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1. Boccherini, Guitar Quintet No.3 in B-dur, G.447
Pepe Romero(Gt) / Academy of St Martin in the Fields Chamber Ensemble
I. Allegro moderato
II. Tempo di minuetto
III. Adagio
IV. Allegro
루이지 보케리니 (Luigi Boccherini, 1743 ~ 1805)
보케리니는 1743년 2월 19일에 이탈리아의 루카에서 태어났고 하이든보다 나이가 11살 적다.
부친은 베이스 주자로서 아들에게 기초를 가르쳤다.
14세 때까지 부친과 아바테비누치에게 첼로를 배웠으며 후에 로마로 나가 첼로와 작곡을
전공했다.
6년이 지나 루카로 돌아가 거기서 최초의 작품을 썼다.
보케리니의 천재성이 세상에 알려져 타르티니의 제자 필리포 만프레디와 온 유럽을 연주
여행했다.
1768년에 파리로 나가 거기서 작품 16개의 현악 4중주곡을 출판했으며 이어서 2개의 바이올린과
첼로를 위한 3중주곡집을 발표했다.
이 매력적인 실내악곡은 당시 파리 악단의 애호를 받아 보케리니의 이름을 높였다.
1769년 보케리니는 스페인 대사의 초청에 의해 스페인의 수도 마드리드로 갔르며 루이스 왕자와
왕으로부터 실내악의 명수로서 후한 대접을 받았다.
1787년 그는 프러시아의 프레데릭 빌헬름 2세에게 작품을 헌정한 것이 인연이 되어 궁정을
섬겼으나 1797년 왕의 서거와 함께 실직했다.
1805년 5월 28일 마드리드에서 사망했다.
작품은 현악 4중주곡 91, 현악 5중주곡 125, 피아노 5중주곡 12, 현악과 플루트를 위한 5중주곡
18, 교향곡 20, 첼로협주곡 4곡 등 다수에 달한다.
2. Mahler, Symphony No.5 in C sharp minor
Riccardo Chailly(cond), Berlin Radio Symphony Orchestra
I. Trauermarsch : In Gemessenem
II. Sturmisch Bewegt : Mit Grosster Hemenz
III. Scherzo : Kraftig,Nicht Zu Schnell
IV. Adagietto : Sehr Langsam
V. Rondo-Finale : Allegro
♣ 말러 교향곡 5번
말러에게 있어 '교향곡 5번'은 새로운 출발이다. 불혹을 넘긴 그는 새로운 기악 교향곡의
첫 작품인 '교향곡 5번'에서 고도로 세련된 작곡기법을 구사함과 동시에 전통적인 교향곡의
구성을 살짝 비틀어 특유의 음악적 풍자와 냉소를 좀 더 세련된 방식으로 드러냈다.
자신의 삶과 음악을 밀접하게 관련시키곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서도 그가 경험한 두
가지 중요한 사건을 은근히 암시하고 있다.
'교향곡 5번'에 착수하던 1901년에 말러는 심각한 장출혈로 위기를 겪은데 이어 교향곡을
완성하던 1902년에는 미모의 알마 신틀러와 결혼하면서 지옥과 천국을 오갔다.
비록 그 자신은 '교향곡 5번'에 어떠한 표제도 붙이지 않았지만 비극적인 장송행진곡으로
시작해 유난히 밝고 경쾌한 5악장으로 마무리되는 '교향곡 5번'은 죽음의 위기와 결혼의
행복이라는 두 가지 사건을 나타내는 듯하다.
비극적인 음악에서 환희의 음악으로 마무리되는 전개 방식은 '어둠에서 광명으로' 향하는
전통적인 독일 교향곡의 구성과 닮았지만 말러는 이 교향곡 곳곳에 자신의 가곡에서 따온
선율을 암시하며 수수께끼 같은 메시지를 전하고 있다.
무엇보다 말러가 '교향곡 5번'에서 이뤄낸 가장 놀라운 업적은 작곡기법적 성취가 아닐까
싶다.
말러의 '교향곡 5번'에선 그 어떤 선율도 단순하게 등장하는 법이 없다. 하나의 주제가 또
다른 주제와 동시에 제시되는가 하면 조그만 반주 음형이 거대하게 자라나 전체 음악을
압도하기도 한다.
1, 3악장에선 트럼펫과 호른이 마치 협주곡의 솔리스트인양 전면에 드러나고 3, 5악장에선
여러 악기들이 매우 정교한 '폴리포니'(polyphony)를 만들어내며 2, 5악장 마지막 부분에선
금관악기들이 통쾌한 코랄(choral)을 연주한다.
물론 '교향곡 5번'에서 가장 유명한 악장인 4악장 '아다지에토'의 아름다운 음악은
영화음악으로 사용될 정도로 로맨틱한 감성으로 가득하다.
말러가 '교향곡 5번'에서 그토록 다양하고 세련된 작곡기법을 구사할 수 있었던 것은 그
당시 말러가 J.S. 바흐의 작품을 깊이 연구한 것과 무관하지 않을 것이다.
1901년 3월 경, 말러는 바흐의 악보 전집을 들여놓고 틈날 때마다 들여다봤으며 여름 휴가
때도 바흐가 사용했던 코랄에 다양하게 화성을 붙이며 하루 일과를 보내곤 했다.
바흐 음악을 통해 새로운 작곡 기법에 눈을 뜬 말러는 '교향곡 5번'을 작곡하면서
"초보자처럼 새롭게 곡을 썼다"고 증언하기도 했는데 실제로 교향곡 5번은 그의 초기
교향곡들과는 근본적으로 다른 음악이다.
말러의 '교향곡 5번'은 교향곡 5, 6, 7번으로 구성된 '중기 3부작'의 새 시대를 연
작품이다.
이 세 교향곡은 순수 기악곡으로 일종의 '교향악적 칸타타'라고 할 수 있는 교향곡 2, 3,
4번과는 완전히 다른 노선을 걷고 있다.
새로운 3부작은 가사도 가수도 합창도 없이 진행된다. 또한 교향곡에 자신의 가곡을
인용하곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서는 단지 암시만 할 뿐 노골적으로 드러내지 않는다.
새로운 3부작을 여는 '교향곡 5번'은 악장 구조 역시 독특하다.
모두 5악장으로 이루어졌으나 1악장은 마치 2악장의 서주와 같은 역할을 하며 제1부를
구성하고 3악장은 제2부, 그리고 4, 5악장이 연결되어 제3부를 구성한다.
제1부는 인상적인 트럼펫 팡파르로 시작한다. 곧 이어 마치 고통스러운 발걸음처럼 무겁고
침통한 장송행진곡이 울려 퍼진다.
팡파르와 행진곡으로 이루어진 두 가지 악상은 곧이어 폭발적인 슬픔으로 중단되며 극단적인
대비를 이룬다.
팡파르와 행진곡, 슬픔의 폭발이 교대되는 동안 이 음악을 듣는 이들 역시 감정적인 고양을
경험하게 될 것이다.
그리고 1악장 말미에 터져 나오는 탄식의 울부짖음에서 절정에 달할 것이다.
이어지는 2악장은 1악장과 몇 가지 악상을 공유하고 있어 사실상 1악장에 연결되는 음악이라
할 수 있다.
소나타 형식으로 구성된 이 악장은 격렬한 분노를 담은 제1주제와 평화를 갈망하는 듯한
제2주제로 중심으로 전개된다.
2악장의 핵심은 이 악장 말미에 금관악기들이 연주하는 통쾌한 '코랄'이지만 이는 오래지
않아 불협화음과 반음계적인 추락 모티브들로 좌절되면서 쓸쓸한 결말에 이른다.
제1부가 장송행진곡과 분노의 폭발이라면 스케르초로 된 제2부는 일종의 춤곡이다.
시골풍의 거친 '랜틀러'와 도시 풍의 세련된 '왈츠'가 교대되는 이 스케르초는 말러 자신이
표현대로 "우리는 삶의 한 가운데서도 죽음 속에 존재한다"(media vita in morte sumus)는
이중성을 드러낸다.
겉으로는 행복한 삶을 누리는 듯하지만 시시각각으로 우리를 위협하는 집요한 시간의 추적이
'♪♪♩♩'의 반복되는 리듬과 광포한 춤곡으로 묘사된다.
이것은 결코 삶에 대한 확신이 아니다. 온갖 모티브들이 여기저기서 튀어나와 거대한
폴리포니를 이루고 있는 이 음악은 죽음의 추격에 쫓기며 우왕좌왕하는 인간의 혼란스러운
삶의 단면을 보여주는 듯하다.
3악장의 난폭한 죽음의 춤을 거쳐 제3부의 첫 악장인 '아다지에토'에 이르면 지극히
낭만적이고 감성적인 음악이 현악기만으로 연주된다.
어떤 이들은 이 음악을 "알마에 대한 사랑의 고백"이라 말하기도 하지만 이 악장의 마지막
부분의 베이스 파트에 암시된 음악은 말러의 뤼케르트 시에 의한 가곡 '나는 세상에서
잊혀지고'라는 가곡이다.
이 곡은 말러가 "이 곡은 바로 나 자신이다"라고 말할 정도로 각별한 애정을 갖고 있던
가곡이긴 하지만 사랑을 노래한 음악에 왜 이런 쓸쓸한 노래를 인용했는지는 여전히 미스터리로
남는다.
4악장에 곧바로 이어지는 5악장은 지나치게 밝고 경쾌한 음악이다. 5악장에서는 2악장 말미에
잠시 등장했던 코랄이 완전한 승리로 끝나고 있어 "삶에 대한 강한 긍정"을 보여주는 음악으로
해석되기도 한다.
그러나 5악장 도입부에서 목관악기들이 연주하는 선율의 단편들 중에 클라리넷이 연주하는
멜로디를 잘 분석해보면 놀랍게도 그 성스럽고 장엄한 코랄 선율임이 드러난다.
5악장 도입부에서 툭 내던져지듯이 연주되는 선율의 단편이 교향곡 5번의 결론을 이끌어내는
성스러운 코랄의 단편이라는 사실은 어쩐지 신성모독 같이 느껴지기도 한다.
게다가 5악장 도입부에서 연주되는 바순의 상행 모티브는 말러의 뿔피리 가곡집 중에서 '높은
지성의 찬가'(Lob des hohen verstands)에서 따온 것으로 그 내용은 우스꽝스럽기 짝이 없다.
이 가곡에서 당나귀는 귀가 크다는 이유로 뻐꾸기와 나이팅게일의 노래 경연대회의 심사위원으로
초청된다.
그는 단순하게 두 음만 반복하는 뻐꾸기의 노래가 더 훌륭하다고 판정한다. 이는 나이팅게일의
멋진 노래와도 같은 말러의 훌륭한 작품이 당나귀와 같은 당대 비평가들에 의해 인정받지 못하고
있다는 사실에 대한 말러의 자조인 듯 느껴진다.
말러의 냉소적인 풍자는 계속된다. 말러는 4악장에서 그토록 간절하고 안타깝게 표현했던 아름다운
사랑의 주제를 5악장의 제2주제로 가져와 지나치게 가볍고 경쾌한 음악으로 바꿔놓으면서 진실한
사랑을 회피하려는 듯하다.
이것 역시 코랄의 신성모독 못지않은 충격을 전해준다.
과연 말러가 '교향곡 5번'에서 표현하고자 했던 메시지는 무엇이었을까? 그것은 여전히 수수께끼로
남지만 말러가 이 교향곡에서 표현한 그 현란한 폴리포니와 화려한 기교는 오늘날의 음악애호가들을
사로잡기에 충분하다.
■ 추천음반
말러 '교향곡 5번'의 추천 음반으로는 풍부한 감성을 담은 텐슈테트/런던 필하모닉의 음반(EMI)과
명쾌한 해석이 돋보이는 샤이/RCO(Decca)의 음반을 추천한다.
각 성부의 생동감 있는 움직임이 돋보이는 래틀/베를린 필하모닉(EMI)의 음반도 좋다.
또한 시노폴리/필하모니아 오케스트라(DG)의 음반 등을 꼽을 수 있겠다.
리카르도 샤이 (Riccardo Chailly, 1953. 2. 20 ~ )
이탈리아의 밀라노에서 태어났다. 아버지는 힌데미트 문하의 유명한 작곡가 루치아노 샤이이다.
어린 시절부터 아버지 곁에서 음악의 기초 교육을 받으면서 처음에는 피아니스트가 되려고 했다.
그런데 밀라노 음악원에서 프랑코 카리치오로를 사사하여 작곡의 디플로마를 얻은 다음
페루자에서 피에로 과리아노, 시에나의 키지 음악원에서 프랑코 페라라와 같은 명교사를
사사했다.
15세 때인 1968년 클라우디오 시모네에게 인정을 받아 파도바에서 이 솔리스티 베네티를 지휘하여
데뷔했고 2년 뒤에는 클라우디오 아바도의 추천으로 밀라노 스칼라 극장의 부지휘자로 발탁되었다.
1972년 키지 음악원을 졸업한 샤이는 밀라노의 테아트로 누오보에서 마스네의 '베르테르'를
공연하여 오페라 지휘자로 데뷔했다.
1974년에는 미국으로 진출, 시카코 리릭 오페라에서'나비 부인'을 지휘했고 1977년 시즌에는
샌프란시스코 오페라의 오프닝에서 '투란도트'를 공연하여 큰 성공을 거두었다.
이후 밀라노 스칼라 극장에서 베르디의 '군도'를 지휘해 국제적인 주목을 끌게 된다.
더욱이 1982년에는 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서 데뷔했다.
그는 이미 런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장, 함부르크의 슈타츠오퍼에서도 호평을 받았고
오페라 지휘자로서는 제일 젊으면서도 높은 인기를 누리는 주인공이 되었다.
다만 콘서트의 지휘 방면에는 아직도 충분한 캐리어를 쌓았다고 할 수 없지만 런던 교향악단이나
베를린 필하모니아, 뮌헨 필하모니, 로열 필하모니, 로스앤젤레스 필하모니를 지휘, 차곡차곡
캐리어를 쌓고 있다.
1982년 시즌부터 베를린 방송교향악단의 음악 감독에 취임하였다.
1986년에는 볼로냐 시립 오페라 극장 음악 감독으로도 취임했고 콘서트와 오페라의 양쪽으로
자기의 본거지를 가질 수 있게 된 샤이는 점점 활약을 넓히고 있다.
또한 1988년부터는 암스테르담 콘세르트헤보우 관현악단 수석 지휘자도 겸하게 되었다.
그 동안 1984년에는 로열 필하모니와 함께 한국에 와서 세종문화회관에서 지휘했다.
샤이는 위와 같은 경력에 비추어 보더라도 연령적으로는 아직도 시작에 불과하다고 하겠다.
그러나 수적으로는 적지만 시중에 팔리고 있는 레코드를 듣게 되면 소위 네거티브적인 의미의
젊음은 전혀 느낄 수가 없다.
마스네의 '베르테르'(그라모폰)에서는 도밍고, 오브라스초바와 같은 베테랑 가수를 구사하여
실로 전체를 멀리 내다보는 안정된 음악을 이끌어 낸 솜씨는 실로 경탄을 금할 수 없게 한다.
멘델스존의 '교항곡 제2번(찬가)''교향곡 제3번(스코틀랜드)'(필립스)에서도 다분히 젊음을
느낄 수가 있지만 스케일의 크기를 본다면 도저히 20대의 젊은이의 음악이라고는 생각되지
않는다.
특히 '찬가'의 경우 코러스의 컨트롤, 오케스트라와 솔로의 퍼스펙티브 등은 숙달된
기량이라고 표현해도 조금도 이상하지 많다고 본다.
역시 샤이가 오페라의 현장에서 얼마나 많은 것을 익혔는가를 단적으로 나타내 준다.
이만큼 흥미롭게 곡을 들려 줄 수 있다는 것은 그가 보통 사람이 아니라는 증거라 하겠다.
샤이는 21세기의 1장이란 라이센스를 손에 넣을 수 있는 가장 가까운 거리에 있는 인재라고
하겠다.
3. Rachmaninov, Piano Concerto No.2 in C Minor Op.18
Sviatoslav Richter(pf) / Kurt Sanderling(cond), Leningrad Philharmonic Orchestra
I. Moderato
II. Adagio Sostenuto
III. Allegro Scherzando
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 2번 C 장조 Op.18
라흐마니노프의 피아노 협주곡 2번은 첫 부분의 피아노 터치가 인상적인 곡이다.
이 부분은 크렘린의 종소리라는 별명을 가지고 있는데 그만큼 장중하고 아름다우며 누가
들어도 단번에 러시아적인 분위기를 느낄 수 있다.
또한 애수에 찬 감미로운 2악장, 빛나는 3악장도 많은 영화, 드라마, CF에 삽입되어 이 곡은
처음 듣는 사람에게도 아주 친숙하게 느껴진다.
라흐마니노프는 작곡가로도 유명하지만 그 자신이 아주 뛰어난 피아니스트였다.
그는 아주 손이 크고 테크닉도 뛰어나 힘과 기교를 겸비한 빼어난 연주를 하였다.
그의 피아노 곡들은 당연히 직접 연주할 것을 염두에 두고 작곡되었으며 연주하는데
피아니스트의 엄청난 기량이 필요하다.
관객들에게는 피아노의 능력을 극대화한 명곡이지만 수많은 피아니스트들을 절망에 빠뜨리는
난곡들이기도 하다.
현재는 라흐마니노프를 마판증후군 환자로 추정하고 있는데 이 병은 손가락을 길고 유연하게
만드는 특성이 있다.
그러니 정상적인 사람이 라흐마니노프의 테크닉을 쉽게 따라 하기란 애당초 어려울 수 밖에
없다.
전설적인 바이올리니스트 파가니니도 역시 마판증후군 환자로 의심된다.
그는 평생 4개의 피아노협주곡을 작곡했는데 그 중 2번과 3번이 가장 유명하다.
1번은 10대 후반에 작곡했다가 나중에 전면적으로 수정해서 실질적으로는 이 2번이 첫 번째
협주곡이라고 보아도 큰 무리는 없다.
라흐마니노프는 작곡에서 차이콥스키의 영향을 크게 받았다고 평가 받는다. 실제로
라흐마니노프는 차이콥스키에게 배웠으며 그를 멘토로 삼았다.
차이콥스키가 죽었을 때 그를 '위대한 예술가의 회상'이라는 곡을 쓰기도 했다.
그래서 라흐마니노프의 경향을 회고적이라고하기도 하고 그를 낭만파의 마지막 작곡가라고
하기도 한다.
그는 당시의 다른 작곡가들이 보았을 때는 좀 구닥다리 스타일이었던 것이다.
라흐마니노프는 10대 때부터 작곡을 시작하여 많은 훌륭한 곡을 쓴다.
피아니스트로의 기량도 뛰어나서 연주자로도 인정받고 지휘도 하는 등 활발하게 활동한다.
그런데 라흐마니노프가 24세 되던 해부터 약 3~4년간 작곡가로 큰 슬럼프를 겪게 된다.
사실상 그 기간 동안 아무 곡도 쓰지 못했다. 그 이유는 1897년에 초연한 교향곡 1번이
무지막지한 악평을 들어 작곡에 완전히 자신감을 상실했기 때문이다.
게다가 개인적인 불행도 겹쳐서 그는 우울증에 빠지고 만다.
협주곡 2번은 대단한 성공을 거두었고 작곡가로서의 그의 명성은 그 후로 확고 부동하게 된다.
그런 사연으로 이 곡이 니콜라이 달에게 헌정되었다.
후에 라흐마니노프는 미국에서도 활동하여 큰 명성을 쌓는데 그런 계기로 나중에 러시아
혁명을 피해 미국으로 이주하여 정착하게 된다.
러시아 쪽 음악가 중 그와 비슷하게 미국에 정착하게 된 경우가 여럿 있다.
피아니스트 호로비츠도 그 중 한 사람인데 라흐마니노프는 호로비츠가 자신의 곡 특히 '협주곡
3번'을 연주하는 것을 굉장히 높게 평가했다고 한다.
이 곡이 많은 사람들의 사랑을 받다 보니 많은 영화나 드라마 등에도 삽입되었다.
'애수', '노다메 칸타빌레' 등에도 들어갔고, '호로비츠를 위하여'에서도 그렇다.
그런데 재미있는 점은 호로비츠가 라흐마니노프 연주로 아주 유명하지만 정작 이 곡은 녹음하지
않았다는 것이다.
클래식 애호가 중 호로비츠의 '라흐마니노프 협주곡 2번'을 찾으시는 분이 꽤 있는데 안타깝게도
세상에 그런 음반은 없다.
반대로 '2번'의 명반을 남긴 리히터는 '3번'이 없다. 그런 생각을 하면 '호로비츠를 위하여'라는
제목 또한 꽤 절묘한 것 같다.
■ 추천음반
피아노 협주곡의 대표적인 곡답게 강하고 아름다운 연주가 많다. 웅장한 스케일을 연출해내는
리히터(1959, 스테레오, DG)의 녹음은 공격적인 타건과 에너지가 꿈틀거리는 명연이다.
반대로 아르투르 루빈스타인(1971, 스테레오, RCA)의 연주는 단아한 해석으로 요란함 없는
아름다움이 빛난다.
블라디미르 아슈케나지(1970, 스테레오, Decca)는 곡이 가진 서정성을 극대화한 유려한 해석의
전형이라 할 만 하다.
스테판 허프(1996, Digital, Hyperion)는 현란한 기교의 현대적 해석이 돋보이는 명반이다.
스비아토슬라프 리히테르 (Sviatoslav Richter, 1915. 3. 20 ~ 1997. 8. 1)
스비아토슬라프 리히테르가 일구어낸 삶과 업적을 하나로 설명한다는 것은 아마도 불가능에
가까울 것이다.
그러나 '역설적'이라는 단어만큼은 그를 설명할 수 있는 거의 유일한 표현일 것이다.
레코딩을 끔찍하게 싫어했음에도 불구하고 그 누구보다도 많은 음반을 남겼다.
그의 공식적인 디스코그래피는 지금까지도 계속 확장되고 있을 정도로 정규 레코딩 외에
많은 방송 녹음들과 개인 녹음들이 지속적으로 발매되어 피아노 애호가들을 열광시키고 있다.
자기 홍보를 위한 인터뷰나 영상물 제작을 극도로 혐오(브루노 몽생종이 그의 기록 영화를
만들기 전까지 그의 사생활은 알려진 바가 전혀 없었다)하면서도 개인적으로는 열광적인
사진광이었다.
더군다나 인간적으로도 그는 대단히 복합적인 성격으로서 유목민적이고 일중독자에다가
자신의 존재에 대해 부단한 질문을 던지는 사람이었다.
음악 취향에 있어서도 그는 카라얀의 음악 해석에는 이해할 수 없어 했음에도 불구하고
그의 탐미적이면서도 장중한 해석에 있어서는 늘 찬사를 보냈고 글렌 굴드의 바흐는
참신하다고 높이 평가했지만 그 외의 작품에서는 자기도취적이라고 폄하하기도 했다.
러시아인이자 독일인이었던 그는 순진한 동시에 삐딱하기도 했고 예측할 수 없는 성격임과
동시에 완고하기도 했다.
연주하는 그의 모습은 스핑크스와도 같은 광적인 열기를 자아내다가도 근엄한 사제와도
같은 엄숙함과 어린이와도 같은 천진난만함을 오고간다.
역설적일수록 리히테르에 대한 평론가들과 청중들의 반응은 더욱더 우호적이었을 뿐만
아니라 시간이 지날 수록 그에 대한 우상화의 기운은 점점 더 커져만 갔다.
철의 장막 속에 갇혀 있었던 그가 서방인들의 시야에 들어오기 시작한 1950년대 이후부터
우리가 원하든 그렇지 않든 리히테르의 존재를 거부하기란 어려운 일이 되었다.
마이다스의 손에 비견할 수 있을 만큼 그가 손대는 모든 작품들은 철저하게 분석되고
재구성되어 '리히테르화한 에너지'에 휩쌓인 채 압도적인 카리스마를 뿜어냈기 때문이다.
그의 음악은 항상 기준 이상의 포르테로 일관했지만 그 포르테는 리히테르 자신에게는
극도의 포르티시모를 위한 작은 피아니시모였던 것이다.
이렇게 쌓아올린 저 엄청난 음향의 구조물에 위압감을 느끼지 않을 사람이 어디 있겠는가!
숨을 거두기 직전까지도 창조적인 힘을 발산했던 리히테르에 대해 어떠한 반론을
제시한다는 것은 어딘가 자신을 속인다는 느낌까지도 받을 수 있는 것이다. 굳이 비판을
위한 비판을 할 목적이 아니라면 말이다.
그는 저 넓은 20세기 피아노 세계의 저 높은 곳에 우뚝 서 있는 거인으로 사람들의 뇌리에
각인되었다.
그러나 그의 주위에 세 명의 아버지가 없었다면 그는 결코 그러한 거인으로 발돋음할 수
없었을 것이다.
그가 꼽는 첫 번째 아버지는 바로 하인리히 네이가우스. 네이가우스가 누구인가?
그는 20세기 전반부를 대표하는 러시아 피아니스트이자 교육자로서 에밀 길렐스, 야코브
자크, 이고르 쥬코프, 안톤 긴스부르그, 엘리소 비르살라제, 알렉세이 루비모프, 라두
루푸 등을 길러낸 현대 러시아 피아니즘의 대부라고 말할 수 있다.
리히테르의 재능을 알아채린 뒤 아버지처럼 그의 곁에서 모든 것을 도와주고 이끌어주었던
스승으로서, 네이가우스는 낭만적이면서도 부드러우며 상상력 풍부한 옛 피아니즘 성향이
강한 연주자임에도 불구하고, 제자들한테는 결코 자신의 스타일을 강요하지 않고 텍스트에
담긴 그 의미와 표현을 극대화할 수 있도록 길을 터주었다.
리히테르의 그 방대한 레퍼토리와 작품에 대한 투철한 분석, 냉정한 감정 조절, 풍부한
상상력은 바로 네이가우스의 아버지와도 같은 넓은 가르침에서 비롯된 것이라 말할 수
있다.
두 번째로는 그를 낳아주고 음악으로 이끌어준 생물학적 아버지가 있고 세 번째로는 바로
음악가 리하르트 바그너를 언급했다.
바그너의 음악은 그에게 있어서 10대부터 80대에 이르기까지 일종의 계시와도 같았던
정신적인 아버지였던 것이다.
음악은 소리를 향해 걸어가는 사색의 세계다. 소리, 음색, 악기, 악보, 연주자, 작곡가,
그리고 음악. 연주의 기본 이념은 이들 모두를 조화시켜 소리로 표현해 내는 실현행위다.
연주가란 무엇인가? 이 과정에 대해 끊임없이 사색하며 모든 요소에 매어져 있는 사슬을
긴밀하게 조여가는 주체다.
리히테르는 여기에 한 가지를 더 가지고 있다. 순간 속에서 단 한 번 울리고 사라지는
바로 그 소리의 깊은 호소력을 끌어낼 수 있는 천부적 능력이다.
그는 음악의 본질을 캐어내는 과정을 피아노를 통해 심사숙고한다. 그 결과 그가 발견하는
것은 어떻게 연주되어야 하는가가 아니라 연주가 어떻게 그 곡의 본질을 지시할 수 있는
가이다.
자유로운 음악 만들기를 통해 한 순간의 시간 속으로 자신을 던지는 행위 이것이야말로
그를 변덕스럽고도 고집스러운 음악가로 평가할 수 있는 가장 중요한 잣대일 것이다.
참된 음악으로 향하는 길을 찾아낸 전형적인 러시아인인 리히테르는 러시아 전통
피아니즘에 머물러 있지 않았다는 것 또한 아이러니하다.
고전과 낭만, 혁신과 보수, 감성과 이성, 러시아와 유럽, 피아노와 오페라 사이에서
자신만의 절묘한 균형점을 찾아 작곡가 의도에 충실한 음악세계를 만들어나갔던 리히테르의
연주는 러시아적이라기보다는 구조주의적이었다.
또한 현대적이되 자아도취적인 낭만적 스타일을 추구했다. 그러나 그 현대적 도취감이
즉흥적 파생물이 아니라 자신의 존재방식을 지키기 위한 고집스러움이라고 한다면 그 역시
엄격한 고전주의자라고 할 수 있을 것이다.
리히테르에 대한 글렌 굴드의 언급만큼 정확한 표현은 없을 듯하다.
"리히테르는 자신의 연주를 연결고리로 작곡가와 청중들을 매개시켜 줌으로써 우리로
하여금 그 작품에 대해 새로이 인식하게 만들 뿐 아니라, 지금까지의 고정관념을 깨고
그 작품에 대한 전혀 다른 해석도 보여준다"
1915년 3월 20일 우크라이나의 지토미르에서 태어난 리히테르는 그리그와 슈레커와 친분이
있던 피아니스트이자 작곡가, 오르가니스트인 폴란드-독일계 아버지로부터 음악적 환경을
받을 수 있었다.
시민 혁명 이후 오데사로 가족이 집을 옮긴 뒤 리히테르는 미술과 문학, 영화에 더 관심이
있었고 그의 연주에도 아버지는 큰 관심을 보이지 않았다.
아버지로부터 가장 기본적인 것만을 배웠을 뿐 거의 독학으로 피아노를 배워나갔던 그는
14세에 오데사의 한 해군클럽에서 피아노 반주를 시작했다.
15세에는 엄청난 양의 오페라 악보를 읽어나가며 오페라 리허설 반주에 몰두했으며 18세
무렵에는 오페라 하우스에서 발레연습 반주를 할 수 있었다.
1934년에는 기본 피아노 레퍼토리를 배우지도 않았고 전문적인 연습도 없었던 그로서는
대담한 시도라고 말 할수 있는 쇼팽 리사이틀을 오데사의 기술자 클럽에서 열었다.
이를 통해 본격적인 프로 연주자로 발돋음했다.
그러나 오데사에서 생겨나기 시작했던 반 독일정서로 인해 모스크바로 떠났고 바로 여기서
피아니스트 하인리히 네이가우스를 만나게 된다.
리히테르는 이미 오데사에서 네이가우스의 연주를 듣고 그의 비상하는 듯한 상상력에
사로잡혔다.
이와는 반대로 1937년 리히테르의 연주를 들은 네이가우스 역시 너무도 감동한 나머지
모스크바 음악원 입학을 도와준다.
역시 우크라이나 출신이자 독일인 아버지를 둔 네이가우스는 후일 리히테르로부터 '친숙한
중립성'을 배웠다고 토로한바 있다.
그만큼 리히테르는 작품을 분석하는데 있어서 스타일이나 전통에 얽매이지 않고 자신만의
주관을 객관화시키는데 천부적이었다.
2차대전 중 아버지가 총살을 당하고 어머니는 독일로 떠나버리자 네이가우스는 리히테르의
아버지의 역할까지 도맡았다.
그리고 1942년 6월에는 정식 리사이틀을 열 수 있도록 도움을 주었다.
청중들은 피아니스트 리히테르의 당당한 기운, 엄청난 테크닉에 압도되었다.
1944년 리히테르는 학교를 졸업하자마자 소련의 각종 연주회로부터 러브콜을 받으며 소련의
예술 영웅으로 칭송받았다.
피아니스트로서 소련 내 최고의 연주자로 손꼽히던 그는 1952년에는 작곡가 미하일
글린카를 소재로 한 영화에 리스트로 분장하고 출연한 독특한 경력 또한 가지고 있다.
리히테르는 스탈린이 서거한 뒤 1960년대부터 불기 시작한 사회적 변화에 부응해 철의
장막에서 벗어나 서방 세계에 본격적으로 모습을 드러내기 시작했다.
1960년 미국으로의 첫 연주여행(이전에 미국에 선보인 에밀 길렐스가 "리히테르를 들을 때까지
기다려달라"로 언급한 것은 유명하다)을 떠나 병적일 정도로 광적인 환호를
받았다.
1961년에는 영국과 프랑스에도 그 모습을 드러내며 살아있는 전설로서 그 유명세를 떨치기
시작했다.
그러나 그는 자신의 명성이 높아질수록 음악 외 것들은 결코 공개하지 않았다.
1970년 다비드 오이스트라흐와의 미국 연주회에서 반공주의자들의 난동으로 연주회가 중단된
이후 그는 죽을 때까지 미국에서 연주회를 가지지 않았다.
대신에 동서유럽을 중심으로 자신만의 왕국을 쌓아나가기 시작했다.
프로코피에프와 스크리아빈, 라흐마니노프, 차이콥스키, 무소르그스키와 같은 러시아
작곡가들의 작품은 물론 리스트와 쇼팽, 브람스, 슈만, 슈베르트, 베토벤과 같은 정통
레퍼토리, 독일과 프랑스의 바로크와 고전, 현대 및 프랑스 작곡가의 인상주의 작품들을
포함한 피아노로 가능한 모든 솔로 및 협주곡 레퍼토리가 그의 손끝에서 연주되었다.
그는 혼자서 연주하는 것보다는 친구들과 함께 하는 음악 만들기를 사랑했다.
그만큼 실내악과 앙상블 작업은 그의 경력 가운데 가장 중요한 부분이다.
가장 먼저 소비에트 시절 함께 했던 다비드 오이스트라흐와 므스티슬라브
로스트로포비치와의 앙상블은 결코 잊을 수 없는 기억으로 이들은 새로운 러시아 스타일의
음악을 창조해낸 트로이카라고 말할 수 있다.
이 외에 그와 절친한 사이었던 벤자민 브리튼과의 연주도 60~70년대 그를 특징지을 수 있는
이벤트이고 디트리히 피셔-디스카우의 가곡 반주자(후일 페터 슈라이어와도 함께
했다)로서의 활동 또한 역사적 업적으로 평가받는다.
1970년대 이후에는 젊은 음악가들과 호흡을 함께 했다. 특히 후배 피아니스트인 졸탄 코치슈,
엘리자베스 레온스카야 등을 각별히 아끼며 함께 듀오 리사이틀도 열었고 바이올리니스트
올레그 카간, 첼리스트 나탈리 구트만, 비올리스트 유리 바슈메트와 함께 실내악 연주와 듀오
리사이틀 또한 자주 가졌다.
그리고 전문 실내악 단체인 보로딘 4중주단과도 많은 연주회를 했다.
거구의 몸으로 청중을 압도했던 그는 말년에는 홀 안의 모든 불을 끄고 악보를 앞에 놓은
채 건반 옆에 단 하나의 조명만 놓고 연주하는 분위기를 선호했다.
이는 청중에게는 음악에 대한 집중력을 자신에게는 악보 그 자체에 대한 집중력을 이끌어내기
위해서였다.
레코딩 또한 평생에 걸쳐 엄청난 양을 남겼다. 그가 존경해 마지 않았던 지휘자 므라빈스키와
더 많은 녹음을 남기지는 못했다는 것이 안타깝지만 그가 칭송해 마지 않았던 카라얀과의
베토벤 '3중 협주곡'과 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번'(비록 당시 해석에는 마음 들어 하지
않았지만)을 비롯하여 지휘자 마타치치와의 그리그 '피아노 협주곡'(자신이 가장 마음에
들어했던)과 지휘자 비슬로키와의 '라흐마니노프 2번'을 비롯하여 엄청난 양의 협주곡을
레코딩했다.
전혀 다른 작품들로 80개 이상의 연주회 프로그램을 짤 수 있다고 자랑했던 독주곡
레퍼토리에서는 정리할 수도 없을 만큼 방대한 양의 레코딩이 남아있다.
특히 러시아 레퍼토리, 슈만이나 리스트 같은 낭만주의 시대 작품, 빈 고전파 작곡가들의
작품에서 압도적인 연주를 보여준 바 있다.
글렌 굴드는 리히테르가 레코딩 테크놀로지에 관심이 없어했음을 아쉬워했다.
실제로 많은 녹음을 진행한 베테랑 연주가이기도 한 리히테르는 레코딩의 완성도에는
그다지 큰 관심이 없었다.
그런 까닭에 스튜디오 레코딩보다 많은 양의 라이브 레코딩들이 여기저기서 쏟아져 나올 수
있었는데 이 많은 음반들 어느 하나 리히테르의 카리스마와 진지함이 배어있지 않은 음반이
없을 정도로 그는 매순간 최선을 다했다.
1995년 뤼벡에서 마지막 연주회를 가진 뒤 청력 이상으로 은퇴를 한 리히테르는 2년 뒤인
1997년 8월 1일 모스크바의 한 병원에서 심장발작으로 세상을 떠났다.
비올리스트 바슈메트의 연주와 지인들의 추모를 받으며 교회에서 간소한 장례식을 거친 그의
유해는 생전에 친분을 나누었던 세르게이 프로코피에프, 드미트리 쇼스타코비치, 하인리히
네이가우스, 블라디미르 소프로니츠키, 에밀 길렐스, 다비드 오이스트라흐 등의 거장들이
묻힌 노보데비치 공동묘지에 안장되었다.
약력
1937 모스크바 음악원 네이가우스 문하로 입학
1940 모스크바 공식 데뷔 연주회
1945 러시아 음악 콩쿠르 1위
1950 스탈린 상 수상
1958 불가리아 소피아 연주회 실황
1960 첫 미국 연주 여행
1961 영국, 프랑스 등의 서유럽 데뷔 연주회
1994 서울 예술의 전당 내한 연주회
1995 뤼벡에서의 마지막 연주회 후 은퇴
4. Mendelssohn, Violin Concerto in E minor, Op.64 [SACD]
Yehudi Menuhin(Vn) / Andre Previn(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro molto appassionato
II. Andante
III. Allegretto Non Troppo - Allegro Molto Vivace
♣ 멘델스존 바이올린 협주곡 E단조
펠릭스 멘델스존이 자신의 두 번째 바이올린 협주곡을 완성하게 된 1844년 여름에는 그
자신도 이 작품의 성공을 확신할 수 없었다.
멘델스존은 당시 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 콘서트마스터로 활약하고 있던
페르디난트 다비트의 연주에 영감을 얻어 E단조의 협주곡을 작곡하게 된다.
1838년부터 이 작품의 작곡을 시작했지만 완성(1844)까지 무려 6년의 시간이 소요될 만큼
심혈을 기울여 작곡했다.
음악적으로 세 개의 악장이 이어져 있고 시작하자마자 독주 바이올린이 음악적 방향타를
제시하는 새로운 방식은 동시대 청중에게 강렬한 인상을 남겼다.
1845년 3월 13일 닐스 가데가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스와 다비트의 협연으로
초연이 이루어졌다.
그리고 2년 후에 멘델스존이 사망하면서 이 작품은 그의 음악적 초상으로 기억된다.
지난 160여년 동안 멘델스존의 바이올린 협주곡은 연주자들에게나 음악애호가들에게나
엄청난 사랑을 받고 있다.
한 번 들으면 머리에 쏙 기억되는 멜로디와 로맨틱한 분위기 등 이 작품은 19세기 전체를
통틀어서도 최고의 명작으로 인정받고 있다.
낭만주의 시기에 작곡된 바이올린 협주곡은 수없이 많지만 그중에서도 멘델스존의 작품은
차이코프스키의 작품과 더불어 언제나 최고의 찬사를 받고 있다.
이 협주곡에는 멘델스존의 온화하고 따뜻한 성품이 고스란히 드러난다.
어린 천재로서 세상의 주목을 받으며 괴테로부터 축복의 키스를 받으며 성장한 아이가
청년 작곡가로서 세계를 향해 던지는 메시지이기도 하다.
멘델스존에 대한 한 가지 오해는 그가 어려움 없이 성장했기 때문에 인생의 여러 가지
단계를 거치지 못했고 따라서 그의 음악도 심오한 철학을 담아낼 수 없다는 것이다.
음악가로서 멘델스존의 작품이 지닌 가장 중요한 요소는 많은 사람들이 엄숙한 얼굴을
하고서 음악의 한 가지 측면만을 이야기 할 때 그는 다채로운 언어로 음악을 만들었다는
데 있다.
이 바이올린 협주곡에는 한 사람이 태어나고 성장해서 사랑하는 삶의 계단들이 일종의
순환형식으로 되어 있다.
우리는 이를 통해서 '운명의 수레바퀴'를 느끼게 된다. 소위 낭만주의적 감수성이라고 할
수 있는 먼 곳에 대한 동경과 잡힐듯 잡히지 않는 대상의 그리움 같은 것이 음악의
전체적인 분위기를 만들고 있다.
제1악장 (Allegro molto appassionato)
우아하게 시작되는 서주는 멘델스존 특유의 것이다. 바람결에 나부끼는 코스모스의
느낌처럼 은은하게 피어오르는 멜로디는 그 자체로 매혹되는 선율이다. 현악기의 화음과
함께 독주 바이올린이 주제를 연주하는데 이 부분에서 안개에 휩싸인 듯한 분위기의 연출은
필수적이다.
오보에와 바이올린의 화음 그리고 클라리넷과 플루트의 앙상블이 바이올린의 주제를 이어
받아 부서질 듯 말 듯한 여운을 남기는 것 또한 매우 중요하다. 독주 바이올린이
아르페지오와 목관 악기들의 연이은 주제와 코다의 순간적인 폭발은 기교도 기교지만 리듬을
자연스럽게 타는 것에 주안점을 두어야 한다.
사실 1악장의 아름다움을 제대로 살려내지 못한다면 전체의 핵심적인 모티프를 잃어버리기
마련이다.
제2악장(Andante allegro non troppo)
명상적인 선율은 잔잔한 호수의 물결처럼 전개되는데 선율의 투명함은 이 악장의 가장
중요한 부분이며, 따라서 모든 것을 초월한 듯한 느낌을 만들어야 한다.
수도원에서 기도하는 신부의 손 끝에 비친 아침 햇살 같은 투명함 말이다. 유려한 멜로디의
흐름은 1악장이나 3악장에서도 중요하지만 2악장의 수줍은 듯한 미소를 표현하는 데 있어
선율 감각은 대단히 중요하다.
우아함의 경지란 바로 이런 것을 두고 말하는 것일텐데 오케스트라의 은근한 반주 위에서
독주 바이올린은 세속의 경계에서 노래한다.
제3악장(Allegro non troppo - Allegro molto vivace)
리드미컬한 3악장은 기교로 빛나고 있다. 특히 마지막 코다 부분에서 화려하게 폭발하는
테크닉은 모든 것을 삼킬 듯하다.
오케스트라와 독주 바이올린의 대화는 '콘체르토(Concerto)'의 어원인 '경쟁하다'의 의미를
다시 한번 생각하게 한다.
3악장에는 사춘기 소녀의 웃음소리 같은 발랄함과 아이들의 재잘거림이 동시에 느껴진다.
멘델스존은 엷디 엷은 감수성의 바다 위를 미끄러져 가는 듯한 효과를 창출하면서 테크닉의
화려한 비상을 꿈꾸고 있다.
■ 추천음반
밀슈타인이 발터의 뉴욕필(Sony/Naxos)과 협연한 연주는 히스토리컬 녹음으로 만화경처럼
변화는 다채로운 접근 방식과 함께 질주감이 짜릿하다.
뒤트와와 함께한 정경화(DECCA)의 연주는 섬세한 감수성과 날렵한 보잉이 눈부신 연주로
'펭귄 가이드'의 Key Recording 음반이다.
사라 장의 연주(EMI)는 농염하고 따뜻한 감성에 꽉 차 있으며 시적인 연출이 돋보인다.
카바코스가 카메라타 잘츠부르크(Sony)와 협연한 앨범은 따뜻하고 은은하면서도 순간적인
폭발력이 인상적이다.
예후디 메뉴힌 (Yehudi Menuhin, 1916 ~ 1999)
미국태생의 지휘자이자 바이올리니스트로서 20세기에 활약한 바이올리니스트들 가운데
오랜 세월동안 가장 존경받은 연주자이다.
또한 가장 커다란 공적을 다방면에 걸쳐서 이룩한 위대한 연주자이고 지휘자이자 교육가,
예술행정가였던 인물이다.
메뉴힌은 한 시대의 총아로서 모든 바이올리니스트들의 머리 위에서 군림했다. 그러나
그 시기는 1940년대에 이미 종말을 고했다는 것이 메뉴힌의 비극이었다.
1920~30년대가 그의 전성기라고 할 수 있으며 이후의 시기는 메뉴힌에게나 그를 지켜보는
이들 모두에게 상처로 작용했다.
어떻게 천재로 각광받던 한 위대한 영혼의 소유자가 순식간에 자신의 페이스를 잃어버리는
것일까.
너무 많은 수수께끼에 둘러 싸인채 메뉴힌은 삶에서 죽음쪽으로 허물어져 가고 있었다.
물론 그는 자신에게 모든 영감이 사라진 1950년대에도 줄기차게 연주와 레코딩을 하고
있었으며 적어도 메뉴힌 왕국의 영토라고 할 수 있는 영국에서의 위치는 흔들리지 않았기
때문이다.
그의 톤은 고통으로 얼룩져 있으며 아슬아슬하게 리듬을 타고 있는 모습이 위태롭게 보일
정도로 메뉴힌의 연주는 안스러움과 회한이 교차한다.
하지만 베토벤 협주곡의 마지막 3악장은 상당히 설득력 있으며 그는 여기서 마지막 영감의
불꽃을 터뜨렸다.
1959년의 녹음과 70년의 레코딩으로 사그러져가는 메뉴힌의 예술의 흔적을 감지할 수 있다.
예후디 메뉴힌은 어린 나이에 뛰어난 재능을 보이던 그는 7살 때 멘델스존의 협주곡을
연주해서 세상을 깜짝 놀라게 했던 신동이었다.
1928년 그의 나이 12세때 베토벤 협주곡의 놀랍고도 성숙한 연주를 펼쳐 세계 최정상의
바이올리니스트로 만들었다.
이미 10대 시절에 5대양 6대주를 누비며 연주활동을 펼쳤고 그리하여 20세가 되기 이전에
이미 대가의 소리를 들었으니 대단한 일이 아닐 수 없다.
그 시절의 음반을 통해서 그의 음악을 들어보면 그 누구와도 견줄 수 없을 만큼 열정적이고
감성적인 연주를 들려주었던 바이올리니스트였다는 사실이 확인된다.
청년 시절 파리로 건너가 에네스쿠의 문하에 들어가서 바이올린과 작곡을 배웠고 그로부터
상당한 영향을 받았다. 후일 두 사람은 사제지간을 떠나서 가장 친밀한 우정을 유지시킨
사이로 발전했다.
메뉴힌은 화려한 색조와 풍부한 낭만주의 표현의 연주로 초기에 성공을 거둔 이후 2차대전
동안의 쉴틈없는 연주와 어린시절 무분별한 훈련으로 육체적, 예술적으로 큰 고통을 겪어야
했다.
그러나 주의깊은 훈련과 공부,명상과 요가로 이러한 역경을 이겨냈으며 연주자로서 롱런할
수 있게 되었다.
또한 다시금 순도 높은 스타일로 해석의 깊이와 힘을 느끼게 해주는 연주를 들려줌으로써
세계 최정상의 바이올리니스트 로서의 위치로 오르게 되었다.
1940년대와 50년대 메뉴힌은 연주와 녹음 모두에서 눈부신 활약을 하게 되는데 특히 바르톡의
독주 바이올린 작품을 세상에 널리 알리는데 결정적인 기여를 했다.
바르톡 자신도 메뉴힌이 자신의 작품을 연주하는데 깊은 감사를 갖고 작품의 완성도를
높이는데 진력했다는 사실은 연주자와 작곡가의 가장 이상적인 관계를 보여준 것으로 유명하다.
1952년 요가 수행자인 이옌가(B.K.S. Iyengar)를 만나 큰 영향을 받았으며 우정을 쌓기 시작했는데
1960년대에 들어서자 메뉴힌은 자신의 음악세계의 외연을 확대하는 작업에 들어간다.
1962년 그는 타고난 음악교사의 자질을 살려 영국 잉글랜드 남부에 위치한 Surrey(의 작은 마을
스톡 다베논)에 메뉴인 음악학교를 설립하였다. 또한 캘리포니아 힐스보로우에 있는 뉴에바 스쿨에
음악과정을 도입하기도 했다.
1965년 음악및 교육분야에 탁월한 공로를 인정받아 기사 작위를 받았다
1990년에는 지휘자로서 아시아청년관현악단과 함께 첫 아시아 순회 연주를 하였으나 1999년 3월
12일 기관지염 합병증으로 인해 베를린에서 타계하였다.
20세기의 마지막 연대를 지휘자,교수,음악의 대변자로서 자임하며 지낸 메뉴힌은 세계 음악계에서
가장 영향력 있는 노신사로 대접을 받았다.
앨범
브루흐의 바이올린 협주곡, 엘가의 바이올린 협주곡, 바흐의 바이올린 협주곡 1,2번 그리고 두 대의
바이올린을 위한 협주곡,슈만의 바이올린 협주곡,드보르자크의 바이올린 협주곡,멘델스존의 바이올린
협주곡,랄로의 스페인 교향곡,쇼송의 시곡이 실렸다.
엘가의 협주곡은 엘가가 직접 지휘했고, 그 밖의 지휘자는 몽퇴,에네스쿠,존 바비롤리 등이다.
5. Hummel, Double Concerto in G Major Op.17
M. Galling(Pf) / S. Lautenbacher(Vn) /
Alexander Paulmuller(cond), The Stuttgart Philharmonic Orchestra
I. Allegro con brio
II. Andante con Variazioni
III. Rondo
요한 네포무크 훔멜(Johann Nepomuk Hummel, 1778. 11. 14 ~ 1837. 10. 17)
요한 네포무크 훔멜은 위대한 작곡가이며 피아니스트였다.
훔멜은 8세 때에 우연히 모차르트를 만났다.
모차르트는 훔멜의 재능을 높이 평가하여 집에 데려가서 기숙하며 제자로 가르치겠다고
제안하였다.
그렇게 하여 훔멜은 모차르트의 삶에 있어서 최초로 그의 집에 기숙하는 제자가 되어
피아노와 작곡법 등을 배웠다.
1년후 훔멜은 9세 때에 모차르트의 피아노협주곡을 대중 앞에서 연주하여 사람들을
놀라게 했다. 훔멜은 2년동안 모차르트의 가족과 함께 생활했다.
훔멜은 오늘날 슬로바키아의 브라티슬라바인 프레스부르크에서 태어났다.
아버지 요셉 훔멜은 비엔나의 제국군악학교장이었으며 쉬카네더 극장에서 오케스트라를
지휘하기도 했다.
쉬카네더는 모차르트의 오페라 '마술피리'의 초연에서 파파게노 역할을 맡았던 흥행자,
대본가, 성악가 겸 연극인이다.
어린 훔멜이 모차르트와 인연을 맺게 된 것은 모차르트의 친구인 쉬카네더 때문이었다.
훔멜이 모차르트의 집에서 2년을 보내며 훌륭한 피아니스트로 성장하자 그의 아버지는
욕심을 냈다.
훔멜을 모차르트처럼 유럽의 여러곳을 데리며 다니며 연주회를 하면 돈을 벌수 있다고
생각했다.
아버지와 훔멜은 런던으로 갔다. 이곳에서 무치오 클레멘티(Mucio Clementi)의 주선으로
연주회도 하고 공부도 하며 4년을 지냈다.
하이든도 마침 훔멜과 같은 시기에 런던을 방문하고 있었다.
하이든은 훔멜을 위해 1791년 피아노 소나타 A플랫장조를 작곡했다.
훔멜은 하이든이 참석한 가운데 이 곡을 하노버 스퀘어 룸에서 초연하였다. 훔멜이
연주를 마치자 하이든이 앞으로 나와 훔멜을 칭찬하고 뭐 사먹으라고 1기니의 금화를
훔멜의 손에 쥐어주었다고 한다. 그해 12월에는 모차르트가 세상을 떠났다.
훔멜은 아버지와 함께 프랑스와 스페인을 순회연주할 계획이었으나 프랑스에서 혁명이
일어나 사회가 불안 속에 있었기 때문에 취소하였다.
훔멜은 비엔나로 돌아왔다. 비엔나로 돌아온 훔멜은 작곡에 대하여 더 공부해야 할
필요가 있어서 알브레헤츠버거, 하이든, 살리에리에게서 가르침을 받았다.
이때쯤하여 젊은 베토벤이 비엔나에 도착하였다. 베토벤도 역시 하이든과
알브레헤츠버거로부터 레슨을 받기 시작했다.
훔멜과 베토벤은 동문으로서 그리고 친구로서 지내게 되었다. 두 사람의 우정은 특별한
것이었다.
간혹 경쟁의 상대였기 때문이었다. 두 사람은 서로 다투다가 화해하기를 여러번이나
했다.
베토벤도 한 성격 하는 인물이었기 때문이었다. 그러나 훔멜은 베토벤을 끝까지
존경하였다.
베토벤의 임종이 가까웠을 때 훔멜은 부인 엘리자베트와 제자 페르디난트 힐러를 데리고
몇번이나 베토벤을 방문하였다.
베토벤은 훔멜에게 자기가 죽으면 자기를 위해 피아노를 연주해 달라고까지 부탁했다.
훔멜은 베토벤을 위한 추도연주회에서 즉흥곡을 연주했다. 훔멜이 슈베르트와 좋은
친구가 된 것도 이 연주회에서였다.
슈베르트는 그의 마지막 피아노 소나타 세편을 훔멜에게 헌정하였다. 그러나 이들
소나타가 출판될 즈음에는 훔멜과 슈베르트가 이미 세상을 떠났기 때문에 출판사는 이
곡들을 훔멜이 아닌 로베르트 슈만에게 헌정하는 것으로 변경하여 출판했다.
작곡가가 자기의 곡을 헌정할 때에는 관례적으로 살아 있는 인물에게 헌정했다.
당시 슈만은 생존해 있었다.
1804년 훔멜은 아이젠슈타트의 에스터하지 궁전에서 음악감독으로 봉사하던 하이든의
자리를 이어 받았다.
훔멜은 7년동안 에스터하지 궁전의 음악감독으로 재직했다. 그러나 피아니스트인
훔멜로서는 에스터하지의 오케스트라 지휘가 적성이 아니었다.
결국 훔멜은 근무태만이라는 이유로 사직서를 써야 했다.
이후 훔멜은 러시아와 동유럽을 순회 연주하였고 이때에 오페라 성악가인 엘리자베트
뢰켈을 만나 결혼하였다.
그후 훔멜은 슈투트가르트와 봐이마르의 음악감독을 지냈다.
봐이마르에 있을 때에는 괴테와 쉴러와 친분을 맺기도 했다. 훔멜은 봐이마르를 유럽
1류의 음악도시로 만들기 위해 노력을 아끼지 않았다.
훔멜은 당시 유럽에서 가장 훌륭한 음악가들을 봐이마르로 초청하여 음악회를 열었다.
그리고 오케스트라단원 등 직원들의 퇴직후 생활을 위해 음악가 연금을 처음으로
실시했다. 음악가 연금이 부족할 것 같으면 음악회를 열어 재원을 충당하였다.
뿐만아니라 훔멜은 사상 처음으로 음악저작권을 위해 투쟁하여 상당한 성과를 거두었다.
훔멜은 근대 음악저작권의 선구자였다.
훔멜은 독일에 있을 때 A Complete Theoretical and Practical Course of Instruction
on the Art of Playing the Piano-Forte(1828: 피아노연주의 이론과 실기 완전
정복)이라는 저서를 출판했다.
이 책은 출판되자마자 수천권이 팔릴 정도로 인기가 높았다.
이 책은 새로운 운지법과 장식음 연주법에 대하여도 자세히 지시해 놓았기 때문에
피아노를 배우는 학생들에게 인기가 높았다.
후에 훔멜의 피아노 연주 기법은 칼 체르니를 통하여 전수되었고 체르니의 기법은
리스트를 통하여 전파되었다.
체르니는 처음에 베토벤에게서 배웠으나 어느날 훔멜의 연주를 듣고 베토벤을 떠나
훔멜의 집으로 향했다.
훔멜의 영향력은 쇼팽이나 슈만의 초기작품에서도 볼수 있다.
특히 쇼팽의 협주곡에서는 훔멜의 피아노협주곡 B 단조와 피아노협주곡 A 단조를
상당히 반영하였음을 느낄수 있다.
쇼팽은 훔멜이 폴란드와 러시아 연주여행을 다닐 때에 그의 음악을 들었을 것이라고
생각되었다.
슈만도 훔멜의 작품을 연주하기를 즐겨했다. 특히 소나타 F 샵 단조와 피아노를 위한
환상곡은 슈만의 레퍼토리에 자주 포함되는 것이었다.
나중에 슈만은 훔멜에게 배우겠다고 요청하였으나 훔멜은 슈만이 정신적으로 어려움이
있다는 것을 알고 거절했다.
리스트도 처음 얼마 동안은 훔멜에게서 배웠다. 그러나 리스트의 아버지는 훔멜이 너무
많은 레슨비를 요청하기 때문에 포기하였다.
훔멜의 제자 중에는 칼 체르니, 프레데릭 질르허, 페르디난트 힐러, 지기스몬트 탈버그,
펠릭스 멘델스존, 아돌프 폰 헨젤트 등이 있다.
훔멜은 8편의 피아노협주곡, 10편의 피아노 소나타, 3편의 피아노 3중주곡, 1편의
피아노 4중주곡, 목관악기 8중주곡, 2편의 피아노 6중주곡, 만돌린 협주곡, 트럼펫
협주곡, 4손을 위한 피아노곡, 22편의 오페라 및 징슈필, 미사곡 등을 작곡했다.
훔멜의 철학은 ‘세상에 기쁨을 주어 세상을 엔조이하자’는 것이다. 즉, 음악으로
세상을 기쁘게 살자는 것이다.
훔멜은 말년에 새로운 젊은 작곡가들이 탄생하고 새로운 젊은 연주의 대가들이 등장하는
것을 보고 자기의 패션을 서서히 사라진다고 생각했다.
특히 리스트나 마이에르베르와 같은 신성의 등장은 훔멜이 지금까지 고수해온 클레멘티
스타일의 깔끔한 테크닉, 그리고 균형 잡힌 고전주의에 대한 말없는 저항이라고
생각했다.
훔멜은 아직도 갈채를 받을 때에 무대에서 사라졌다. 그는 1837년 봐이마르에서 세상을
떠났다.
모차르트와 마찬가지로 프리메이슨이었던 그는 봐이마르의 자기 집 뒤뜰에 프리메이슨
건물을 짓고 이를 프리메이슨에 기증하였다.
훔멜은 생전에 많은 존경을 받았고 세상을 떠날 때에도 애도의 물결이 끊이지 않았으나
얼마 되지 않아 사람들은 그를 망각하였다.
훔멜의 작품이 오늘날 제대로 연주되지 않는 것도 생각보다 빨리 진행된 망각 때문이다.
왜 그렇게 되었을까? 새로운 낭만주의의 시대가 파도처럼 밀려 왔기 때문이었다.
이제 훔멜의 고전적 아이디어는 빛바랜 것이 되었다. 훗날 20세기 초에 고전의
리바이벌이 있을 때에도 오히려 하이든은 빛을 보았지만 훔멜은 잊혀져 있었다.
훔멜은 모차르트라는 거목의 그늘에 가려져 있었기 때문에 거의 잊혀진 존재로 묻혀
있었다.
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