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1. Mozart, Symphony No.38 in D Major KV 504 'Prague'
James Levine(cond), Wiener Philharmoniker
I. Adagio - Allegro
II. Andante
III. Finale. Presto
♣ 모차르트 교향곡 38번 D 장조 KV 504 '프라하'
모차르트가 30세 때였던 1786년의 작품으로 같은 해 12월 빈에서 작곡되어 이듬해 초에
프라하에서 모차르트 지휘로 초연되었는데 '프라하'라는 이름은 그 때문에 붙여졌다.
모차르트에게 있어서 '프라하’는 인연이 깊은데 가극 '피가로의 결혼'이 대성공을 거두고
'돈 지오반니'는 프라하 시의 요청에 따라 작곡되었기 때문이다.
이 곡은 49개의 교향곡 중에서는 최상위를 차지하는 것으로 티없이 상쾌하고 단란한
곡이다.
그침 없이 솟아나는 듯한 모차르트의 악상은 도처에 걸쳐서 발휘되어 있다.
전아하고 현란한 18세기 경의 귀족이나 궁정의 일면을 대표하기에 알맞은 걸작이라고 할
수 있다.
이 교향곡의 특징은 전체가 3악장으로 나뉘어 모차르트 특유의 미뉴에트 조가 제외되고
있다.
이 곡의 아다지오는 그 어느 곡보다 웅장한 규모를 자랑한다.
알레그로의 위풍당당한 선율을 듣고 있으면 프라하 오페라단이 1786년에 의뢰한 오페라
'돈 조반니'의 탄생을 예감하게 하는 극적인 분위기에 휩싸인다.
이 악장은 극히 드물게 모차르트가 여러 번 수정한 흔적이 남아 있는데 그것만으로도
곡이 얼마나 복잡한지 짐작할 수 있다.
미뉴에트가 없는 중간의 안단테는 교향곡의 핵심이다.
불안을 조성하는 화성적 긴장감과 대위법에서나 쓰이는 모방 기법을 사용한 듯한 장치로
가득한 악장은 부드럽지만 가차 없이 전진하는 리듬감으로 전개된다.
마지막 프레스토가 듣는 이를 흥분의 도가니로 몰아가며 끝을 맺는다.
2. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61
Zino Francescatti(Vn) / Leonard Bernstein(cond), New York Philharmonic
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게
연주했다고 전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이
계속 반복되면서 피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악
사중주 '라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을
지적한 것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을
사랑하고 있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도
모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게
피할 수 없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로
전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를
배가시키는 특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터
지휘의 콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는
명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
지노 프란체스카티(Zino Francescatti, 1902. 8. 9 ~ 1991. 9. 17)
20세기를 장식했던 수많은 바이올리니스트 가운데 가장 독특한 음악성과 빛나는 테크닉
여기에 낙천적인 성격과 외향적인 쇼맨십을 지니고 있어 평론가들과 대중들로부터 모두
진심어린 따뜻한 환대를 받았던 지노 프란체스카티이다.
그의 이름은 그의 음악만큼이나 경쾌하고 청명한 느낌을 준다.
그는 1902년 8월 9일 프랑스의 마르세이유에서 태어났다. 그의 부모는 모두 음악가였는데
아버지는 파가니니의 유일한 제자인 시보리로부터 가르침을 받았던 바이올리니스트였다.
어린 프란체스카티는 이러한 아버지로부터 처음으로 바이올린 레슨을 받으며 파가니니의
위대한 현악 전통을 체득할 수 있었다.
지노의 어머니 또한 상당한 실력을 갖고 있던 바이올리니스트로서 그의 아버지와는
콘서바토리에서 수학할 당시 만나 결혼에 이르게 된 것이다.
부모의 교육과 영향 덕분인지 지노는 어릴 때부터 탁월한 실력을 보여주기 시작했는데
이미 10세에는 베토벤의 '바이올린 협주곡'을 완벽하게 연주할 수 있었다.
그의 아버지는 지노에게 실력을 계발할 수 있는 모든 방법을 가르쳐 주었지만 결코 자신의
아들이 프로페셔널 바이올리니스트가 되기를 원치 않았다.
왜냐하면 직업 연주자란 경제적으로 안정하지 않기 때문이다.
그래서 그는 자신의 이탈리아계 선조들이 전통적으로 그러했던 것처럼 지노가 법률가가
되기를 바랐다.
1차 세계대전 동안 프란체스카티는 1주일에 6일은 법률 학교에 다녔고 일요일에는
마르세이유 병원에서 치료를 받는 병사들을 위해 바이올린 연주를 했다.
후일 이러한 비공식적인 연주회들은 그로 하여금 프랑스를 대표하는 많은 최고의
음악가들과 만날 수 있는 기회를 제공하는 동시에 그들과 동질감을 형성할 수 있는 단초가
되었다.
지노는 아버지가 갑자기 세상을 떠난 후로는 법률 공부를 계속할 수 없었다.
그의 가족에게는 돈이 필요했고 결국 지노의 재능이 돈을 벌 수 있는 자산임을 깨닫게 된다.
이러한 가족의 위기는 곧 하나의 직업에 대한 '겹세로줄'이 된 동시에 새로운 직업에 대한
'아첼레란도'로 이어졌다.
1924년 프란체스카티는 파리로 건너가 모리스 라벨을 만났다.
촉망받던 이 젊은 바이올리니스트는 위대한 프랑스의 작곡가와 피아노 듀오를 결성했고
함께 런던으로 건너가 뜨거운 환호를 받았다.
이러한 라벨의 후원과 자신의 탁월한 재능에 힘입어 1927년에는 에콜 노말 드 무지끄에서
교수직을 맡을 수 있었다.
유럽에서 경력을 쌓아나가기 시작한 프란체스카티는 미국으로 건너와 1939년 11월 1일 존
바비롤리가 이끄는 뉴욕 필하모닉과 함께 파가니니의 바이올린 협주곡으로 데뷔 무대를
가졌다.
그리고 거장 유진 오먼디가 이끄는 필라델피아 오케스트라와도 연주회를 가져 성공적인
무대를 이끌었고 이후 드미트리 미트로풀러스, 피에르 몽퇴, 브루노 발터, 조지 셸, 토머스
쉬퍼스, 레너드 번스타인을 비롯한 미국에서 활동하는 수많은 거장들로부터 뜨거운 러브콜을
받았다.
이후 프란체스카티는 평생토록 이들과 함께 수없이 많은 연주회와 녹음을 남기게 되었다.
협주곡 레파토리에 있어서 최고의 대접을 받았던 그이지만 오직 단 한 명의 지휘자로부터는
전혀 관심을 받지 못했다.
프란체스카티가 밀라노에서 연주회를 가졌을 당시 느닷없이 아르투로 토스카니니가 청중석에
입장하여 자리에 앉기 위해 걸어가고 있었다.
그를 알아본 청중들은 토스카니니를 향해 갈채를 보내기 시작했는데 너무나 뜨거웠던 탓에
오히려 연주자로 등장한 프란체스카티가 연주회를 진행할 수도 없었을 정도였다.
자신에게 쏟아지는 관심으로 인해 연주자에게 피해를 줄 수밖에 없다고 판단한 토스카니니는
자리에서 일어나 연주회장을 떠나고야 말았다.
이후 프란체스카티는 토스카니니와 단 한 차례도 연주할 수 있는 기회를 갖지 못했다.
그는 다음과 같이 중얼거렸다고 한다. "마에스트로가 내 연주를 들어주기를 얼마나
바랐는데..."
프란체스카티가 젊은 시절 라벨과 이룬 듀오 파트너십은 이후 음악 명문가 출신의
피아니스트인 로베르 카자드쥐로 이어지며 평생을 함께 했다.
이 두 명의 프랑스 음악가들은 프랑크와 드뷔시, 포레 소나타를 콜럼비아 레코드에서
녹음했을 뿐만 아니라 베토벤 바이올린 소나타 전곡도 남겨 실내악 앙상블에 있어서 프랑스
고전주의 스타일의 위대한 모범을 보여주었다.
실내악단과는 좀처럼 음반을 남기지 않았던 그는 귈레 4중주단과 쇼송의 협주곡을 녹음하기도
했다.
프란체스카티의 음악적 재능은 물리적인 재능과 정비례했다.
그는 탁월한 재능의 헌신적인 등산가였을 뿐만 아니라 활달한 테니스 선수이기도 했고 명석한
체스 선수(그는 다비드 오이스트라흐와 체스 두는 것을 좋아했다)이자 열혈 주식 투자가인
동시에 열광적인 우표 수집가이자 고상한 앤틱 시계 수집가이기도 했다.
바이올리니스트로서의 삶을 뒤로 하고 1976년 은퇴를 한 그는 마르세이유에서 프란체스카티
국제 바이올린 콩쿨을 후원하며 신인 연주자들을 발굴하는데 마지막 에너지를 발산했다.
낙천적인 성격으로 행복한 삶을 살았던 그는 1991년 9월 17일 프랑스의 라 시오타에 위치한
자신의 집에서 생을 마감했다.
지노 프란체스카티는 20세기 현악 연주자들 가운데 가장 위대하고 사랑받은 바이올리니스트
가운데 한 명으로서 프랑스 악파의 현악 전통을 대표하는 아이콘과 같은 존재였다.
프랑스 레퍼토리에 있어서 그의 저 감각적인 음색과 비브라토, 날렵한 테크닉이 주는 강렬한
인상은 감히 비견할 상대가 없었을 정도이다.
프랑스에 국한하지 않았던 그의 레파토리는 대단히 넓어서 바로크로부터 현대에 이르는 모든
종류의 소품들과 소나타, 협주곡을 아울렀는데 미요, 레스피기, 시마노프스키,
프로코피에프와 같은 당시의 최신작들까지 섭렵했다.
평론가들은 입을 모아 그를 최고의 비르투오소로 손꼽는 동시에 가장 순수한 의미에 있어서의
고전주의자임을 역설했다.
실제로 그는 바흐와 베토벤, 모차르트에 있어서 가장 충실한 해석가이기도 했다.
무엇보다도 브루노 발터와 함께 녹음한 베토벤 '바이올린 협주곡'이나 브람스의 '2중 협주곡'
레코딩에서는 다른 작품에서와는 달리 무겁고 신중한 톤과 스타일을 구사하며 음악에
고급스러움과 우아한 힘을 실어내기도 했다.
그리고 레너드 번스타인과 함께 녹음한 시벨리우스와 브람스 '바이올린 협주곡'에서는 자신의
표정보다 지휘자와의 호흡을 중요시하며 음악의 큰 틀을 주시하는 거시적인 모습 또한 찾아볼
수 있다.
안타깝게도 그는 바흐의 '무반주 소나타와 파르티타' 전곡을 녹음하지는 않았지만 몇몇 단편
녹음들과 더불어 바이올린 협주곡(콜럼비아 시대의 모노 녹음과 70년대 DG에서의 스테레오
녹음)을 들어보면 그가 얼마나 음악의 형식적인 안정감과 음 자체의 밀도에 집중했는가에
감탄하지 않을 수 없다.
그의 빠르고 평탄하게 진동하는 비브라토는 그의 인토네이션과 톤을 결정하는 중요한 요소로서
인간이 할 수 있는 가장 완벽한 음향을 만들어내었다.
무엇보다도 그의 음악성을 결정짓는 요소로는 상상력 풍부한 음색과 뉘앙스일텐데, 이는
프랑코-벨지움 악파의 전형적인 스타일일 뿐만 아니라 이탈리아계 특유의 투명한 색채가 가미된
그만의 독특한 개성이다.
그러한 탓에 명인기적인 테크닉과 빛나는 음색, 풍부한 인간미와 섬세한 유머가 함께 녹아있는
그의 최고의 레파토리는 단연 파가니니와 생상의 바이올린 협주곡이라고 말할 수 있다.
그가 모노럴로 녹음한 이 두 작곡가의 '1번 협주곡'과 '3번 협주곡'은 지금까지도 절대적인
지지를 받고 있는 프란체스카티의 대표 명반으로 손꼽힌다.
아우어 악파 출신 바이올리니스트들이 보여준 그 '러시아적'인 완벽함에 비견할 수 있는
유일무이한 경쟁대상으로 프란체스카티의 '지중해적'인 스타일밖에 없다고 해도 과언이 아니다.
특히 프란체스카티는 자신의 1727년산 HAT스트라디바리우스 바이올린 대신 파가니니가 사용하던
과르네리 바이올린을 직접 연주했을 때 저항할 수 없는 친연성을 느꼈다고 고백한 바 있다.
물론 레코딩에서는 파가니니의 바이올린을 사용할 수 없었지만 그는 항상 자신의 음악적
정체성을 항상 파가니니의 저 위대한 전설에서 찾고자 했다.
그리하여 1960년대 중반까지 지속된 그의 콜럼비아 레코딩들은 한결 같이 프란체스카티의
정체성과 직결되어 있는 연주로 인식되며 오랜 동안 바이올린 애호가들의 사랑을 받고 있는
불후의 명반으로 일컬어져 오고 있다.
특히 취리히 쳄버 오케스트라와 함께 녹음한 비탈리의 '샤콘느' 녹음은 찬연한 슬픔이 배어있는
최고의 명연으로 살을 에는 듯한 비장함으로 무장한 하이페츠의 녹음과 함께 이 작품 해석의
양대 산맥을 이룬다.
약력
1912년 10세때 베토벤 바이올린 협주곡 연주
1924년 파리 에콜 노말 드 무지크 교수직
1931년 첫 월드 투어 시작
1939년 존 바비롤리/ 뉴욕 필과의 협연으로 미국 데뷔
1976년 음악계 은퇴
3. Busoni, Concerto for Piano, Orchestra and Male Chorus Op.39
John Ogdon(Pf) / Daniell Revenaugh(cond), Royal Philharmonic
I. Prologo e introito
II. Pezzo giocoso
II. Pezzo serioso
IV. All'italiana
V. Cantico
♣ 부조니 피아노 협주곡 C장조 Op.39
1904년 8월 3년 6개월만에 완성을 본 부조니의 '피아노 협주곡 C 장조'를 보통의 것들과
견주어 보면 3 가지의 특성을 발견하게 된다.
첫째는 보통의 협주곡 구성에 2 개 악장이 추가된 5 악장 구성이며 둘째는 아마도 가장 긴
연주시간을 요하는 협주곡일 것이다.
마지막 세번째는 몇몇의 작곡가들만이 시도한 것으로 부조니는 덴마크 시인이며 희곡작가였던
올렌쉴래거의 서사극 알라딘(Aladdin)의 마지막 내용을 가사로 만든 남성합창을 5악장에서
활용한 것이다.
이 작품은 1904년 작곡자의 피아노 연주와 카를 무크의 지휘로 베를린에서 초연되었다
페루초 부소니 (Ferruccio Benvenuto Busoni, 1866. 4. 1 ~ 1924. 7. 27)
이탈리아 엠폴리에서 클라리넷 연주자인 아버지와 피아니스트 어머니 사이에서 태어났으며 어린
시절 어머니로부터 음악을 배웠다.
8세 때 최초의 연주회를 개최하였으며, 12세 때는 자신이 작곡한 '스타바트 마테르 Stabat
Mater'를 직접 지휘하였다.
그후 빈과 라이프치히에서 공부한 후 헬싱키·모스크바·보스턴 등 세계 각지에서 피아니스트 겸
교수로서 정열적으로 활약하다가 1894년 베를린에 정착하여 작곡활동에
중점을 두었다.
여기에서 요한.S.바흐와 리하르트 슈트라우스의 작품을 개작·편곡하여 명성을 얻었고
피아니스트로서도 유명해졌다.
아실 C.드뷔시의 '목신의 오후에의 전주곡 Pre lude a l'apre s-midi d'un faume'의 독일 초연을
비롯하여 리스트의 주요 작품을 모두 연주하는 등 당대 작곡가들의 작품 연주회도 여러 차례
열었다.
작품에 많은 피아노소품과 피아노협주곡 및 '선택된 신부 Die Brautwahl'(1911),
'아를레키노 Arlecchino'(1916), '투란도트 Turandot'(1917), '파우스트박사 Doktor
Faust'(1925) 등 4편의 오페라를 남겼다.
이 가운데 '파우스트박사'는 제자인 필립 야르나흐에 의해 완성되어 작곡가가 죽은 다음해인
1925년 드레스덴에서 초연되었다.
저서에 '신음악미학 시론 Entwurf einerneuen A sthetik der Tonkunst'(1907)이 있다.
존 오그던 (John Ogdon, 1937. 1. 27 ~ 1989. 8. 1)
영국 노팅엄주 맨스필드 출생. 7세 때 맨체스터 왕립음악원에 입학하고 졸업 후 매슈즈, 페트리
등을 사사하였다.
1959년 리버풀필하모닉협회 주최 콩쿠르에서 입상하고 1960년 부조니콩쿠르 1961년에는
리스트콩쿠르에서 우승하였다.
또 같은 해에 헐리엣 코엔상을 받고 62년 차이콥스키 국제음악콩쿠르에서는 아슈케나지와 함께
1위를 하였다.
항상 중용을 지키는 지적인 감성의 소유자로 부조니와 리스트 등의 작품을 주요 레퍼토리로 하고
있다.
4. Saint-Saens, Cello Sonata No.1 Op.32 in C Minor
Christian Poltera(Vc) / Kathryn Stott(Pf)
I. Allegro
II. Andante tranquillo sostenuto
III. Allegro moderato
카미유 생상스 (Charles Camille Saint-Saens, 1835.10.9 ~ 1921.12.16)
1835년 10월 9일 파리에서 태어났다.
생상스 일가는 노르망디 출신으로 루앙 부근의 작은 도시가 고향이며 아버지와는 일찍
사별하여 홀어머니 밑에서 자라났다.
그는 어려서부터 몹시 음악을 좋아 했는데 그것을 통찰했던 어머니와 큰할머니가 두
살 무렵부터 피아노의 기초를 가르쳤다고 한다.
5세 때 피아노 소곡과 노래를 작곡했으며, 베토벤의 소나타를 연주했다.
7세 때 스타마티의 문하에 들어가 피아노를 배웠으며, 피에르 마르당에게 화성을
배웠다.
13세인 1848년, 음악원의 오르간과에 입학하여 작곡을 알레비에게 배웠고, 16세 때
작곡한 성 세실에의 찬가로 로마 대상(大賞)을 획득하는 데 실패는 했다.
그러나 이 곡은 성 세실리아 협회로부터 상을 받고 12월 26일에 초연되었다.
같은 해에 성 마리아 교회당의 오르간 주자로 취임하였다.
생상스가 리스트를 만난 것은 1852년이었다.
1861년에는 니델마이어 학원의 피아노 교수로 취임했는데, 이 교수 기간에 포레 ·
지구 · 메사쥐 등의 영재를 키웠음은 커다란 발자취의 하나라고 하지 않을 수 없다.
걸작 가극 삼손과 데릴라는 그가 33세이던 1868년에 기고했으며, 리스트의 지휘로
바이마르에서 상연됐다.
1868년에는 레종 드뇌르 훈장을 받았고, 1892년에 케임브리지 대학은 명예 음악박사
칭호를 생상스에게 주었다.
1906년 처음으로 미국을 방문했으며, 1916년에는 프랑스를 대표해서 파나마 태평양
박람회에 참석했고 그 때 남미를 방문했다.
1921년, 86세의 고령에 달한 생상스는 평소부터 사랑한 프랑스 식민지 알제리에 가
있었는데 12월 16일 그 곳에서 객사했다.
프랑스는 다음해에 국장으로 이 대음악가에게 보답했다.
5. Rachmaninov, Piano Concerto No.3 in D Minor, Op.30
Vladimir Horowitz(Pf) / Eugene Ormandy(cond), New York Philharmonic Orchestra
I. Allegro ma non tanto
II. Adagio
III. Finale - Alle breve
※ Recorded 1978. 1. 8, Carnegie Hall
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번 D 단조 Op.30
1873년 러시아에서 태어나 1943년 미국에서 생을 마감했던 세르게이 라흐마니노프는 자기 자신을
작곡가라고 생각했지만 생의 마지막 30여년 동안에는 자신의 작품을 연주하고 녹음하는
피아니스트라는 두 번째 직업을 가질 수밖에 없었다.
볼세비키 혁명 이후 이역만리 타국에서 생활하기에 작곡가라는 직업은 배가 고플 수 밖에 없었다.
그러나 이 세월 동안 그가 보여준 놀라운 피아노 음악의 경지는 사람들로 하여금 커다란 반향을
일으켰고 결국 그를 전설적인 피아니스트로 아로새길 수 밖에 없게 만들었다.
정력적이고 외향적이었던 그의 친구, 피아니스트 요제프 호프만에 비해 라흐마니노프는
사색적이고 내향적이었는데, 그가 연주를 시작하면 곧 음표가 구조에 달라붙듯이 청동처럼 견고한
건축물로 변화하였다.
한편 호프만이 자연스럽고 다채로운 음색과 변덕스러울 정도로 거침없는 스타일을 구사한 반면
라흐마니노프는 고집스러울 정도로 한결같은 음색과 기계적일 정도로 잘 계산되고 정돈된 스타일을
보여주었다.
그의 사진에서도 느낄 수 있는 수도승과도 같은 이미지, 즉 삭발에 가까운 머리 스타일과 고정된
시선 굳게 닫힌 입술에서 느낄 수 있는 엄격함은 곧 그의 연주 및 작곡 스타일에서도 똑같이
적용되었다.
러시아의 정서와 작곡가의 시성이 매 순간을 아름답게 채색하는 '피아노 협주곡 2번'이
라흐마니노프를 있게 한 가장 대중적이고 유명한 작품일지는 모르겠지만 '3번 협주곡'이야말로
피아니스트로서 자신의 한계를 넘어서고자 한 초월적 의지를 반영한 작품이다.
진정한 의미에 있어서 피아노의, 피아노를 위한, 피아노에 의한 협주곡이다.
오죽하면 작곡가 자신도 이 작품을 “코끼리를 위해 작곡했다”라며 곤혹스러워했을까.
1909년 라흐마니노프는 이바노프카의 시골집에서 평화로운 나날을 보내면서 자신의 미국 데뷔
무대를 위한 새로운 피아노 협주곡을 작곡했다.
그러니까 이 '3번 협주곡'은 순수하게 미국을 위해 작곡한 곡으로서 작곡가로서는 자신의 기량을
한 번에 쏟아내어 새로운 무대를 휘어잡을 만한 도구가 필요했던 것이다.
그의 바램대로 피아노 협주곡 역사상 무서우리만큼 가공할 만한 테크닉과 초인적인 지구력과
상상을 뛰어넘는 예술적 감수성과 시적 통찰력을 요구하는 매머드급 작품이 탄생했다.
이 곡은 라흐마니노프를 미국으로 이끌었을 뿐더러 예술적 동료로 평생토록 깊은 우정을 나누었던
피아니스트 호프만에게 헌정되었다.
그러나 아이러니하게도 호프만은 이 작품을 연주하기에는 손이 작았기 때문에 공개석상에서는 한
번도 연주하지 못했다고 한다.
1909년 11월 28일, 이 곡은 월터 담로슈(의 지휘와 뉴욕 필하모닉의 연주와 라흐마니노프 자신의
피아노 연주로 초연되었고 7주 후 구스타브 말러의 지휘로 다시 한 번 연주되었다.
작품에 대한 청중들의 반응은 '피아노 협주곡 2번' 초연 때만큼 뜨거웠다고는 말하기 어렵지만
오히려 연주자 라흐마니노프에게 관심이 집중되며 커다란 성공을 거두었다.
이 날의 성공 덕택에 다음 시즌 연주회를 위한 계약이 쇄도했고, 보스턴 심포니 오케스트라의
상임 지휘자 직책까지 제안받을 수 있었다.
이 작품은 연주하기가 너무나 힘들 뿐더러 그 정서적 표현 역시 당시로서는 대단히 혁신적인
곡이었다.
그래서 대중적으로 어필하기까지에는 1960년대 피아니스트 블라디미르 아쉬케나지가 등장할
때까지 50여년의 세월을 기다려야만 했다.
그러나 이보다 앞선 1928년 한 젊은 러시아 피아니스트가 나타나 이 '3번 협주곡'을 말 그대로
'삼켜버린' 사건이 벌어졌다.
1928년 1월의 어느 날 뉴욕 카네기 홀 맞은 편에 위치한 스타인웨이 쇼룸에 두 명의 러시아
음악가가 마주보고 앉아 있었다.
한 명은 시대의 거장으로 손꼽히는 라흐마니노프였고 다른 한 명은 막 미국에 도착한 스물 다섯
살의 젊은 피아니스트인 블라디미르 호로비츠였다.
1월 12일 지휘자 토머스 비첨과 뉴욕필과의 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번' 연주로 전설적인
데뷔 무대를 가진 호로비츠는 여세를 몰아 2월 23일에 라흐마니노프가 '3번 협주곡' 초연시
함께 했던 지휘자 담로슈의 지휘로 '3번 협주곡'을 연주하기로 했다.
이 만남은 이 연주회를 위해 작곡가와 연주자가 함께 한 리허설 성격의 만남이었던 것이다.
바로 그 날의 만남이 음악사에 있어 ‘역사적인 만남’이라고 기록되는 이유는 곡의 창조자
라흐마니노프가 자신의 '피아노 협주곡 3번' 연주에 관한 '권위의 봉인'을 호로비츠에게
물려주는 자리였기 때문이다.
언젠가 라흐마니노프는 호로비츠 연주를 듣고 너무 놀라 입을 벌린채 넋을 잃었다고 친구에게
말했을 정도로 무한한 신뢰를 보냈는데 특히 후배인 아브람 카신스에게 "호로비츠는 이 작품을
통째로 삼켜버렸네"라고 언급했을 정도였다.
그 정도로 '피아노 협주곡 3번'과 호로비츠는 샴 쌍둥이와 같은 운명이었다.
이 자리에서 라흐마니노프는 호로비츠의 조언에 따라 1악장과 2악장에서 짧은 삭제 부분을
결정했고(호로비츠는 2악장과 3악장에서 보다 더 삭제된 버전으로 연주, 녹음했다), 1악장의
솔로 카덴차를 보다 짧게 단축시켰으며, 2악장과 3악장의 짧은 피아노 부분들에 대한 두 장
분량의 얼터너티브 솔로 패시지를 과감하게 생략했다.
이러한 수정을 모든 연주자들이 따르게 강제한 것은 아니었지만, 여러 이유에 의해 이 관습은
작곡가에 대한 가장 정중한 예의이자 호로비츠에 대한 무한한 존경의 표시로 받아들여지게
되었다.
낭만주의 러시아 피아니즘의 진정한 적자임을 대변하는 ‘권위의 인장’은 '3번 협주곡'을
통해 라흐마니노프를 거쳐 호로비츠에게 주어지게 된 것이다.
1930년 최초로 이 작품을 녹음한 이후 총 여섯 종의 레코딩을 남겼던 호로비츠에게 있어서 이
작품에 대한 진정한 라이벌은 작곡가도 다른 연주자도 아닌, 바로 자기 자신밖에 없었다.
작곡가가 서거한 지 40여 년이 지난 1982년, 런던에서 연주회를 가질 당시 호로비츠는 작곡가
라흐마니노프에 대해 다음과 같이 회상했다.
"그는 내가 아는 한 가장 위대한 인간이자 위대한 작곡가이며 또한 위대한
피아니스트였습니다"
작곡가에 대한 무한한 애정과 존경을 평생토록 가슴 속에 새겨놓았던 호로비츠야말로 이 '3번
협주곡'을 삼킬 자격이 있었던 것이다.
■ 추천음반
경쟁자는 자기 자신밖에 없다는 평가를 받는 호로비츠의 6종 레코딩 중 2종의 연주를 추천한다.
하나는 1951년 라이너 지휘로 녹음한 스튜디오 레코딩(RCA)이고 다른 하나는 1978년
라흐마니노프와 함께 이 곡을 녹음했던 오먼디 지휘로 녹음한 라이브(RCA)이다.
두 연주는 스타일과 해석에 있어 차이가 나는데 전자는 고전적인 반면 후자는 도취적,
자의적이다.
반 클라이번과 키릴 콘드라신(1962, RCA)의 연주는 환상적인 하모니와 강력한 타건이 잘
어우러진 역사적인 명반으로 꼽히고 있다.
아쉬케나지-하이팅크 녹음(DECCA)은 가장 스탠다드한 명연으로 손꼽히며 호로비츠의 재래로
일컬어지는 볼로도스는 러시아 비르투오소를 잇는 우리 시대의 명반이다.
블라디미르 호로비츠 (Vladimir Horowitz, 1904.10.1 ~ 1989.11.5)
전세계 대부분의 피아니스트들로부터 무한한 찬사와 존경을 받으며 그 누구도 생각할 수
없을 정도의 영광을 누린 피아니스트로 19세기에는 프란츠 리스트 그리고 20세기에는
블라디미르 호로비츠를 꼽을 수 있을 것이다.
앞선 시대의 피아노 명인들, 즉 에밀 폰 자우어의 예술적 리리시즘과 모리츠 로젠탈의
강인한 지구력, 세르게이 라흐마니노프의 강건한 고전성과 요제프 호프만의 극한에 다다른
초낭만성, 레오폴드 고도프스키의 모든 테크닉을 하나로 모아 세제곱한 듯한 호로비츠의
전지전능함은 아마도 리스트조차 구현해내기 힘든(악기 개발의 한계상) '하늘에서 갑자기
뚝 떨어진' 것이었을 것이다.
러시아의 광활한 스케일로부터 바로크적인 아기자기함까지 쇼팽과 모차르트의 아름다운
영혼으로부터 리스트와 스크리아빈의 파괴적인 자아까지 향기로운 낭만적 색채의
팔레트로부터 지옥으로부터의 처절한 절규까지 더 나아가 유머러스한 웃음으로부터 진솔한
눈물에 이르기까지 호로비츠의 손가락이 표현하지 못한 인간의 감성은 없다고 해도 과언이
아니다.
당대의 모든 유명 피아니스트들은 호로비츠의 저 놀라운 제단 앞에 경의를 표했다.
슈라 체르카스키, 라두 루푸, 죠르쥬 볼레, 개릭 올슨을 비롯하여 그의 제자 게리 그래프만,
바이런 쟈니스, 머레이 페라이어 등은 그의 연주에 항상 '유일무이하다'라는 형용구를
수식하여 존경을 표했다.
쇼팽 해석자로 이름을 날린 알프레드 코르토는 호로비츠의 '리스트 피아노 소나타' 음반
때문에 패배감을 느낀 나머지 공개석상에서 이 곡을 절대 연주하지 않았으며 그의 라이벌로
인식되었던 루빈스타인조차 자서전에서 자신보다 호로비츠가 더 나은 피아니스트라고 인정할
수 밖에 없었다.
그의 연주를 닮고자 젊은 시절 대부분을 투자하다가 포기해야만 했던(당시 모든 젊은
피아니스트들이 그러했지만) 블라디미르 아쉬케나지 그의 앞에서 무릎을 꿇고 손등에
겸허함의 키스를 해야만 했던 알리시아 데 라로차, 자신의 작품에 대한 편집권을 아예
넘겨버린 세르게이 라흐마니노프, 자신이 꿈꾸던 세계를 이미 다 완성했다고 토로한
클라우디오 아라우의 고백을 굳이 예를 들지 않더라도 우리는 호로비츠라는 이름이 갖는
절대적인 권위를 충분히 이해할 수 있을 것이다.
그의 연주회는 일종의 종교적 제례에 비견할 만했다.
그의 연주 숨소리는 물론이려니와 음표 하나 하나의 울림과 쉼표까지 듣는 이로 하여금
머리카락이 쭈뼛 서게끔 하는 긴장케하는 카리스마를 지니고 있었다.
피아노 페달을 거의 사용하지 않는 그의 날아가는 듯한 터치와 폐부를 찌르는 듯 공격적인
옥타브는 숨이 턱턱 막히게끔 하는 압도감을 전달해 주었다.
미스테리한 것은 그의 연주 자세였다. 전통적인 연주법과는 전혀 다른 방법, 즉 모든 손가락을
쭉 펴고 손바닥이 건반 밑에까지 내려가도록 하며 새끼 손가락은 연주하지 않는 동안엔 항상
접혀져 있었다.
이러한 해괴한 연주 방식으로 그는 오케스트라를 압도하는 음향과 초인적인 테크닉으로 백만
볼트의 전기로 감전된 듯한 짜릿함을 청중들에게 선사한 것이다.
그의 피아노 역시 일반적인 스타인웨이 그랜드 그대로였지만 그의 손길을 거친 가장 단순한
것조차 가장 난해한 과정을 거친 듯했다.
호로비츠1903년 10월 1일 러시아 키에프에서 태어났다.
어릴 때부터 문화적인 분위기에서 성장하여 모든 종류의 책과 음반을 들을 수 있었다고 한다.
특히 어린 호로비츠는 작곡가 알렉산더 스크리아빈으로부터 장래 러시아를 대표하는 위대한
피아니스트가 될 것임을 예언받았다고 한다.
동시에 음악 외에 모든 예술 분야를 공부하라는 격언까지 받았다.
12세에 키에프 음악원에 입학하여 안톤 루빈스타인과 차이콥스키의 제자인 펠릭스
블루멘펠트를 사사하여 낭만주의적 기질과 러시아적 기질 모두를 완벽하게 습득했다.
당시 호로비츠는 피아노 연주보다는 작곡에 더 뜻을 가지고 있었지만 1917년의 러시아 혁명은
그로 하여금 생계를 위해 피아노를 연주하도록 재촉하게 된 계기가 되었다.
바이올리니스트이자 절친한 친구였던 나탄 밀스타인과 함께 많은 듀오 리사이틀을 가졌던
호로비츠는 1925년 베를린에서 첫 서방 연주회를 갖으며 자신의 존재를 알리게 되었고 1927년
이후로는 다시는 조국으로 돌아가지 않기로 결심했다.
1928년 뉴욕 카네기 홀에서 토머스 비첨의 지휘로 연주한 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번'
데뷔 무대는 그에게는 이정표와도 같은 기회였다.
느린 템포의 비첨을 따돌리고 3악장에서 '건반에서 연기가 날 정도'의 맹렬한 기세로
오케스트라를 압도해버려 평론가들과 청중들로부터 경이로운 현상으로 주목받기 시작한 것이다.
이 해에 그는 동향의 위대한 작곡가이자 피아니스트인 세르게이 라흐마니노프를 만났다.
당시 '피아노 협주곡 3번'은 호로비츠의 주요 레파토리로서 이 두 대가의 만남 이후
라흐마니노프는 자신의 작품에 대한 권위의 봉인을 호로비츠에게 물려주었다.
한편 이 시기는 이그나츠 얀 파데레프스키의 낭만적인 피아노 음색 또한 호로비츠의 뇌리에
깊게 박히게 된 때이기도 했다.
무엇보다도 1933년에는 전설적인 지휘자 아르투로 토스카니니를 만나 베토벤 피아노 협주곡
전곡을 연주한 것이야말로 호로비츠 인생의 가장 큰 분수령이었다.
토스카니니는 자신의 딸 완다와의 결혼을 주선, 결국 결혼에 이르게 될 정도였는데
토스카니니의 완벽주의는 당시 호로비츠에게 많은 영향을 끼쳤다.
특히 1936년부터 39년까지 3년간 침묵을 지킨 호로비츠는 거침 없는 야생마 같던 자신을
끊임없이 연마하며 진정한 완벽주의자이자 고전주의자로서의 면모를 갖추게 되었다.
1940년대는 바이올린으로는 하이페츠, 피아노로는 호로비츠의 시대라고 해도 과언이 아니다.
호로비츠는 토스카니니의 지휘로 많은 연주회를 함께 하며 녹음 또한 이루어졌고 이 시기에
대표적인 녹음으로 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번'을 손꼽을 수 있다.
한편 1950년대에는 본격적으로 레파토리를 넓혔을 뿐만 아니라 몇몇 작품에 피아니스틱한
효과를 위해 자신의 편곡을 붙이기도 했다.
무소르그스키의 '전람회의 그림'이나 리스트의 '헝가리 랩소디'를 위한 카덴차 등이
그것으로서 몇몇 순수주의자들에게는 공격의 표적이 되기도 했지만 지금에 와서는 후배
피아니스트들의 귀감이 되는 역사적인 업적으로 평가받고 있다.
1953년 1월 조지 셸이 이끄는 뉴욕 필하모닉과 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번'을 연주하고
2월에 한 번의 리사이틀을 가진 뒤 그는 12년 동안의 기나 긴 침묵기에 들어간다.
CBS에서 몇 장의 앨범을 선보이는 것 외엔 일체의 연주회를 가지지 않았던 호로비츠는
1965년 5월 9일 카네기홀에서 재기 리사이틀을 갖기로 했다.
당시 호로비츠의 명성은 정말로 대단해서 매표 시작 이틀 전부터 표를 사려는 사람들이
카네기홀 안에 있는 매표소에서부터 서쪽 57번가로 이어져 6번 도로 모퉁이로 내려가서
모퉁이를 돌아 다음 블록까지 줄을 서 있었다.
호로비츠는 사람들이 그렇게 늘어서서 표를 사려고 끈기 있게 기다리고 있다는 이야기를
듣고서 그들이 무료로 커피와 도너츠를 먹을 수 있도록 이동 매점 트럭을 56번가로 보냈을
정도다.
이 날의 연주회는 음반으로도 발매되어 그 역사적인 순간의 감동을 재생할 수 있다.
마음의 부담을 대변하는 듯 프로그램 첫 곡인 바흐-부조니 '토카타' 첫 시작음에서 한 번의
부정확한 음이 등장하긴 했지만 이후로는 완벽한 테크닉과 표현력으로 듣는 이를 꼼짝할 수
없을 정도의 살벌한 긴장감과 숭고한 피아노 음향의 세계를 선보였다.
특히 어린 시절 호로비츠의 가능성을 예언했던 스크리아빈의 서거 50주년을 기념하는
자리로서 선보인 스크리아빈의 '소나타 9번 '흑미사''의 강렬한 마법효과는 지금까지도
여전히 유효하다.
이렇게 두 번째 재기를 가진 호로비츠는 낭만주의와 고전주의를 완벽하게 아우르며 내면과
외면이 하나를 이루는 일종의 반인반신의 경지에 다다르게 되었다.
그가 녹음한 슈만의 '크라이슬레리아나'는 많은 피아니스트들로 하여금 절망에 빠지게끔
했다.
스카를라티 소나타는 바로크 건반음악에 대한 가장 완벽한 아름다움으로 칭송받게 되었으며
쇼팽의 마주르카와 발라드는 지극히 폴란드적인 루빈스타인의 해석을 뛰어넘어 범유럽적인
예술적 지표로서 재평가받게끔 했다.
그리고 그는 자신의 예술 세계에 대한 정체성을 강조한 나머지 오케스트라 협연은 몇몇
기념적인 연주회를 제외하고는 하지 않았을 정도다.
1969년부터 1974년까지 세 번째 공백기를 갖은 호로비츠는 보다 공격적이고 자기과시적이며
심지어 악마적이라고까지 말할 수 있는 증폭된 표현력에 치중한다.
리스트의 '피아노 소나타'와 '메피스토 왈츠'에서 자기 안에 악마가 살아있다고 토로했을
정도의 아찔한 음향의 다이내믹과 예리한 터치를 보여주었고 1978년 미국 데뷔 50주년
연주회에서는 실로 오랜만에 라흐마니노프의 동료인 유진 오먼디가 이끄는 라흐마니노프
'피아노 협주곡 3번'을 연주-녹음하여 70세가 넘어서도 여전히 살아있는 악마와도 같은
수퍼-비르투오소임을 만천하에 공개했다.
이 날 호로비츠는 마음이 앞선 나머지 피아노 해머에 옻칠을 하고 단상을 지휘자보다 높게
올려 오케스트라를 압도하는 음향을 만들고자 했다.
음반을 들어보면 피아노 음과 음향이 정상적이지는 않음을 확인할 수 있다.
이렇듯 자기 자신이 '살아있음'을 과시했던 호로비츠는 지나친 욕심 때문일까.
1983년 일본 공연에서 약물 과다 복용으로 연주회를 망쳤던 그는 잠시의 휴지기를 갖고 생의
마지막으로 재기에 성공했다.
1985년부터 86년에 그는 미국과 유럽을 거쳐 자신의 조국인 러시아까지 방문하여 연주회를
열고 '마지막 낭만주의자'라는 영광스러운 호칭을 얻게 된다.
특히 1985년 모스크바에서 가진 실황은 눈물과 열광의 도가니였다.
그가 연주하는 슈만의 '트로이메라이'를 듣고 눈물을 흘리는 노신사의 모습이 찍힌 실황
영상은 지금도 회자되는 장면이다.
그의 '트로이메라이'는 가히 천상의 아름다움이 재래했다는 평가를 받았다.
모스크바 실황을 비롯하여 독일 함부르크와 베를린, 오스트리아 비엔나에서의 실황 연주회가
최근 음반으로을 발매되어 노년의 호로비츠가 일구어낸 그 순결한 아름다움과 더불어 아직도
살아있는 수퍼-비르투오소로서의 카리스마를 정확하게 감상할 수 있다.
한편 그는 모차르트 음악의 의미를 발견하는데 생의 마지막을 바쳐 자신의 모든 프로그램을
통해 모차르트를 선보였는데 특히 30여년만에 스튜디오에서 카를로 마리아 줄리니가 이끄는
라 스칼라 오케스트라와 모차르트 '피아노 협주곡 23번'을 녹음으로 남긴 것이 기록할 만하다.
그에게 항상 따라다니는 '마지막 낭만주의자'라는 호칭은 어쩌면 그에게는 어울리지 않는
것일런지도 모른다.
실제로 그보다 더 오래 산 낭만주의 피아니스트들도 여럿 있을 뿐더러 그를 낭만주의
피아니즘의 정점으로 보는 것에도 많은 무리가 있기 때문이다.
그러나 그가 추구했던 피아니즘이 그토록 황홀하고 초월적이었던 탓에 '마지막 낭만주의자'라는
호칭은 음악 애호가들에게 있어서 한 시대를 회상하고 특징지울 수 있는 가장 명예로운 훈장과
같은 것이 아닐까 싶다.
뉴욕 타임즈 부고란에 자신의 이름이 없다는 걸 확인하고 어린아이 같은 미소를 짓곤 했던 그는
1989년 11월 마지막 녹음을 마치고 1주일이 지난 뒤 머레이 페라이어 부부와의 저녁 약속을 몇
시간 앞두고 영면의 세계로 떠났다.
대표음반
호로비츠가 남긴 대표음반을 간략하게 정리해 보자면 다음과 같다.
아르투로 토스카니니와 협연한 차이콥스키 '피아노 협주곡'(RCA) 바비롤리/뉴욕필과 협연한
라흐마니노프 '피아노 협주곡 3번'(APR), 무소르그스키 '전람회의 그림'(RCA), 카네기 홀 컴백
리사이틀(SONY), 슈만 '크라이슐레리아나', '어린이 정경'(SONY), 스카를라티 '소나타집'(SONY),
리스트 '피아노 소나타', '메피스토 왈츠'(RCA), 호로비츠 '리디스커버드'(RCA), '호로비츠 인
모스크바'(DG), '호로비츠 인 베를린'(SONY).
약력
1925년 베를린에서 첫 유럽 연주회
1928년 뉴욕 카네기 홀에서 차이콥스키 피아노 협주곡으로 미국 데뷔
1933년 아르투로 토스카니니와 베토벤 시리즈 진행
1953년 12년 동안의 침묵기
1965년 카네기 홀에서 재기 리사이틀
1978년 유진 오먼디와 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번으로 미국 데뷔 50주년 연주회
1983년 일본에서 약물 과다복용으로 연주회를 망친 뒤 휴지기
1986년 모스크바와 레닌그라드에서 연주회
1987년 밀라노에서 줄리니의 지휘로 생의 마지막 협주곡 레코딩
1989년 마지막 레코딩을 남긴 뒤 세상을 뜸
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