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1. Bach, Sonate & Partitas No.1 BWV 1001/1002
Nathan Milstein(Vn)
Bach, Sonate No.1 Sol Mineur BWV 1001
I. Adagio
II. Fugue
III. Siciliano
IV. Presto
Bach, Partita No.1 Si Mineur BWV 1002
I. Allemande
II. Double
III. Courante
IV. Double
V. Sarabande
VI. Double
VII. Bourree
VIII. Double
♣ 바흐 무반주 바이올린 소나타 & 파르티타 1번
소나타 제 1번 G단조 BWV 1001
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타집은 '바이올린의 성서'로 불릴만큼 중요한
작품이다.
바흐는 이 작품을 쾨텐시절인 1720년 경에 완성하였다고 한다.
이 작품의 중요성은 바흐 당시부터 많은 사람들에게 인식되었으나 당시는 물론 지금까지도
이 곡의 난이도는 매우 높은 것이어서 바이올리니스트들에게는 자신의 기량을 평가하는
시금석과도 같은 곡으로 받아들여진다.
하지만 이 곡은 테크닉의 문제보다도 오히려 내면의 심오한 세계를 표현하는 것이 휠씬 더
어려우며 최고의 바이올리니스트들이 도전했지만 아무도 자신의 연주에 만족하지 못했던
곡이기도 하다.
이 곡의 연주에는 지적인 이해와 감정적인 열정에 영적인 그 무엇인가가 덧붙여져야 하기
때문이다.
무반주 바이올린 소나타 1번 G단조 BWV 1001은 곡 전체가 명상적인 느낌을 주며 선율이
대단히 아름다운 곡이다.
느린 부분의 음악적 흐름이 매우 심도가 높으며 각 곡간의 유기적인 조화와 대조의 묘미도
뛰어나다.
작곡자 자신도 유달리 애착을 가진 곡이라고 한다.
가을에 어울릴 깊은 사색과 독실한 정서가 곡 깊숙이 침전되어 있어 즉흥적이고 감성을
자극하는 호소력 높은 곡이다.
1악장 아다지오 사단조 4분의 4박자. ？
G단조 4/4박자, 22마디의 짧은 악장이지만 대위법적으로 느린 템포로 진행함.
중음주법에 의한 화음과 펼침화음의 토카타 형식의 전주곡 형태임.
2악장 푸가 알레그로 사단조 2분의 2박자.
G단조 4/4박자, 94마디로 구성된 푸가 형식의 악장임. 단순한 주제에 대응하는 응답적인
주제가 1마디 다음에 등장함.
푸가는 3성부을 주제로 하며 주제는 8성부로 진행함. 주제 제시 이후 펼침화음 형식의
간주부가 이어짐. 후반부는 4성부로 주제를 진행함.
3악장 시칠리아나, 내림 나장조 8분의 12박자.
B flat장조 12/8박자, 연주 지시어는 지정되지 않았지만 시칠리아노 춤곡 형식임을
감안하여 느린 템포로 진행함.
일반적인 시칠리아노와는 달리 3성부의 대위법적인 선율로 진행함.
전체 악장은 20마디로 구성됨.
4악장 프레스토 사단조 8분의 3박자.
G단조 3/8박자, 각 부분을 반복하는 2부 형식으로 구성되었으며 빠른 템포로 진행함.
파르티타 제 1번 B단조 BWV 1002
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 바흐가 쾨텐에 살던 1720년 전후의 작품이다.
이 시기는 바흐가 세속 음악에 많은 시간을 할애하던 때로 주요 작품으로는 3대 바이올린
협주곡, 무반주 바이올린 소나타와 파르티타, 무반주 첼로 모음곡, 브란덴부르크 협주곡
전 6곡 등이 있다.
또한 인벤션과 평균율 1번의 몇곡도 작곡되었고 영국 모음곡과 프랑스 모음곡이 정비된
시절이기도 하다.
즉 기악곡에 대한 바흐의 재능이 발휘된 시절이었다.
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 전부 6곡으로 구성되어 있는데 1번 소나타
(BWV1001), 2번 파르티타 (BWV1002) 3번 소나타(BWV1003), 4번 파르티타(BWV1004), 5번
소나타 (BWV1005), 6번 파르티타 (BWV1006) 이다.
이 중에서 세 곡(1001,1003,1005)은 소나타인데 '느리고-빠르고-느리고-빠르고'의 형식
(교회 소나타라고 부름)으로 되어 있는 4악장의 기악곡이고 세 곡(1002,1004,1006)은 각국의
춤곡을 모아 엮은 옴니버스 곡집으로서 곡의 시작과 전체 분위기를 알리는 전주곡(Prelude)이
붙어 있다.
처음에는 바이올린을 위한 연습곡 정도로 여겨 오다가 20세기 들어서면서부터 독주 바이올린
곡으로서 중대한 위치를 차지하게 되었다.
작품을 관통하는 지적인 힘과 독창성, 건축적인 균형감 등 수준높은 연주력이 필요한
작품이다.
작품은 전체적으로 3개의 소나타와 3개의 파르티타로 이루어지는데 소나타의 둘째 악장을
장식하는 푸가는 바흐의 능통한 대위법을, 파르티타의 작은 춤곡들은 바로크풍의 우아함과
아름다움을 담고 있다.
특히 파르티타 2번의 유명한 샤콘느에서 당김음 주제가 간결한 화음을 토대로 펼쳐가는
변주의 파노라마는 특히 압권이다.
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 반주가 없기 때문에 바이올린 하나로 모든 것을
표현해야 한다.
이 곡은 바이올린 작품의 필수적이면서도 궁극적인 연주 목록에 속하는 걸작으로 평가받는다.
나탄 밀슈타인 (Nathan Milstein, 1903. 12. 31 ~ 1992. 12. 21)
러시아의 오데사에서 태어난 미국의 명 바이올리니스트. 오이스트라흐와 마찬가지로
오데사에서 스토리알스키에게 바이올린을 배우고 10세 때에 공개 연주를 가졌다.
드 귀 페테르부르크 음악원에 입학하여 아우어의 문하생이 되고 후에는 벨기에서
이자이의 가르침도 받았다.
1923년에 솔리스트로 데뷔하고, 곧 호로비쯔와 함께 국내 각지에 연주 여행을 가졌다.
1925년에 파리에 데뷔하고 이어 1929년에는 스토코프스키 지휘 필라델피아 관현악단의
공연으로 미국에 데뷔하여 그 압도적인 성공에 의해서 명성을 확립했다.
그 뒤 미국에 귀화한 밀슈타인은 세계의 손꼽는 바이올리니스트로서 화려한 활동을
계속하여 70대를 맞이해서도 여전히 제1선에서 활약헀다.
실로 반 세기를 넘는 긴 연주의 생명은 바이올리니스트로서는 이례적이라 해도 좋다.
밀슈타인은 거의 하이페츠와도 필적하는 기교의 소유자이며 더구나 음은 어디까지나 맑고
아름답다.
아마 음량은 그리 풍부한 사람은 아니지만 음에는 훌륭한 팽팽함과 빛남이 있다.
음색이나 표현에 약간 차가움이 느껴지기도 하지만 그러나 실제로 음에는 충분한 따뜻함이
있으며, 패기에 넘친 연주를 한다.
그러나 그보다 더 특필해야 할 것은, 이 바이올리니스트의 음악에 항상 담겨진 독특한
기품과 고귀함일 것이다.
귀족적이라는 말이 어울리는 고상한 시정이 은은히 떠돌고 있는 것은 밀슈타인의 매력이다.
그것은 잘 연마된 메카닉이나 부드러운 감촉의 음색미는 물론이고 고아하고 세련된 음악성,
지적이고도 정표하기 그지없는 조탁, 거기다 속이 깊은 인산성의 선물임에 틀림없다.
음악은 격조와 원숙미를 점점 더해 가고 있으며 초대가의 풍격을 지닌 보기 드문
바이올리니스트의 한 사람이다.
2. Beethoven, Symphony No.6 F-dur Op.68 'Pastorale'
Claudio Abbado(cond), Berliner Philharmoniker
I. Allegro ma non troppo
II. Andante molto moto
III. Allegro
IV. Allegro
V. Allegretto
♣ 베토벤 교향곡 6번 '전원'
베토벤은 비슷한 시기에 전혀 다른 성격의 작품들을 동시에 내놓는 경향이 있었다.
대표적인 예가 바로 '교향곡 제5번'과 '교향곡 제6번'이다.
강한 추진력이 돋보이는 '교향곡 5번' '운명'과 이완된 리듬과 평화로운 멜로디가 담긴
'교향곡 6번' '전원'은 각기 1807년과 1808년에 연달아 작곡된 후 1808년 12월 22일에 빈
극장에서 초연되었다.
음악회는 저녁 6시 30분에 시작해 밤 10시 30분까지 무려 4시간에 걸쳐 계속됐다.
지금으로선 상상하기 힘든 마라톤 음악회에서 베토벤은 작곡가로서 지휘자로서, 독주자로서
종횡무진 활약하며 '교향곡 5번'과 '교향곡 6번'뿐 아니라 피아노 협주곡과 피아노 독주곡,
몇 곡의 아리아, 그리고 '합창 환상곡'까지 연주하고 지휘했다.
장장 4시간 동안 진행되는 베토벤의 심포니 연주가 가능했다는 사실만으로도 당시 베토벤의
인기를 실감할 수 있다.
그날 연주된 베토벤의 교향곡 5번과 6번은 같은 날 초연되었으니 쌍둥이나 다름없지만 그
둘은 전혀 닮지 않았다.
'운명'이라는 별명으로 잘 알려진 '교향곡 제5번'이 운명과 싸워야 하는 인간의 모습을
그리고 있다면 '교향곡 제6번' '전원'에는 인간의 괴로움과 투쟁이 아닌 자연에 대한 사랑이
담겨 있다.
제5번이 인간을 표현한 것이라면 제6번은 자연을 다루었으며, 전자가 응집력과 추진력을
갖춘 역동적인 음악이라면 후자는 관조와 명상이 흐르는 이완된 음악이다.
초연 당시 베토벤의 '교향곡 제6번' '전원'이 먼저 연주된 후 '교향곡 제5번'은 나중에
연주됐다.
18세기 빈 고전주의의 우아하고 균형 잡힌 음악에 길들여진 그날의 청중들은 두 곡의 교향곡
중에서 '전원' 교향곡을 더 마음에 들어 했다고 전해진다.
베토벤 '교향곡 제6번' '전원'의 표제는 작곡가 자신이 직접 붙였고 각 악장에도 표제가
붙어있다.
그러나 베토벤이 교향곡에 담아낸 전원의 모습은 단순히 전원 풍경을 묘사한 것은 아니며
자연에 대한 감정과 관념의 표현이다.
베토벤 자신도 '교향곡 제 6번' '전원'의 표제에 대해 이런 메모를 남기고 있다.
"전원 교향곡은 회화적인 묘사가 아니다. 전원에서의 즐거움이 사람들의 마음속에 환기시키는
여러 가지의 감정 표현이며, 그에 곁들여서 몇 가지의 기분을 그린 것이다"
베토벤은 '전원' 1악장의 악보에 '전원에 도착했을 때의 유쾌한 기분'이라 쓰고 전원의
평화로운 분위기를 단조로울 정도로 반복적인 음형으로 표현해냈다.
전개부에서 무려 72회나 계속되는 반복음형과 느린 화성 리듬을 통해 베토벤은 자연의
무한함과 자연 속에서 느끼는 평화로움을 담고자 했다.
2악장 '시냇가에서'에는 비교적 구체적인 묘사가 나타났다. 제1바이올린이 평화로운 선율을
연주하는 사이 저음 현 파트에서 물결치는 듯한 반주 음형이 나타나는데 이는 시냇물의
잔잔한 흐름을 떠올리게 한다.
2악장 후반에는 구체적인 새소리도 들려온다. 나이팅게일의 노랫소리를 표현한 플루트의
연주에 이어 오보에와 클라리넷이 각기 메추라기와 뻐꾸기의 울음소리를 실감나게 묘사하며
시냇가의 새소리에서 느껴지는 목가적인 분위기를 전한다.
'농부들의 즐거운 모임'과 '폭풍', 그리고 '폭풍이 지난 후의 감사한 마음'을 노래한 3, 4,
5악장은 하나의 음악처럼 쭉 이어서 연주된다.
베토벤은 후반 세 악장을 연결시켜 마치 전원을 산책하며 보고 듣는 여러 가지 체험을
하나의 드라마틱한 이야기로 엮어놓는다.
먼저 시골풍의 소박한 춤곡이 펼쳐지는 3악장에서는 평화로운 전원을 배경으로 농부들이
즐겁게 먹고 마시며 춤을 추는 모습이 펼쳐진다.
그러나 흥겨운 음악은 갑자기 중단되고 제2바이올린이 빗방울이 떨어지는 듯한 음형을
연주하면 갑자기 폭풍이 몰려오듯 음악의 분위기는 급격히 어두워지고 난폭해진다.
찌르는 듯한 피콜로의 고음과 무시무시한 트롬본의 연주가 가세하여 천둥이 치고 비바람이
부는 폭풍의 격렬함을 묘사한다.
짧지만 강렬한 4악장의 폭풍이 지나가면 5악장에서 폭풍이 지나간 것을 감사하는 아름다운
노래가 갖가지 형태로 변주되며 전원 교향곡은 절정에 달한다.
■ 추천음반
베토벤의 '전원' 교향곡에서 전원의 평화로움과 아늑한 분위기를 느끼고 싶다면 클라우디오
아바도가 지휘하는 베를린 필하모닉의 신 녹음(DG)을 추천하고 싶다.
아바도는 베토벤의 짝수 교향곡에 담긴 온화함과 유머를 잘 표현해낸 연주로 음악애호가들의
공감을 사고 있다.
'전원' 4악장 폭풍 장면에서 팀파니의 자극적인 천둥소리를 듣고 싶다면 존 엘리엇 가디너가
지휘하는 혁명과 낭만의 오케스트라(Archiv)의 생기 있는 연주를 추천하고 싶다.
그밖에 클라우스 텐슈테트가 지휘하는 런던 필하모닉(EMI)의 세심한 연주나 카라얀이
지휘하는 베를린 필하모닉(DG)의 윤기 흐르는 연주도 추천할 만하다.
이외에도 베토벤 교향곡의 명성만큼 뛰어난 음반들이 많이 존재하며 다 언급하지 못하는 것이
아쉬울 따름이다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의
'교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.3 in C Minor Op.37
Elly Ney(Pf) / Willem van Hoogstraten(cond), Nurnberger Symohoniker
I. Allegro con brio
II. Largo
III. Rondo (Allegro-Presto)
※ Recorded 1961
♣ 베토벤 피아노 협주곡 3번 c단조 Op.37
베토벤의 작품에는 c단조로 쓴 것들이 여러 곡 있다.
'운명 교향곡' · '바이올린 소나타' · 작품9번 '현악3중주곡' 그 밖에 두세 곡도 모두
c단조이다.
베토벤의 청년기와 장년기에는 비극적 작품이 많아 어느 것이나 c단조로 썼는데 아마 그
시대의 악상이 c단조에 의한 표현에 어울렸기 때문일 것이다.
베토벤은 원래 자신의 유일한 단조 협주곡인 피아노 협주곡 제3번을 1796년 무렵부터 쓰기
시작했다.
제1 및 제2피아노협주곡과 이 제3피아노협주곡과의 사이는 조금 시일의 거리가 있는데
그것은 베토벤의 위대한 변화를 의미한다.
이 시대와 서로 관련해서 만들어진 매력적인 7중주곡(작품20번)과 유명한 6개의 현악4중주곡
(작품18번)이나 제1교향곡과 함께 베토벤의 하나의 악풍을 말해 주는 것으로서 이윽고
교향곡 '영웅'에 도달하는 전제라고도 생각할 수 있다.
당시 그의 노트를 보면 카덴차에 케틀드럼을 쓰겠다는 발상이 남아 있다.
이렇게 참신한 아이디어는 훗날 약간 변형된 형태로 결실을 맺었다.
즉 케틀드럼이 피아노 카덴차가 끝날 무렵 슬그머니 나타나 이 악장에서 유령처럼 나오는
점음표를 강조하는 것이다.
곡 전체에 짙게 배인 교향곡 양식과 시작 테마를 강조하는 부점이 있는 음표가 주는 군악
같은 분위기를 고려해 볼 때 이 곡은 먼저 나온 두 피아노 협주곡보다 훨씬 뛰어나다.
피아노의 첫 등장은 각지고 예리한 주제를 일시적으로 더 부드러운 분위기로 상쇄한다.
느린 악장으로 넘어가면 놀라운 변화가 기다리고 있다. 어두운 분위기의 C단조에서 갑자기
맑은 분위기의 E장조로 바뀌는 것이다.
E장조는 지금까지도 여전히 이질적인 조로 여겨지고 있으니 당시의 청중들은 전기충격이라도
받은 것 같았을 것이다.
감정적인 면에서도 라르고에서는 1악장에서 보여 주었던 생기를 느낄 수 없다.
박력은 부드러움으로 극적인 분위기는 따사로움으로 바뀌었다.
모두 베토벤이 대담하게 조를 바꾼 결과였다.
이 곡은 프러시아의 루이 페르디난트 공작에게 바쳤으며 1800년 7월 19일에 아르가르텐의
음악당에서 베토벤의 지휘와 수제자 리스의 피아노로 초연되었다.
제1악장 알레그로 콘 브리오
긴장된 긴 서주부 뒤에 커다란 기대감을 갖게 하는데 이윽고 주제가 피아노로 제시된다.
이것은 고전적인 협주곡의 기본이라고 할 만한 것이다.
제2악장 라르고
장중하고, 약간 음울한 성격을 지닌 곡이다.
제3악장 론도-알레그로
곡은 바뀌어 다이내믹하게 펼쳐져 즐거운 분위기를 유지하면서 높게 베토벤다운 효과를
고조시킨다.
엘리 네이 (Elly Ney, 1882. 9. 27 ~ 1968. 3. 31)
독일의 뒤셀도르프에서 나폴레옹과 영국 네이 장군의 후손으로 태어난 독일의 여류
피아니스트이다.
쾰른 음악원에서 이시도르 사이스와, 칼 보처에게 사사하고 후에 빈으로 나가 에밀 폰
자우어와 레셰티츠키의 문하에서 배웠다.
1905년에 빈에서 데뷔하고 1911년부터 27년까지 네덜란드의 지휘자 빌렘 반 호그스트라텐과
결혼했다.
1928년에는 시카코의 아레즈와 재혼했고 1932년에 횔셔, 시트로스와 엘리 나이 3중주단을
조직하였으며 만년에는 잘쯔부르크 모짜르테움의 교수를 지냈다.
그녀는 80세를 넘는 나이까지 활약하다가 1968년에 타계했다.
대전 전의 명성을 생각케 하는 스케일이 큰브람스의 협주곡이 SP에 있었으나 현재는 모두
폐반이 되고 말았다.
레코드는 베토벤, 슈베르트, 슈만, 브람스, 쇼팽 등이 있는데 그 중 베토벤의 협주곡과
소나타는 특히 많고 '하일리겐슈타트의 유서'는 그녀 자신이 낭독한 것이기도 하다.
작품 26에서 아다지오를 연주한 레코드도 있다.
4. Tchaikovsky, Violin Concerto in D Major, Op.35 [XRCD]
Jascha Heifetz(Vn) / Fritz Reiner(cond), Chicago Symphony Orchestra
I. Allegro moderato
II. Canzonetta (Andante)
III. Finale (Allegro vivacissimo)
※ Recorded 1957. 4. 19
♣ 차이코프스키 바이올린 협주곡 D 장조 Op.35
1878년 봄 차이코프스키는 스위스의 제네바 호수 근교의 클라렌스에서 결혼의 상처
(1877년 여름에 차이코프스키는 동성애자라는 사실을 숨기기 위해 밀류코바라는 여성과
결혼했지만 석달 만에 파경을 맞았다)를 달래고 있었다.
3월 14일 자신의 제자였던 요시프 코테크가 찾아왔다. 그 때는 차이코프스키가 한창
피아노 소나타 G장조를 작곡하던 시기였다.
베를린에서 요제프 요아힘에게 바이올린을 배우고 있던 코테크는 랄로의 스페인 교향곡의
악보를 보여주었고, 두 사람은 이 곡을 함께 연주했다.
그리고 차이코프스키는 바이올린 협주곡을 작곡하고 싶다는 열망에 사로잡히게 된다.
코테크는 모스크바 음악원에서 차이코프스키에게 작곡을 배웠던 인연으로 그와 오랫동안
교류해왔다.
차이코프스키가 폰 메크 부인을 알게 된 것도 코테크를 통해서였고 차이코프스키는
코테크를 위해 왈츠-스케르초를 작곡할 만큼 두 사람의 관계는 깊었다.
마침내 4월 4일 모든 작업을 끝냈다. 그러나 차이코프스키는 여전히 2악장이 마음에 걸렸다.
작품의 전체적인 분위기와 어울리지 않다고 생각했다.
차이코프스키는 결국 처음 작곡했던 2악장(두 달 후 [명상곡]으로 출판된다)을 버리고
하루만에 새로운 안단테 악장을 썼다.
그리고 4월 11일에 악보의 초고가 나왔다. 차이코프스키가 4번 교향곡과 오페라 예프게니
오네긴을 막 끝냈을 때였다.
출판은 모스크바의 표트르 위르겐슨이 맡았고 바이올린과 피아노를 위한 악보가 그 해
10월에, 오케스트라 파트보는 1879년 8월에 나왔다.
초연을 향한 길은 멀고도 험했다. 차이코프스키는 이 곡을 완성하는 데 많은 도움을 준
코테크가 초연해 주기를 원했다.
그러나 프로페셔널 연주자로 경력이 많지 않았던 코테크는 이 작품의 연주를 망설였다.
게다가 그는 자신과 차이코프스키의 육체적 관계에 대한 소문을 두려워하고 있었다.
1878년 10월 차이코프스키는 상트 페테르부르그에서 당대 최고의 바이올리니스트 레오폴드
아우어에게 악보를 주면서 초연을 부탁했다.
그러나 아우어는 차이코프스키와의 약속을 지키지 못했으며 2년을 기다리다 지친
차이코프스키는 넌더리를 냈다.
그러다 마침내 구원자가 찾아왔다. 모스크바 출신으로 라이프치히 음악원의 교수였던
아돌프 브로드스키가 1881년 12월 4일 빈 필하모닉 협회의 콘서트에서 한스 리히터의
지휘로 초연하게 된 것이다.
초연은 성공하지 못했다. 당시 빈 음악계를 주름잡던 비평가 에두아르트 한슬리크는
“음악이 이토록 심한 악취를 풍길 수 있다는 사실을 차이코프스키의 바이올린 협주곡이
증명했다”고 혹평했다.
또다른 비평가들도 이구동성으로 야유했다. '거칠기 짝이 없는 러시아의 허무주의'
(테오도르 헬름), '괴이한 음악이 많은 사람들을 유혹한다'(막스 칼베크).
초연자 브로드스키는 절망하는 대신 몇 개월 후인 1882년 4월 런던에서 한스 리히터의
지휘로 다시 협연함으로써 거대한 성공의 서막을 열었다.
그리고 8월 20일 이폴리트 알타니의 지휘와 브로드스키의 협연으로 모스크바 초연을 했고
여기서도 열렬한 환영을 받았다.
이제 차이코프스키의 바이올린 협주곡에서 아돌프 브로드스키란 이름을 떼어내기는 어려운
지경에 이르렀다.
상황을 인식한 차이코프스키는 원래 예정되었던 헌정자였던 레오폴드 아우어 대신
브로드스키에게 이 작품을 헌정했다.
■ 추천음반
이 작품의 녹음에서 정경화(Decca)는 우리에게 첫 번째 대상이었다. 프레빈이 지휘하는
런던 심포니와의 연주는 그녀의 첫 출발점이었다.
우울한 서정성의 표현에 주안점을 둔 연주로 비극적인 색채의 느낌이 매우 특별하다.
하이페츠(RCA)의 연주는 질주의 미학이 뭔지를 보여준다. 속도감과 박력의 오케스트라는
파괴적인 차이코프스키 상을 그려내었다.
오이스트라흐(MELODIYA)는 내면적 우울과 열정의 상반된 요소들을 모두 표현한 훌륭한
연주다.
코간(EMI)의 연주는 테크니션 코간의 바람을 가르는 날렵한 연주가 색다른 쾌감을 던져준다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에
입학하여 드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고
그 이래 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해
하이페츠의 이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는
표현 등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어
가는 큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Saint-Saens, Cello Concerto No.1 in A Minor Op.33
Jacqueline du Pre(Vc) / Daniel Barenboim(cond), New Philharmonia Orchestra
I. Allegro non Troppo
II. Allegretto con Moto
III. Allegro non Troppo
♣ 생상스 첼로 협주곡 1번 A 단조 Op.33
1873년 38세 때의 작품으로서 1873년 1월 19일에 초연되었으며 두 개의 첼로협주곡 중
제1곡이다.
아름다운 선율이 펼쳐지고 기품을 적당히 포함하고 있으며 또 다분히 해학미가 있고 변화가 많아
독주자가 자유로이 기교를 부릴 수 있도록 만들어져 있다.
곡은 3악장으로 이루어져 있지만 흔히 연속해서 연주된다.
생상스의 첼로 협주곡 1번은 첼리스트들이 가장 먼저 배우는 협주곡의 하나이며 십대의 열정적인
감정을 배출하는 것 같은 곡이다.
이 곡은 힘이 넘치는 수사적 표현, 솔직한 멜로디, 매혹적인 간주, 감상적인 긴장감과 현란한
기교로 특징지을 수 있는 진정한 낭만주의 작품이다.
수많은 작품을 쓴 생상스는 구노와 함께 뛰어난 작곡가로 서서히 인정받을 무렵인 37살에 이
협주곡을 작곡했다.
파리 음악원에서 초연될 당시 오래전에 죽은 거장들의 곡과 함께 연주되었다는 것만 보아도 프랑스
음악계에서 그의 위치를 짐작할 수 있다.
이 곡은 연주되자마자 폭발적인 호응을 얻었으며 훗날 파블로 카잘스의 사랑을 받았다.
첼로라는 악기가 노래하고 낮게 으르렁거리듯 연주하는 능력을 이 협주곡만큼 잘 뽐낼 수 있는
작품도 없다.
그래서 첼리스트라면 모두 이 곡을 사랑하는 것이다. 이 곡은 장인의 기량을 한눈에 보여주며
독주자의 열정적인 연주와 내림음계와 매혹적인 관현악 편성 등을 활용해 협주곡에 마법을 불어
넣을 수 있었다.
생상스는 이렇게 썼다.
"내게 예술은 형식이다. 표현과 열정에 끌리는 사람은 아마추어뿐이다"
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도
불구하고 연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
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