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1. Bach, Violin Concerto No.2 in E, BWV 1042
Nathan Milstein(Vn/cond) / Chamber orchestra
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro assai
♣ 바이올린 협주곡 제2번 E장조 BWV 1042
바흐의 쾨텐 시대 레오폴트 대공 소속의 악장이었던 무렵 작곡되었다.
바이올린 협주곡은 6곡이 완성되어 있지만 현존하는 것은 제1번 · 제2번 · 제3번 · 복협주곡의
등으로 어느 것이나 비발디의 영향을 받은 자취를 엿볼 수 있다.
그 중에서 가장 애호받고 있는 것이 이 제2번으로 바흐의 음악이 망각되고 있던
19세기 무렵에도 즐겨 연주되고 있었다.
협주곡 E장조 BWV 1042의 독특함은 춤곡 같은 피날레에서 비롯된다. 이 부분의 론도
방식은 바흐의 다른 곡에서는 결코 찾아볼 수 없다.
악기 편성은 독주 바이올린·현합주·통주저음 악기 쳄발로이다.
나탄 밀슈타인 (Nathan Milstein, 1903. 12. 31 ~ 1992. 12. 21)
러시아의 오데사에서 태어난 미국의 명 바이올리니스트. 오이스트라흐와 마찬가지로
오데사에서 스토리알스키에게 바이올린을 배우고 10세 때에 공개 연주를 가졌다.
드 귀 페테르부르크 음악원에 입학하여 아우어의 문하생이 되고 후에는 벨기에서
이자이의 가르침도 받았다.
1923년에 솔리스트로 데뷔하고, 곧 호로비쯔와 함께 국내 각지에 연주 여행을 가졌다.
1925년에 파리에 데뷔하고 이어 1929년에는 스토코프스키 지휘 필라델피아 관현악단의
공연으로 미국에 데뷔하여 그 압도적인 성공에 의해서 명성을 확립했다.
그 뒤 미국에 귀화한 밀슈타인은 세계의 손꼽는 바이올리니스트로서 화려한 활동을
계속하여 70대를 맞이해서도 여전히 제1선에서 활약헀다.
실로 반 세기를 넘는 긴 연주의 생명은 바이올리니스트로서는 이례적이라 해도 좋다.
밀슈타인은 거의 하이페츠와도 필적하는 기교의 소유자이며 더구나 음은 어디까지나 맑고
아름답다.
아마 음량은 그리 풍부한 사람은 아니지만 음에는 훌륭한 팽팽함과 빛남이 있다.
음색이나 표현에 약간 차가움이 느껴지기도 하지만 그러나 실제로 음에는 충분한 따뜻함이
있으며, 패기에 넘친 연주를 한다.
그러나 그보다 더 특필해야 할 것은, 이 바이올리니스트의 음악에 항상 담겨진 독특한
기품과 고귀함일 것이다.
귀족적이라는 말이 어울리는 고상한 시정이 은은히 떠돌고 있는 것은 밀슈타인의 매력이다.
그것은 잘 연마된 메카닉이나 부드러운 감촉의 음색미는 물론이고 고아하고 세련된 음악성,
지적이고도 정표하기 그지없는 조탁, 거기다 속이 깊은 인산성의 선물임에 틀림없다.
음악은 격조와 원숙미를 점점 더해 가고 있으며 초대가의 풍격을 지닌 보기 드문
바이올리니스트의 한 사람이다.
2. Brahms, Symphony No.1 in C Minor Op.68
Claudio Abbado(cond), Berliner Philharmoniker
I. Un poco sostenuto - Allegro - meno Allegro
II. Andante sostenuto
III. Un poco Allegretto e grazioso
IV. Adagio - Piu Andante - Allegro non troppo, ma con brio
♣ 브람스 교향곡 1번 C 장조 Op.68
바흐, 베토벤과 더불어 독일음악의 3대 거장으로 불리우는 요하네스 브람스는 친구 헤르만
레비에게 다음과 같은 편지를 보낸 적이 있다.
"거인이 내 뒤로 뚝벅뚜벅 쫓아오는 소리를 항상 들어야 한다고 생각해 보게. 그 기분을
자네는 전혀 상상할 수 없을 걸세".
이 편지는 브람스가 베토벤의 9개 교향곡을 얼마나 의식하고 있는지 잘 드러내는 사례이다.
거인 베토벤의 9개의 교향곡이 유럽 음악계를 휩쓸고 지나간 후 그에 필적할 만한 교향곡은
좀처럼 나타나지 않았다.
베토벤 이후 많은 음악가들이 그가 완성한 위대한 교향곡을 모방하였고 그를 뛰어넘으려고
했다. 그러나 또 하나의 걸작은 탄생은 요원한 일이었다.
당시 뛰어난 음악비평가로 명성을 날리고 있던 슈만은 점점 활기를 잃어가는 가는 독일
음악계의 상황을 안타까워 하며 새로운 세대의 음악과 새로운 교향곡이 등장해 이 답답한
분위기를 쇄신해 줄 것을 바랬다.
그것은 슈만 그 자신조차에게도 어려운 문제였다. 베토벤의 벽을 어떻게 넘을 것인가?
드디어 여기에 브람스의 교향곡 제 1번이 등장한다.
브람스의 교향곡 제1번이 1879년 11월에 초연되었을 때 그의 나이는 43세였다.
마흔이 넘어 첫 교향곡을 발표한 것만 보더라도 브람스가 이 작품에 얼마나 신중하게 공을
들였는지 짐작해 볼 수 있다.
작곡에 첫 돌입한 시기는 22세였다. 당시 브람스는 슈만의 만프레드 서곡을 듣고 감동을
받아 한참 관현악에 대한 열정을 불태우고 있을 때였다.
그러나 최초의 구상 아이디어는 피아노 협주곡 2번으로 모습을 바꾸어 완성되었고, 교향곡
제 1번의 진도는 좀처럼 나아가질 못했다. 브람스의 구상은 지극히 신중했다.
언제나 베토벤의 9개 교향곡을 의식하고 있었기 때문이다.
1악장을 완성한 때는 1862년, 7년 뒤의 일이었다. 그리고 12년이 지난 1874년 다시
본격적으로 작곡에 착수해 1876년 9월에 드디어 최종적으로 완성본을 얻었다.
교향곡 제1번 탄생에 20년의 세월이 걸린 것이다. 엄격하고 고지식한 성품의 브람스는 작곡도
작품 발표도 신중했다.
드디어 교향곡 제1번이 초연되었을 당시 당대의 명지휘자 한스 폰 뷜로우는 "우리는 드디어
제 10번 교향곡을 얻었다"고 감격했다는 일화가 있다.
불멸의 9개 교향곡의 뒤를 잇는 또 하나의 교향곡이라는 뜻이었다.
당시 리스트와 바그너가 전통에서 탈피한 새로운 낭만주의 음악의 열풍을 한참 일으키고 있을
때에도 브람스는 독일 전통의 고전주의 음악을 굳건히 지키고 있었다.
한편으로는 지나치게 베토벤을 의식해 브람스 특유의 개성이 드러나지 않는 작품으로
여겨지기도 한다.
클라라 슈만은 그런 이유로 이 작품을 좋게 보지 않았다.
심각한 형식, 스케일을 살려내는 것에 몰두해 브람스 특유의 선율미는 느껴지지 않는다.
그러나 전통을 계승하고 이후 등장할 새로운 교향곡 출현의 산파 역할을 했다는 점에서 대단히
중요한 작품으로 평가받고 있다.
운명 교향곡을 모범적 스타일로 삼아 작곡한 교향곡 제1번은 베토벤의 인상이 강하게 느껴진다.
특히 1악장은 운명 교향곡의 1악장, 4악장의 주제는 합창 교향곡의 '환희의 주제'를 연상케한다.
이런 유사점을 간파하고 한스 폰 뷜로우는 10번 교향곡이라고 일컫기도 했다.
그러나 장중하고 엄숙한 분위기, 심원한 깊이의 선율과 우수에 젖은 목가적인 분위기, 특히
4악장 마지막 피날레에서 모든 갈등이 해결되고 강물처럼 흐르는 긴장감 해소는 브람스 만의
감수성이 빚어낸 표현으로 그가 20년을 바쳐 얻어낸 최고의 순간을 증명한다.
■ 추천음반
샤를 뮌쉬(1968, EMI)의 녹음은 오랫동안 인구에 회자되어온 음반으로 억제되지 않는 호방한
열기와 뜨거운 감정분출이 인상적인 연주이다.
줄리니의 연주(1991, DG)는 작품의 유장한 흐름을 느릿한 템포와 중후한 음색으로 그려낸 품격이
돋보인다.
오랫동안 독일 교향악을 지휘해온 귄터 반트(1989, RCA)는 큰 스케일과 정확한 비트가 돋보이는
명연이다.
아바도의 음반(1989, DG)은 폭발과 섬세함이 정확하게 교차하는 생명력 넘치는 연주이며
구하기는 어렵지만 칼 뵘의 1959년 DG음반이 명반으로 꼽히고 있다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의
'교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Rachmaninov, Piano Concerto No.3 in D minor, Op.30
Vladimir Ashkenazy(Pf) / Anatole Fistoulari(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro ma non tanto
II. Adagio
III. Finale - Alle breve
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번 D 단조 Op.30
1873년 러시아에서 태어나 1943년 미국에서 생을 마감했던 세르게이 라흐마니노프는 자기 자신을
작곡가라고 생각했지만 생의 마지막 30여년 동안에는 자신의 작품을 연주하고 녹음하는
피아니스트라는 두 번째 직업을 가질 수밖에 없었다.
볼세비키 혁명 이후 이역만리 타국에서 생활하기에 작곡가라는 직업은 배가 고플 수 밖에 없었다.
그러나 이 세월 동안 그가 보여준 놀라운 피아노 음악의 경지는 사람들로 하여금 커다란 반향을
일으켰고 결국 그를 전설적인 피아니스트로 아로새길 수 밖에 없게 만들었다.
정력적이고 외향적이었던 그의 친구, 피아니스트 요제프 호프만에 비해 라흐마니노프는
사색적이고 내향적이었는데, 그가 연주를 시작하면 곧 음표가 구조에 달라붙듯이 청동처럼 견고한
건축물로 변화하였다.
한편 호프만이 자연스럽고 다채로운 음색과 변덕스러울 정도로 거침없는 스타일을 구사한 반면
라흐마니노프는 고집스러울 정도로 한결같은 음색과 기계적일 정도로 잘 계산되고 정돈된 스타일을
보여주었다.
그의 사진에서도 느낄 수 있는 수도승과도 같은 이미지, 즉 삭발에 가까운 머리 스타일과 고정된
시선 굳게 닫힌 입술에서 느낄 수 있는 엄격함은 곧 그의 연주 및 작곡 스타일에서도 똑같이
적용되었다.
러시아의 정서와 작곡가의 시성이 매 순간을 아름답게 채색하는 '피아노 협주곡 2번'이
라흐마니노프를 있게 한 가장 대중적이고 유명한 작품일지는 모르겠지만 '3번 협주곡'이야말로
피아니스트로서 자신의 한계를 넘어서고자 한 초월적 의지를 반영한 작품이다.
진정한 의미에 있어서 피아노의, 피아노를 위한, 피아노에 의한 협주곡이다.
오죽하면 작곡가 자신도 이 작품을 “코끼리를 위해 작곡했다”라며 곤혹스러워했을까.
1909년 라흐마니노프는 이바노프카의 시골집에서 평화로운 나날을 보내면서 자신의 미국 데뷔
무대를 위한 새로운 피아노 협주곡을 작곡했다.
그러니까 이 '3번 협주곡'은 순수하게 미국을 위해 작곡한 곡으로서 작곡가로서는 자신의 기량을
한 번에 쏟아내어 새로운 무대를 휘어잡을 만한 도구가 필요했던 것이다.
그의 바램대로 피아노 협주곡 역사상 무서우리만큼 가공할 만한 테크닉과 초인적인 지구력과
상상을 뛰어넘는 예술적 감수성과 시적 통찰력을 요구하는 매머드급 작품이 탄생했다.
이 곡은 라흐마니노프를 미국으로 이끌었을 뿐더러 예술적 동료로 평생토록 깊은 우정을 나누었던
피아니스트 호프만에게 헌정되었다.
그러나 아이러니하게도 호프만은 이 작품을 연주하기에는 손이 작았기 때문에 공개석상에서는 한
번도 연주하지 못했다고 한다.
1909년 11월 28일, 이 곡은 월터 담로슈(의 지휘와 뉴욕 필하모닉의 연주와 라흐마니노프 자신의
피아노 연주로 초연되었고 7주 후 구스타브 말러의 지휘로 다시 한 번 연주되었다.
작품에 대한 청중들의 반응은 '피아노 협주곡 2번' 초연 때만큼 뜨거웠다고는 말하기 어렵지만
오히려 연주자 라흐마니노프에게 관심이 집중되며 커다란 성공을 거두었다.
이 날의 성공 덕택에 다음 시즌 연주회를 위한 계약이 쇄도했고, 보스턴 심포니 오케스트라의
상임 지휘자 직책까지 제안받을 수 있었다.
이 작품은 연주하기가 너무나 힘들 뿐더러 그 정서적 표현 역시 당시로서는 대단히 혁신적인
곡이었다.
그래서 대중적으로 어필하기까지에는 1960년대 피아니스트 블라디미르 아쉬케나지가 등장할
때까지 50여년의 세월을 기다려야만 했다.
그러나 이보다 앞선 1928년 한 젊은 러시아 피아니스트가 나타나 이 '3번 협주곡'을 말 그대로
'삼켜버린' 사건이 벌어졌다.
1928년 1월의 어느 날 뉴욕 카네기 홀 맞은 편에 위치한 스타인웨이 쇼룸에 두 명의 러시아
음악가가 마주보고 앉아 있었다.
한 명은 시대의 거장으로 손꼽히는 라흐마니노프였고 다른 한 명은 막 미국에 도착한 스물 다섯
살의 젊은 피아니스트인 블라디미르 호로비츠였다.
1월 12일 지휘자 토머스 비첨과 뉴욕필과의 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번' 연주로 전설적인
데뷔 무대를 가진 호로비츠는 여세를 몰아 2월 23일에 라흐마니노프가 '3번 협주곡' 초연시
함께 했던 지휘자 담로슈의 지휘로 '3번 협주곡'을 연주하기로 했다.
이 만남은 이 연주회를 위해 작곡가와 연주자가 함께 한 리허설 성격의 만남이었던 것이다.
바로 그 날의 만남이 음악사에 있어 ‘역사적인 만남’이라고 기록되는 이유는 곡의 창조자
라흐마니노프가 자신의 '피아노 협주곡 3번' 연주에 관한 '권위의 봉인'을 호로비츠에게
물려주는 자리였기 때문이다.
언젠가 라흐마니노프는 호로비츠 연주를 듣고 너무 놀라 입을 벌린채 넋을 잃었다고 친구에게
말했을 정도로 무한한 신뢰를 보냈는데 특히 후배인 아브람 카신스에게 "호로비츠는 이 작품을
통째로 삼켜버렸네"라고 언급했을 정도였다.
그 정도로 '피아노 협주곡 3번'과 호로비츠는 샴 쌍둥이와 같은 운명이었다.
이 자리에서 라흐마니노프는 호로비츠의 조언에 따라 1악장과 2악장에서 짧은 삭제 부분을
결정했고(호로비츠는 2악장과 3악장에서 보다 더 삭제된 버전으로 연주, 녹음했다), 1악장의
솔로 카덴차를 보다 짧게 단축시켰으며, 2악장과 3악장의 짧은 피아노 부분들에 대한 두 장
분량의 얼터너티브 솔로 패시지를 과감하게 생략했다.
이러한 수정을 모든 연주자들이 따르게 강제한 것은 아니었지만, 여러 이유에 의해 이 관습은
작곡가에 대한 가장 정중한 예의이자 호로비츠에 대한 무한한 존경의 표시로 받아들여지게
되었다.
낭만주의 러시아 피아니즘의 진정한 적자임을 대변하는 ‘권위의 인장’은 '3번 협주곡'을
통해 라흐마니노프를 거쳐 호로비츠에게 주어지게 된 것이다.
1930년 최초로 이 작품을 녹음한 이후 총 여섯 종의 레코딩을 남겼던 호로비츠에게 있어서 이
작품에 대한 진정한 라이벌은 작곡가도 다른 연주자도 아닌, 바로 자기 자신밖에 없었다.
작곡가가 서거한 지 40여 년이 지난 1982년, 런던에서 연주회를 가질 당시 호로비츠는 작곡가
라흐마니노프에 대해 다음과 같이 회상했다.
"그는 내가 아는 한 가장 위대한 인간이자 위대한 작곡가이며 또한 위대한
피아니스트였습니다"
작곡가에 대한 무한한 애정과 존경을 평생토록 가슴 속에 새겨놓았던 호로비츠야말로 이 '3번
협주곡'을 삼킬 자격이 있었던 것이다.
■ 추천음반
경쟁자는 자기 자신밖에 없다는 평가를 받는 호로비츠의 6종 레코딩 중 2종의 연주를 추천한다.
하나는 1951년 라이너 지휘로 녹음한 스튜디오 레코딩(RCA)이고 다른 하나는 1978년
라흐마니노프와 함께 이 곡을 녹음했던 오먼디 지휘로 녹음한 라이브(RCA)이다.
두 연주는 스타일과 해석에 있어 차이가 나는데 전자는 고전적인 반면 후자는 도취적,
자의적이다.
반 클라이번과 키릴 콘드라신(1962, RCA)의 연주는 환상적인 하모니와 강력한 타건이 잘
어우러진 역사적인 명반으로 꼽히고 있다.
아쉬케나지-하이팅크 녹음(DECCA)은 가장 스탠다드한 명연으로 손꼽히며 호로비츠의 재래로
일컬어지는 볼로도스는 러시아 비르투오소를 잇는 우리 시대의 명반이다.
블라디미르 아슈케나지 (Vladimir Ashkenazy, 1937. 7. 6 ~)
피아노 주자이기도 하며 소련 출신이지만 현재는 아이슬란드의 국적을 가진 세계 유수의
피아니스트중 한 사람이다.
모스크바 서쪽의 도시 고리키에서 음악가 집안에서 태어났으며 원 이름은 블라디미르 다비도비치
아슈케나지이다.
6세 때부터 피아노를 배우고 다음해에는 일찍이 학생 오케스트라와 공연하여 하이든의 '피아노
협주곡'을 연주하였을 정도로 눈부신 재능을 보였다.
그 후 방송에도 출연하였는데 9세 때 모스크바 음악원 부속의 중앙음악학교에 입학하여 산베티안
여사에게 배웠다.
1955년 18세의 나이로 10년제 음악학교를 졸업하고 그해 바르샤바의 쇼팽 국제 콩쿠르에 나가
2등으로 입상하였다.
이어서 모스크바 음악원에 입학하여 레프 오보린과 그의 조수 보리스 젬리얀스키를 스승으로 삼고
가르침을 받았다.
1956년 아슈케라지는 엘리자베트 왕비 국제 콩쿠르에 참가해 1등으로 우승하여 그 결과 벨기에 각
도시와 동서독일, 미국, 캐나다에서 연주하였는데 경이적인 성공을 거두었다.
EMI와 소련 멜로디아에서 레코드로 발매되어 아슈케나지의 명성은 국제적으로 높아졌지만 그는 그
후도 모스크바 음악원에서 공부를 계속하고 1960년에 음악원을 졸업하였다.
1961년 아슈케나지는 모스크바 음악원에 유학중이던 아이슬란드의 여류 피아니스트와 결혼하였다.
그 다음해 제2회 차이코프스키 콩쿠르에 출장하여 영국의 존오그돈과 함께 공동 1위로 입상하여
세계적인 제일급의 피아니스트로서 인정을 받았다.
그리고 부인의 희망에 따라 1963년부터 영국에 집을 마련하고 1968년부터는 아이슬란드의
레이키아비크에서 부인과 네 자녀와 함께 살고 있다.
물론 피아니스트로서 유럽과 미국에서 활발한 연주 활동을 계속하고 있지만 한편 아이슬란드에서
2년마다 개최되는 음악제의 고문으로 일하고 있다.
1975년경 지휘 활동을 시작했으며 1977년에는 영국에서 정식으로 지휘자로 데뷔하여 최근에는
지휘자로서의 녹음도 시작했다.
그는 1969년 소련에는 돌아가지 않겠다는 것을 선언하였고 1972년에는 미국의 신문을 통해 소련의
체제를 비판한 것이 화제를 일으켰다.
1974년 정식으로 소련 국적을 이탈하여 아이슬란드 국민이 되었다.
아슈케나지는 현대의 피아니스트 가운데에서도 가장 안정된 기교와 음악성을 갖춘 주목할 만한
연주가이다.
그는 신장이 168cm의 작은 몸매이지만 그의 손은 매우 독특하여 연주에 아주 알맞다.
모스크바 악파가 전후에 정착시킨 합리적인 방법을 승계하여 그 기교에는 조금의 무리도 없으며
더구나 그의 리듬 감각의 예민함은 비견될 사람이 없을 정도다.
큰 음량과 다양한 음색과 풍려한 울림, 터치의 균질 등 피아노 연주에 필요한 모든 조건을 다
갖추고 있다.
그것은 극적인 다이내미즘을 낳게 함과 동시에 정교한 노래를 가능케 하고 있으며 즉흥적인
감흥과 대응함으로써 신선한 생명력과 충실감을 표현하는 것이다.
따라서 레퍼토리는 매우 넓고 각각에 높은 수준의연주를 듣게 할 수 있지만 최근의 연주는
인간적인 성숙까지도 반영시켜 깊은 정서적 표현을 통해 한층 더 그 매력을 느끼게 하고 있다.
레코드도 수많이 나오고 있는데, 그중에는 '베토벤 피아노곡 대전집'(1981년 현재 6권과 그
밖에 2매)이 포함되어 있다.
이 밖에 솔티 지휘의 시카고 교향악단과 공연한 '베토벤 피아노 협주곡 전집', 프레빈 지휘의
런던 교향악단과 공연한 '라흐마니노프 피아노 협주곡 전집', 펄만과 공연한 베토벤 바이올린
소나타 전집'등 대규모의 많은 전집을 완성하고 있다.
이 밖에도 많은 독주 음반과 실내악 음반이 있는데 지휘자로서의 녹음도 앞으로는 늘어날
것이다.
그러나 그중에서도 첫째로 꼽히는 것이라면 라흐마니노프의 '24개의 전주곡' 또는 스크랴빈의
'피아노 소나타 제3번∼제5번'을 꼽을 수 있다.
물론 솔티와의 베토벤이나 프레빈과의 라흐마니노프, 프로코피예프 등도 각각의 작품의
레코드에서 최고의 연주로 꼽을 수 있다고 생각된다.
실황 연주 녹음인 쇼팽의 '장송 행진곡'도 잊을 수 없는 명연주라고 해도 과언이 아니다.
아슈케나지는 1988년 가을부터 베를린 방송교향악단의 수석 지휘자로 취임하여 그의 인생에
있어서 황금기를 누리고 현역에서 은퇴했다.
4. Schumann, Piano Concerto in A minor, Op.54
Martha Argerich(pf) / Alexandre Rabinovitch-Barakovsky(cond), Orchestra della Svizzera Italiana
I. Allegro affettuoso
II. Intermezzo (Andantino grazioso)
III. Allegro vivace
♣ 슈만 피아노 협주곡 A 단조 Op.54
피아니스트로서 그리고 피아노를 사랑하는 작곡가로서 로베르트 슈만은 젊은 시절부터 피아노와
오케스트라를 위한 작품을 작곡하려는 꿈을 가지고 있었다.
그러나 오케스트레이션 작업에 보다 많은 훈련과 노련함을 필요로 했던 슈만은 자신의 꿈을
구체화하는 데에는 꽤 많은 시간을 필요로 했다.
그러한 만큼 결혼 무렵까지 슈만은 피아노 솔로 혹은 피아노를 수반한 가곡을 중심으로 작곡을
했다.
다양한 경험과 모진 시련 및 사랑의 결실을 체험한 다음인 1841년 라이프치히에서 자신의 모든
것을 쏟아붓기를 작정한 듯 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡을 작곡했다.
1839년 12월 11일 그는 슈베르트의 '9번 교향곡 더 그레이트'의 리허설을 보고난 뒤 친구인
베커에게 "나의 모든 이상이 그 안에서 구현현되어 있다"며 흥분을 감추지 못했다.
자신이 작곡하고자 하는 작품에 대해 "교향곡과 협주곡, 그랜드 소나타의 중간 형태"라고
설명하고 있다.
1840년 결혼과 더불어 엄청난 가곡을 쏟아냈던 슈만은 멘델스존이 지휘한 슈베르트의 '더
그레이트' 초연을 들은 뒤 자신의 '1번 교향곡'에 대한 영감을 받았음과 동시에 1악장의 저
장대한 호른의 등장을 자신이 작곡하고 있는 피아노 협주곡의 첫 부분에 차용하기로
마음먹었다.
그리고 그는 모차르트와 베토벤 이후 피아노와 오케스트라의 유기적인 통합이 배재된 채
독주자의 비르투오시티만을 강조하는 과시형 협주곡들이 나타나는 것에 대해 극도의 불쾌감을
피력한 바 있다.
그의 목표는 고전적 이상에 의거한 피아노와 오케스트라의 일체화된 서사시를 작곡하는
것이었다.
이렇게 탄생하게 된 것이 바로 단악장의 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡이다.
이후 슈만은 이와 같은 단악장 형태의 콘체르트슈튀크 작품을 1849년 드레스덴에서
인트로덕션과 알레그로 아파쇼나토 Op.92를 작곡했고 1853년 뒤셀도르프에서 인트로덕션과
알레그로 콘체르탄테 Op.134를 작곡했다.
1841년은 슈만에게 있어서 '교향곡의 해'에 해당한다.
'교향곡 1번'과 후일 '교향곡 4번'이 된 두 번째 교향곡을 작곡하는 시기에 탄생한 피아노
협주곡은 당시 슈만의 의도대로 오케스트라의 효과와 구성에 많은 힘을 쏟은 모습을 곳곳에서
찾아볼 수 있다.
그러나 '4번 교향곡' 또한 원래는 '교향적 환상곡'이라는 타이틀로 출판하고자 했었다.
아마도 전통적인 교향곡에 있어서의 소나타 형식보다는 낭만주의자로서 자신의 기질이 보다
자유분방하고 발전적인 양식을 도입한 환상곡 형식에 슈만은 많은 애착을 갖고 있었음을
미루어 짐작할 수 있다.
이러한 맥락에서 자신의 피아노 협주곡 또한 전통적인 협주곡의 형식에서는 많이 벗어나 있는
오히려 그 변화하는 주제의 모습들은 어딘지 변주곡을 떠올리는 까닭에 환상곡이라는 제목을
붙이고자 했다는 가정에 높은 개연성을 부여할 수 있을 것이다.
실제로 1841년 5월 13일에서 20일 사이에 쓴 일기에 따르면 슈만은 피아노와 오케스트라를
위한 환상곡을 독립된 작품으로 출판할 생각이었지만 마땅한 출판사를 찾을 수가 없었다.
이후 4년이라는 시간을 더 투자하여 2악장과 3악장을 작곡하여 1845년 여름에 이르러
정식적인 피아노 협주곡이라는 제목을 붙인 작품으로 완성했다.
그 해 12월 4일 드레스덴에서 페르디난트 힐러의 지휘와 슈만의 아내인 클라라 슈만의 피아노
연주로 초연되었다.
이어 1846년 1월에는 라이프치히에서 멘델스존의 지휘와 클라라의 협연으로 연주되어 커다란
성공을 거두었다.
슈만은 비르투오소들을 위한 협주곡에 담긴 자기과시적인 요소를 배재하고 순수 음악적인
효과와 구조적인 맥락을 추구하기 위해 피아노와 오케스트라에 동등한 지위를 부여하는 것을
가장 중요시했다.
이를 위해 그는 비엔나의 고전주의 작곡가들의 작품을 의식적으로 계승하고자 노력했다.
특히 피아니스트와 오케스트라가 대화를 주고받는 형식을 강조했다는 점에서 이를 뒷받침할
수 있다.
그러나 슈만은 단순히 전통을 답습한 것이 아니라 자신만의 음악언어 즉 낭만주의적 상상력을
강력하게 발휘하여 새로운 드라마를 만들어냈다.
특히 1악장은 '환상곡'이라는 제목으로 발표하고자 했던 것을 생각해 본다면 그는 피아노와
오케스트라라는 양자의 대화보다는 통합이라는 관점에서 이를 다루고자 했음을 짐작할 수
있다.
바로 이 점이 동시대에 발표된 비르투오소용 협주곡 혹은 형식 파괴에 앞장선 리스트의
피아노 협주곡 등과 전적으로 구분되는 슈만만의 개성이라고 말할 수 있다.
우선 제시부에서 독주와 관현악의 구분이 희미해졌다.
강력한 하행 옥타브로 시작하는 피아노의 다이내믹한 등장으로 시작한 뒤 제시부가 끝날
무렵에야 비로소 잠깐 피아노가 수반되지 않는 오케스트라 총주가 등장할 뿐이다.
주제가 끊임없이 변형함에 따라 독주는 물론이려니와 오케스트라 또한 서정적인 모습을 잃지
않으며 변화해나가는 모습이 특히 그러하다.
게다가 오케스트라는 피아노와 대립하지 않고 종속하지도 않으며 가곡에 있어서 성악가와
피아노의 진실된 관계처럼 서로 조화를 이루며 동반자의 관계를 유지한다.
그 가운데 클라리넷이나 오보에 솔로가 가끔씩 시그널적인 멜로디를 노래 부를 뿐 두드러지는
것은 찾아보기 힘들다.
이것은 어떤 경우에는 실내악적인 정교함을 또 어떤 경우에는 보다 두터운 텍스추어로
음악에 질감과 힘을 더하는데 외형상의 이러한 효과는 후일 브람스가 오케스트라 작품에서
즐겨 사용했던 것이라고 말할 수 있다.
어찌되었던 이 1악장은 환상곡풍을 견지하는 작품임이 분명한데 이러한 모습은 리스트가
자유로운 방식으로 작곡한 헝가리 광시곡과 베토벤이 투철한 계산과 논리적인 발전을
전개시켰던 피아노 소나타의 중간 형태라고 말할 수 있을 것이다.
게다가 여기에는 바흐에 대한 슈만의 동경 또한 등장한다.
1악장 카덴차 부분에서 등장하는 다성부적인 패시지가 그것으로서 슈만은 바흐로부터 많은
아이디어의 자양분과 대위법적 상상력을 얻어왔다.
슈만은 같은 시대의 리스트나 바그너처럼 기교주의나 화려한 외면을 꾸미는 방향에는 공감을
갖지 못했고 오히려 바흐나 베토벤, 슈베르트 등으로 이어 내려온 전통에 입각한 자기
나름의 방향에서 창작하는 것을 사명으로 생각했다.
그렇기 때문에 그는 멘델스존을 높이 평가하고 브람스에게 호감을 가졌다.
이러한 슈만은 멘델스존처럼 바흐의 음악을 끝없이 연구하였으며 젊은 음악가들에게도
그렇게 할 것을 끊임없이 권했다.
이 작품은 슈만의 '교향곡 4번'처럼 쉼 없는 유기체적인 흐름을 내세운 작품은 아니지만 이에
못지 않은 콘텍스트의 연속성과 일관된 흐름을 가지고 있다.
독립된 환상곡에 후일 덧붙인 2악장과 3악장을 보면 이러한 특성을 더욱 강하게 이해할 수
있는데 무엇보다도 첫 악장과 뒤의 두 개의 악장 사이에 일체의 이질감과 소외감을 찾을 수
없다는 것이 그러하다.
오히려 1악장에서의 주제에 정당성과 정합성을 부여하기 위해 나머지 악장들 또한 이 주제와
끊임없이 관련을 맺어 나가며 환상곡 본래의 단일주제적 접근에 충실하고자 했다.
2악장은 나긋나긋하고 차분한 톤의 인터메초 악장이다.
단순한 ABA 구성으로서 피아노와 오케스트라가 주도 멜로디에 대해 끊임없이 대화를 나눈다.
특히 첼로와 피아노가 대화를 나누는 모습은 대단히 인상적으로서 이렇듯 느린 악장에서
첼로를 사용하는 기법은 이후 브람스 또한 자신의 '피아노 협주곡 2번'에서 보다 특징적이고
발전적인 모습으로 계승된다.
피아노는 첫 주제로 돌아온 뒤 다음 알레그로 악장을 향한 힘찬 약진을 준비한다.
피날레는 규모가 큰 소나타 형식에 있어서의 론도 악장으로서 소나타 전체의 주제를 새로운
방식으로 변형한 것이다.
특히 피아니스트로 하여금 고난도의 아르페지오와 8분음표 패시지를 대단히 바쁘게
연주하게끔 하는 부분이 등장하여 비르투오시티를 자랑하지 않으면서도 음악에 적절한
긴장감과 화려한 효과를 부여하는 모습으로부터 슈만의 작곡의도를 파악할 수 있다.
2주제는 미묘한 교차 리듬으로 확장하며 길거나 짧은 단위로 등장한다.
이후 론도 주제가 다시 등장하고 정통적인 방식에 따라 약간의 푸가토가 포함된 숨가쁜
발전부를 거친 뒤 오보에와 피아노의 대화에서 새로운 선율이 제시된다.
재현부 이후에 눈부신 시성과 우아한 지적 고양감이 충만한 코다에 이르러 환상곡풍임을
강조하기 위해 슈만이 그토록 집요하게 사용한 협주곡의 첫 주제가 녹아있다는 사실을 거의
깨닫지 못한 채 낭만주의의 상상력과 고전주의의 엄격함을 결합하여 19세기 피아노 협주곡
장르의 모범으로 일컬어지는 이 작품은 비로소 끝을 맺는다.
■ 추천음반
환상곡풍의 협주적 완결체로서 이 작품을 가장 정확하게 이해하고 표현한 역사적인
녹음으로는 빌헬름 푸르트벵글러와 발터 기제킹의 전시녹음(DG)을 예로 들 수 있다.
이들은 전체가 하나가 된 것처럼 강력한 에너지를 발산하며 그 광기어린 시성에 모든 것을
녹여버리는 듯하다.
음질을 포함한 여러 음악적 완성도에 있어서 그 시들지 않는 청초함과 결벽증적인
완벽주의가 빛을 발하는 녹음으로 디누 리파티와 헤르베르트 폰 카라얀의 녹음(EMI)이 슈만
협주곡의 결정반이라고 감히 말할 수 있다.
카라얀의 템포를 리파티가 받아들이지 않아 녹음이 탄생할 수 없었던 위험한 순간도
있었지만 결국 리파티는 카라얀의 완벽주의적 성격에 존경을 표하며 카덴차 부분 외에는
모든 템포를 카라얀의 스타일에 맞추었다.
머레이 페라이어와 클라우디오 아바도의 녹음(SONY) 또한 두터운 음향을 바탕으로
진취적이고 단일적이며 독특한 시성을 발산하는 연주로 그 명성이 높다.
마르타 아르헤리치와 니콜라우스 아르농쿠르의 녹음(Teldec)은 즉흥성과 광기, 숨 쉴 틈
없는 추진력이 빛을 발하는 현대적 해석의 표본이라고 말할 수 있다.
마르타 아르헤리치 (Martha Argerich, 1941.6.5 ~ )
부에노스아이레스에서 태어난 아르헨티나의 여류 피아니스트로서 일찍부터 재능을 나타내어
수많은 준재를 키운 명교사 스카라무짜에게 배웠다.
8세 때에 남미의 대표적인 연주회장인 콜론 극장에서 모짜르트 협주곡 제 20번과 베토벤의
협주곡 제 1번을 쳐서 데뷔를 장식하여 절찬을 받았다고 한다.
그 뒤 1955년 외교관이던 부친과 함께 유럽으로 건너가 스위스에서 니키타 마갈로프와
리파티 부인을 사사하고 또 빈에서 프리드리히 굴다의 가르침을 받은 뒤 폴란드 출신의
스테판 아스케나제와 이탈리아의 명인베네데티-미켈란젤리를 사사했다.
이 사이에 이미 1956년부터 유럽 각지에서 연주회를 열고 이듬해인 1957년에는 이탈리아의
보르짜노에서 열린 부조니 국제 콩쿠르에서 우승햇다.
또 제네바 국제 콩쿠르에서도 폴리니(제2위)를 누르고 우승하여 널리 유럽악단의 주목을
끌었다.
그리고 이듬해 1960년에는 이 젊은 재능의 장래를 재빨리 인정한 독일 그라모폰과 계약을 맺어
레코딩을 하였다.
그러나 무어라 해도 아르헤리치의 이름이 일약 세계적으로 클로즈업된 것은 1965년의 제7회
쇼팽 콩쿠르에 우승과 (동시에 '마주르카 상'도 수상)했을 때부터이다.
유럽 각지에서 연주회를 개최함과 동시에 이듬해인 1966년에는 미국에서도 데뷔하고 또
1967년에는 에든버러 음악제에 출연하는 등 눈부신 활동을 가져, 항상 압도적인 호평을 받고
있다.
여성이라고 느껴지지 않을 만큼 날카로운 터치와 다이내믹한 표현, 풍부한 음을 가진 그녀의
연주는 또한 남다른 예민한 감각을 갖추고 있다.
더구나 그 예민하고 날카로운 감각이 단순히 그것에만 크치지 않고 항상 샘솟는 듯한 음악에의
감흥과 정열을 수반한 것에 아르헤리치의 남다른 매력이 있다고 할 수 있다.
그리고 그러한 그녀의 특질은 쇼팽과 리스트를 중심으로 한 낭만파로부터 근대 작품에 있어서
특히 훌륭한 성과를 거두고 있는데 근년에는 분방한 정열에 작품에 대한 보다 원숙하며 지적인
어프로우치를 가해서 한층 부드럽고 내면적인 깊이를 더한 잘 연마된 표현을 들려 주고 있다.
또 실내악에 있어서도 타고난 날카로운 감각을 발휘하여 뛰어난 녹음을 남기고 있다.
5. Sibelius, Violin Concerto in D minor, Op.47
Jascha Heifetz(Pf) / Walter Hendi(cond), Chiacago Symphony Orchestra
I. Allegro moderato
II. Adagio di molto
III. Allegro, ma non tanto
♣ 시벨리우스 바이올린 협주곡 D 단조 Op.47
애국적인 교향시 '핀란디아'로 유명한 핀란드의 국민 작곡가 장 시벨리우스는 일생 동안 일곱 편의
교향곡과 다수의 교향시를 발표했다.
반면 협주곡은 바이올린을 위한 것을 단 하나 남겼을 뿐인데 그가 원래 바이올리니스트를
지망했었다는 사실을 떠올리면 못내 아쉬운 일이 아닐 수 없다.
하지만 이 한 곡만으로도 시벨리우스는 협주곡사에 불멸의 족적을 새겼다.
그의 유일한 바이올린 협주곡은 그 스타일과 작품성 면에서 베토벤과 브람스의 걸작들에 비견될
만하며 공연장에서는 차이코프스키의 명곡에 버금가는 최고의 인기를 누리고 있는 것이다.
시벨리우스가 '바이올린 협주곡 d단조'를 작곡한 것은 30대 후반의 일인데 당시 그는 여러모로
난관에 봉착해 있었다.
그 자신의 건강에 이상이 생겼고 가족은 경제난에 시달렸으며 그에 따라 창작을 위한 시간을 충분히
가질 수 없어 고심했다.
무엇보다 '교향곡 제2번'의 대성공에 즈음하여 찾아든 불청객인 귀의 통증이 4년 동안이나 그를
괴롭혔다.
그 동안 그는 혹시 베토벤처럼 청력을 상실할 지도 모른다는 불안과 공포에 시달렸다.
어쩌면 이 협주곡에 투영된 고뇌 어린 표정과 고통스런 몸부림은 그 암울했던 시절의 반향인 지도
모른다.
협주곡은 1903년 가을에 완성되었고 초연은 이듬해 2월 헬싱키에서 시벨리우스 자신의 지휘로
이루어졌다. 하지만 그 초연은 독주자의 능력 부족 탓에 실패로 돌아갔다.
또한 어느 유력한 비평가의 지적처럼 곡 자체에 문제가 있기도 했다.
낙담한 시벨리우스는 악보(초판)를 거둬들이고 '연주 불가'를 선언했다. 그리고 1905년 여름에
작품을 대폭 손질하여 개정판을 마련했다.
보다 간결한 구성에 교향악적 색채를 강화한 개정판은 동년 10월 베를린에서 공개되었다.
카렐 할리르의 독주와 리하르트 슈트라우스의 지휘로 이루어진 이 또 한 번의 초연은 성공을
거두었다.
그리고 그 후 시벨리우스와 친분이 있었던 러시아의 위대한 바이올린 스승 레오폴드 아우어와
그의 제자들 특히 야샤 하이페츠와 같은 비르투오소 바이올리니스트들의 지지 덕분에 작품은
차츰 그 진가를 널리 인정받게 되었다.
이 곡은 고금의 바이올린 협주곡들 중에서도 특히 바이올린다운 기능과 미감을 잘 살린
수작으로 평가받는다.
한 때 바이올리니스트를 지망했던 시벨리우스였기에 악기에 대한 확실한 이해와 다각적인
고찰을 토대로 오직 바이올린을 통해서만 의미를 가질 수 있는 음악을 탄생시켰던 것이다.
이 곡은 바이올린이 아니면 불가능한 여러 표현들과 다채로운 기교적 패시지들로 화려하게
장식되어 있다.
그 중에서도 양단 악장들에서 약음기와 하모닉스의 효과적인 사용을 바탕으로 빚어낸 인상적인
음향들, 중간 악장에서 절묘하게 부각되는 바이올린 특유의 끈질긴 선율선 등이 특히 돋보인다.
비록 구성이나 내용적인 면에서의 불균형과 부자연스러운 전조 등 일부 약점도 발견되지만
북유럽 작곡가다운 개성적인 표현과 논리적인 어법이 훌륭한 조화를 이루고 있는 이 작품은
특유의 오묘한 분위기와 강력한 마력으로 듣는 이를 사로잡는다.
제1악장 : 알레그로 모데라토, d단조, 2/2박자
내용적으로 가장 심오할 뿐 아니라 전곡의 절반을 점유하는 장대한 규모로도 돋보이는
악장이다.
독주 바이올린과 관현악이 유기적인 조화를 이루며 구축해가는 이 교향악적 악장의 구조는
상당히 독특하다.
전체의 구도는 일종의 자유로운 소나타 형식으로 파악할 수 있는데 특히 제시부 직후에 놓인
대규모의 카덴차(독주 바이올린의 기량 과시를 위한 무반주 부분)가 마치 발전부와도 같은
역할을 감당하고 있는 모습이 이채롭다.
그밖에도 도입부에서 관현악의 신비로운 속삭임과 독주악기의 서정적 선율의 절묘한 어울림과
전편에 걸친 긴장감 넘치는 흐름 그리고 재현부와 코다에서의 거대한 극적이고 교향악적 움직임
등등이 돋보인다.
이 첫 악장은 처음부터 끝까지 독주악기와 관현악의 섬세하고 긴밀한 짜임새와 인상적인
장면들로 가득하다.
치열하고 격정적인 몸짓으로 가득하면서도 기저에는 서늘한 기운이 감도는 이 악장을 '북구의
빙산 속에서 타오르는 백열의 불꽃'에 비유하는 평론가도 있다.
제2악장 : 아다지오 디 몰토, B♭장조, 4/4박자
마치 '숲과 호수의 나라' 핀란드의 울창한 침엽수림을 펼쳐 보이는 듯한 목관 파트의 앙상블로
시작되는 아다지오 악장이다.
전편에 걸쳐 면면히 흐르는 바이올린 독주의 서정적 선율선에는 인간 영혼의 진솔한 고백과
깊숙한 내면의 토로가 서려있는 듯하다.
그리고 중간부의 클라이맥스에서는 이제까지의 응어리를 일거에 터트리는 듯한 카타르시스를
맛볼 수 있다.
제3악장 : 알레그로 마 논 트로포, D장조, 3/4박자
기묘한 느낌으로 가득한 스케르초 풍의 춤곡 악장이다.
다소 묵직한 리듬 위에서 사뭇 정열적인 춤곡이 현란하게 펼쳐진다. 베버나 멘델스존의
요정음악을 연상시키는 독주 바이올린의 경묘한 움직임 위로 북유럽의 환상이 아련히 떠오르는
느낌이든다.
그러면서도 북유럽적인 음산한 기운이 서려 있어 신비롭고 마력적인 분위기를 자아낸다.
■ 추천음반
인기 높은 명곡인 만큼 명반도 많다. 먼저 히스토리컬 음반들 중에서는 지네트 느뵈(EMI)와
야샤 하이페츠(RCA)가 유명하다.
두 연주 모두 강렬한 감흥을 안겨주는데 특히 하이페츠의 연주를 듣고 있노라면 극도로
단단하고 예리하게 벼린 명검의 날에 베일 것만 같아 오싹한 느낌마저 든다.
정경화의 전설적인 데뷔 음반(Decca)도 부동의 명반이다. 가히 동물적이라 할 만한 그녀의
직관력과 활활 타오르는 정열은 그야말로 독보적이다.
디지털 시대로 넘어오면 청결한 음색과 세련된 테크닉을 앞세운 초량린의 잘 다듬어진 연주가
우선 시야에 들어온다(Sony).
이 음반에서는 특히 살로넨이 지휘한 관현악 파트의 능동적인 반응성과 야성적인 파괴력이
돋보인다.
이밖에 각별한 음색미와 개성적 표현이 인상적인 케네디의 음반(EMI)도 경청할 만하고
차분하고 세밀하며 견실한 카바코스의 음반(BIS)에는 1903/04년의 초판이 개정판과 나란히
수록되어 있다.
한편 비교적 최근에 나온 크리스티안 테츨라프의 음반(Virgin)에는 시벨리우스의 다른 바이올린
협주 작품들이 빼곡이 채워져 흥미를 유발한다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에
입학하여 드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고
그 이래 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해
하이페츠의 이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는
표현 등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어
가는 큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
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