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1. Boccherini, Quintet No.6 for flute and strings in D major, G 430, 'Las Parejas'
Carlo Ipata (fl) / Auser Musici
I. Entrada - Marcia
II. Galope
III. Entrada - Marcia
루이지 보케리니 (Luigi Boccherini, 1743. 2. 19 ~ 1805. 5. 28)
보케리니는 1743년 2월 19일에 이탈리아의 루카에서 태어났고 하이든보다 나이가 11살 적다.
부친은 베이스 주자로서 아들에게 기초를 가르쳤다.
14세 때까지 부친과 아바테비누치에게 첼로를 배웠으며 후에 로마로 나가 첼로와 작곡을
전공했다.
6년이 지나 루카로 돌아가 거기서 최초의 작품을 썼다.
보케리니의 천재성이 세상에 알려져 타르티니의 제자 필리포 만프레디와 온 유럽을 연주
여행했다.
1768년에 파리로 나가 거기서 작품 16개의 현악 4중주곡을 출판했으며 이어서 2개의 바이올린과
첼로를 위한 3중주곡집을 발표했다.
이 매력적인 실내악곡은 당시 파리 악단의 애호를 받아 보케리니의 이름을 높였다.
1769년 보케리니는 스페인 대사의 초청에 의해 스페인의 수도 마드리드로 갔르며 루이스 왕자와
왕으로부터 실내악의 명수로서 후한 대접을 받았다.
1787년 그는 프러시아의 프레데릭 빌헬름 2세에게 작품을 헌정한 것이 인연이 되어 궁정을
섬겼으나 1797년 왕의 서거와 함께 실직했다.
1805년 5월 28일 마드리드에서 사망했다.
작품은 현악 4중주곡 91, 현악 5중주곡 125, 피아노 5중주곡 12, 현악과 플루트를 위한 5중주곡
18, 교향곡 20, 첼로협주곡 4곡 등 다수에 달한다.
2. B.H. Crusell, Clarinet Quartet No.3 in D major Op.7
Laszlo Horvath(Cl) / Trio Dumas
I. Allegro tanto
II. Un poco largo
III. Menuetto
IV. Finale. Allegro
베른하르트 헨리크 크루셀 (Bernhard Henrik Crusell, 1775. 10. 15 ~ 1838. 7. 28)
스웨덴 출신의 크루셀은 유명한 클라리넷 주자로 군악대에서 연주활동을 했으며
당시 숫적으로 부족한 클라리넷 레퍼터리 때문에 연주가로 활동하면서 클라리넷
곡을 작곡하게 되었다.
당시는 위대한 천재 음악가 모차르트가 활동하고 있었던 때인지라 그 유명한
모차르트의 클라리넷 협주곡 K 622가 모차르트가 사망한 1791년에 작곡되었다.
크루셀의 클라리넷 곡들은 협주곡 제1번 E 프랫장조, Op.1(1803작곡)을 시작으로
제2번 f단조,Op.5 (1808) 그리고 제3번 B프랫장조,Op.11 (1812) 가 연달아 작곡된
것을 보아도 모차르트 사망 이후 고갈된 클라리넷 연주곡목에 갈증을 느꼈을
것이란 추측 된다.
이후 크루셀은 주로 클라리넷곡으로 3곡의 클라리넷 사중주, 1곡의 클라리넷 오중주
3곡의 클라리넷 2중주곡등 몇몇의 클라리넷 소품들을 남겼다.
크루셀의 곡들은 너무도 유명한 모차르트의 K622에 가려져 자주 연주되지는 않는다.
3. Schubert, String Quintet in C Major, Op.163, D.956
Christian Poltera(Vc) / Auryn Quartet
I. Allegro ma non troppo
II. Adiago
III. Scherzo- Presto - Trio- Andante sostenuto
IV. Allegretto
♣ 슈베르트 현악5중주 C장조 Op.163, D.956
1828년 10월 2일, 그의 삶을 불과 49일 남겨놓은 슈베르트는 출판업자 프로스트에게 신작
출판을 요청하는 편지를 썼다.
"최근에 세 곡의 피아노 소나타와 하이네의 시에 의한 몇 개의 가곡들을 작곡했습니다.
그리고 드디어 바이올린 2대와, 비올라 1대, 첼로 2대를 위한 5중주곡을 처음으로
작곡했습니다.
소나타는 몇 군데서 연주했는데 반응이 좋았고, 5중주곡은 몇 주 후에 연주될 예정입니다.
이 작품들에 관심이 있으시면 부디 제게 연락 주십시오"
그러나 1850년이 되도록 편지에 언급된 슈베르트의 '현악5중주곡'이 연주되었다는 증거는
발견되지 않는다.
슈베르트 현악 5중주곡에 대한 공식 초연은 1850년 11월 17일 빈에서 헬메스베르거 4중주단과
또 한 명의 첼리스트에 의해 이루어졌다.
또한 이 곡의 악보는 슈베르트 사후 25년이 지난 1853년이 되어서야 디아벨리 출판사에서
출판되었다.
실내악을 사랑하는 사람이라면 고전음악의 수 많은 실내악 명곡들 가운데서도 슈베르트의
'현악5중주 D.956'을 으뜸으로 꼽기를 주저하지 않는다.
음악학자 호머 울리히도 그의 저서 에서 슈베르트의 '현악5중주'를 가리켜 "고귀한 이념과
아름다운 선율, 다양한 분위기에 있어 이 작품에 필적할 만한 것은 없다"고 말했다.
피아니스트 아르투르 루빈스타인은 이 작품의 느린 악장을 그의 장례식 때 연주해달라고
청했으며 바이올리니스트 조셉 선더스는 자신의 무덤 비석에 슈베르트 '현악5중주' 1악장의
제2주제를 새겨 넣었다.
이토록 수많은 음악가들과 음악애호가들에게 각별한 영감을 전해준 이 특별한 걸작이
슈베르트 당대와 그 이후 오랫동안 무시되고 잊혀질 뻔했다는 사실은 실로 가슴 아픈 일이다.
슈베르트가 '현악5중주'를 작곡한 시기는 1828년 8월과 9월로 추정하고 있다.
그는 현악4중주 편성(바이올린 2, 비올라 1, 첼로 1)에 첼로 한 대를 추가해 현악5중주를
작곡했는데 이는 현악4중주에 비올라를 더하는 일반적인 현악5중주곡과는 다른 편성이다.
슈베르트는 비올라 한 대가 더 편성된 모차르트의 뛰어난 현악5중주 작품을 알고 있었음에도
비올라가 아닌 첼로를 선택했다.
슈베르트가 '현악5중주곡'에서 첼로를 선택한 이유에 대해서는 아직까지도 음악학자들
사이에 의견이 분분하지만 1악장에서 두 대의 첼로가 3도와 6도 음정으로 서로 어우러지는
제2주제를 들어보면 그 이유를 금방 느낄 수 있다.
두 대의 첼로가 만들어내는 이 푸근하고 편안한 화음의 매력이야말로 슈베르트
'현악5중주'를 특별하게 하기 때문이다.
이 작품에서 첼로는 때로는 마치 테너 가수처럼 아리아를 부르는 듯 하다가도 때로는
베이스 가수처럼 깊은 저음으로 침잠하며 듣는 이의 마음을 한껏 흔들어놓는다.
일찍이 작곡가 보케리니도 제2첼로를 넣은 현악5중주를 작곡한 적이 있지만 첼리스트였던
그는 제1첼로를 프리마 돈나처럼 돋보이게 했다.
이는 슈베르트가 두 대의 첼로의 비중을 비슷하게 설정해서로 어울리게 했던 실내악적
접근방식과는 매우 다른 것이다.
슈베르트의 현악5중주에선 때때로 웅장한 오케스트라 음향을 방불케 하는 소리가 뿜어
나오기도 한다.
이 작품을 작곡하기 2년 전, '현악4중주 D.887'에서 현악기들의 트레몰로(활을 빠르게
아래위로 교대하여 긴장감 넘치는 소리를 만들어내는 연주법)로 미증유의 음향을
만들어냈던 슈베르트는 현악5중주에선 한층 더 다양한 표현법을 구사하며 관현악곡에
근접한 다채로운 음향을 만들어내며 우리에게 놀라움을 안겨 준다.
아쉽게도 당대의 무관심으로 인해 이 비범한 현악5중주곡의 자필악보는 오늘날
전해지지 않고 있다.
지금 현재 사용되고 있는 악보는 1853년에 디아벨리 사에서 출판된 파트 보를 바탕으로
출판된 것으로 오류로 추정되는 부분도 발견된다.
그러나 자필악보의 부재로 오류를 수정해서 연주할만한 근거를 찾을 수 없다는 문제가
있다.
음악학자들이 이 악보에서 오류로 추정하고 있는 부분은 모두 두 군데로 1악장 발전부
1마디 직전 코드는 발전부 시작 마디가 되어야 맞는 것으로 보이고, 3악장 스케르초
후반부의 반복기호의 위치도 음악의 흐름 상 부자연스러워 반복기호를 좀 더 앞으로
이동시켜야 더욱 매끄럽게 들린다.
그래서 악단에 따라서는 오류로 추정되는 부분을 고쳐서 연주하기도 한다.
멜로스 4중주단과 로스트로포비치가 함께 연주한 음반의 경우 1악장의 오류가 수정해
연주했다.
하겐 4중주단과 하인리히 쉬프가 함께 한 음반에선 3악장 스케르초의 반복기호 위치를
악보에 표기된 것보다 27마디 앞으로 당겨 연주해 음악의 흐름을 자연스럽게 다듬었다.
■ 추천음반
슈베르트 현악5중주의 여러 음반들 중에서도 알반 베르크 4중주단과 하인리히 쉬프가
함께 연주한 음반(EMI)이 풍성한 음향과 격정적인 해석으로 큰 인기를 얻고 있다.
에머슨 4중주단과 로스트로포비치가 함께 연주한 음반(DG)은 세심한 다이내믹 설정과
풍성한 음향으로 깊은 인상을 남긴다.
소름 끼칠 정도로 정교한 앙상블로 이 작품의 영적인 느낌을 잘 살려낸 하겐 4중주단과
하인리히 쉬프의 음반(DG)과 신세대 실내악 연주자들의 강한 활력을 느낄 수 있는
아르테미스 4중주단과 투를스 뫼르크의 음반(EMI)도 추천할 만하다.
4. Paganini, Violin Concerto No.1 in D Major Op.6
Sarah Chang(Vn) / Wolfgang Sawallisch(cond), Philadelphia Orchestra
I. Allegro maestoso
II. Adagio expressivo
III. Rondo- Allegro Spirituoso
♣ 파가니니 바이올린 협주곡 1번 D 장조 Op.6
1840년 5월 27일 오후 5시 20분 파가니니가 니스에서 사망했다.
쉰 여덟 살의 나이였는데, 죽기 몇 년 전에도 이미 많은 조짐들이 보였었다. 아무튼 그의
때이른 죽음은 많은 이들에게 충격을 주었는데 그럼에도 불구하고 파가니니의 유산은
남아 있었다.
그것은 바로 테크닉 그 자체에 대한 몰입이었다. 만약 그가 존재하지 않았다면 우리가 알고
있는 클래식 음악의 역사는 다르게 흘러갔을 것이다.
리스트가 그의 연주를 듣고서 자신이 나아가야 할 바를 비로소 이해한 것처럼 수 많은
음악가들에게 파가니니는 영감을 던져주었다.
심지어 슈베르트처럼 파가니니와 멀어 보이는 작곡가까지 파가니니의 연주에 깊은 감동을
받았다.
도대체 파가니니의 무엇에 그들이 그토록 진하게 감동받았던 것일까.
파가니니는 바이올린이 도달할 수 있는 테크닉의 극한을 보여줬다. 그때까지 누구도 상상하지
못했던 효과들을 바이올린을 통해서 보여줬고 사람들은 자신들의 귀를 의심할 정도였다.
대중의 호기심은 매우 강력했고 어떤 관객은 파가니니에게 직접 그의 바이올린 속에 무엇이
들어 있는지 물어볼 정도였다.
파가니니가 파우스트처럼 악마에게 자신의 영혼을 팔아 넘겼고 그 대가로 마술 같은 바이올린
솜씨를 갖추게 되었다는 이야기도 등장했다.
지극히 매혹적인 음색의 네 번째 현(G선)의 비밀은 파가니니가 목을 졸라 살해한 애인의
창자였다는 소문도 돌았다.
감옥에 갇혀 있던 파가니니가 바이올린을 연주했고 이에 감동한 간수가 자신도 모르게
감옥문을 열어줘서 파가니니의 탈옥을 도와줬다는 믿을 수 없는 이야기도 많은 사람이 믿을
정도였다.
1820년의 베를린 콘서트에서 파가니니의 연주를 들었단 아돌프 막스는 친구에게 다음과 같은
편지를 썼다.
"바이올린이 홀로 울려 퍼지며 마치 달콤한 사랑의 고통 속에서 허우적거리듯 절망에 휩싸여
탄식했다. 마치 웃음과 눈물, 호통과 위로, 사랑의 맹세와 배반의 모욕이 뒤죽박죽 뒤섞인
황망한 노파를 눈 앞에서 보는 듯하다. 이건 바이올린 연주가 아니었다. 음악이 아니라
마술이었다"
카를 폰 홀타이는 "파가니니는 사람들의 마음 속 가장 깊은 곳에 대고 흐느꼈다. 듣는 이의
가슴과 영혼을 자신의 고통으로 휘감았다. 하나의 현으로만으로도 모든 이들을 함께 울게
만들었다"고 묘사했다.
파가니니는 연주회 개런티를 다른 사람들의 곱절 이상으로 받았고 티켓은 순식간에
매진되었다.
사람들은 파가니니를 열광적으로 좋아하는 사람들과 미치게 증오하는 사람들로 양분되었고
그들 모두가 파가니니의 손 안에 있었다.
그로 인해 파가니니가 연주한 악기인 ‘과르네리’도 새롭게 주목받을 수 있었다.
요컨대 파가니니의 등장으로 음악계의 패러다임 자체가 바뀐 것이다.
파가니니 전설의 시작은 제노바였지만 그 완성은 파리였다. 19세기 예술의 수도는 파리였고
만약 파리에서 성공하지 못한다면 부와 명성을 모두 거머쥘 수 없었기 때문이다.
그런 점에서 1831년 3월 9일에 열렸던 파리 데뷔 연주회는 파가니니에게 운명을 건
콘서트였다.
이미 빈, 프라하, 바르샤바, 베를린 등의 도시를 몇 년 동안 거치면서 파가니니에 대한
소문은 많은 사람들에게 전해졌다.
파가니니의 파리 연주회는 즉각 엄청난 반응을 몰고왔다.
테오필 고티에, 조르주 상드, 알프레드 드 뮈세, 프란츠 리스트, 생트-뵈브, 루이지 케루비니,
자코모 마이어베어 등 동시대의 주요한 문화계 인사들이 파가니니의 파리 데뷔를 충격과 경악
속에서 지켜보았다.
그 다음날 신문에는 “우리 모두는 숨을 죽인 채 귀를 기울였으며, 두근두근 심장이 뛰는
소리조차 귀에 거슬렸다.
그것은 신성하고도 악마적인 열기였다.”는 문구가 쓰일 정도였다.
파가니니는 파리의 대성공 이후 런던으로 진출했다. 1831년 6월 3일, 런던 오페라 극장에서
열린 독주회는 두 배 이상 오른 표값 때문에 사람들 사이에서 폭동이 일어나기도 했다.
그로인해 원래 예정되어 있던 5월 21일에서 10일 이상 미뤄져서 개최되었다.
파가니니의 열렬한 추종자가 된 벨기에의 바이올리니스트 앙리 비외탕은 "파가니니의 연주는
너무나 압도적이어서 온몸이 얼어붙은 듯 움직일 수 없었고 나는 숨을 제대로 쉬지도
못했다"는 말로 그날의 연주회를 증언했다.
또다른 이는 “이 놀라운 음악가의 출현으로 얼마나 많은 바이올리니스트들이 자살하고픈
유혹에 시달렸을지 상상하기 두렵다”는 기사를 쓰기도 했다.
런던에서 석 달 동안 서른 번 정도 연주회가 연속으로 있었고 파가니니는 자신이 세상의
중심에 있다는 생각을 하게 되었다.
그 자신의 말대로 파가니니는 바이올린 한 대로 세상을 정복한 것이다.
파가니니가 작곡한 바이올린 협주곡은 6곡 정도 되었으나 그 중에 인쇄된 곡은 그 중 2곡
뿐이었다.
그리고 오늘날까지도 가장 자주 연주되는 곡이 '바이올린 협주곡 1번'이다.
그가 1811년에 작곡한 '바이올린 협주곡 1번'은 그야말로 테크닉의 불꽃 튀는 향연이며
이탈리아의 벨칸토 오페라 스타일의 서정적이고 달콤한 선율이 풍부하게 흐르고 있다.
1악장은 베이스 드럼, 심벌즈가 포함된 오케스트라의 서주가 시작되고 기교적인 카덴차가
시작된다.
행진곡 스타일의 리듬은 장대하게 울려 펴진다. 아르페지오, 3중 4중 스톱 등이 난무하고
스타카토로 된 중복3도가 등장한다.
병행8도나 병행10도의 악구는 파가니니가 즐겨 사용한 것들이며 비정상적인 스코르다투라
(조율 방법)를 통해서 새로운 돌파구를 모색했다.
2악장은 서정적이며 오페라의 벨칸토 스타일의 선율이 흐른다. 대단히 풍부하고 다채로운
감정이 흘러넘치고 부드러운 선율 속에서 서정적인 감정을 고양시킨다.
3악장의 론도는 스타카토 주법이 강한 인상을 남기며 리코세처럼 지극히 화려한 주법을
통해 비등점을 향해 끓어오르는 뜨거움을 표현한다.
■ 추천음반
우선 유진 오먼디가 지휘하는 필라델피아 오케스트라와 함께 협연한 지노
프란체스카티(Sony)를 언급해야겠다.
이 녹음은 수 십년 동안 레퍼런스가 될 정도로 인기가 있었던 음반으로 프란체스카티의
테크닉이 지금 기준으로는 조금 떨어질지 모르겠지만 대단히 훌륭한 연주이다.
음색의 호소력이란 측면에서 프란체스카티는 우리시대에도 여전히 독보적이다.
마이클 래빈(EMI)이 유진 구센스/필하모니아와 협연한 연주도 충분히 주목할 만한 연주인데
동시대 최고의 테크니션으로 이름을 날리던 래빈의 진면목을 느낄 수 있다.
살바토레 아카르도(DG)가 샤를 뒤투아/런던 필과 협연한 음반은 1970년대에 등장한 그 즉시
'파가니니 협주곡 1번'의 새로운 기준이 되었다.
현대적인 테크닉으로 무장한 아카르도는 마치 저격수처럼 정밀하게 테크닉을 구사하고 있다.
이 음반으로 아카르도는 '파가니니의 재래'라는 평을 들었을 정도로 최상급의 파가니니
음반이다.
마시코 콰르타(Dynamic)가 카를로 펠리체 디 제노바 오케스트라와 협연한 앨범은 파가니니가
원래 지정한 E플랫 장조로 연주한 보기 드문 앨범이다(대부분의 앨범들은 D장조로 연주한다).
파가니니가 생각한 협주곡의 원형이 어떤 모습이었는지를 짐작할 수 있게 해주는 음반으로
콰르타는 이 앨범으로 파가니니 스페셜리스트로 자리매김되었다.
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