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5. Dvorak, Cello Concerto in B Minor, Op.104
Julian Lloyd Webber(Vc) / Vaclav Neumann(cond), Czech Philharmonic Orchestra
I. Allegro
II. Adagio ma non troppo
III. Finale; Allegro moderato
♣ 드보르작 첼로 협주곡 B 단조 Op.104
1894년 가을, 드보르작은 자신의 가장 위대한 작품이 될 첼로 협주곡(B단조)을 쓰기
시작했다.
그는 이미 피아노 협주곡을 비롯한 다양한 악기들을 위한 협주곡들을 작곡했고 그 모든
경험이 이 작품 속에 녹아 들어가 있다.
사실 드보르작의 첼로 협주곡은 몇 달 전 뉴욕의 브루클린에서 열린 음악회에서 느낀
강렬한 체험에서 출발했다.
그때 빅터 허버트라는 작곡가의 첼로 협주곡 2번을 처음 듣게 된 드보르작은 새로운
세계가 열리는 것을 경험했다.
당시로서는 대단히 드문 편성인 세 대의 트롬본을 사용한 점이 드보르작이 받은 감동을
증명하고 있다.
작곡가의 미국 체류 경험은 이 첼로 협주곡에 새로운 영감을 제시했으며 미국의
아프로-아메리칸 문화가 체코의 슬라브 문화와 만나서 의미 있는 형식을 이끌어냈다.
만약 드보르작이 유럽에서만 활동했다면 역사상 가장 위대한 첼로 협주곡은 탄생하지
못했을지도 모른다.
첼로 협주곡의 대명사가 될 정도로 폭넓은 지지를 받고 있는 이 작품의 초연은 작곡가와
찰떡 궁합을 자랑하던 첼리스트 하누슈 비한과의 관계에 균열이 일어나면서 복잡해졌다.
런던 필하모니는 드보르작의 첼로 협주곡 초연자로 첼리스트 레오 스턴을 강력하게
밀어부쳤고 작곡가는 격렬하게 반응했다.
결국 런던 퀸즈 홀에서 1896년 3월 19일에 작곡가 자신의 지휘로 런던 필하모니와 레오
스턴이 세계 초연의 영광을 안았다(같은 해 4월 17일에 이루어진 프라하 초연 때도 스턴이
연주했다).
드보르작의 이 작품은 19세기 전체를 통틀어 가장 훌륭한 첼로 협주곡이다.
영국의 첼리스트 줄리어스 해리슨은 “나는 드보르작의 첼로 협주곡이 낭만 음악이라는
넓은 정원에서 가장 사랑스러운 꽃이라 생각한다” 라고 말하며 이 곡의 위대함을 칭찬했다.
제1악장 알레그로, 4/4박자
소나타 형식이며 서주 없이 제1주제가 현악과 함께 클라리넷이 주도한다. 이 주제는 흑인
음악에서 따왔다고 하지만 그 선율을 고스란히 사용한 것은 아니다.
드보르작은 자신이 체코 출신이라는 사실을 한 번도 잊은 적이 없었다.
제1주제가 나온 뒤에 두 개나 네 개의 마디를 반복하는 방식은 전형적인 체코 음악
스타일이다. 제2주제를 연주하는 첼로와 호른은 감수성으로 물들어 있다.
1악장은 대담한 희망과 웅장함이 특징적인 인상으로 화려한 관현악과 독주 첼로 사이의
극적인 긴장감이 매우 중요한 포인트라고 할 수 있을 것이다.
제2악장 아다지오 마 논 트로포, 3/4박자
오보에와 파곳의 서정성은 중부 유럽을 향한 잃어버린 노스텔지아의 분위기를 닮아 있다.
사실 2악장은 작곡가가 무척이나 사랑했던 요세피나 체르마코바(드보르작은 그녀의 동생과
결혼했다)와 깊숙하게 맺어져 있다.
제2주제에서 드보르작은 자신의 가곡(나 홀로 내버려 두세요)을 사용했는데 요세피나가 이
작품을 좋아했기 때문이다.
더구나 한창 첼로 협주곡을 작곡하던 바로 그 시점에 요세피나가 사망했고 드보르작은 그
충격속에서 작품에 몰두했다.
따라서 작곡가와 요세피나 사이의 감정의 등고선은 2악장을 관통하는 중심 주제이다.
제3악장 피날레, 알레그로 모데라토, 2/4박자
호른과 독주 첼로 사이의 주제 교환은 매우 다채로우며, 체코 지방인 보헤미아의 정서가
듬뿍 담겨 있다.
풍부하게 느껴지는 아름다움과 깊은 서정성 그리고 드라마틱한 스타일은 아메리카와 체코의
민속적 요소들이 자연스럽게 엮어지면서 흘러간다.
특히 목관 악기의 짧은 선율은 슬라브 정서를 환기시킨다.
■ 추천음반
첼리스트들에게 이 작품은 피할 수 없는 선택이다.
로스트로포비치 연주는 질풍노도처럼 모두를 압도한다.
카라얀의 베를린필과 협연한 음반(DG)은 용호상박처럼 팽팽하게 전개되는데 드라마틱한
스케일감이 짜릿하다.
로스트로포비치-줄리니 음반(EMI)도 훌륭하다. 카라얀과의 연주보다 더 작품의 본질에
접근해 있다고 할 수 있다.
사들로가 노이만의 체코필과 협연한 연주는 감정과다를 배제하고 악보 그 자체에
파고들었다.
리듬감이 특별한 푸르니에(DG), 카잘스(EMI/Naxos)와 포이어만(EMI/NAXOS) 음반이 또 다른
선택으로 남아있다.
6. Beethoven, Triple Concerto for Violin, Cello & Piano in C Op.56
Beaux Art Trio
Bernard Haitink(cond), London Philharmonic Orchestra
I. Allegro
II. Largo
III. Rondo alla polacca
♣ 베토벤 피아노 바이올린 첼로를 위한 삼중협주곡 C 장조 Op.56
베토벤 삼중협주곡(트리플 콘체르토 TRIPLE CONCERTO, OP.56)은 그가 가장 원숙기에 있을
때인 30대 중후반에 쓰여진 곡으로 이 곡이 완성된 1805년부터 5년간의 주요 작품들을
살펴보면 놀라움을 금치 못하게 된다.
- 1805년: 삼중협주곡, 피아노소나타 23번 '열정'(OP.57)
- 1806년: 피아노협주곡 4번(OP.58), 현악4중주 '라주모프스키'(OP.59), 교향곡 4번(OP.60),
바이올린협주곡(OP.61)
- 1807년: 교향곡 5번 '운명'(OP 67)
- 1808년: 피아노3중주 '유령'(OP.70-1), 교향곡6번 '전원'(OP.68)
- 1809년: 피아노협주곡 5번 '황제'(OP.73)
위 작품들을 살펴보면 창작의 절정기였다는 것을 짐작할 수 있는데 대범하고도 혁신을
추구하면서 정서적으로도 너무나 아름다우면서도 힘이 넘치는 명곡들이라고 표현할 수 있다.
베토벤의 삼중협주곡 역시 당시로서는 파격적인 작품이라 할 수 있었는데 3개의 악기를 위한
협주곡이라 하여 독주 협주곡에서 느끼는 감동이 3배가 되는 것도 아닐 터인 뿐더러
작곡하기는 더욱 까다롭고 고민스러운 힘든 작업이 되었을 것으로 짐작된다.
피아노와 바이올린에 첼로까지 들어간 이 독특한 협주곡이 탄생된 이유는 정확히 알려지지는
않았지만 베토벤의 전기작가인 안톤 쉰틀러의 기록에 의하면 피아노 부분은 베토벤의 큰
후원자인 루돌프 대공을 위해 바이올린은 루돌프 대공이 거느리던 오케스트라의 바이올리니스트
자이틀러, 첼로 부분은 에스테르하지 오케스트라의 첼리스트 안톤 크라프트를 위해 작곡된
것이라 하는데 이들이 곡을 의뢰했는지의 여부는 밝혀지지 않고 있다.
어쨌거나 이 협주곡을 통해 우리는 3개의 악기가 서로 주고받으며 마치 음악의 아름다움을
서로가 이야기하듯이 연주하는 낭만을 들을 수 있으며 나아가서는 완벽한 균형을 통한 팽팽한
긴장감이 주는 설레임과 환희 또한 느낄 수 있는 행복 또한 느낄 수 있다.
1악장 알레그로
2악장 라르고
3악장 론도 알라 폴라카
※ 알라 폴라카는 '폴란드풍'이라 뜻인데 더 발전되어서 '경쾌한 폴로네즈'풍으로
연주하라는 뜻도 의미한다.(폴로네즈는 폴란드의 민속무용, 무곡, 노래 등을 말한다)
보자르 트리오
1955년에 미국에서 결성된 피아노 트리오로 1960년에 에든버러 음악제에 출연하여 일약
유명해졌다.
멤버는 바이올린의 다니엘 길레, 첼로의 버너드 그린하우스, 피아노의 메나헴 프레슬러 등 3명인데
모두 솔로이스트로서 또 실내악 주자로서 풍부한 경험을 쌓은 베테랑이다.
길레는 NBC교향악단의 콘서트 마스터를 맡았던 사람인데 1968년부터는 줄리어드 현악 4 중주단에도
재적한 일이 있는 이시돌 코엔과 교체되어 있다.
스케일의 크기로는 조금 부족하지만 투명도가 높은 실내악적 앙상블이 신선한 감각으로 활달하게
펼쳐 지는 연주형태를 보이고 있다.
7. Tchaikovsky, Suite No.3 in G major, Op.55
Antal Dorati(cond), New Philharmonia Orchestra
1. Elgie. Andante molto cantabile
2. Valse mlancolique. Allegro moderato
3. Scherzo. Molto vivace
4. Tema con variazioni. Andante con moto
안탈 도라티 (Antal Dorati, 1906. 4. 9 ~ 1988. 11. 13)
헝가리의 부다페스트에서 태어났다. 부다페스트의 음악원과 빈 대학을 졸업하였다.
지휘자로서의 데뷔는 1924년 18세 때 부다페스트 국립 오페라 극장의 지휘자로서 활동한 다음
1928년 드레스덴 국립 오페라 극장에 프리츠 부슈의 부지휘자가 되었으며 다음해인 1929년에
뮌스터 시립 오페라 극장의 음악 감독이 되었다.
그 이후 독일 각지에서 객원 지휘를 했으나 나치스에게 쫓겨나 결국 영국에 건너가게 되었다.
1935년 몬테카를로 러시아 발레단의 지휘자가 되었는데 도라티가 당시 편곡한 발레 '졸업 기념
무도회'(원곡은 J.슈트라우스에 의함)는 특히 유명하다.
이 발레단과의 관계는 제2차 세계대전이 종결되는 1945년까지 계속되었다.
그 후 도라티는 일전하여 콘서트 지휘자가 되었는데 1945년에 미국의 댈러스 교향악단의 상임
지휘자로 취임한 후 몇 년 안되어 일류 악단으로 키워서 그 수완이 인정되었다.
1949년 미트로풀로스의 후임으로서 미니애폴리스 교향악단(현재 미네소타 교향악단)에
초청되었는데 같은 헝가리 출신의 선배인 라이너, 셀, 오먼디와 어깨를 겨루는 인기
지휘자가 되었다.
1963년부터 1966년까지는 BBC 교향악단, 1966년부터 1973년까지는 스톡홀름 필하모니, 1970년에
워싱턴 내셔널 교향악단, 1975년 이후는 런던의 로열 필하모니, 1979년부터는 디트로이트
교향악단의 음악 감독 겸 수석 지휘자를 역임하였다.
그리고 그 자리를 은퇴하였는데 종신 명예 지휘자가 되었다.
제2차 세계대전 이전의 오페라 지휘자 또는 발레 지휘자로서의 경험은 도라티의 연주 양식의
기초를 구축하게 하였다.
이를테면 활기찬 리드믹한 움직임이나 클라이맥스를 향해 직선적으로 밀어붙여 나가는
쾌적하기까지 한 운동성, 또 풍부한 가요성이 바로 그것을 말해준다.
이러한 특징은 발레 음악에서 현저하게 나타나 있고 특히 미니애폴리스 시기에 머큐리에
녹음한 차이코프스키의 여러 작품은 지금도 잊을 수 없는 명연주였다.
또 당시는 이른바 하이파이 녹음의 전성기였는데 차이코프스키의 '대서곡 1812년'에서는 진짜
대포를 등장시켜 화제를 불러일으켰다.
도라티는 헝가리의 망명 음악가들(헝가리 국립 필하모니, 부다페스트 국립 오페라 극장
관현악단, 부다페스트 방송관현악단의 멤버)로 구성된 필하모니아 홍가리카(1957년 빈에서
조직되어 그 후 본거지를 서독의 마르 시로 옮겼다)와 '하이든교향곡 전집'(로빈즈 랜던의
교열 악보에 의한, 런던)이라는 대규모의 녹음을 완성시켰다.
거기에는 즉물적인 녹음 체계나, 음의 합리적인 구성을 중요시하였고 다이내믹한 표현속에서도
완숙한 맛을 살리고 있다.
결코 화려하지 않은 지극히 아름답기만 한 오케스트라의 길을 걸어 온 사람이었으나 그 실력에
걸맞는 인기를 누리지 못한 불운을 겪고 있는 것 같다.
그러나 숙련되어 있는 실력파에 속하는 지휘자임은 확실하다.
8. Beethovenm Piano Sonata No.32 in C minor, Op.111
Mitsuko Uchida(Pf)
I. Maestoso - Allegro con brio
II. Arietta. Adagio molto semplice
♣ 베토벤 피아노 소나타 32번
'피아노 소나타 32번' C단조 Op.111이 출판된 1822년은 베토벤에 있어서 그다지 행복하지
못했던 시기였다.
당시 그는 조카 칼의 양육 문제와 관련하여 법정 분쟁을 겪고 있었기 때문이다.
자신의 아내에게 아무런 기대를 하지 않았던 칼의 아버지는 자신이 임종이 가까워오자 성미
급하고 무심하며 외골수인데다 심한 청각 장애를 가진 천재 작곡가인 자신의 형에게 아들의
양육을 맡기기로 결정했던 것이다.
당시 40대 중반이었던 베토벤은 아이를 돌본 경험이 전혀 없었음에도 불구하고 최선을 다해
자신에게 닥친 일을 극복해 나가고자 노력했다.
그러나 조카 칼은 계속해서 방탕한 생활을 일삼고 흥청망청 문제아가 되어갔다.
늘 현금이 부족해 변호사 비용도 부담할 여유가 없었던 베토벤은 조카를 돌보는 것을
힘들어했다.
게다가 칼이 자살까지 시도한 탓에 그를 사랑했던 베토벤은 더욱 더 깊은 슬픔 속으로
빠져들게 되었다.
당시 베토벤은 건강 또한 심하게 악화되어 친구들과 후견인들이 만들어준 보청기도 더 이상
소용이 없게 된 상태였다. 사람들과 이야기를 나누기 위해서는 종이에 적어야만 했을
정도였다.
베토벤은 악화되는 자신의 건강에 대해 점점 무심해졌고 여러가지 일로 몸을 혹사시켰던
베토벤은 만성적 질병과 감염 증세에 시달린 끝에 1827년 세상을 뜨고 만다.
육체적, 정신적 압박에도 불구하고 베토벤은 만년에 접어들며 더욱 심오한 창작기를 맞이했다.
특히 1821년부터 그는 후기 현악 4중주를 비롯하여 '장엄미사'와 '교향곡 9번', 마지막 세
곡의 피아노 소나타를 작곡했다.
개인적인 가정사에서 비롯한 심적 고통과 점진적인 청력 및 체력의 악화가 그의 작품 세계를
보다 내면적이고 초월적이며 형식 파괴적인 대범함을 이끈 직접적인 원인이라고는 장담할 수는
없지만 적어도 베토벤은 자신의 응축된 사고를 통해 현실을 극복하고자 했음은 부인할 수 없을
것이다.
당시 그의 이러한 엄청난 창작열은 아마도 슈베르트 생의 마지막 해인 1828년에 비견할 수
있을 것이다.
전작인 두 곡의 소나타 Op.101과 Op.106 '함머클라비어'와 더불어 마지막 세 곡의 소나타인
Op.109, Op.110, Op.111은 피아노 소나타 역사에 있어 새로운 전환점을 이루었다고 말할 수 있다.
특히 이 마지막 다섯 개의 소나타들은 이전까지 베토벤이 작곡했던 것들과는 완전히 다른
음악으로서 음악적으로나 기교적으로 극단적인 난해함을 담고 있다.
청력과 체력의 고갈을 통해 베토벤은 무대에 서는 것을 자제하기에 이르렀다.
그러나 오직 자신의 세계에서만 비롯할 수 있는 상상력으로 현실적, 정신적 한계를 극복했고
악기와 표현의 한계를 고려하지 않는 초월적인 작품을 만들어낼 수 있었다.
이러한 베토벤의 초월 의지는 지금까지도 연주자와 감상자로 하여금 최종적으로 베토벤을 어떻게
이해할 것인가라는 문제를 생각하게끔 한다.
1822년 1월에 작곡을 시작하여 자신의 후원자였던 루돌프 대공에게 헌정한 '피아노 소나타
32번'은 그 신비로운 중요성으로 인해 피아노 음악뿐만 아니라 낭만주의 예술사조의 목적 자체를
한차원 더 발전시켰다고 평가할 수 있을 것이다.
벤스 사볼치(Bence Szablocsi)는 베토벤의 이 경이로운 작품에 대해 가장 잘 이해했던 헝가리
음악 학자였는데 다음과 같은 평가를 남겼다.
"마지막 다섯 개의 소나타들은 각각 미증유의 길이를 자랑하는 동시에 구원과 승천과 같은
메시지를 담고 있는, 중세 시대의 미스터리에 비견할 만한 드라마틱한 플롯으로 가득 차 있다.
이 가운데 세 작품(Op.101, 106, 110)은 푸가토나 푸가와 같은 종결부로 하여금 클라이맥스와
카타르시스를 이끌어낸다. 반면 다른 두 개의 작품(Op.109, 111)은 하늘로 팽창해 나가는 듯한
확장된 변주곡 형식으로서 찬송가적 절정의 순간을 내포하고 있다. 모든 요소들은 그 자체로
투쟁하고 번민하며 꿈꾸는 한편, 위기를 맞는 과정을 겪으며 이러한 경지에 다다르게 된다"
제1악장 : Maestoso - Allegro con brio appassionata
C단조 소나타의 1악장 마에스토소의 느린 도입부는 초기작인 '비창 소나타'에 비견할 만하지만
주제만큼은 명백한 푸가 주제로서 대위법적 발전을 요구한다는 점에서 커다란 차이를 보인다.
첫 번째 주제와 이어지는 몇몇 중요한 요소들은 고전주의 스타일의 화성 가운데 가장 고도의
긴장감을 유발시키는 감 7도로 구성되어 있다.
베토벤의 C단조에서도 이 화성이 먼저 제시되지만 이 작품의 가장 독창적인 모습은 끝까지 그
집중력의 강도를 유지한 채 그 가능성을 결코 반감시키지 않는다는 것에 있다.
두 번째 주제의 사색적인 분위기는 A플랫으로서 이 폭풍과도 같은 격정적인 악장에서는 단지
에피소드로만 남아 있는다.
짧은 코다는 비르투오소적인 패턴으로 점진적으로 발전하다가 사라지다가 다음에 이어지는
아리에타 악장을 준비하는 듯 피아니시모로 끝을 맺는다.
제2악장 : Arietta - Adagio molto semplice e cantabile
베토벤은 고풍스러운 분위기로서 초기 낭만주의의 향기를 머금고 있는 푸가와 자신의 작곡의
근간을 이루고 있는 변주 형식을 후기 피아노 소나타 양식에 적극 도입하여 독창적인 방식으로
변형시켜나갔다.
2악장 아리에타는 C장조의 주제와 장대한 다섯 개의 변주로 구성된 대목이다.
무엇보다도 1944개에 달하는 32분 음표의 연속과 끊임없이 이어지는 트릴의 향연은 작곡
당시로서는 연주가 불가능한 작품으로 인식되었을 뿐만 아니라 현재까지도 그 어려운 테크닉과
천상의 아름다움을 노래해야만 하는 난해함으로 해석가들의 머리를 끊임없이 아프게 하고 있다.
특히 이 변주 악장에서 논리적 정연함과 유연한 멜로디, 광채로 쌓여있는 신비로운 분위기가
L'istesso tempo(똑같은 템포)로 표현되는 모습은 존경스러움을 뛰어넘어 일면 공포스러운
요소가 엿보일 정도로 집요하다.
1822년 이 작품이 출판되었을 때 악보를 구입했던 사람들 가운데 이 곡을 조금이나마 이해한
사람은 없었을 것이 확실하다.
애초에 출판업자인 슐레징거는 작곡가가 3악장을 보내줄 때까지 조판에 들어갈 수 없다고
주장하여 베토벤을 몹시 화나게 했다.
결국 베토벤이 3악장을 덧붙일 의도가 전혀 없음 확인하고 나서야 악보 인쇄에 들어가긴 했지만
처음 완성되어 나온 악보는 오기 투성이에다가 곳곳에 임시표를 너무 많이 빼먹어서 작곡가를
재차 격분케 했다.
베토벤은 자신의 제자이자 조수인 안톤 쉰들러를 시켜 오스트리아 빈에서 판매되고 있는 이
악보의 모든 사본을 수거했고 손수 오자 표기 리스트를 만들어 붙였다고 한다.
이러한 노력에도 불구하고 이 작품은 출판된 지 30여년 이상이나 연주 불가능이라는 딱지를 붙인
채 방치되었다.
그러나 19세기 중반 이후 독일의 지휘자이자 피아니스트인 한스 폰 뷜로와 러시아의 대
피아니스트인 안톤 루빈스타인에 의해 처음으로 청중 앞에서 연주되기 시작한 이후 작곡된 지
100여년이 지난 뒤에야 비로소 이 '피아노 소나타 32번'은 모든 피아니스트들이 반드시 극복해야
할 숭고한 대상으로 인식되기 시작했다.
■ 추천음반
빌헬름 박하우스의 후기 소나타 연주는 항상 리스트적인 초절기교와 사색적이면서 상상력 풍부한
해석이 돋보인다. 그의 여러 '32번 소나타' 연주 가운데 1966년 잘츠부르크 페스티벌
실황(Orfeo)이 연주의 긴장감과 테크닉의 안정성, 심오한 분위기를 잘 살려낸 명연으로
평가하기에 모자람이 없다.
99세까지 연주를 했던 세기의 피아니스트 미에치슬라프 호르초프스키가 1951년에 녹음한
레코딩(VOX)은 악보에 충실하면서도 촉촉하면서도 자유로운 감성의 날개를 활짝 핀 역사적인
연주로서 타의 모범이 된다.
아마도 완벽주의자 루돌프 제르킨이 보여준 날카로운 긴장감과 음악에 대한 진솔한 사명감을
능가하기란 앞으로도 불가능해 보인다.
음악에 있어서 더욱 완벽한 1967년 녹음에 비해 병마와 싸우느라 쇠약해진 나머지 오로지 정신성
하나로 무대를 지배한 1987년의 빈 실황 녹음(DG)이 한결 인간적인 감동을 준다.
마지막으로 아름다운 피아노 음향의 절경을 보여준 클라우디오 아라우의 1985년 디지털
레코딩(Philips)을 빼놓을 수 없을 것이다.
미츠코 우치다 (內田光子, 1948. 12. 20 ~ )
도호학원의 '어린이를 위한 음악교실'에서 마쓰오카 데이코(松岡貞子)에게 초보를 배운 후 1961년에
오스트리아 대사로 빈에서 근무하는 아버지와 동행하여 소녀 때부터 빈에서 자라며 빈 음악원에서
연찬을 쌓았다.
뮌헨, 베토벤 등의 국제 콩쿠르에 상위 입상 후 1970년의 쇼팽 콩쿠르에서 일본인 최초로 제2위에
입상하여 주목을 모았다.
이것을 계기로 71년에 빈 톤퀸 스틀러 관현악단와 공연하며 다시 잘츠부르크, 파리, 런던, 도쿄
등에서 리사이틀을 열어 성공을 거둔다.
1972년에 런던으로 이주한 이래 그곳을 거점으로 연주활동을 전개하던 우치다의 이름을 다시 높인
것은 1984년 영국 실내관현악단와의 모차르트 피아노 협주곡 전곡 연주였다.
먼저 영국에서 열렸고 도쿄, 파리, 암스테르담을 비롯하여 미국 등에서도 열린 이 시리즈로
국제적인 피아니스트가 됐다.
수상
1966년 뮌헨 국제 음악 콩쿠르 제3위
1968년 엘리자베스 여왕 국제 음악 콩쿠르 제10위
1969년 빈 헤트벤 콩쿠르 제1위
1970년 쇼팽 국제 피아노 콩쿠르 제2위
1973년 클라라 하스킬 피아노 콩쿠르 제2위
1975년 리즈 콩쿠르 제2위
1976년 레벤트리트 국제 콩쿠르 제 2위
[앨범감상]
9. John Williams Greatest Hits
John Williams(Gt)
1) ALBENIZ, ASTURIAS (LEYENDA) from Suite Espanola, Op.47
2) RODRIGO, ADAGIO from Concierto de Aranjuez
3) TARREGA, RECUERDOS DE LA ALHAMBRA
4) MYERS, CAVATINA from The Deer Hunter
5) DE FALLA, DANCE from La Vida Breve
6) BARRIOS, LA CATEDRAL
7) WILLIAMS, AEOLIAN CHANT from Aeolian Suite
8) WILLIAMS, MANLIKE GUITARS
9) BARRIOS, UNA LIMOSNA POR EL AMOR DE DIOS (La ultima cancion)
10) VIVALDI, LARGO from Guitar Concerto in D Major
11) ALBENIZ, SEVILLA (Sevillanas) from Suite espanola
12) SATIE, GNOSSIENNE NO.1
13) J. S. BACH, GAVOTTE EN RONDEAU from Lute Suite No.4
14) PONCE, SCHERZINO MEXICANO
15) ALBENIZ, TORRE BERMEJA (Serenata)
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