|
1. Beethoven, Piano Sonata No.4 in E flat, Op.7 [SACD]
Mari Kodama (Pf)
I. Allegro molto e con brio
II. Largo, con gran espressione
III. Allegro
IV. Rondo (Poco allegretto e grazio)
♣ 베토벤 피아노 소나타 4번 Eb장조, Op.7
이 소나타는 작품 2에 속하는 세 개의 소나타를 작곡한 다음 해인 1796년에 작곡된 것이다.
이 작품의 경향은 작품2의 3번과 거의 같은 경향으로써 형식적 확대의 경향을 지니고 있으며
그에 속하고 있는 것이라고 하겠다.
각 악장의 부분들은 A, C, Eb장조로서 제1악장의 경우 A장조(336마디) C장조(257마디)
Eb(362마디) 등으로 되어 있다.
제2악장은 A장조(80마디), C장조(82마디) Eb(90마디)로, 제3악장은 A장조(112마디),
C장조(192마디) Eb(244마디)로 되어 있고 맨 마지막 악장인 제4악장은 A장조(187마디),
C장조(312마디) Eb(183마디)로 되어 있다.
피아노 소나타를 작곡적인 시각에서 연구함에 있어서 마디의 구조를 파악하는 것은 매우
고무적인 일이라고 밖엔 할 수 없겠다.
하지만 이 제4번 소나타는 제1, 2, 3악장은 최후 부분의 소나타가 가장 크고 또한 그에
반하여 끝악장은 가장 적은 규모임을 알 수가 있다. 대단히 흥미를 유발하는 일이다.
제3악장의 경우 확실히 확대(擴大)의 경향을 여실히 드러내고 있지만 끝악장은 제4악장의
Eb조성이 시작되고 있는 183마디의 소나타 부분은 축소화의 경향을 엿볼 수 있다.
1악장 알레그로 몰토 에 콘 브리오
제1악장은 정렬 그 자체라고 말할 수 있다. 그의 32개의 소나타 작품들에서 여느 작곡가 보다도
건반위의 정열을 불살랐던 베토벤의 작품들을 대하면서 언어의 부재를 느끼게 된다.
아마도 많은 정열의 음악언어 소유자가 베토벤이라는 생각이 앞서서 일지도 모르겠으나 1악장이
작품 전체의 바탕이라고 하는 편이 낫겠다.
아주 격렬한 정렬(整列)이 흐르고 있다. 정렬의 색채는 아주 베토벤을 잘 나타내고 있다.
2악장 라르고 콘 그랑 에스프레지오네
이 제2악장은 전형적인 겹세도막 형식이지만 매우 뛰어난 형식이다. 전체는 90마디로 되어 있다.
각 부분은 어느 것이나 제각기 세도막 형식을 택하고 있다.
이전의 베토벤의 작품을 생각해 볼 때 느린 악장의 것으로선 그 구조가 매우 유기적이라고 할 수
있겠다.
3악장 알레그로
제3악장은 스케르쵸 또는 미뉴에트라고 적혀 있지만 실상 이 악장은 어느 쪽도 정할 수가 없을
것이다. 중간적인 성격을 띠고 있는 것이다. 이와 같은 성격의 악장은 베토벤인 종종 사용하고
있는 것이다. 형식은 말할 나위없이 겹세도막 형식이며 세 개의 부분으로 이루어져 있다.
4악장 론도 포코 알레그레토 에 그라지오소
제4악장은 형식상 론도 소나타 형식으로 전반부의 설명처럼 작품의 끝악장에 비해서 훨씬 작은
규모로 되어 있으며 축소화의 경향을 나타내고 있다는 점이 가장 큰 특징이라고 할 수 있다.
장조의 선율과 몰아치는 아르페지오가 대조적인 아름다움 반복과 조성의 변화를 통한 굵은 힘이
느껴지는 부분들은 베토벤을 잘 나타내 주고 있다.
2. Dvorak, Symphony No.7 in D minor Op.70
Vaclav Neumann(cond), Czech Philharmonic Orchestra
I. Allegro Maestoso
II. Poco Adagio
III. Scherzo Vivace - Poco meno mosso
IV. Finale Allegro
♣ 드보르작 교향곡 7번 D 단조 Op.70
1870년대 말 드보르자크가 국제적으로 이름을 알리게 되자 유럽 전역에서 다양한 의뢰가
들어왔다.
특히 1880년대 영국에서 성공을 거두며 명성을 더욱 굳건히 다지게 되었다.
영국의 청중들은 드보르자크의 '스타바트 마테르'에 열광했으며 엘가는 그의 교향곡 제6번을
유난히 좋아했다.
대규모 합창 제전에서 연주할 곡을 만들어 달라며 버밍엄과 리즈 등 영국 각지에서 의뢰를
해 와 그는 칸타타, 오라토리오, 레퀴엠 미사곡을 작곡했다.
당시 작곡한 작품 중에서도 런던필하모닉협회가 의뢰한 교향곡에 우리는 주목해야 한다.
이 의뢰로 작곡한 교향곡 제7번이 드보르자크의 최고의 교향곡이기 때문이다.
드보르자크는 런던의 청중들이 새로운 교향곡을 고대하고 있다는 사실을 잘 알았다.
하지만 그것보다 더 드보르자크의 어깨를 짓누르는 것은 친구 브람스의 기대였으며 친구의
기대에 부응하기 위해 그는 수정에 수정을 거듭했다.
1악장은 그의 어떤 작품보다 강렬한 느낌을 서사하며 프랑스 호른의 독주가 환상적인 느린
악장은 심오한 분위기가 난다.
교차 리듬을 기반으로 한 스케르초는 1악장의 강렬함으로 회귀하며 피날레는 웅장하다.
친구를 의식한 곡이라 그런지 브람스의 작품과 비슷한 것 같으면서도 드보르자크만의 개성이
잘 살아 있다.
바츨라프 노이만 (Vaclav Neumann, 1920. 10. 29 ~ 1995. 9. 2)
바츨라프 노이만은 프라하 음악원에서 비올라와 지휘를 배웠는데 재학 때부터 음악원 안의
현악 4중주단에서 비올라 주자를 지냈다.
1945년에 졸업한 후 체코슬로바키아 필하모니아 관현악단에 비올라 주자로 입단했고 같은
해에 앞서 말한 4중주단이 스메타나 4중주단로서 공식 데뷔하자 그곳 비올라 주자도 겸했다.
체코슬로바키아 필하모니아 관현악단의 수석지휘자였던 쿠벨릭이 위독했을 때에는 대역을
훌륭하게 해냈다.
지휘에 전념하게 된 1947년부터는 스메타나 4중주단에서도 물러났다.
1948년 체코슬로바키아 필하모니아 관현악단의 상임지휘자로 취임했고 1950년부터는 브루너
교향악단·프라하 시립교향악단의 지휘자, 동베를린의 코미세 오퍼의 수석지휘자 등을
역임했으며 1963년에 체코슬로바키아 필하모니아 관현악단의 상임지휘자로 복귀했다.
이듬해에는 라이프치히 게반트하우스 관현악단의 수석지휘자 및 라이프치히 오페라 극장
음악감독으로 취임했으며 1968년부터는 체코슬로바키아 필하모니아 관현악단의 수석지휘자만을
맡다가 1995년에 사망했다.
3. Tchaikovsky, Piano Concerto No.1 in B-Flat Minor, Op.23 [SACD]
Daniil Trifonov(pf) / Valery Gergiev(cond), The Orchestra of the Mariinsky Th eatre
I. Allegro non troppo e molto maestoso
II. Andantino simplice
III. Allegro con fuoco
♣ 차이코프스키 피아노 협주곡 1번 B 플랫 단조 Op.23
아마도 피아노라는 악기가 지구상에서 완전히 사라진다고 하더라도 차이코프스키의 '피아노
협주곡 1번'의 유명세는 결코 사라지지 않을 것이다.
이 작품이 초연된 지도 어느 새 150년을 바라보고 있지만 작품에 대한 애정과 유명세는 점점
더 증폭되어왔지 단 한 번도 줄어든 적이 없기 때문이다.
차이코프스키의 이 대곡은 '피아니스트'라면 응당 연주할 수 있고, 연주해야만 하며 이 곡을
통해 비로소 피아니스트로 인정받을 정도로 프로 연주자로서의 가능성과 예술성을 가늠하는
척도이기도 하다.
차이코프스키는 세 곡의 피아노 협주곡을 작곡했지만 이 가운데 1번 협주곡만이 유독
유명하다.
흥분에 들뜬 회상이든 괴롭고 즐거운 기억에 대한 체념이든 간에 이 곡의 가장 큰 주제는
'향수'다.
이 '향수'가 바로 러시아 낭만주의를 지탱하는 뿌리임은 분명하다.
우리가 다른 작품에서도 항상 느껴왔듯이 러시아인이라면 필수적으로 가지고 있는 능력이
바로 절망 속에서 사람의 마음을 감동시키는 무엇인가를 뽑아내는 능력이다.
차이코프스키는 절망과 불행한 상황 속에서 이 곡의 작곡을 시작했다.
그러나 결국엔 감동적이고 성공적인 작품으로 발전되었다는 점에서 전형적인 러시아 작품이라
말할 수 있다.
철인 3종경기에 맞먹을 만한 강인한 지구력과 원자폭탄과 같은 폭발력, 목가적이고 가요적인
정서를 극대화시킬 수 있는 러시아적인 멜랑콜리가 이 곡의 매력이다.
무엇보다도 피아니스트의 마법적인 음색과 초인적 비르투오시티를 갖추고 있지 않으면 이
작품의 진정한 모습을 발견할 수 없다.
그러한 만큼 이 곡은 음반이라는 새로운 미디어가 발매되기 시작할 무렵부터 지금까지
일반적인 경우 다른 음반사나 자사의 레퍼토리와 겹치는 경우 레코딩을 회피하곤 했다.
그러나 모든 피아니스트들이 상업적 비즈니스의 이해관계와는 상관없이 한 번 이상은 반드시
녹음해야만 할 정도로 융숭한 대접(물론 슈나벨이나 폴리니, 브렌델과 같은 예외의 경우도
있지만)을 받고 있다.
CD로 발매된 종류만 해도 무려 150종이 넘는 음반이 발매되었으니(복각되지 않은 LP시대의
녹음까지 합하면 더 많을 듯하다) 단연 최고의 베스트셀러 레퍼토리임을 확인할 수 있다.
레코딩이 발명된 이후 셀락이나 왁스를 재료로 한 디스크들이 상업적으로 널리 판매되기
시작했던 1920년대부터 이 작품은 초미의 관심사였다.
전기녹음이 도입되기 이전인 1925년까지는 녹음 기술에 문제가 많았으나 피아니스트 빌헬름
박하우스가 어쿠스틱 레코딩을 1921년과 1922년에 각각 남겼다.
그러나 레코딩 테크놀로지의 한계상 이 녹음과 작품은 그다지 주목받지 못했다.
전기녹음이 도입된 이후 처음으로 마크 함부르크의 녹음이 등장했고 비로소 차이코프스키
'피아노 협주곡 1번'은 레코드 필청 레퍼토리로 자리 잡기 시작했다.
함부르크는 리스트와 더불어 19세기 피아노 교육의 양대산맥이었던 레셰티츠키의 제자였다.
그는 러시아 출신다운 화려한 테크닉과 탁월한 힘, 빼어난 지구력을 자랑하는
피아니스트였다.
1926년 함부르크는 HMV 음반사에서 로얄 알버트 홀 오케스트라와 랜던 로날드의 지휘로
지금의 버짓 프라이스에 해당하는 '블랙 라벨'로 음반을 녹음했고 이 음반은
삽시간에 전세계적인 히트를 기록했다.
현재 일본 그린도어(Greendoor) 레이블로 발매되어 비교적 어렵지 않게 감상해볼 수 있는데
극심한 루바토와 열악한 음질에도 불구하고 불을 뿜는 듯한 테크닉, 다이아몬드처럼 빛나는
터치, 안정된 호흡으로 훌륭한 비르투오시티의 정석을 들려주고 있다.
뿐만 아니라 마크 함부르크 자신이 살았던 19세기 러시아 낭만주의 시대의 열정과 온기를
고스란히 전달해 주고 있다.
그러나 1930년대 전설의 피아니스트 블라디미르 호로비츠가 등장하고 나서야 차이코프스키의
이 괴물같은 대곡은 진정한 의미에 있어서 불멸의 지위를 얻게 된다.
차이코프스키의 얼룩진 삶에 끈질기게 실처럼 따라다녔던 것은 신경쇠약 증세였다.
성공보다는 실패에 더 민감했던 차이코프스키는 그가 음악의 구세주라고 생각했던
모차르트와 자기 자신을 비교하며 형식미와 구성력의 부족함을 특히 한탄했다.
자기 자신에 대해 항상 비판하고 회의했던 그는 이 '피아노 협주곡 1번'에 대해서도 확신을
가지지 못했다.
그리하여 그의 스승이자 당시 러시아 피아니즘의 대부로 손꼽히던 니콜라이 루빈스타인에게
이 작품을 보냈고 그의 의견을 기다렸으나 결과는 참담했다.
루빈스타인은 이 작품을 엉뚱하고 기괴하며 거북스럽기 그지 없는 한마디로 구제불능의
곡이라고 신랄한 평을 서슴치 않았다.
문제는 연주하기에 너무 어렵고 악정들은 너무 잘게 조각 나 있으며 서투르게 취급되어
있다는 것이었다.
덧붙여 이런 2류 작품은 반드시 대대적으로 수정을 해야만 자신이 연주를 할 수 있다고
말했다.
이에 대한 내용은 차이코프스키가 후원자인 폰 메크 부인에게 쓴 편지에 대체적으로 정확하게
적혀 있다.
격분한 차이코프스키는 독일의 명피아니스트이자 지휘자인 한스 폰 뷜로에게 이 작품을
헌정했다.
이 작품의 가치를 인정했던 뷜로는 이 곡을 미국 연주회 도중 1875년 10월 25일 벤저민 존슨
랑의 지휘와 함께 보스턴에서 초연했고 대성공을 거두었다.
같은 해 모스크바에서도 연주해 호평을 받게 되었다.
결국 3년 뒤에는 루빈스타인이 직접 화해를 구하게 되었고 두 사람의 우정은 다시
회복되었다고 한다.
이후 차이코프스키는 이 작품에 수정을 가하여 모스크바의 유르겐슨 출판사를 통해 세 개의
판본을 발표했다.
첫 번째는 1875년에 완성한 '오케스트라 반주의, 혹은 두 대의 피아노를 위한 피아노
협주곡'이고 두 번째는 1879년 9월 개정된 판본 마지막 세 번째는 1889~90년에 개정된
판본이다. 그러나 문제는 여기서 출발한다.
차이코프스키는 분명 루빈스타인의 비평에 "나는 음표 하나라도 고치지 않겠습니다"라고
말했지만 시간이 지난 뒤 결국 고치고야 말았다.
차이코프스키는 다른 사람들의 비판에는 귀를 기울였지만, 이 작품을 최초로 본
루빈스타인의 비판은 무시했다.
“진정 하나의 진주와 같은 작품”이라고 극찬한 초연자 뷜로가 어떤 조언을 했는지는
확인할 길이 없지만 분명한 사실은 1876년 런던 초연의 협연자로 나선 에드워드 댄로이터의
수정이 두 번째 판본에 영향을 끼쳤다는 것이다.
댄로이터는 초연 당시 프로그램 노트에 해설을 쓰기도 했다.
1969년 발견된 댄로이터의 가필 판본은 그의 수정이 부분적으로 반영되었음을 확실하게
알려주고 있다.
특히 차이코프스키는 1876년 댄로이터에게 보낸 편지에서 그의 '현명하고 실제적인
제안들'에 감사를 표했고 재출판될 경우 의견을 반영하겠다고 썼다.
차이코프스키는 루빈스타인의 감정에 찬 비판은 거부한 채 댄로이터의 건설적인 제안을
선택적으로 받아들인 것이다.
최종본에서 가장 창조적인 변화는 바로 1악장 도입부 4분의 3 지점에서 폭발하는 거대하고
자유롭게 낙하하는 '화음의 폭포'다.
이는 두 번째 판본까지는 등장하지 않던 대목이다. 이는 리스트의 제자이자 위대한
피아니스트로 널리 알려진 알렉산더 질로티(의 조언이 적극 반영된 것으로 추정된다.
적어도 이 추가된 장대한 화음의 클러스터와 조성은 리스트 피아노 협주곡의 스타일과
비슷한 만큼 차이코프스키와 막역한 사이였던 질로티의 영향을 배재할 수는 없을 것이다.
한편, 최종본에서 볼 수 있는 또 하나의 특징은 피날레 악장의 두 번째 주제인 그란드
몰토 메노 모소(grand molto meno mosso)의 비상하는 에피소드에 앞서 등장하는 두 마디의
이중 옥타브들이다.
첫 번째, 두 번째 판본에서는 이 부분들이 같은 음역대에 고정되어 있었지만 세 번째
판본에서는 안톤 루빈스타인의 '피아노 협주곡 4번'의 피날레의 예를 따르면서 전체적으로
페달을 사용해 피아노를 들끓는 듯한 용광로 속으로 밀어넣는 위험한 효과로 변화시킨
것이다.
이 외에도 차이코프스키가 질로티와 주고받은 편지를 통해 이 최종본의 몇몇 부분을
수정했음을 확인할 수 있다.
1악장 - 알레그로 논 트로포 에 몰토 마에스토소
웅장하고 풍부한 색채로 시작하는 1악장은 소나타 형식을 취하고는 있지만 조성과 전개가
자유로운 편이다.
오히려 환상곡적인 느낌까지는 이 1악장은 오케스트라의 강렬함과 화려하고 육중한
피아노가 서로 대결하는 듯 조화를 이루는 모습이 특징으로서 장대한 1주제와 낭만적인
2주제의 뚜렷한 대비가 인상적이다.
2악장 - 안단티노 셈플리체
느린 안단테 악장과 스케르초 악장을 뒤섞어놓은 듯한 혁신적인 악장. 어머니의 이야기를
듣고 잠이 드는 아기의 평온함으로 시작하여 프레스티시모로 질주하는 환상 속의 동화를
꿈꾸다가 첫 자장가로 돌아오는 모습은 지극히 전원적이고 평화로운 모습을 연상시킨다.
3악장 - 알레그로 콘 푸코
피아노 협주곡 역사상 가장 맹렬하고 장대하며 스펙타클한 악장으로 손꼽힌다.
오케스트라의 네 마디 서주 후부터 펼쳐지는 피아노의 굵고 거친 슬라브 무곡풍의
론도 주제와 이어지는 간결한 가요적인 부주제가 잇달아 펼쳐지며 서정과 기교의 긴박감
넘치는 조화와 대비를 이룬다.
특히 마지막 피아노 코다 부분에서의 빠르고 강렬하며 비르투오시티 넘치는 옥타브와
이어지는 오케스트라 총주의 터질 듯 벅차오르는 사운드는 러시아의 호방함과 저력을
고스란히 보여준다.
■ 추천음반
블라디미르 호로비츠와 장인인 아르투르 토스카니니의 협연에서 느껴지는 힘과 초절기교는
그 누구도 흉내낼 수 없는 강력한 에너지와 흡인력을 담고 있다.
이들은 두 번의 녹음을 남겼는데 1943년 라이브 녹음(RCA)이 가장 대표적인 녹음으로서
호로비츠의 강력한 힘과 마법적인 색채의 향연 신의 영역에 도전하는 테크닉과 지구력,
다이내믹은 그 누구도 범접할 수 없는 카리스마를 발산한다.
마르타 아르헤리치와 키릴 콘드라신의 협연(Philips)도 실황 특유의 열기에 힘입어
호로비츠에 비견할 만한 스피드와 공격적인 성향이 인상적이다.
마르타 아르헤리치의 또 다른 음반인 아바도가 지휘하는 베를린 필의 연주(DG)는 강력한
터치의 아르헤리치가 내뿜는 또 다른 매력을 엿볼 수 있는 명반이다.
알렉시스 바이젠베르크와 헤르베르트 폰 카라얀의 연주(EMI)는 협주곡으로서의
고전주의적 견고함과 음표 그 자체에의 몰입이 강렬함을 발산하는 명연으로 손꼽힌다.
에밀 길렐스와 주빈 메타와의 실황(SONY)은 길렐스의 여러 차이코프스키 협주곡 녹음
가운데 가장 시원하고 정력적이며 음질 또한 훌륭하다.
다닐 트리포노프 (Daniil Trifonov, 1991. 3. 5 ~ )
또 다른 매머드급 러시아 피아니스트의 탄생을 알리는 축포를 만끽할 수 있다.
게르기예프가 발탁한 1991년 러시아 태생의 다닐 트리포노프가 그 주인공으로서
루빈스타인과 2011년 차이코프스키 콩쿨 1등, 쇼팽 콩쿨 3등이라는 화려한 경력을 토대로
강력한 러시아 피아니즘을 펼쳐보이는 신예다.
그의 눈부신 테크닉과 폭발적인 다이내믹이 빛을 발하는 실로 오랜만에 경험하는 통쾌한
차이코프스키 피아노 협주곡 녹음이다.
4. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61
Maxim Vengerov(Vn) / Mstislav Rostropovich(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게
연주했다고 전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이
계속 반복되면서 피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악
사중주 '라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을
지적한 것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을
사랑하고 있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도
모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게
피할 수 없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로
전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를
배가시키는 특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터
지휘의 콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는
명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천한다.
5. Haydn, Piano Trio in E-Flat Major, Hob. XV-30 No.42 (1795)
Robert Levin(Fp) / Anner Bylsma(Vc) / Vera Beths(Vn)
I. Allegro moderato
II. Andante con moto
III. Presto
| 
