|
1. Mauro Giuliani-Concerto for Guitar and String Orchestra No.1 in A Major Op.30
John Williams(Gt) / L.Fremaux(cond), Philharmonia Orchestra
I. Allegro Maestoso
II. Andantino siciliano
III. Alla polacca
마우로 줄리아니 (Mauro Giuliani, 1781. 7. 27 ~ 1829. 5. 8)
마우로 줄리아니는 이탈리아 작곡가이자 기타 연주가로서 모렛티와 카룰리, 카르카시등
이탈리아 악파의 음악가중에서 가장 유명했던 거장이며 페르난도 소르와 나란히 기타
음악의 고전시대를 꽃피웠던 이태리의 작곡가이자 기타 연주가였다.
소르의 우아하고 명쾌한 대위법적인 악풍에 비해 줄리아니는 호탕하고 직선적이며 장엄한
음량의 표현을 특징으로 하는 천부적인 작곡가였다.
마우로 줄리아니는 1780년 아드리아해를 끼고 있는 이탈리아 비셀리에에서 태어났으며
형과 함께 바리에타에서 음악 공부를 하였다.
마우로 줄리아니는 정식 음악교육으로 대위법과 첼로를 공부했으나 곧 기타에 흥미를
가졌으며 독학으로 배웠지만 단시일내 당대의 가장 탁월한 기타리스트가 될 정도로 기타에
전념하여 기교와 연주상의 이론에서 뛰어난 재능을 이룩하였다.
그가 누구에게 배웠으며 이탈리아에서 어떤 활동을 하였는지는 확실하게 알려지지 않고
있다.
줄리아니는 바리에타에서 마리아 쥬세페 델 모나코와 결혼하여 아들 미카엘을 낳았고 잠시
동안 블로냐와 트리스테에서 머물며 대위법을 배웠던 것으로 추측되고 있다.
그는 가족들을 바리에타에 남겨둔 채 비엔나에서 프로라인 빌무스라는 여인을 만나 1807년에
딸 마리아를 낳았다.
당시 이태리에서는 오페라가 성행했기 때문에 그의 재능을 보여줄 기회가 거의 없어 유럽으로
연주여행을 다녔으며 결국에는 음악의 중심부인 비엔나에 정착하기로 결심했다.
거기서 그는 연주자와 작곡자로써 재능을 인정받았으며 일련의 대 작곡가들 - 훔멜, 스포어,
디아벨리 등 - 중의 한사람으로 명성을 떨치게 되었다.
비엔나에서 정통 기악연주에 익숙하게 된 그는 1807년 부터 자신의 곡을 출판하기 시작했다.
전 유럽으로 연주여행을 하게 된 그는 대가적 연주로 자신의 음악적 풍취를 소개하여 가는 곳
마다 찬사를 받았다.
그의 성공은 대단한 것이어서 19세기 초 비엔나에서 활동하던 음악가들 중에서 가장 뛰어난
그리고 다양한 악기를 다룰 줄 아는 연주자로 명성을 쌓게 되었다.
당시 유럽음악의 정황에서 기타의 새로운 역할을 정립한 줄리아니는 이제 베토벤, 롯시니 같은
비엔나 최고의 음악가들과도 친교를 맺게 되었다.
1815년 피아니스트 훔멜을 비롯한 당대의 이름있는 현악 연주자들과 함께 비엔나의 유서 깊은
쇤브룬 궁전의 정원에서 일련의 연주회를 열어 입장료를 금화로만 받기도 하였으며 1875년에는
베토벤의 7번 교향곡 초연에서 첼로연주자로 참여하였다.
1804년 4월 3일 레두덴잘아카데미에서 줄리아니의 '기타와 오케스트라를 위한 협주곡 A장조
op.30'의 초연이 있었으며 줄리아니는 이날 기타도 직접 연주했다.
그런데 한가지 재미있는 사실은 이 연주회에는 청중의 한 사람으로 베토벤이 참석해 줄리아니의
기타에 도취되어 열광하였으며 기타는 그 자체가 작은 오케스트라다"라는 유명한 말로 줄리아니의
연주를 극찬했다 한다.
1819년 경제적인 어려움으로 비엔나를 떠나게 된 그는 트리스테와 베니스에서 잠시 머문 후에
로마에 도착하여 1개의 협주곡을 비롯하여 몇 작품을 썼으나 크게 성공하지는 못하였다.
1823년 부터 아버지의 병환때문에 나폴리를 자주 여행하였는데 자신의 기타 작품이 인기가 있음을
알고 그곳에서 활동을 시작하였다.
1826년 부르봉 왕가의 궁정에서 일을 맡게 된 줄리아니는 1828년 부터 건강이 나빠져 다음 해 5월
8일 나폴리에서 눈을 감았다.
줄리아니가 기타를 위해 남긴 작품은 아주 대단한 분량이어서 200곡이 넘으며 기타 독주곡과 기타
실내악곡 그리고 3개의 협주곡 등이 그것이다.
19세기 초 비엔나에서는 공공연주회가 뿌리깊이 정착이 되었기 때문에 연주자의 재능과 명성을
얻기 위해서는 협주곡 연주가 큰 도구로 작용했었다.
그런 의미에서 줄리아니의 협주곡 A장조 op.30은 놀랄만한 성공을 거두었다.
특히 이 곡은 로드리고의 "아란훼즈 협주곡(Concierto de Aranjuez)"과 함께 기타 협주곡의 대표적인
걸작으로 꼽히고 있다.
대규모과 관현악과 기타를 위해 작곡되어진 이 작품은 모차르트에 의해 정립된 3악장 구성의 고전적
형식을 따르고 있다.
그러나 내용적으로 본다면 아주 낭만적 요소를 지니고 있으며 모차르트와 베토벤이 갖는 간결한
구성보다는 차라리 훔멜이나 베버 및 롯시니에게서 느낄 수 있는 하모니와 멜로디를 구사하고 있다.
그외 작품으로는 헨델의 주제에 의한 '테마와 변주곡', 기타 독주를 위한 '판타지아', '기타와 현의
오중주'등이 유명하다.
2. Juan Crisostono De Arriaga, Symphonie a Grande Orchestre
Paul Dombrecht(cond), Il Fondamento
I. Adagio - Allegro vivace - Presto
II. Andate
III. Minuetto, Allegro - Trio
IV. Allegro con moto
후앙 크리스토모 자코모 안토니오 데 아리아가
(Juan Crisostomo Jacomo Antonio de Arriaga, 1806 ~ 1826)
19세기 후반 무렵에 '스페인의 모차르트'로 불리던 작곡가 후앙 크리스토모 자코모
안토니오 데 아리아가는 그의 20번째 생일을 열흘 앞둔 어린 나이에 죽음을 맞은
비운의 작곡가였다.
오늘날 그의 명성은 남아있는 작품이 거의 없음에도 불구하고 대단한 가능성을 지녔던
작곡가로 평가받고 있다.
아리아가는 빌바오의 바스크시에서 모차르트가 사망한지 50년 후인 1806년 1월 27일에
태어났다.
음악학자이며 작곡가였던 프랑수아 페티(후에 아리아가을 가르침)가 이미 음악적으로
조숙한 단계에 이르렀던 그의 나이를 2년 어리게 소개한 것 등으로 미루어 그가
유년기에 음악교육을 거의 받지 않았다는 것을 짐작할 수 있다.
아리아가가 빌바오에서 작곡한 작품들은 비록 몇년 후의 작품들만큼 잘 다듬어지지는
않았지만 형식에 대한 이해의 부족함은 전혀 찾아볼 수 없다.
더우기 그는 타고난 재능이었는지 아니면 이름이 알려져 있지 않은 무명의 바이올린
연주자로부터 교육을 받았는지 여부는 알 수 없지만 어린이로서는 뛰어난 기교를 가진
바이올린 연주자였다.
15세가 된 아리아가는 파리 콘서바토리에 입학하여 삐에르 바일로에게는 바이올린을,
프랑수아 페티에게는 대위법과 화성을 배웠다.
1823년에 그는 푸가와 대위법 부문에서 2등상을 받았으며 그 후 콘서바토리의 화성
과정의 조교수로 일하게 되었다.
1824년 그는 d단조, A장조, 그리고 Eb장조의 세 개의 현악4중주를 출판하였다.
남은 생애의 2년동안 그는 그의 창작력을 스타바트 바테르와 같은 대규모의 성악곡을
포함해 종교음악 등 성악과 합창곡에 집중하였으며 한편으로는 교향곡 D장조를
작곡했다.
아리아가는 그 당시 파리 프랑스 국립음악학교의 딱딱한 학구적인 제약들에도 불구하고
그 자신을 표현하기에 충분한 타고난 강한 개성을 가진 보수적인 작곡가였다.
아리아가의 초기 작품들(1820년 작곡된 오케스트라를 위한 서곡 1번과 오페라 행복한
노예들)에 충만되어 있는 이탈리아 음악의 영향은 아리아가의 대위법과 화성을 다루는
기술을 통해 빈 고전파 거장들의 귀족적이고 형식적인 특징으로 하는 우아한 스타일을
소유하게 되면서 이내 버려졌다.
한때 음악의 역사에 잊혀졌던 얼굴인 아리아가는 19 세기 후반부터 다시 연주회장에
돌아왔다.
그리고 20세기 중반에 이르러서는 그의 고향인 빌바오에서 그의 음악에 대한 출판
캠페인이 벌어졌다.
그러나 연주회 레퍼토리에 아리아가의 작품이 자주 오르지 않기 때문에 그가 덜 알려진
평가절하된 음악계의 보석으로 남을 것이 확실하다.
아리아가는 19세의 나이에 죽었지만 오페라, 칸타타, 실내악, 그리고 관현악 작품, 또
많은 소품을 남겼다.
그의 처음이자 유일한 이 교향곡은 이미 콘서바토리의 조교수였던 18세 때에 작곡되었다.
이 작품에서는 어린 미숙함의 흔적을 찾아볼 수 없다. 길고 느린 서주는 그의 진지한
분위기를 보여주는 힘차고 빠른 부분과 더불어 베토벤과 같은 권위를 느끼게 한다.
슬프고 느린 악장은 목관악기에 의해 감성적으로 표현되고 있으며 그 중에서도 플룻은
당김음적인 미뉴에트와 트리오에서 중요한 위치를 점하고 있다.
알레그로 콘 모토로 지정되어 있는 마지막 스케르쪼는 앞 악장들의 모든 선율적이고
리듬적인 흐름을 가지고 있다.
단조 패시지를 포함하는 앞 악장들의 다른 메아리들이 이 음악을 차가운 그림자로 뒤덮는다.
아리아가의 다른 작품들에서 볼 수 있었던 부드럽고 고전적인 기품은 이 교향곡에서 초기
낭만파 시기에서나 볼 수 있는 드라마틱함으로 뒤바뀐다.
3. Chopin, Piano Concerto No.1 in E Minor, Op.11 (Arr. Balakirev)
Dang Thai Son(Fp, Erard;1849), Frans Bruggen(cond), Orchestra of the 18th Century
I. Allegro Maestoso
II. Romanze. Larghetto
III. Rondo. Vivace
♣ 쇼팽 피아노 협주곡 1번 E 단조 Op.11
스무 살의 쇼팽이 살던 폴란드 바르샤바는 독립을 위한 민중봉기가 일어나기 직전이었다.
혼란스러움을 벗어나고자 조국을 떠나기로 결심한 그는 가족과 마지막 휴가를 보낸 뒤 1830년
10월 11일 폴란드에서 마지막 연주회를 열었고 바로 이 자리에서 '피아노 협주곡 1번' e단조를
초연했다.
환송식이 열린 자리에서 폴란드의 흙이 담긴 은잔이 그에게 수여되었다.
11월 2일 쇼팽은 “죽기 위해 떠나는 것 같은 기분이다”라는 느낌을 뒤로 한 채 다시는
밟아보지 못할 폴란드의 땅에게 영원한 작별을 고한다.
1829년 8월 빈에서 성공적인 연주회를 마치고 바르샤바로 돌아온 쇼팽은 피아노 협주곡을
작곡하기 시작했다.
바르샤바 음악원 졸업과 빈에서의 성공은 쇼팽이 본격적으로 피아니스트이자 작곡가로서의
미래를 계획하고자 하는 계기가 되었고 이에 자신을 알리기 위한 수단으로 피아노 협주곡을
작곡하지 않을 수 없었다.
이 무렵 열 아홉 살의 쇼팽은 처음으로 여인에게 사랑의 감정을 느끼게 된다.
쇼팽의 일방적인 짝사랑으로 끝이 났지만 처음 느끼는 강렬한 기분과 뜨거운 가슴이 고스란히
음악으로 녹아들어 바르샤바 시대의 절정을 장식하는 두 개의 피아노 협주곡이 탄생할 수
있었던 것이다.
그의 친한 친구인 티투스 보이체코프스키에게 1829년 10월 3일에 쓴 편지에 '피아노 협주곡
2번'에 대한 내용이 적혀있다.
“나는 내가 진심으로 숭배할 수 있는 이상형을 찾았다네. 매일 밤 그녀 꿈을 꿀 정도야.
그러나 그녀를 처음 본 지 6개월이 지나도록 나는 한 마디 말도 건네지 못하고 있네. 협주곡
f단조의 느린 악장을 작곡하면서 그녀를 떠올리곤 하지.”
그 상대는 폴란드 음악원의 학생이었던 성악가 콘스탄치아 글라드코프스카였다.
그녀는 자신을 짝사랑한 쇼팽의 마음을 눈치채지 못했고 쇼팽이 세상을 뜨고 난 뒤 모리츠
카라소프스키가 쓴 쇼팽 전기를 접하고서야 비로소 진실을 알게 되었다고 한다.
곧 잊어버리게 된 이 풋사랑에 대한 감정이 '피아노 협주곡 2번' f단조의 라르게토 악장과
'피아노 협주곡 1번' e단조의 로망스 악장에 충분히 표현되어 있음을 쇼팽 생전에 알고
있었던 사람은 오직 친구 티투스 보이체호프스키뿐이었다.
그의 소심한 마음 때문인지 이 '2번 협주곡'은 글라드코프스카에게 헌정되지 않고 몇 해 뒤
파리 시절 친교를 맺은 미모의 백작 부인 델핀 포토카에게 헌정되었다는 아이러니한 사연을
가지고 있다.
아름다움에 대한 새로운 차원을 제시한 쇼팽의 피아노 협주곡은 낭만주의 협주곡 양식의
새로운 전기를 마련한 작품으로 평가받았음에도 불구하고 피아노와 오케스트라 사이의
불균형이 단점으로 오랫동안 지적받아 왔다.
쇼팽 스스로도 오케스트라 반주 없이 솔로 파트만 연주했던 것을 미루어본다면 그가
오케스트라 부분을 그다지 중요하게 생각하지 않았음을 알 수 있다.
파리 시절에도 주위에서 폴란드 고유의 양식을 대변할 만한 오페라를 작곡하라고 부추겼지만
자신의 미숙한 관현악 기법을 알고 있었던 쇼팽은 솔로 피아노를 위한 작품에 더욱 집착했다.
그러나 이를 안타깝게 여겼던 많은 작곡가들이 그 관현악 파트를 보강하고자 했다.
그 대표적인 개정판으로 쇼팽의 친구이자 후원자였던 프란츠 리스트의 제자 칼 타우지히가
교정한 '1번 협주곡'과 카를 클린트보르트의 '2번 협주곡'을 꼽을 수 있다.
쇼팽은 피아니스트로서 단 30여 회의 대중 연주회를 가졌다. 이 가운데 절반 정도는 협주곡을
연주했는데 특히 1번을 자주 연주했다.
1830년 11월 폴란드를 떠난 그는 빈, 브레슬라우, 뮌헨, 파리를 경유하며 개최한 연주회에서
'1번 협주곡'을 연주했지만 그 이전에 작곡한 '2번 협주곡'만큼 뜨거운 반응을 얻지는
못했다고 한다.
1832년 2월에 가진 정식 파리 데뷔 연주회에서야 비로소 '1번 협주곡'은 그가 기대했던 수준의
찬사를 이끌어내게 되었다.
이후 성공적인 평가를 받은 '1번 협주곡'은 파리에서의 쇼팽의 위상을 확고하게 하는데 큰
기여를 하게 된다.
1악장 - 알레그로 마에스토소
긴 오케스트라의 서주에 이어 등장하는 피아노의 아름다운 멜로디와 명인기적인 활약이
탁월하다.
사랑하는 여인에 대한 젊은 쇼팽의 수줍은 열정이 조용히 피어오르는 모습이 느껴지는 듯한
대목이다.
전형적인 제시-발전-재현-코다의 틀을 지니고 있으나 내용면에서는 보다 자유로운 진행과
분위기를 바탕으로 그 청초한 서정성을 만들어 나간다.
2악장 - 로망스 : 라르게토
빠르기표에서 암시되었듯이 낭만적인 서정성의 효시라고 말할 수 있을 정도로 아름다운
악장이다.
약음기를 단 바이올린에 의해 짧은 서주가 제시된 뒤 칸타빌레 주제의 피아노가 등장하며
아름답고 깊은 내면의 소리를 표현해 낸다.
3악장 - 비바체
C샤프 단조로 시작하는 짧은 주제에 이어 피아노에 의해 제시되는 론도는 모차르트를
연상시키는 듯한 재기발랄함으로 가득 차 있다.
꾸밈음과 장식음이 빈번하게 사용되는 독주 피아노는 종지부에 이르면서 더욱 빠르고 강한
에너지와 화려함을 더한다.
■ 추천음반
가장 고전적 명반이자 건강한 생명력이 돋보이는 루빈스타인의 녹음(RCA)은 자의적이거나
도취적인 스타일을 배재하고 폴란드 고유 정서와 때묻지 않은 순수함을 강조한 연주다.
상송 프랑수아의 연주(EMI)는 즉흥성 넘치고 자유분방한 스타일이 감각적으로 다가오는
해석이다.
마르타 아르헤리치가 지휘자 뒤투아와 함께 한 연주(EMI) 또한 쇼팽의 찬연한 아름다움과
서정성을 잘 살려낸 명연이다.
침메르만의 두 번째 녹음(DG)은 작품에 대한 가장 완벽주의적이면서도 폴란드적인 해석의
표본으로 쇼팽 해석에 대한 새로운 정의라고 말할 수 있다.
당 타이 손 ( 1958 ~ )
4세부터 프라하 음악원 출신의 어머니로부터 피아노의 초보를 배우고 베트남 음악원에서
공부한 후 모스크바 음악원으로 유학하여 연찬을 쌓은 피아니스트다.
소년시절엔 베트남 전쟁의 전화 속에서 종이 건반으로 연습했다고 한다.
1980년 쇼팽 국제 피아노 콩쿠르에서 동양인으로서는 처음으로 우승하여 주목을 받았다.
그 후 모스크바에서 다시 연찬하면서 콘서트 경력을 쌓았다.
1981년부터 여러 차례 일본 공연을 하였는데 1987년부터는 일본에 정주하는 동시에 일본
구니다치 음악대학에서 가르치면서 국제적으로 연주활동을 활발히 전개하고 있다.
4. Schubert, Symphony No.8 in B minor, D.759 'Unfinished'
Gunter Wand(cond), Berliner Philharmoniker
I. Allegro moderato
II. Andante con moto
♣ 슈베르트 교향곡 8번 B 단조 D.759 '미완성'
워낙 '미완성'이란 제목이 유명해서 슈베르트의 미완성 작품은 이 곡이 유일하다고
생각할지도 모르겠지만 실제로는 그가 1818년 이후에 작곡한 곡 가운데는 미완성작이
적지 않다.
또 교향곡의 역사를 돌이켜보아도 '미완성으로 완성'된 곡이 적지 않다.
예를 들어 브루크너의 '교향곡 9번'도 이런 경우에 속한다. 그런데 왜 유독 이 곡만이
'미완성'이라는 표제가 붙은 채 누구나 사랑하는 명곡이 되었을까?
이 곡은 1822년 10월 22일 슈베르트가 작곡에 착수했다고 알려져 있다.
그러나 이것은 관현악 총보를 만드는 작업을 가리키는 것이며 단편적으로 존재하는
피아노 스케치는 그 이전 시기로 거슬러 올라간다.
당시 슈베르트는 1악장과 2악장을 작곡하고 나서 3악장 작곡을 시작했으나 20마디까지만
관현악 편성 작업을 한 채 일단 작곡을 중단했다.
그 뒤 1823년 4월에 그라츠(gratz)의 음악협회 회원으로 추천받은 슈베르트는 이를
수락한 뒤 감사의 뜻으로 교향곡 하나를 헌정하겠다는 의사를 밝혔다.
슈베르트의 친구이자 음악협회 대표였던 안젤름 휘텐브레너는 나머지 두 악장의 악보가
마저 도착하기를 기다렸으나 결국 악보는 오지 않았고 이 일은 그대로 흐지부지되었다.
그 뒤 지휘자인 요한 헬베크가 이 곡을 발견해 초연한 것은 1865년 12월 17일의
일이었으니 이 교향곡은 40여 년 동안 그대로 잠자고 있었던 셈이다.
이 작품이 끝내 미완성으로 남게 된 이유에 대해서는 많은 설명이 있다.
일단 갈수록 악화된 슈베르트의 병(1820~1821년 사이에 매독에 감염된 것으로 추정)을
근거로 드는 견해가 있다.
그러나 이 주장은 슈베르트가 1828년에 사망할 때까지 수많은 걸작을 남겼다는 점에서
그다지 설득력이 없다.
워낙 다작의 작곡가였던 데다 건망증까지 심했던 슈베르트가 그냥 잊어버린 것이라는
의견도 있다.
또 1, 2악장 모두 3박자 계통이기 때문에 역시 3박자로 구성한 3악장 스케르초의 악상을
제대로 전개해 나가는데 애를 먹었던 것이라는 주장도 있다.
흥미로운 의견이긴 하지만 이를 뒷받침할 만한 뚜렷한 증거는 없다.
결국 지금까지 알려지지 않은 새로운 자료가 발굴되기 전에는 '진실은 저 너머에'가 될
것 같다.
이런 상황을 안타까워한 여러 음악가가 스케르초 악상의 피아노 스케치를 관현악화했고
영국의 음악학자인 에이브러햄과 뉴불드는 3악장 스케르초의 완성본에 더해 슈베르트의
극부수음악 '로자문데'의 간주곡을 4악장으로 대체해 '완성본'을 제시하기도 했다.
('로자문데'는 1923년 말에 작곡되어 시기상으로도 근접하며 기본 조성도 B단조로 같다)
러시아 작곡가 안톤 사프로노프처럼 아예 새로운 피날레를 작곡해버린 이도 있다.
그것 나름대로 좋은 시도이기는 하지만 어차피 '미완성'은 '미완성'이고 이 작품은
미완성 상태만으로도 완전한 걸작으로 칭송받고 있다.
1악장 - 알레그로 모데라토, B단조, 3/4박자
소나타 형식을 취하면서도 악상이 유기적으로 얽혀 있는 독특한 형식의 악장이다.
엄숙한 느낌의 서주 주제가 제시된 뒤 처연하게 노래하는 느낌의 유명한 1주제(만화영화
'개구쟁이 스머프'에서 이 주제가 흘러나온다)가 등장한다.
이어 민요풍의 2주제가 G장조로 연주되며, 발전부에서는 세 주제가 함께 발전하면서
분위기가 고조된다. 재현부 말미에서 첫부분 주제가 짧게 연주되면서 침통한 느낌으로
마무리된다.
2악장 - 안단테 콘 모토, E장조, 3/8박자
2부 형식으로, 달리 말하자면 발전부가 없는 소나타 형식이라 할 수 있다.
호른에 이끌려 등장하는 바이올린의 1주제는 1악장 서주 주제와 연관성이 있어 통일성을
유지하고 있으며 다양한 방식으로 되풀이된다.
오보에가 처음 제시하고 클라리넷이 받아 연주하는 2주제는 목가적인 느낌을 띠고 있으며
이 주제가 잠시 격정적으로 전개된 뒤 전반부의 악상이 약간 변형된 형태로 되풀이된다.
2주제부의 전개가 확장되어 거대하게 전개된 뒤 여운을 남기며 고요히 끝난다.
■ 추천음반
곡의 명성만큼이나 수많은 녹음이 있지만 노장의 연주 2장, 신선한 해석 2장을 골라보았다.
브루노 발터의 1958년 녹음(Sony)은 작품에 대한 지휘자의 공감이 전해지는 따뜻한 해석이
일품이다.
귄터 반트/베를린필의 1995년 녹음(RCA)은 오래 전부터 명성이 높지만 2악장의 해석은
뮌헨필과의 녹음(Profil)이 한층 자연스럽고 유연하다.
시노폴리의 녹음(DG)은 진중한 태도, 느릿한 템포로 섬세하고 세부가 뚜렷한 연주를
들려준다.
클라이버의 녹음(DG)은 탁월한 리듬감, 역동성, 시원스런 추진력이 돋보이는 상쾌한
연주로 꼽을 수 있다.
| 
