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6. Elgar, Cello Concerto in E minor, Op.85 [XRCD]
Jacqueline du Pre(Vc) / Sir John Barbirolli(cond), London Symphony Orchestra
I. Adagio - Moderato
II. Lento - Allegro molto
III. Adagio
IV. Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo
♣ 엘가 첼로 협주곡 E 단조 Op.85
에드워드 엘가(Edward Elgar, 1857~1934)는 헨리 퍼셀과 조지 프리데릭 헨델 이후
참으로 오랜만에 등장한 영국 출신의 세계적인 작곡가였다.
헨델의 경우엔 주로 영국에서 활동했지만 독일 태생의 작곡가였고 퍼셀은 300년 전인
17세기의 작곡가였다.
우리에게 잘 알려진 아름다운 바이올린 소품 '사랑의 인사'와 '수수께끼 변주곡',
'위풍당당 행진곡'으로 유명한 엘가는 무엇보다도 20세기에 작곡된 첼로 작품 중 가장
비극적인 곡 '첼로 협주곡 E단조'를 남긴 작곡가다.
일반적으로 협주곡은 3개의 악장으로 구성되어 있지만 엘가는 교향곡과 같이 4개의
악장으로 작품을 구성했다.
이 작품은 1, 2악장과 3, 4악장을 서로 묶어서 휴식없이 연주한다. 많은 사람들이 이
곡에서 위로를 받는다.
어둠 속에서 은은하게 번지는 슬픔의 입자들이 온몸을 휘감는 듯한 느낌은 매우 특별한
체험을 제공한다.
엘가의 이 위대한 '첼로 협주곡'이 가지고 있는 가장 커다란 힘은 '마음의 위로'에 있다.
이 음악은 절망에 빠진 사람들을 슬픔의 바다에서 빛의 세계로 인도한다. 꿈보다 오래된
기억처럼 가슴 속 아주 깊은 곳에서 퍼져나오는 눈물 같은 조각들은 엘가의 한숨과
섞여서 흐른다.
첼로의 저음은 이토록 절절한 감정들을 핏빛으로 물들이며 흔들린다. 엘가는"내가 말하고
싶었던 것은 작품의 간단한 구조 안에 있다"고 말했는데 삶에서 죽음 쪽으로 무너지는
인생에 대한 추억이 박혀있는 듯한 느낌은 '첼로 협주곡'의 흐름을 타고 감정의
클라이막스를 구성한다.
제1차 세계대전이 한창이던 1918년 3월 22일 영국의 햄스티드에서 엘가는 '첼로
협주곡'의 첫 번째 스케치를 쓰기 시작했다.
종종 대포 소리가 들리는 와중에도 엘가는 부지런히 작곡을 계속했고 마침내 7월에는
거의 마무리 단계에 와 있었다.
작품을 완성해나가던 사이사이 햄스티드의 야간 특별 경관으로 활동하기도 했던 엘가는
자신의 삶이 막바지에 와 있다는 것을 느끼며 대작 완성에 힘을 기울이고 있었다.
그 해 여름의 대부분을 바이올린 소나타와 현악 사중주를 작곡하는 데 열중했고 첼리스트
펠릭스 잘몬트와 '첼로 협주곡'에 대해 함께 의견을 교환한 이후 7월에는 촛대를 만드는
틈틈이 협주곡의 오케스트레이션을 손보았다.
엘가는 이 '첼로 협주곡'의 헌정을 오랜 친구였던 콜빈 부부에게 바쳤다.
“당신과의 우정은 너무도 소중해서 우리들의 우정을 기념하고 싶습니다. 이 협주곡이
그만한 가치가 있다고 말씀드리지는 못하겠습니다만……” 작품에 대한 자신감이
결여되어 있던 작곡가는 몇 번이나 작품을 고쳤다.
8월 12일에는 일기장에 "나는 느린 악장의 마지막을 생각해내지 못할까봐 두렵다. 따로
연주한다면 그대로 두어도 괜찮을 텐테"라며 작품에 대한 불안감을 드러내기도 했다.
1919년 10월 27일 마침내 첼리스트 잘몬트와 엘가가 지휘하는 런던 심포니의 협연으로
영국의 퀸즈 홀에서 곡을 초연했다.
청중의 반응은 썰렁했다. 많은 사람들은 엘가의 '바이올린 협주곡'이 던져준 달콤함을
기대했던 것이다.
더구나 오케스트라의 연습 부족도 문제였으며 악보의 출판도 2년 후에나 이루어졌다.
엘가의 부인은 이 협주곡이 초연된 후 5개월 뒤에 사망했고 엘가의 우울증은 더욱
심각해졌다.
사실 엘가로 하여금 작곡에 대한 의지와 용기를 북돋아주고 그가 절망에 빠질 때마다
어둠 속에서 끌어올려준 존재가 바로 그의 부인이었던 캐롤린 앨리스였다.
바이올린 소품 '사랑의 인사'는 바로 이러한 사랑의 결과물이다.
이 첼로 협주곡은 독특한 구조로 되어 있는데, 네 악장은 엘가의 '바이올린 협주곡'이
그랬던 것처럼 일종의 순환 형식을 따른다.
이 협주곡의 전체적인 분위기를 결정짓는 것은 독주 첼로의 첫 다섯 마디에 달려 있다.
아다지오-모데라토의 1악장은 넓은 음역에 걸친 더블스톱과 오케스트라의 현악 파트가
레치타티보와 같은 역할을 한다.
클라리넷과 바순의 역할은 어둡고 침침한 사운드에 비극적인 색채를 더한다. 목가풍의
특징적인 병행 3도가 특징적인 파스토랄 악장인데 1악장은 단순히 서두를 여는 역할
이상을 하고 있다.
2악장은 마치 스케르초처럼 들리는데, 1악장 보다 활기찬 특징이 있다. 2악장 알레그로
몰토에는 엘가의 유머가 섞여 있으며 첼로의 노래하는 특성이 제대로 반영되었다.
60마디 이상 이어지는 폭넓은 단선율은 고요함의 대지를 떠올리게 한다.
3악장 아다지오는 더없이 명상적이며 4악장으로 이어지는 통로 역할을 하고 있다.
4악장 알레그로-모데라토-알레그로 마 논 트로포는 자유로운 론도이며 절망의 파도 속으로
한꺼번에 침몰하는 분위기다.
더없이 고독한 E음의 코다는 다분히 회상적이며 슬픔으로 범벅된 자신의 인생을
되돌아보는 듯하다.
■ 추천음반
많은 사람들은 엘가의 '첼로 협주곡'하면 첼리스트 자클린 뒤 프레를 떠올리곤 한다.
1973년 다발성경화증이라는 희귀병에 걸려 젊은 나이에 생을 마감한 뒤 프레의 비극적인
인생은 지휘자 다니엘 바렌보임과의 결혼 생활에도 위기를 가져오며 숱한 일화를
만들어냈다.
그녀의 첫 번째 엘가 레코딩은 거의 뒤 프레 자신과 동일시 될 정도로 유명한 음반이며
앞으로도 오랫동안 엘가 '첼로 협주곡'의 첫 번째 선택 음반으로 남아 있을 것이다.
사실 그녀가 존 바비롤리가 지휘하는 런던 심포니 오케스트라와 협연한 1960년대 연주는
반드시라고 할 만큼 제일 처음 들어야 하는 음반이다.
이 연주에는 뒤 프레의 눈물과 한숨이 모두 녹아 들어가 있으며 오케스트라도 최상급 연주를
들려준다.
비극성의 확장과 거대한 스케일감이 자연스럽게 융합된 연주로 다니엘 바렌보임이 지휘한
음반보다도 바비롤리와 함께 협연한 첫 번째 녹음이야말로 뒤 프레의 모든 것이다.
그녀는 자신의 앞날을 예감하듯이 고통으로 가득 찬 울림으로 엘가의 슬픔을 인류의 슬픔으로
승화시켰다.
엘가의 첼로 협주곡은 인기 만큼이나 녹음도 많이 있다.
뒤 프레(EMI)에 이어 두 번째로 추천하고 싶은 연주는 베아트리스 해리슨(EMI)이다.
엘가 지휘로 협연한 그녀의 연주는 뒤 프레 음반이 나오기 전까지 수십 년 동안 레퍼런스로
확고부동한 위치를 점유했던 음반이다.
1928년 녹음으로 음질이 떨어지지만 작곡가가 인정한 연주와 엘가의 지휘를 들어볼 수 있다.
애드리언 볼트가 지휘하는 런던 필과 협연한 폴 토르틀리에(EMI)의 산뜻한 연주, 리처드
히콕스와 협연한 스티븐 이셜리스(Virgin)의 따뜻하고 온화한 연주도 추천한다.
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도
불구하고 연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
7. Schumann, Piano Quintet in E flat Op.44
Martha Argerich (Pf)
Dora Schwarzberg & Renaud Capucon (Vn)
Nora Romanoff-Schwarzberg (Vo) / Mark Drobinsky (Vc)
I. Allegro brillante
II. In modo d'una marcia - Un poco largamente
III. Scherzo- Molto vivace
IV. Allegro ma non troppo
♣ 슈만 피아노 5중주 Op.44
슈만은 젊은 시절 때때로 실내악 작품을 작곡하긴 했지만 1842년이 되어서야 비로소 이
장르에 집중하기 시작했다.
이 해 6월과 7월 그는 세 곡으로 구성된 현악 4중주 Op.41의 작곡을 끝마쳤고 10월에는
피아노 5중주 E플랫 장조 Op.44를, 11월에는 피아노 4중주 E플랫 장조 Op.47을 작곡했다.
그리고 1843년 1월에는 후일 개정을 한 환상소곡집 Op.88과 안단테와 변주곡 Op.46의
초기 버전을 작곡했다.
이는 1839년부터 친구인 프란츠 리스트가 언젠가는 슈만이 피아노만으로 만족할 수
없으리라 예견하며 3중주, 4중주, 5중주, 6중주 혹은 7중주의 실내악을 작곡하라는 내용의
편지를 보낸 것에 고무된 것으로서, 이 시기는 가히 슈만에게 있어서 “실내악의 해”라고
부를 만하다.
1841년 11월 슈만은 아내인 클라라와 함께 바이마르를 방문하여 환상곡에서 발전시킨 교향곡
1번과 전 해에 쏟아냈던 가곡들을 선보였고 이듬해 2월까지 브레멘과 올덴부르크,
함부르크도 방문했다.
당시 그는 아내의 피아노 연주를 보조하는 듯한 자신의 역할에 일말의 불만을 품었다.
그런 까닭에 3월에 클라라는 한 달 동안 코펜하겐으로 연주회 여행을 떠났고 그 사이 슈만은
혼자서 라이프치히로 되돌아왔다.
깊은 우울감에 빠져 작곡을 할 수 없었던 그는 대위법과 푸가에 몰두하기 시작하며 하이든과
모차르트, 베토벤의 현악 4중주를 공부했다.
특히 베토벤을 연구한 뒤 그는 보다 상징적인 음악형식에 자신감을 갖게 되며 실내악 작품을
본격적으로 작곡할 준비를 마치게 되었다.
순수 현악기를 위한 실내악 작품에 대한 집중적인 연구를 마쳤음에도 불구하고 슈만은 자신의
악기인 피아노에 대한 열망을 감출 수가 없었다.
피아노가 등장하지 않는 실내악 작품에는 주제나 변형부와 같은 대목에서 피아노를 연상시키는
모습이 등장하고, 피아노가 수반된 실내악에서 현악기들은 피아노를 모방하거나 뒷받침하며 한
발짝 물러서는 모습을 발견할 수 있다. 특히 피아노 5중주와 4중주의 경우가 그러하다.
사실상 슈만의 실내악 작품 가운데 가장 아름다운 곡으로서 이 피아노 5중주는 내용과 형식이
가장 이상적으로 화해를 이루고 있는 고전적인 작품이다.
음악적 내용뿐만 아니라 이 작품으로 인해 부부 사이도 다시금 화해를 이루게 되었다.
슈만은 잠시나마 부인에게 질투를 느꼈던 것이 미안했던 탓인지 이 작품을 클라라에게 헌정하여
자신의 변치 않은 사랑을 확인해 주었기 때문이다.
이후 몇 차례 수정을 하여 1843년 1월 8일 라이프치히 게반트하우스에서 부인 클라라의 연주로
공개 초연(1842년 11월 29일 슈만의 집에서 먼저 연주된 바 있다)되었다.
급격한 개혁가였던 리스트는 이 작품을 "너무 라이프치히적이다"라고 평가하며 지나치게
고전적인 모습을 달갑지 않아 했지만 이 작품의 대중적인 인기는 날이 갈수록 높아져 갔다.
이 작품은 언뜻 보면 각기 다른 개념의 회화가 모여 있는 것 같다.
일반적인 고전주의적 실내악의 악장들에서 찾아볼 수 있는 것 같이 각 악장이 친밀한 관계를
맺으며 네 개로 구성된 일련의 서정적인 세밀화를 이루고 있다기보다는 자신의 창조적인 시성을
음악으로 환원하기에 이렇게 큰 규모의 형식이 어울리지 않다고 생각하며 독립적인 세계를
환상적으로 이어놓은 듯한 느낌이 들기 때문이다.
특히 위풍당당한 소나타 형식의 1악장, 장송 행진곡의 2악장, 환상곡풍의 스케르초인 3악장,
열정적인 푸가토인 4악장으로 이어지는 이미지는 젊은 시절 피아노 작품인 나비나 유모레스크,
크라이슐레리아나에서 찾아볼 수 있는 극적인 스토리-텔링에 비견할 만하다.
어찌되었던 슈만은 피아노와 현악 4중주가 함께 하는 피아노 5중주라는 실내악 작품을 처음으로
작곡한 위대한 음악가로서, 그의 피아노 5중주 E플랫 장조는 피아노가 가세한 실내악 장르에서
가장 높은 곳에서 빛을 발하는 명곡임은 의심할 바 없다.
후일 브람스를 비롯하여 드보르작, 포레, 엘가, 레거, 쇼스타코비치 등등이 슈만의 피아노
5중주를 본받아 이 형식을 발전시켜 나아갔다.
1악장 알레그로 브릴란테(Allegro brillante)는 소나타 형식의 모범과 같은 곡으로서 두 개의
주제가 등장한다. 1주제는
E플랫 장조로서 반짝거리는 빛을 발하는 멜로디 라인이 인상적이고 2주제는 관계조인 C단조로서
서정적이고 겸허하며 온화하다.
피아노는 이 두 개의 주제를 주도적으로 이끌어가는 역할을 하며 현악기들 위에 군림하는
주인공으로서의 스포트라이트를 받는다.
2악장 행진곡 풍으로: 다소 느리게(In modo d’una marcia: Un poco largamente)는
슈만의 장송 행진곡으로서 실내악의 걸작으로서의 풍모가 느껴지는 대목이다.
다분히 주제적인 성격인 세 개의 주요 악상(터벅거리는 듯한 음울한 리듬-조용히 침잠하는
낭만적인 선율-역경을 딛고자 하는 의지를 담은 빠른 선율)이 엄격한 형식을 통해 전개되며,
이러한 엄격함은 전체에 진지하면서도 비통한 분위기를 불어넣는다.
비극적인 아지타토를 거친 뒤 피아노의 간헐적인 리듬은 차츰 조용해지며 마침내 화음의 빛의
구름 속에서 영롱하게 해체된다.
3악장 스케르초: 몰토 비바체(Scherzo: Molto vivace)는 상승하는 활기찬 스케일과 이에
대한 거울로서 하강 스케일이 대비를 이루는 주제가 이례 없는 활력을 더하는 스케르초 악장이다.
4악장 알레그로 마 논 트로포(Allegero ma non troppo)는 첫 악장의 주제를 다시 한 번
포착하여 모든 악기가 동원되어 열정적인 푸가토를 연주하는 악장으로서, 슈만 특유의 극도의
긴장상태와 환상적인 분위기가 펼쳐진다.
이 작품을 작곡한 뒤 고전형식에 자신감을 얻은 슈만은 보다 큰 규모와 장대한 내용의 작품, 즉
오페라에 눈을 돌리게 된다.
■ 추천음반
가장 먼저 빈의 분위기와 고전적인 기품을 담은 외르크 데무스와 바릴리 4중주단의
연주(Westminster)를 추천한다.
한편 스비아토슬라프 리히테르와 보로딘 4중주단의 연주(Teldec)는 치열하면서도 현대적인
세련미가 돋보이는 해석으로 그 가치를 인정받고 있고, 파울 굴다와 하겐 4중주단의 연주(DG)
또한 빈의 음향을 현대적으로 잘 보여준 연주로 높은 평가를 받는다.
마지막으로 레너드 번스타인과 줄리어드 4중주단의 연주(SONY)도 아날로그 시대부터 명반으로
많은 사랑을 받아 왔다.
[ TGiF JazZ ]
8. Jacques Loussier - The Best Of Play Bach [SACD]
1) Italian Concerto : I. Allegro
2) Italian Concerto : II. Andante
3) Italian Concerto : III. Finale - Presto
4) Prelude No. 1 In C Major From The Well-Tempered Klavier BWV 846
5) Air On A G String
6) Toccata & Fugue In D Minor
7) Pastorale In C Minor
8) Jesu, Joy Of A Man's Desiring
9) Gavotte In B Minor From Suite In D Major BWV 1068
10) Fugue No. 5 In D Major
11) Gavotte In D Major
자크 루시에 (Jacques Loussier, 1934 ~ )
프랑스 앙제 출생으로 파리 콩세르바투아르에서 클래식 음악공부를 하였다.
재학 중 아르바이트로 재즈와 대중음악을 연주하였는데 우연히 프랑스 데카 레코드의
스튜디오에서 J.S.바흐 작품을 재즈풍으로 연주한 것이 프로듀서의 인정을 받아 바흐의
작품을 다룬 ‘프레 바흐 시리즈’를 취입해 세계의 주목을 끌었다.
1963년 이후에는 그의 피아노를 중심으로 P.미쉬로(베이스), C.갸로(드럼)로 이루어진
트리오로 활약하였다.
교향악단을 지휘하여 '브란덴부르크협주곡'을 취입하였고 이 밖에 많은 영화음악도
작곡하였다.
9. Dvorak, Slavonic Dances
Nikolaus Harnoncourt(cond), Chamber Orchestra of Europe
1) Dvorak, Slavonic Dances, Op.46
No.1. Furiant: Presto
No.2. Dumka: Allegretto Scherzando
No.3. Polka: Poco Allegro
No.4. Sousedska: Tempo Di Minuetto
No.5. Skocna: Allegro Vivace
No.6. Sousedska: Allegretto Scherzando
No.7. Skocna: Allegro Assai
No.8. Furiant: Presto
2) Slavonic Dances, Op.72
No.1. Odzemek: Molto Vivace
No.2. Starodavny: Allegretto Grazioso
No.3. Skocna: Allegro
No.4. Dumka: Allegretto Grazioso
No.5. Spacirka: Poco Adagio
No.6. Starodavny: Moderato, Quasi Minuetto
No.7. Srbske Kolo: Allegro Vivace
No.8. Sousedska: Lento Grazioso, Quasi Tempo Di Valse
♣ 드보르작 슬라브 무곡
1) 1집, Op.46
특정 작곡가를 떠올릴 때는 대개 말년의 대작 아니면 적어도 중기 이후의 작품과
관련지어 생각하게 마련이다.
말러 같은 인물은 예외에 속할 수도 있겠지만 모차르트나 슈베르트의 초기 교향곡은
중후기 작품에 비해 부족함이 발견된다.
보르자크 역시 다른 작곡가들과 마찬가지로 그러한 거물이 되기 전에는 길고 고난에
찬 무명 시절을 겪어야 했다.
그런 그에게 본격적으로 국제적인 명성을 날릴 계기가 되어준 작품이 바로 '슬라브
춤곡집'이다.
1873년에 결혼한 직후 성 보이체프 교회 오르간 주자가 된 드보르자크는 음악적
스승이라 할 수 있는 스메타나의 뒤를 이어 체코 국민음악의 확립을 위해 활발한 작품
활동을 펼쳤지만 수입은 적어 일가족이 입에 풀칠하는 정도가 고작이었다.
그러던 차에 오스트리아 정부가 예술가를 위한 국비 장학금 제도를 운영하고 있다는
사실을 알게 된 드보르자크는 교향곡 3번과 4번, 몇 편의 실내악곡을 장학금 수상자격
심사위원회에 제출했고 1875년 초에 장학금 수상을 통보받았다.
이로써 수입이 종전의 몇 배로 늘어난 작곡가는 안정된 생활을 바탕으로 작곡에 더욱
매진할 수 있게 되었다.
그러나 이 장학금 수상이 드보르자크에게 가져다준 가장 큰 혜택은 경제적 안정이
아니라 브람스와의 만남이었다.
당시 장학금 심사위원으로 있었던 브람스는 곧바로 드보르자크의 재능을 간파했고
슈만이 젊은 시절의 자신에게 그랬듯이 드보르자크에게 여러모로 지원을 아끼지 않았다.
그 지원 가운데는 자신의 작품을 전담해 출판하고 있었던 짐로크 출판사에 드보르자크의
작품을 출판해 주도록 주선한 것도 포함되어 있었다.
이렇게 해서 1877년에 출판된 '모라비아 이중창곡'(1876년 작)이 호평을 받자
짐로크사는 슬라브 민속 선율에 바탕한 춤곡집의 작곡을 의뢰했고 그 결과가 '슬라브
춤곡 1집'이었다.
누구나 쉽게 짐작할 수 있듯이 브람스의 '헝가리 춤곡'을 다분히 의식한 의뢰였으며
드보르자크의 춤곡집이 거둔 대성공 역시 브람스의 춤곡집에 뒤지지 않는 것이었다.
이로써 드보르자크는 일약 유럽 전역에 이름을 떨치는 인기 작곡가의 반열에 올라설 수
있었다.
이 곡은 원래 네 손(한 대의 피아노에 두 사람이 나란히 앉아 각자 저음 성부와 고음
성부를 맡아 연주하는 것으로, ‘연탄(곡)’이라고도 한다)을 위한 피아노곡으로
작곡되었으며 1878년 3월 18일에 착수되어 5월 7일에 완성되었다.
관현악 편곡판은 같은 해 4월부터 8월에 걸쳐 작성되었다.
한편, 짐로크사는 이 '춤곡집 1번'의 대성공을 다시 이어가려는 의도에서 훗날
작곡가에게 같은 형식의 '춤곡집 2번'을 다시 작곡해 달라고 청했다.
그러나 이때 드보르자크는 이미 충분히 국제적인 명성을 누리고 있었고 같은 형식으로
이전 춤곡집 이상의 완성도를 이끌어내야 한다는 부담 때문에 의뢰에 선뜻 응하려 하지
않았다.
한동안 작곡을 미루던 드보르자크는 1886년 6월 9일에 손을 대기 시작해 정확히 한 달
뒤에 피아노판 악보를 완성했고 관현악 편곡은 같은 해 11월 초부터 이듬해 1월 초까지
진행되었다.
1집과 2집 모두 분방한 활기와 아름다운 선율미가 결합된 걸작이라는 점에서는 같으나,
전자는 체코 고유의 춤곡 양식에 주로 근거하여 리듬을 강조한 격렬한 곡들로 이루어져
있는 반면 후자는 체코의 지역색보다는 범슬라브적 색채가 더 강하며 악상이 한층
원숙하게 다듬어져 있다는 차이가 있다.
둘 다 각각 여덟 곡으로 이루어져 있는데, 음반에서는 둘을 함께 수록하는 경우가
대부분이다.
1. 프레스토, C장조 3/4박자. 복합 3부 형식
1부에서는 전 오케스트라가 연주하는 포르티시모의 총주에 이어 당김음을 구사한
활기찬 악구가 연주된다. 극심한 다이내믹 대비를 보이면서 진행되다가 2부로 넘어가
G장조의 생동감 있는 주제가 등장하고, 이 악상은 여러 차례 조바꿈하면서 발전해간다.
3부는 1부와 거의 비슷하게 진행되며, 코다에서는 1부와 2부 주제가 합쳐지면서
열광적인 포르티시모로 끝난다.
2. 알레그레토 스케르찬도, E단조 2/4박자
현과 목관이 어우러진 부드러운 악구에 이어 갑자기 활기차고 밝은 분위기의 G장조
악구가 등장한다. 다시 E단조 악구로 돌아가 변주풍으로 발전한 다음 트릴을 수반한
화려한 부분을 거쳐 코다로 넘어가 화려하게 전개되다가 고요하게 끝난다.
3. 포코 알레그로, G플랫장조 2/2박자
첫머리의 천진난만한 악구에 조금씩 장식음이 더해져 나아가다가 갑자기 격한 다이내믹
대조를 보이면서 활기찬 분위기를 보인다. 이후 첫머리 악구가 잠깐 얼굴을 내민 뒤
E장조의 유려한 악구가 등장하고 앞서 언급한 각 선율이 교대로 등장했다가 코다로
넘어가 대단히 빠르고 격렬한 포르티시모로 끝난다.
4. 템포 디 미뉴에토, F장조 3/4박자
복합 3부 형식. 느긋하고 풍부한 주제로 시작해 여러 차례 조바꿈되면서 전개되다가
고요해진 뒤 B플랫장조 악구로 넘어가 앞꾸밈음과 악센트를 잘 살린 익살스런 악상이
진행된다. 여기서 등장하는 독주 첼로의 카덴차는 관현악 편곡 작업 때 추가된 것이다.
첫 악구가 화려하게 치장된 형태로 재등장한 뒤 강렬한 코다로 마무리된다.
5. 알레그로 비바체, A장조 2/4박자
론도 형식으로 되어 있으며, 밝고 기운찬 약동으로 일관하는 곡이다. A장조-B장조-E장조
-A장조-D단조-F장조 순으로 쉴 새 없이 조바꿈이 이루어지는 가운데 다이내믹의 대조가
매우 뚜렷한 흥미로운 악상을 지녔다.
6. 알레그로 스케르찬도, D장조 3/4박자. 복합 3부 형식
익살스러움과 고풍스런 느낌이 잘 조화된 곡이다. 트릴을 수반한 익살스런 주제가
제시된 뒤 G장조로 넘어가면 밝고 리듬감 있는 주제가 스타카토로 연주된다. 다시
D장조로 돌아가 다양하게 전개된 뒤 첫 주제를 중심으로 코다가 구축된다.
7. 알레그로 아사이, C단조 2/4박자
체코 전통 춤곡 형식이 다양하게 가미된 곡으로 자유로운 론도 형식이다. 전원풍의
소박한 주제가 제시된 뒤 E플랫장조의 리듬감 있는 악상이 연주된다. 첫 부분의
주제가 다시 강하게 연주된 뒤 이 주제의 후반부 동기가 색다르게 전개된다. 이후
이들 악상이 번갈아가며 등장하고, 마지막에는 프레스트로 끝난다.
8. 프레스토 G단조 3/4박자
1집의 마지막 곡이자 가장 유명한 곡이다. 체코 춤곡의 일종인 푸리안트로 되어 있으며
복합 3부 형식을 취한다. 여덟 마디로 된 강렬한 주제가 포르티시모로 제시된 뒤 몇
차례 반복된다. 2부인 G장조 섹션에서는 호흡이 긴 아름다운 선율이 등장하며, 1부를
거의 그대로 재현한 3부에 이어 다채롭고 강한 대조를 보여주는 코다로 이어져 시원하게
마무리된다.
2) 슬라브 춤곡 2집, Op.72
1.몰토 비바체, B장조 2/4박자. 복합 3부 형식
1부에서는 서로 성격이 다른 세 악상이 순서대로 제시되며 이들을 중심으로 발전부가
화려하게 연주된 뒤 잠잠해져 2부로 넘어간다.
D장조이며 매우 서정적인 2부에 이어 3부는 1부의 효과를 더 강력하게 살려 격렬하게
마친다.
2. 알레그레토 그라치오소, E단조 3/8박자
복합 3부 형식의 아름다운 곡으로 크라이슬러가 바이올린 독주용으로 편곡한 적도 있다.
우수에 잠긴 감미로운 선율이 제시된 뒤 E장조로 변해 밝은 분위기가 연출된다.
C장조로 우아한 선율미를 자랑하는 2부에 이은 3부는 1부와 거의 비슷하나 장식음이 더
많다.
3. 알레그로, F장조 2/4박자
민요와 민속춤을 합친 분위기의 곡으로 복합 3부 형식. 세 마디 길이의 약동감 있는
동기가 네 번 연주된 다음 변형형으로 다시 연주된다.
2부에서는 B플랫장조로 온화하고 감미로운 선율이 등장한 뒤 점차 분위기가 고조되다가
포르티시모에서 갑자기 멈춘 뒤 3부로 넘어가 처음 동기의 변형형이 잠시 전개된 뒤
열광적인 코다로 마무리된다.
4. 알레그레토 그라치오소, D플랫장조 3/8박자. 복합 3부 형식
두 개의 대조적인 주제가 제시된 뒤 2부에서는 C샤프단조로 바뀌어 부점 16분음표가
일관되게 흐른다.
1부와 대조적인 분위기를 보여주며 단일 동기로 시작하고 끝난다.
3부에서는 1부가 간결하게 재현된 뒤 피아니시모로 사라지듯 끝난다.
5. 포코 아다지오, B플랫단조 4/8박자. 복합 2부 형식
1주제가 포르티시모로 연주된 뒤 2주제가 비바체 2/4박자 D플랫장자로 연주된다.
이것이 반복된 후 1부의 첫 대목으로 돌아와 포르티시모로 고조되어 격렬하게 끝을
맺는다.
6. 모데라토 콰시 미뉴에트, B플랫장조 3/4박자. 복합 3부 형식
안정된 리듬을 지닌 1주제와 목가적인 선율미가 돋보이는 2주제가 연주된 뒤 2부에서는
명랑한 분위기의 3주제가 섬세하게 전개된다. 3부는 1부의 재현이다.
7. 알레그로 비바체, C장조 2/4박자
포르티시모의 도입부에 이어 광포한 느낌을 주는 주제가 등장한 뒤 화려하게 전개된다.
2부에서는 C단조로 호흡이 긴 선율이 등장하며 3부는 C장조로 돌아와 주제가 자유롭게
전개된 뒤 코다로 넘어가 포르티시모로 고조된 뒤 강렬한 화음을 몇 차례 연주하면서
끝난다.
8. 그라치오소 에 렌토 마 논 트로포 콰시 템포 디 발세, G플랫장조 3/4박자
지시어는 '우아하고도 느릿하지만 지나치지는 않게 왈츠의 템포에 준하여'라는 뜻이다.
3부 형식을 취하며 환상적이고 우아한 선율미와 자유로운 구성을 보여주는 2집의 특징을
잘 드러내는 곡이다.
1부에서는 반음계적인 상승으로 시작되는 감미로운 주제와 이에 대해 대조적인 악상이
제시된다.
2부에서는 차분하고 우아한 악상이 D플랫장조로 제시된 뒤 A장조로 바뀌어 힘차게
전개되고 다시 원조로 복귀한다.
3부에서는 첫머리 주제가 장식된 형태로 등장해 꿈을 꾸는 우아하게 전개되고 마침내
피아니시모로 조용히 마무리된다.
■ 추천음반
우선 라파엘 쿠벨릭/바이에른 방송 교향악단의 녹음(DG)을 꼽지 않을 수 없다. 호쾌한
팀파니 타격을 중심으로 펼쳐지는 분방한 다이내믹 대비가 절묘하며 서정적인 악구도
유려하게 처리되었다.
안탈 도라티/로열 필하모닉 오케스트라의 녹음(Decca)은 쿠벨릭보다 조금 거칠지만 광포한
야성과 분방한 생명력이 잘 표현되었으며, 셸/클리블랜드 오케스트라의 녹음(Sony)은 이와
반대로 철저한 통제와 엄격한 구축미를 보여준다.
최근 녹음 가운데는 나무랄 데 없이 깔끔하고 정교한 표현이 돋보이는 미하일 플레트네프/
러시안 내셔널 오케스트라의 녹음(DG)이 특히 훌륭하다.
니콜라우스 아르농쿠르 (Nikolaus Harnoncourt)
최근 녹음 가운데는 나무랄 데 없이 깔끔하고 정교한 표현이 돋보이는 미하일 플레트네프/
독일의 베를린에서 태어난 오스트리아의 지휘자 겸 첼리스트로서 고음악의
스페셜리스트이다.
그라츠에서 배운 다음, 1948년부터 빈 음악원에서 파울 그륀머와 에마뉘엘 브라베츠를
사사하여 첼로를 배우면서 독학으로 비올라 다 감바를 공부했다.
1952년부터 1969년까지 빈 교향악단의 첼로 주자를 하였고, 1952년에는 비올라 다 감바의
연주회를 열었다.
그 밖에 많은 연주회에서 감바의 독주를 맡았으며 한편으로는 예전의 음악과 고악기의 연구를
하였다.
1953년 세프트라인(오보에), 슈타스토니(플루트), 타헤치(오르간), 그리고 부인인 아리스
아농쿠르(바이올린) 등과 고악기 앙상블 '빈 콘첸투스 무지쿠스'를 결성하였다.
4년간의 준비 기간을 거친 다음 1957년에 비로소 최초의 콘서트를 열어 주목을 받았다.
1960년 최초의 해외 연주 여행을 떠났고 1962년에는 오리지널 악기에 의한 바흐의
'브란덴부르크 협주곡' 전곡 연주를 하고 1967년에는 몬테베르디의 오페라 '울리세의 귀환'을
소련에서 부활 연주를 하는 등 매우 주목할 만한 활동을 했다.
더욱이 밀라노의 피콜라 스칼라와 취리히 오페라 극장에서도 지휘를 하였고 근년에는
암스테르담 콘세르트헤보우 관현악단의 지휘를 하였다.
1972년부터 잘츠부르크 대학, 다음해부터는 모차르테움 음악원에서 교편을 잡았다.
1960년대초부터 지휘와 솔로를 통해 많은 양의 녹음을 하고 있으며 몬테베르디에서 헨델,
바흐에 이르는 바로크 시대의 각국의 음악을 레퍼토리로 삼고 있는데, 특히 성악을 포함하는
대작은 소련에의 연주와 레코딩에서 주목받고 있다.
현재는 바흐의 '칸타타' 전곡 녹음에 착수하고 있다.
아농쿠르는 현대에 있어서의 고악기 연주의 제일인자라고 해도 과언이 아닐 것이다.
"어떤 시대의 음악의 연주이든 그 시대의 악기를 통해서만이 최상이며, 생생하게 재현할 수가
있다"고 한 그의 주장은 단순히 오리지널 악기의 사용에 한정되지 않고 연주법이나 가창법,
특히 음악 해석에까지 철저하다.
그리고 거기에 나타나는 참신하기까지 한 음색이나 표현은 그야말로 그의 연구의 소산인 것인
동시에 그의 음악적 창조력의 산물이라 할 수 있다.
초기의 녹음은 내용적으로는 충실하지만 아직도 아카데믹한 딱딱함이 남아 있다.
그러나 최근에는 구김살 없는 자유자재한 표현으로 바뀌어져 있고 세련된 원숙미도 가미되어
있다.
단적인 예는 비발디의 '사계'(텔레푼켄)인데 극히 개성적이고 충격적인 연주였다.
그 밖의 레코드는 많지만, 특히 몬테베르디의 오페라'오르페오' '울리세의 귀환' '포페아의
대관'이 매우 중요하며, 그의 바로크 연주의 정점이라고 할 만한 것이다.
그 밖에 헨델의 '예프타 서곡', 텔레만의 '최후의 심판' 등의 대작에 뛰어난 녹음이 많고
바흐의 '칸타타' 전집도 주목된다.
또 최근에는 모차르트의 오페라에도 손을 대고 있으며 그 성과가 주목된다(이상 텔레푼켄).
한편 솔로 레코드로서는 바흐의 '무반주 헬로 모음곡' 전곡(하르모니아 문디)이 명반이다.
9. Tchaikovsky, Piano Trio in A minor, Op.50
Sviatoslav Richter(Pf) / Oleg Kagan(Vn) / Natalia Gutman(Vc)
I. Pezzo elegiaco (Moderato assai - Allegro giusto - Adagio con duolo e ben sostenuto ***
II. Tema con variazioni: Andante con moto
III. Var.I L'istesso tempo
IV. Var.II Piu mosso
V. Var.III Allegro moderato
VI. Var.IV L'istesso tempo
VII. Var.V L'istesso tempo
VIII. Var.VI Tempo di valse
IX. Var.VII Allegro moderato
X. Var.VIII Fuga (Allegro moderato)
XI. Var.IX Andante flebile ma non tanto
XII. Var.X Tempo di mazurka
XIII. Var.XI Moderato
XIV. Var.XII Variazione Finale e Coda - Allegro risoluto e con fuoco
♣ 차이코프스키 피아노 3중주 A 단조 Op.50
차이코프스키는 원래 피아노 트리오 곡을 쓸 계획이 없었다. 피아노와 바이올린, 첼로의
조합이 만들어내는 소리를 차이코프스키는 상상조차 하기 싫었다고 한다.
그러다 어느날 갑자기 트리오 곡을 쓰게 되었는데 쓰면서도 끊임없이 궁시렁댔다.
곡의 완성단계에 이르러서 차이코프스키가 말하길, "각 악기의 특성을 살려 작곡하는
대신, 교향곡을 작곡하는 것처럼 작곡했다. 이런 작업이 성공적일지는 알 수 없다."
결국 차이코프스키는 트리오를 작곡하면서 별 확신이 없었지만 사람들의 조언을
받아들이면서 수정한 끝에 훌륭한 피아노 트리오 곡이 탄생하게 되었다.
이 곡에는 '어느 위대한 예술가를 기리며'라는 부제가 붙어있다.
여기서 위대한 예술가는 피아니스트이자 모스크바 음악원 감독이고 차이코프스키의
스승이기도한 니콜라이 루빈스타인을 말한다.
스승이 돌아가셨다는 소식을 들은 차이코프스키는 이토록 아름다운 음악을 작곡함으로써
그의 죽음을 추모했다.
피아노와 바이올린 및 첼로의 무겁지도 느리지도 않은 조화가 A단조의 애조띤 멜로디에
얹혀져서 부드럽고 때로는 힘있게 흐른다.
차이코프스키는 그가 존경했던 또 하나의 스승인 베토벤의 마지막 피아노 소타나를
따라서 2악장의 형식을 취했으나 마지막 악장이 2부로 나뉘어져 있어 3악장 형식으로도
볼 수 있다.
스비아토슬라프 리히테르 (Sviatoslav Richter, 1915. 3. 20 ~ 1997. 8. 1)
스비아토슬라프 리히테르가 일구어낸 삶과 업적을 하나로 설명한다는 것은 아마도 불가능에
가까울 것이다.
그러나 '역설적'이라는 단어만큼은 그를 설명할 수 있는 거의 유일한 표현일 것이다.
레코딩을 끔찍하게 싫어했음에도 불구하고 그 누구보다도 많은 음반을 남겼다.
그의 공식적인 디스코그래피는 지금까지도 계속 확장되고 있을 정도로 정규 레코딩 외에
많은 방송 녹음들과 개인 녹음들이 지속적으로 발매되어 피아노 애호가들을 열광시키고 있다.
자기 홍보를 위한 인터뷰나 영상물 제작을 극도로 혐오(브루노 몽생종이 그의 기록 영화를
만들기 전까지 그의 사생활은 알려진 바가 전혀 없었다)하면서도 개인적으로는 열광적인
사진광이었다.
더군다나 인간적으로도 그는 대단히 복합적인 성격으로서 유목민적이고 일중독자에다가
자신의 존재에 대해 부단한 질문을 던지는 사람이었다.
음악 취향에 있어서도 그는 카라얀의 음악 해석에는 이해할 수 없어 했음에도 불구하고
그의 탐미적이면서도 장중한 해석에 있어서는 늘 찬사를 보냈고 글렌 굴드의 바흐는
참신하다고 높이 평가했지만 그 외의 작품에서는 자기도취적이라고 폄하하기도 했다.
러시아인이자 독일인이었던 그는 순진한 동시에 삐딱하기도 했고 예측할 수 없는 성격임과
동시에 완고하기도 했다.
연주하는 그의 모습은 스핑크스와도 같은 광적인 열기를 자아내다가도 근엄한 사제와도
같은 엄숙함과 어린이와도 같은 천진난만함을 오고간다.
역설적일수록 리히테르에 대한 평론가들과 청중들의 반응은 더욱더 우호적이었을 뿐만
아니라 시간이 지날 수록 그에 대한 우상화의 기운은 점점 더 커져만 갔다.
철의 장막 속에 갇혀 있었던 그가 서방인들의 시야에 들어오기 시작한 1950년대 이후부터
우리가 원하든 그렇지 않든 리히테르의 존재를 거부하기란 어려운 일이 되었다.
마이다스의 손에 비견할 수 있을 만큼 그가 손대는 모든 작품들은 철저하게 분석되고
재구성되어 '리히테르화한 에너지'에 휩쌓인 채 압도적인 카리스마를 뿜어냈기 때문이다.
그의 음악은 항상 기준 이상의 포르테로 일관했지만 그 포르테는 리히테르 자신에게는
극도의 포르티시모를 위한 작은 피아니시모였던 것이다.
이렇게 쌓아올린 저 엄청난 음향의 구조물에 위압감을 느끼지 않을 사람이 어디 있겠는가!
숨을 거두기 직전까지도 창조적인 힘을 발산했던 리히테르에 대해 어떠한 반론을
제시한다는 것은 어딘가 자신을 속인다는 느낌까지도 받을 수 있는 것이다. 굳이 비판을
위한 비판을 할 목적이 아니라면 말이다.
그는 저 넓은 20세기 피아노 세계의 저 높은 곳에 우뚝 서 있는 거인으로 사람들의 뇌리에
각인되었다.
그러나 그의 주위에 세 명의 아버지가 없었다면 그는 결코 그러한 거인으로 발돋음할 수
없었을 것이다.
그가 꼽는 첫 번째 아버지는 바로 하인리히 네이가우스. 네이가우스가 누구인가?
그는 20세기 전반부를 대표하는 러시아 피아니스트이자 교육자로서 에밀 길렐스, 야코브
자크, 이고르 쥬코프, 안톤 긴스부르그, 엘리소 비르살라제, 알렉세이 루비모프, 라두
루푸 등을 길러낸 현대 러시아 피아니즘의 대부라고 말할 수 있다.
리히테르의 재능을 알아채린 뒤 아버지처럼 그의 곁에서 모든 것을 도와주고 이끌어주었던
스승으로서, 네이가우스는 낭만적이면서도 부드러우며 상상력 풍부한 옛 피아니즘 성향이
강한 연주자임에도 불구하고, 제자들한테는 결코 자신의 스타일을 강요하지 않고 텍스트에
담긴 그 의미와 표현을 극대화할 수 있도록 길을 터주었다.
리히테르의 그 방대한 레퍼토리와 작품에 대한 투철한 분석, 냉정한 감정 조절, 풍부한
상상력은 바로 네이가우스의 아버지와도 같은 넓은 가르침에서 비롯된 것이라 말할 수
있다.
두 번째로는 그를 낳아주고 음악으로 이끌어준 생물학적 아버지가 있고 세 번째로는 바로
음악가 리하르트 바그너를 언급했다.
바그너의 음악은 그에게 있어서 10대부터 80대에 이르기까지 일종의 계시와도 같았던
정신적인 아버지였던 것이다.
음악은 소리를 향해 걸어가는 사색의 세계다. 소리, 음색, 악기, 악보, 연주자, 작곡가,
그리고 음악. 연주의 기본 이념은 이들 모두를 조화시켜 소리로 표현해 내는 실현행위다.
연주가란 무엇인가? 이 과정에 대해 끊임없이 사색하며 모든 요소에 매어져 있는 사슬을
긴밀하게 조여가는 주체다.
리히테르는 여기에 한 가지를 더 가지고 있다. 순간 속에서 단 한 번 울리고 사라지는
바로 그 소리의 깊은 호소력을 끌어낼 수 있는 천부적 능력이다.
그는 음악의 본질을 캐어내는 과정을 피아노를 통해 심사숙고한다. 그 결과 그가 발견하는
것은 어떻게 연주되어야 하는가가 아니라 연주가 어떻게 그 곡의 본질을 지시할 수 있는
가이다.
자유로운 음악 만들기를 통해 한 순간의 시간 속으로 자신을 던지는 행위 이것이야말로
그를 변덕스럽고도 고집스러운 음악가로 평가할 수 있는 가장 중요한 잣대일 것이다.
참된 음악으로 향하는 길을 찾아낸 전형적인 러시아인인 리히테르는 러시아 전통
피아니즘에 머물러 있지 않았다는 것 또한 아이러니하다.
고전과 낭만, 혁신과 보수, 감성과 이성, 러시아와 유럽, 피아노와 오페라 사이에서
자신만의 절묘한 균형점을 찾아 작곡가 의도에 충실한 음악세계를 만들어나갔던 리히테르의
연주는 러시아적이라기보다는 구조주의적이었다.
또한 현대적이되 자아도취적인 낭만적 스타일을 추구했다. 그러나 그 현대적 도취감이
즉흥적 파생물이 아니라 자신의 존재방식을 지키기 위한 고집스러움이라고 한다면 그 역시
엄격한 고전주의자라고 할 수 있을 것이다.
리히테르에 대한 글렌 굴드의 언급만큼 정확한 표현은 없을 듯하다.
"리히테르는 자신의 연주를 연결고리로 작곡가와 청중들을 매개시켜 줌으로써 우리로
하여금 그 작품에 대해 새로이 인식하게 만들 뿐 아니라, 지금까지의 고정관념을 깨고
그 작품에 대한 전혀 다른 해석도 보여준다"
1915년 3월 20일 우크라이나의 지토미르에서 태어난 리히테르는 그리그와 슈레커와 친분이
있던 피아니스트이자 작곡가, 오르가니스트인 폴란드-독일계 아버지로부터 음악적 환경을
받을 수 있었다.
시민 혁명 이후 오데사로 가족이 집을 옮긴 뒤 리히테르는 미술과 문학, 영화에 더 관심이
있었고 그의 연주에도 아버지는 큰 관심을 보이지 않았다.
아버지로부터 가장 기본적인 것만을 배웠을 뿐 거의 독학으로 피아노를 배워나갔던 그는
14세에 오데사의 한 해군클럽에서 피아노 반주를 시작했다.
15세에는 엄청난 양의 오페라 악보를 읽어나가며 오페라 리허설 반주에 몰두했으며 18세
무렵에는 오페라 하우스에서 발레연습 반주를 할 수 있었다.
1934년에는 기본 피아노 레퍼토리를 배우지도 않았고 전문적인 연습도 없었던 그로서는
대담한 시도라고 말 할수 있는 쇼팽 리사이틀을 오데사의 기술자 클럽에서 열었다.
이를 통해 본격적인 프로 연주자로 발돋음했다.
그러나 오데사에서 생겨나기 시작했던 반 독일정서로 인해 모스크바로 떠났고 바로 여기서
피아니스트 하인리히 네이가우스를 만나게 된다.
리히테르는 이미 오데사에서 네이가우스의 연주를 듣고 그의 비상하는 듯한 상상력에
사로잡혔다.
이와는 반대로 1937년 리히테르의 연주를 들은 네이가우스 역시 너무도 감동한 나머지
모스크바 음악원 입학을 도와준다.
역시 우크라이나 출신이자 독일인 아버지를 둔 네이가우스는 후일 리히테르로부터 '친숙한
중립성'을 배웠다고 토로한바 있다.
그만큼 리히테르는 작품을 분석하는데 있어서 스타일이나 전통에 얽매이지 않고 자신만의
주관을 객관화시키는데 천부적이었다.
2차대전 중 아버지가 총살을 당하고 어머니는 독일로 떠나버리자 네이가우스는 리히테르의
아버지의 역할까지 도맡았다.
그리고 1942년 6월에는 정식 리사이틀을 열 수 있도록 도움을 주었다.
청중들은 피아니스트 리히테르의 당당한 기운, 엄청난 테크닉에 압도되었다.
1944년 리히테르는 학교를 졸업하자마자 소련의 각종 연주회로부터 러브콜을 받으며 소련의
예술 영웅으로 칭송받았다.
피아니스트로서 소련 내 최고의 연주자로 손꼽히던 그는 1952년에는 작곡가 미하일
글린카를 소재로 한 영화에 리스트로 분장하고 출연한 독특한 경력 또한 가지고 있다.
리히테르는 스탈린이 서거한 뒤 1960년대부터 불기 시작한 사회적 변화에 부응해 철의
장막에서 벗어나 서방 세계에 본격적으로 모습을 드러내기 시작했다.
1960년 미국으로의 첫 연주여행(이전에 미국에 선보인 에밀 길렐스가 "리히테르를 들을 때까지
기다려달라"로 언급한 것은 유명하다)을 떠나 병적일 정도로 광적인 환호를
받았다.
1961년에는 영국과 프랑스에도 그 모습을 드러내며 살아있는 전설로서 그 유명세를 떨치기
시작했다.
그러나 그는 자신의 명성이 높아질수록 음악 외 것들은 결코 공개하지 않았다.
1970년 다비드 오이스트라흐와의 미국 연주회에서 반공주의자들의 난동으로 연주회가 중단된
이후 그는 죽을 때까지 미국에서 연주회를 가지지 않았다.
대신에 동서유럽을 중심으로 자신만의 왕국을 쌓아나가기 시작했다.
프로코피에프와 스크리아빈, 라흐마니노프, 차이콥스키, 무소르그스키와 같은 러시아
작곡가들의 작품은 물론 리스트와 쇼팽, 브람스, 슈만, 슈베르트, 베토벤과 같은 정통
레퍼토리, 독일과 프랑스의 바로크와 고전, 현대 및 프랑스 작곡가의 인상주의 작품들을
포함한 피아노로 가능한 모든 솔로 및 협주곡 레퍼토리가 그의 손끝에서 연주되었다.
그는 혼자서 연주하는 것보다는 친구들과 함께 하는 음악 만들기를 사랑했다.
그만큼 실내악과 앙상블 작업은 그의 경력 가운데 가장 중요한 부분이다.
가장 먼저 소비에트 시절 함께 했던 다비드 오이스트라흐와 므스티슬라브
로스트로포비치와의 앙상블은 결코 잊을 수 없는 기억으로 이들은 새로운 러시아 스타일의
음악을 창조해낸 트로이카라고 말할 수 있다.
이 외에 그와 절친한 사이었던 벤자민 브리튼과의 연주도 60~70년대 그를 특징지을 수 있는
이벤트이고 디트리히 피셔-디스카우의 가곡 반주자(후일 페터 슈라이어와도 함께
했다)로서의 활동 또한 역사적 업적으로 평가받는다.
1970년대 이후에는 젊은 음악가들과 호흡을 함께 했다. 특히 후배 피아니스트인 졸탄 코치슈,
엘리자베스 레온스카야 등을 각별히 아끼며 함께 듀오 리사이틀도 열었고 바이올리니스트
올레그 카간, 첼리스트 나탈리 구트만, 비올리스트 유리 바슈메트와 함께 실내악 연주와 듀오
리사이틀 또한 자주 가졌다.
그리고 전문 실내악 단체인 보로딘 4중주단과도 많은 연주회를 했다.
거구의 몸으로 청중을 압도했던 그는 말년에는 홀 안의 모든 불을 끄고 악보를 앞에 놓은
채 건반 옆에 단 하나의 조명만 놓고 연주하는 분위기를 선호했다.
이는 청중에게는 음악에 대한 집중력을 자신에게는 악보 그 자체에 대한 집중력을 이끌어내기
위해서였다.
레코딩 또한 평생에 걸쳐 엄청난 양을 남겼다. 그가 존경해 마지 않았던 지휘자 므라빈스키와
더 많은 녹음을 남기지는 못했다는 것이 안타깝지만 그가 칭송해 마지 않았던 카라얀과의
베토벤 '3중 협주곡'과 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번'(비록 당시 해석에는 마음 들어 하지
않았지만)을 비롯하여 지휘자 마타치치와의 그리그 '피아노 협주곡'(자신이 가장 마음에
들어했던)과 지휘자 비슬로키와의 '라흐마니노프 2번'을 비롯하여 엄청난 양의 협주곡을
레코딩했다.
전혀 다른 작품들로 80개 이상의 연주회 프로그램을 짤 수 있다고 자랑했던 독주곡
레퍼토리에서는 정리할 수도 없을 만큼 방대한 양의 레코딩이 남아있다.
특히 러시아 레퍼토리, 슈만이나 리스트 같은 낭만주의 시대 작품, 빈 고전파 작곡가들의
작품에서 압도적인 연주를 보여준 바 있다.
글렌 굴드는 리히테르가 레코딩 테크놀로지에 관심이 없어했음을 아쉬워했다.
실제로 많은 녹음을 진행한 베테랑 연주가이기도 한 리히테르는 레코딩의 완성도에는
그다지 큰 관심이 없었다.
그런 까닭에 스튜디오 레코딩보다 많은 양의 라이브 레코딩들이 여기저기서 쏟아져 나올 수
있었는데 이 많은 음반들 어느 하나 리히테르의 카리스마와 진지함이 배어있지 않은 음반이
없을 정도로 그는 매순간 최선을 다했다.
1995년 뤼벡에서 마지막 연주회를 가진 뒤 청력 이상으로 은퇴를 한 리히테르는 2년 뒤인
1997년 8월 1일 모스크바의 한 병원에서 심장발작으로 세상을 떠났다.
비올리스트 바슈메트의 연주와 지인들의 추모를 받으며 교회에서 간소한 장례식을 거친 그의
유해는 생전에 친분을 나누었던 세르게이 프로코피에프, 드미트리 쇼스타코비치, 하인리히
네이가우스, 블라디미르 소프로니츠키, 에밀 길렐스, 다비드 오이스트라흐 등의 거장들이
묻힌 노보데비치 공동묘지에 안장되었다.
약력
1937 모스크바 음악원 네이가우스 문하로 입학
1940 모스크바 공식 데뷔 연주회
1945 러시아 음악 콩쿠르 1위
1950 스탈린 상 수상
1958 불가리아 소피아 연주회 실황
1960 첫 미국 연주 여행
1961 영국, 프랑스 등의 서유럽 데뷔 연주회
1994 서울 예술의 전당 내한 연주회
1995 뤼벡에서의 마지막 연주회 후 은퇴
[ 앨범감상 ]
10. Wladyslaw Szpilman - The Original Recordings of the Pianist (OST)
Wladyslaw Szpilman (Pf)
1) Chopin, Nocturne C# Minor
2) Rachmaninoff, Prelude G# Op.32,12
3) Schumann, Fantasie C Major
4) Szpilman, Concertino For Piano And Orchestra
5) Debussy, Images, Set 1
6) Szpilman, Paraphrase Of A Waltz By Robert Stoltz
7) Albeniz, Chant D'espagna
8) Kreisler, Liebesleid
9) Chopin, Mazurka Op.17- No.4
10) Bach, Partita BWV 1004- Chaconne No.2 D Minor
11) Chopin, Nocturne C# Minor (1948 Recording)
피아니스트 (The Pianist)
제2차세계대전에 자행된 유대인 대학살의 소용돌이 속에서 기적적으로 살아남은 피아니스트
블라디슬로프 스필만의 자서전 '피아니스트 The Pianist'를 영화화하였다.
폴란드의 로만 폴란스키가 감독을 맡았고, 애드리언 브로디, 토마스 크레슈만 등이
출연하였으며 프랑스·영국·독일·폴란드·네덜란드가 합작하였다.
1939년 유명한 유대계 피아니스트 블라디슬로프 스필만은 폴란드 바르샤바에 있는 라디오
방송국에서 쇼팽의 야상곡을 연주하던 중 폭격을 당한다.
얼마 뒤 유대인 강제 거주지역인 게토에서 생활하던 스필만과 가족들은 죽음의 수용소로
가는 기차에 몸을 싣게 되는데 유명한 피아니스트를 알아본 군인들이 스필만을 기차에 타지
않게 함으로써 혼자만 살아남는다.
여러 사람들의 도움으로 나치의 눈을 피해 숨어 다니며 은신처에서 숨막히는 생활을 하던
스필만은 어느 날 독일군 장교에게 발각된다.
정체를 묻는 장교에게 스필만은 자신이 피아니스트였다고 대답한다.
장교는 그에게 연주를 명령하고 스필만은 혼신을 기울여 어쩌면 지상에서 마지막이 될지도
모를 연주를 시작한다.
몇 년 뒤 나치가 패전하고 상황이 바뀌자 스필만은 그 장교를 찾아나서지만 다시 만나지 못한다.
'피아니스트'는 기존의 홀로코스트 영화와는 달리 예술과 인간의 진실에 더욱 치중한다.
즉 유대인과 나치는 단순한 선과 악의 대립항이 아니라는 사실, 인간은 혈통과 이데올로기로
구분짓기에는 너무나 복잡한 존재라는 사실을 영상으로 표현한다.
또 이 영화는 실존 인물인 스필만의 이야기이지만 동시에 폴란드 출신인 로만 폴란스키 감독의
자전적 체험이 반영된 영화이기도 하다.
폴란스키는 어린 시절 유대인 어머니가 강제 수용소의 가스실에서 목숨을 잃는 불행을 겪었다.
2002년 제55회 칸영화제 황금종려상을 수상하였고 2003년 1월에는 전미영화비평가협회(NSFC)가
선정하는 최우수영화상·감독상·남우주연상(애드리언 브로디)·각본상(로널드 하우디) 등을
수상하였다
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