~50년대의 추상표현주의, 컬러필드회화(Color Field paiting) 등과 맥이 닿아있다.
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추상표현주의(Abstract expressionism)는 미국에서 2차 세계대전 이후 시작된 것으로, 미국에서 시작되어 전세계적 영향을 주게 된 첫번째 예술사조이며, 동시에 뉴욕을 파리를 제치고 전세계 예술의 중심지가 되게 만든 주역이기도 하다.
추상표현주의라는 용어는 1946년 예술평론가인 로버트 코테스(Robert Coates)가 처음으로 미국 예술에 대해서 적용하였지만, 용어 자체는 1919년 잡지 Der Sturn에서 독일의 표현주의 예술을 설명할 때 이용되기도 하였다.
우측의 그림은 추상표현주의의 대표적인 작가인 잭슨 폴록(Jackson Pollock)의 1948년작 "No. 5"이다. 기술적으로는 초현실주의(surrealism)의 뒤를 이었다고 볼 수 있는데, 여기에 자발적/자동적인 창작과 무의식적인 창작이 강조된다. 잭슨 폴록의 경우 바닥에 놓인 캔버스에 페인트를 떨어뜨리면서 작업을 많이 하였다 (이런 작업은 맥스 에른스트에서 그 뿌리를 찾는다).
추상표현주의는 감성적인 강도(emotional intensity)을 강하게 나타내며, 독일 표현주의에서 볼수 있는 자기부정(self-denial), 여기에 추가적으로 반항과 반정부적인 이미지를 함께 가지고 있다. 보통 주로 뉴욕에서 일하고 있는 예술가들 중에서 스타일은 상당히 달라도 이런 전반적인 성향을 보여주는 작가들을 추상표현주의 작가로 분류한다. 예를 들어, 폴록의 경우 에너지가 넘치는 액션페인팅(action painting)으로 유명한데, 그의 작품이 언제나 보여주는 바쁜 느낌은 기괴한 여성의 시리즈로 유명한 윌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning)이나, 색상의 사각형으로 유명한 마크 로스코(Mark Rothko)의 작품들과는 기술적으로나 미적으로 상당히 다르다. 그렇지만, 이들은 모두 추상표현주의 작가로 분류된다.
잭슨폴록 1948년작: "No. 5"
추상표현주의는 와실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)와 같은 20세기 초의 러시아 예술가들과 스타일이 유사한 점이 많다. 추상표현주의 작품들의 경우 많은 경우 자발성(spontaneity)의 인상을 주지만, 실제도 작품 자체는 치밀한 계획을 거쳐서 제작된다. 1950년대에 추상표현주의가 발전하게 된 것에는, 1930년대부터 대공황과 멕시코의 사회주의자들의 영향을 받아 미국에서 시작된 사회현실주의(social realism)가 2차 세계대전 이후의 미국의 정치환경 변화에 따라 그림을 통해 표현하기 어려워지게 된 것에 영향을 받았다. 구체적인 표현이 사회적 탄압을 받게 되자, 이에 대한 표현이 추상화가 되면서 나타나기 시작한 것이다. 2차대전 직후의 매커시즘(McCarthy era) 시기의 미국은 예술에 대한 강한 검열이 있었던 시기이다. 그렇기에, 예술가들에게는 자신들의 생각을 최대한 추상화하여 비정치적으로 보이도록 포장하는 것이 자신을 지키는 방법이었다.
추상표현주의 작가로 화가로는 아쉴리 고르키(Arshile Gorky), 프란쯔 클라인(Franz Kline), 한스 호프만(Hans Hofmann), 윌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning), 잭슨 폴록(Jackson Pollick) 등이 대표적인 작가들이며, 조각가로는 데이비드 스미스(David Smith)와 그의 아내인 도로시 데너(Dorothy Dehner), 이사무 노무치(Isamu Noguchi), 이브람 라소(Ibram Lassaw), 테어도어 로스작(Theodore Roszak), 메리 캘러리(Mary Callery), 루이스 보거이스(Louise Bourgeois) 등이 대표적이다. 많은 조각가들은 1951년 뉴욕의 9가 거리 동쪽에서 레오 카스텔리(Leo Castelli)가 큐레이션을 맡은 "Ninth Street Show"에 참여를 하였다. 화가와 조각가들 이외에도 프랭크 오하라(Frank O'Hara)와 같은 시인이나 아론 시스킨드(Aaron Siskind), 프레드 맥다라(Fred McDarrah)와 같은 사진작가들, 로버트 프랭크(Robert Frank)와 같은 영화제작자들도 추상표현주의 작가들로 볼 수 있다. 추상표현주의를 가르치는 학교들이 미국 내에 빠르게 퍼져 나갔지만, 현재에도 스타일의 중심지는 뉴욕과 캘리포니아의 샌프란시스코이다.
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컨템퍼러리 아트 2차 세계대전 이후 현재까지에 이르는 다양한 예술 또는 현시점의 예술을 포괄적으로 일컫는 말이다.
여러가지 영역으로 분류할 수 있으나, 1950년대부터 역사적으로 대략 다음과 같은 것들로 대표된다. Wikipedia의 테이블을 복사한 것인데, 이 하이퍼링크를 통해 여러 내용들을 살펴볼 수 있다.
1950s
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