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1. Hummel, Trumpet Concerto in E flat Major
Hakan Hardenberger(Tp) / Sir Neville Marriner(cond), Academy of St Martin in the Fields
I. Allegro con spirito
II. Andante
III. Rondo
♣ 훔멜 트럼펫 협주곡 E 플랫 장조
오늘날 그다지 각광받는 작곡가는 아니지만 생전에는 작곡가와 피아니스트로 큰 명성을
떨쳤다.
신동이었던 훔멜은 모차르트와 함께 피아노를 배웠고 유럽 전역으로 연주 여행을 다녔다.
1803년에 에스테르하지 후작은 훔멜을 아이젠슈타트의 악장으로 임명하였다. 그러나
음악가로서의 성공은 바이마르에서 거두었다.
늘 궁핍했던 모차르트와 달리 훔멜은 다양한 활동으로 큰 재산을 축적했다. 그가 남긴
진짜 유산은 괴테와 함께 후손들의 관광업에 일조한다는 것이다.
바이마르를 방문하는 사람이라면 반드시 괴테와 관련된 시설을 구경하거나 훔멜의 연주를
들으니 말이다.
'트럼펫 협주곡'은 훔멜이 아인슈타트에 있던 시절 작곡해 그곳에서 1804년 새해에
연주되었다.
이 곡은 빈의 트럼펫 연주자인 안톤 바이딩거를 위해 쓰였다.
하이든은 새 악기의 고음 음역을 활용했던 반면 훔멜은 낮은 음역에 집중해 완전히 새로운
면모를 선보였다.
관현악 편성, 음계, 양식 모든 면에서 웅장한 이 협주곡은 비르투오소였던 바이딩거에게
잘 어울리는 곡이었기에 그는 그 후로도 몇 년 동안 이 곡을 즐겨 연주했다고 한다.
요한 네포무크 훔멜(Johann Nepomuk Hummel, 1778. 11. 14 ~ 1837. 10. 17)
요한 네포무크 훔멜은 위대한 작곡가이며 피아니스트였다.
훔멜은 8세 때에 우연히 모차르트를 만났다.
모차르트는 훔멜의 재능을 높이 평가하여 집에 데려가서 기숙하며 제자로 가르치겠다고
제안하였다.
그렇게 하여 훔멜은 모차르트의 삶에 있어서 최초로 그의 집에 기숙하는 제자가 되어
피아노와 작곡법 등을 배웠다.
1년후 훔멜은 9세 때에 모차르트의 피아노협주곡을 대중 앞에서 연주하여 사람들을
놀라게 했다. 훔멜은 2년동안 모차르트의 가족과 함께 생활했다.
훔멜은 오늘날 슬로바키아의 브라티슬라바인 프레스부르크에서 태어났다.
아버지 요셉 훔멜은 비엔나의 제국군악학교장이었으며 쉬카네더 극장에서 오케스트라를
지휘하기도 했다.
쉬카네더는 모차르트의 오페라 '마술피리'의 초연에서 파파게노 역할을 맡았던 흥행자,
대본가, 성악가 겸 연극인이다.
어린 훔멜이 모차르트와 인연을 맺게 된 것은 모차르트의 친구인 쉬카네더 때문이었다.
훔멜이 모차르트의 집에서 2년을 보내며 훌륭한 피아니스트로 성장하자 그의 아버지는
욕심을 냈다.
훔멜을 모차르트처럼 유럽의 여러곳을 데리며 다니며 연주회를 하면 돈을 벌수 있다고
생각했다.
아버지와 훔멜은 런던으로 갔다. 이곳에서 무치오 클레멘티(Mucio Clementi)의 주선으로
연주회도 하고 공부도 하며 4년을 지냈다.
하이든도 마침 훔멜과 같은 시기에 런던을 방문하고 있었다.
하이든은 훔멜을 위해 1791년 피아노 소나타 A플랫장조를 작곡했다.
훔멜은 하이든이 참석한 가운데 이 곡을 하노버 스퀘어 룸에서 초연하였다. 훔멜이
연주를 마치자 하이든이 앞으로 나와 훔멜을 칭찬하고 뭐 사먹으라고 1기니의 금화를
훔멜의 손에 쥐어주었다고 한다. 그해 12월에는 모차르트가 세상을 떠났다.
훔멜은 아버지와 함께 프랑스와 스페인을 순회연주할 계획이었으나 프랑스에서 혁명이
일어나 사회가 불안 속에 있었기 때문에 취소하였다.
훔멜은 비엔나로 돌아왔다. 비엔나로 돌아온 훔멜은 작곡에 대하여 더 공부해야 할
필요가 있어서 알브레헤츠버거, 하이든, 살리에리에게서 가르침을 받았다.
이때쯤하여 젊은 베토벤이 비엔나에 도착하였다. 베토벤도 역시 하이든과
알브레헤츠버거로부터 레슨을 받기 시작했다.
훔멜과 베토벤은 동문으로서 그리고 친구로서 지내게 되었다. 두 사람의 우정은 특별한
것이었다.
간혹 경쟁의 상대였기 때문이었다. 두 사람은 서로 다투다가 화해하기를 여러번이나
했다.
베토벤도 한 성격 하는 인물이었기 때문이었다. 그러나 훔멜은 베토벤을 끝까지
존경하였다.
베토벤의 임종이 가까웠을 때 훔멜은 부인 엘리자베트와 제자 페르디난트 힐러를 데리고
몇번이나 베토벤을 방문하였다.
베토벤은 훔멜에게 자기가 죽으면 자기를 위해 피아노를 연주해 달라고까지 부탁했다.
훔멜은 베토벤을 위한 추도연주회에서 즉흥곡을 연주했다. 훔멜이 슈베르트와 좋은
친구가 된 것도 이 연주회에서였다.
슈베르트는 그의 마지막 피아노 소나타 세편을 훔멜에게 헌정하였다. 그러나 이들
소나타가 출판될 즈음에는 훔멜과 슈베르트가 이미 세상을 떠났기 때문에 출판사는 이
곡들을 훔멜이 아닌 로베르트 슈만에게 헌정하는 것으로 변경하여 출판했다.
작곡가가 자기의 곡을 헌정할 때에는 관례적으로 살아 있는 인물에게 헌정했다.
당시 슈만은 생존해 있었다.
1804년 훔멜은 아이젠슈타트의 에스터하지 궁전에서 음악감독으로 봉사하던 하이든의
자리를 이어 받았다.
훔멜은 7년동안 에스터하지 궁전의 음악감독으로 재직했다. 그러나 피아니스트인
훔멜로서는 에스터하지의 오케스트라 지휘가 적성이 아니었다.
결국 훔멜은 근무태만이라는 이유로 사직서를 써야 했다.
이후 훔멜은 러시아와 동유럽을 순회 연주하였고 이때에 오페라 성악가인 엘리자베트
뢰켈을 만나 결혼하였다.
그후 훔멜은 슈투트가르트와 봐이마르의 음악감독을 지냈다.
봐이마르에 있을 때에는 괴테와 쉴러와 친분을 맺기도 했다. 훔멜은 봐이마르를 유럽
1류의 음악도시로 만들기 위해 노력을 아끼지 않았다.
훔멜은 당시 유럽에서 가장 훌륭한 음악가들을 봐이마르로 초청하여 음악회를 열었다.
그리고 오케스트라단원 등 직원들의 퇴직후 생활을 위해 음악가 연금을 처음으로
실시했다. 음악가 연금이 부족할 것 같으면 음악회를 열어 재원을 충당하였다.
뿐만아니라 훔멜은 사상 처음으로 음악저작권을 위해 투쟁하여 상당한 성과를 거두었다.
훔멜은 근대 음악저작권의 선구자였다.
훔멜은 독일에 있을 때 A Complete Theoretical and Practical Course of Instruction
on the Art of Playing the Piano-Forte(1828: 피아노연주의 이론과 실기 완전
정복)이라는 저서를 출판했다.
이 책은 출판되자마자 수천권이 팔릴 정도로 인기가 높았다.
이 책은 새로운 운지법과 장식음 연주법에 대하여도 자세히 지시해 놓았기 때문에
피아노를 배우는 학생들에게 인기가 높았다.
후에 훔멜의 피아노 연주 기법은 칼 체르니를 통하여 전수되었고 체르니의 기법은
리스트를 통하여 전파되었다.
체르니는 처음에 베토벤에게서 배웠으나 어느날 훔멜의 연주를 듣고 베토벤을 떠나
훔멜의 집으로 향했다.
훔멜의 영향력은 쇼팽이나 슈만의 초기작품에서도 볼수 있다.
특히 쇼팽의 협주곡에서는 훔멜의 피아노협주곡 B 단조와 피아노협주곡 A 단조를
상당히 반영하였음을 느낄수 있다.
쇼팽은 훔멜이 폴란드와 러시아 연주여행을 다닐 때에 그의 음악을 들었을 것이라고
생각되었다.
슈만도 훔멜의 작품을 연주하기를 즐겨했다. 특히 소나타 F 샵 단조와 피아노를 위한
환상곡은 슈만의 레퍼토리에 자주 포함되는 것이었다.
나중에 슈만은 훔멜에게 배우겠다고 요청하였으나 훔멜은 슈만이 정신적으로 어려움이
있다는 것을 알고 거절했다.
리스트도 처음 얼마 동안은 훔멜에게서 배웠다. 그러나 리스트의 아버지는 훔멜이 너무
많은 레슨비를 요청하기 때문에 포기하였다.
훔멜의 제자 중에는 칼 체르니, 프레데릭 질르허, 페르디난트 힐러, 지기스몬트 탈버그,
펠릭스 멘델스존, 아돌프 폰 헨젤트 등이 있다.
훔멜은 8편의 피아노협주곡, 10편의 피아노 소나타, 3편의 피아노 3중주곡, 1편의
피아노 4중주곡, 목관악기 8중주곡, 2편의 피아노 6중주곡, 만돌린 협주곡, 트럼펫
협주곡, 4손을 위한 피아노곡, 22편의 오페라 및 징슈필, 미사곡 등을 작곡했다.
훔멜의 철학은 ‘세상에 기쁨을 주어 세상을 엔조이하자’는 것이다. 즉, 음악으로
세상을 기쁘게 살자는 것이다.
훔멜은 말년에 새로운 젊은 작곡가들이 탄생하고 새로운 젊은 연주의 대가들이 등장하는
것을 보고 자기의 패션을 서서히 사라진다고 생각했다.
특히 리스트나 마이에르베르와 같은 신성의 등장은 훔멜이 지금까지 고수해온 클레멘티
스타일의 깔끔한 테크닉, 그리고 균형 잡힌 고전주의에 대한 말없는 저항이라고
생각했다.
훔멜은 아직도 갈채를 받을 때에 무대에서 사라졌다. 그는 1837년 봐이마르에서 세상을
떠났다.
모차르트와 마찬가지로 프리메이슨이었던 그는 봐이마르의 자기 집 뒤뜰에 프리메이슨
건물을 짓고 이를 프리메이슨에 기증하였다.
훔멜은 생전에 많은 존경을 받았고 세상을 떠날 때에도 애도의 물결이 끊이지 않았으나
얼마 되지 않아 사람들은 그를 망각하였다.
훔멜의 작품이 오늘날 제대로 연주되지 않는 것도 생각보다 빨리 진행된 망각 때문이다.
왜 그렇게 되었을까? 새로운 낭만주의의 시대가 파도처럼 밀려 왔기 때문이었다.
이제 훔멜의 고전적 아이디어는 빛바랜 것이 되었다. 훗날 20세기 초에 고전의
리바이벌이 있을 때에도 오히려 하이든은 빛을 보았지만 훔멜은 잊혀져 있었다.
훔멜은 모차르트라는 거목의 그늘에 가려져 있었기 때문에 거의 잊혀진 존재로 묻혀
있었다.
2. Berlioz, Symphonie Fantastique, Op.14
Sir Colin Davis(cond), Concertgebouw Orchestra of Amsterdam
I. Reveries, passions
II. Un bal
III. Scene aux champs
IV. Marche au supplice
V. Songe d'une nuit du sabbat
♣ 베를리오즈 환상교향곡 Op.14
베를리오즈의 대표작인 동시에 음악사에 있어서 매우 중요한 위치를 차지하고 있는 '환상
교향곡'은 표제적 성격이 짙은 곡으로 그의 독창적인 작풍을 나타내고 있는 곡이다.
특히 ‘고정 악상’(idee fixe)이라는 ‘고정된 관념을 나타내는 선율’이라는 착상을
통해 표제음악 분야를 개척했다.
또한 베를리오즈는 이 교향곡에서 전대미문의 다채로운 관현악법으로 낭만주의의
음악어법을 혁신시켰다.
베를리오즈는 베토벤 '교향곡 9번 ‘합창’'의 ‘환희의 송가’로부터 표제적인 성격을
받아 들여 교향곡에 내러티브를 본격적으로 도입한 최초의 작곡가로 서양 음악사에
기록됐다.
꿈에서도 잊지 못하는 사랑하는 여인 스미드슨을 상징하는 일정한 가락을 만들어 각
악장마다 알맞게 배치하고 리듬과 악기를 변화시켜 사용한 베를리오즈의 작곡 기법은
후에 리스트나 바그너와 같은 작곡가들에게 큰 영향을 주었다.
관현악법에 있어서도 기본적으로는 베토벤의 시대와 같은 2관 편성이나, 표현의 필요성에
따라 기형적이거나 변칙적인 방법을 대담하게 사용하고 있다.
여기 의사의 아들로 태어나 의학을 공부하다 음악으로 진로를 바꾼 한 남자가 있다.
작곡가의 등용문인 ‘로마 대상(Prix de Rome)’을 목표로 작곡에 전념하고 있다.
'로마 대상'은 파리 음악원을 1등으로 졸업한 학생을 로마의 빌라 메디치에 3년간
국비유학 보내는 제도로 이탈리아의 풍물을 보며 작곡에만 전념할 수 있도록 배려하는
혜택이 주어지는 상이다.
그러나 1827년, 운명적 만남이 남자의 가슴을 꿰뚫는다.
영국 셰익스피어 극단의 프랑스 파리 공연에 동참한 아일랜드 출신의 여배우 해리엣
스미드슨이 그 주인공이었다.
그녀가 연기한 오필리어와 줄리엣 역에 완전히 빠져버린 남자는 그녀의 환심을 사고자
노력한다.
그러나 특별한 이유가 없는 한 인기 여배우가 무명의 작곡가를 거들떠보기나 할 것인가.
1828년 남자는 연주회를 열어 스미드슨에게 잘 보이려 했지만 그녀의 관심을 받지 못한
채 결국 실패하고 말았다. 완전히 무시당했다는 말이다.
눈물을 삼킨 이 사나이가 바로 작곡가 엑토르 베를리오즈다.
실연을 겪어본 남자라면 공감하겠지만 그 미칠 듯한 비애와 버림받은 듯한 소외감 속에서
베를리오즈가 쓴 곡이 바로 '환상 교향곡'이다.
이 작품은 '어떤 예술가의 생활 에피소드'라고 하는 2부작 중의 제1부에 해당하는 곡으로
'5부로 된 환상 대교향곡'이라는 부제가 붙어 있다.
나머지 2부에 해당하는 곡은 서정적 독백극 '렐리오, 생에의 복귀 Op. 14b'(1832년
작)이다.
'환상 교향곡'은 모두 5악장으로 이루어져 있는데 악장별로 담고 있는 내용은 다음과
같다.
1악장 - 꿈, 정열
한 저명한 작가가 상상의 나래를 편다. 상상 속에서 ‘정열의 파도’라는 마음의 병에
걸린 한 젊은 음악가가 마음 속에 그리는 이상적인 매력을 모두 갖춘 여성을 만나고 곧
무서운 사랑에 빠진다.
사랑하는 여자의 이미지가 하나의 악상과 결합되어 그의 마음 속에 파고 들어온다.
음악가는 그 악상이 가진 정열적이지만 기품있고 내성적인 특성이 여자의 성격과 같다는
것을 감지한다.
이 선율과 여인의 모습이 이중의 ‘고정 악상’으로서 등장하며 끊임없이 그를
따라다닌다.
1악장은 우울한 몽상 상태에서 환각적인 정열에 이르기까지 분노와 질투, 마음의 평안과
눈물, 종교적인 위안이 뒤섞여 있다.
2악장 - 무도회
음악가는 자신이 인생의 가장 복잡한 시절 한가운데 놓이게 되었음을 알게 된다.
축제의 소용돌이 속에 끼어들기도 하고 전원의 평안한 사색에 잠기기도 한다.
그러나 마을에서도 들에서도 어디를 가나 사랑하는 사람의 모습이 그의 앞에 나타나
끊임없이 그의 마음을 괴롭힌다.
3악장 - 들 풍경
시골의 어느 날 저녁, 멀리서 두 목동이 부는 피리 소리가 들린다. 이 목가적 이중주,
미풍으로 조용히 살랑이는 나무들의 속삭임, 최근에 발견한 희망의 싹, 이러한 모든
것이 합쳐서 그의 마음을 이상하게 평온하게 하고 마음 속의 생각을 밝게 물들인다.
그는 스스로의 고독을 다시 생각하며 이제는 고독을 면하게 될지도 모른다고 기대한다.
‘그러나 만약 그녀가 모른다고 배신한다면 어쩌지……’ 이 희망과 불안이 뒤섞인 기분,
어두운 예감으로 어지럽혀지는 이러한 행복의 사념이 아다지오 악장의 주제가 되어
나타난다.
마지막에 목동 중 한 사람이 다시 피리를 부는데 상대는 여기에 대답하지 않는다.
멀리서 천둥소리 …… 고독 …… 그리고 정적.
4악장 - 단두대로의 행진
사랑이 거절되었음을 확인한 작곡가는 마약으로 음독 자살을 기도한다. 그러나
치사량에는 이르지 못하고 무서운 환상을 수반한 깊은 잠 속으로 떨어진다.
그는 애인을 죽이고 사형을 선고 받아 단두대로 연행되고 자신의 처형 장면을 목격하는
꿈을 꾼다.
때로는 음울하고 거칠며 때로는 당당하고 밝은 행진곡 리듬에 맞추어 처형자들이
행진하고 그들의 무거운 발걸음이 엄청난 소란을 타고 계속된다.
행진 끝에 ‘고정 악상’을 나타내는 4개의 소절이 사랑의 마지막 추억처럼 다시
나타나는데 오케스트라의 결정적인 일격으로 단번에 지워져 버리고 만다.
5악장 - 마녀들의 밤의 향연과 꿈
자신을 매장하기 위해서 유령, 마술사, 마녀, 그밖에 갖가지 요괴들이 모였다.
작곡가는 그 무리의 한 가운데에 서있는 자신을 본다.
야릇한 소리, 신음, 오싹하는 웃음 그리고 멀리서 들리는 고함소리에 다른 고함소리가
서로 호응하는 듯하다.
가장 사랑하는 사람의 선율이 다시 나타나는데 그것은 고귀하고 내성적인 성격을
잃어버리고 있다.
그것은 이제 야비한 선율에 불과하고 보잘 것 없는 그로테스크한 것으로 변해 버렸다.
그녀가 이 밤의 향연에 찾아온다. 그녀가 도착하자 환희에 들뜬 요괴들……. 그녀는
악마적이고 기괴한 밤의 향연에 동참한다.
장례를 알리는 종소리는 그레고리안 성가 중 ‘분노의 날’(Dies Irae)을 익살스럽게
풍자한 것이다.
마녀들의 향연, 돌고 도는 윤무는 ‘분노의 날’과 결합한다.
베를리오즈는 드디어 로마 대상을 수상했고 우여곡절 끝에 1833년 해리엣 스미드슨과
결혼한다.
베를리오즈의 부모는 이 결혼을 결사 반대했는데 스미드슨이 10년 연상이기 때문이었다.
결혼식 날엔 프란츠 리스트가 입회인으로 참석했다.
위에 언급한 '환상 교향곡'의 속편 '렐리오, 생활로의 복귀'는 1832년 스미드슨과
재회한 해에 작곡되었다.
그토록 죽음과 맞닿은 실연의 아픔을 딛고 결합했건만 베를리오즈와 스미드슨 사이의
작은 틈은 점차 벌어진다.
결혼 10년 만에 별거에 들어가고 베를리오즈는 애인인 여가수 마리아 레치오와 지내게
된다.
4년 전부터 전신마비 상태였던 스미드슨은 1854년 숨을 거둔다. 아내의 임종을 지켰던
베를리오즈는 마리아와 재혼한다.
그 마리아도 결혼 8년만에 세상을 떠난다. 스미드슨 사후 10년, 베를리오즈는 그녀의
묘를 두 번째 부인 마리아의 묘에 이장했다.
두 아내가 잠든 묘지에서 베를리오즈는 자신의 죽음을 강하게 예감한다.
'환상 교향곡'을 낳은 남자의 사랑은 그렇게 최후를 맞았다.
■ 추천음반
샤를 뮌쉬의 연주(RCA)는 시종 흥분에 휩싸여 있다. 화끈하면서 찜찜한 연주이다.
이루어지지 않는 사랑의 광기는 단두대로 갈 때까지 홍안을 띤다.
1830년대의 양식대로 두 대의 튜바 대신 세르팡과 오피클리데를 사용한 가디너와 혁명과
낭만 오케스트라(Philips)는 뻐근하게 다가오는 관악기가 원전연주의 선입견을 넘는다.
마르케비치(DG)는 가장 프랑스적인 교묘한 솜씨와 솔직한 접근으로 세련된 악몽을
연출한다.
콜린 데이비스(Philips)는 악장간 힘이 균형적으로 안배되어 있고 무도회 장면도
중용적으로 해석했다.
콜린 데이비스 (Colin Davis, 1927. 9. 25 ~ )
영국 웨브리지에서 태어난 그는 런던 왕립음악원에서 클라리넷을 공부했으나 당초부터 지휘자를
뜻하고 있었다.
얼마 후 칼머 실내관현악단이나 체르시 오페라 그룹 등의 조직에서 지휘를 하면서 훈련을 쌓아
나갔다.
1957년 글래스고의 BBC 스코티시 관현악단의 부지휘자가 되었고 1959년에는 새들러즈 웰즈
오페라의 음악감독으로 초빙되어 1965년까지 재임했는데 그 동안의 그의 활동은 실로 눈부셨다.
즉 1959년에는 갑자기 병이 난 클렘페러의 대리역으로서 필하모니 관현악단의 연주회를 떠맡아
모짜르트의 '돈 조반니'의 연주회 형식의 상연을 지휘하여 선풍적인 성공을 거두는가 하면
1960년에는 그라인드 본 음악제에서 비첨을 보좌했고, 1961년에는 미네아폴리스 교향악단을
지휘하여 미국에 데뷔했다.
또한 이 해에 런던 교향악단을 처음으로 지휘했고 1964년에는 런던 교향악단의 세계일주
연주여행에 케르테스와 동행했으며 같은 해 베를린 필하모니에도 객연했다.
그리고 1967년에는 BBC 교향악단의 수석 지휘자가 되어 71년까지 재임했다.
1968년 초에 메트로폴리탄 가극장에 데뷔하여 브리튼의 '피터 그라임즈'를 지휘했고 가을에는
뉴욕 필하모니에서 베를리오즈 찌클루스를 1969년에는 코벤트가든 왕립가극장에서 베를리오즈의
거작 '토로이인'의 전곡 상연을 지휘하여 화제를 모았다.
그리고 1971년에 BBC를 사임하고 코벤트가든의 음악감독으로 취임하여 현재에 이르고 있다.
한편 1973년부터 보스턴 교향악단의 수석 객연지휘자가 되었고 1976년부터는 런던 교향악단과도
수석 객연지휘자 계약을 맺었다.
같은 해 스칼라 극장에서 베를리오즈의 '벤베누토 첼리니'를 지휘했고, 1977년과 1978년에는
바이로이트 음악제에 데뷔하여 '탄호이저'를 지휘했다.
또한 코벤트가든에서도 장기인 모짜르트나 베를리오즈의 오페라를 비롯하여 바그너의
'니벨룽겐의 반지'에도 손을 대는 의욕적인 활동을 계속하여 코벤트가든과의 계약도 1982년까지
연장하는 쾌조를 보였다.
데이비스의 음악을 단적으로 말하면 단정하고 명석하다고 할 수 있다. 털끝 만큼도 애매함이
없는 명쾌한 울림 속에 싱싱한 신선함이 넘치고 있다.
그는 1979년에 코벤트가든 로열 오페라를 이끌고 내한하여 공연을 가진 바 있다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.5 in E flat major, Op.73 'Emperor'
Alfred Brendel(Pf) / Simon Rattle(cond), Wiener Philharmoniker
I. Allegro
II. Adagio un poco moto, attacca
III. Rondo - Allegro ma non troppo
♣ 베토벤 피아노 협주곡 5번 E 플랫 장조 Op.73 '황제'
1809년 초 베토벤의 생활은 비로소 든든한 반석 위에 올라선 것처럼 보였다.
일단 3월 1일부터 '평생 연금'을 받기 시작했는데 세 명의 젊은 고위 귀족, 로프코비츠 공작,
킨스키 공작, 루돌프 대공이 그에게 매년 4천 플로린이라는 거금을 지급하기로 약속했던
것이다.
다만 베토벤이 "빈(Wien) 혹은 오스트리아 황실 폐하의 다른 세습영지를 거주지로 하는 대신"
이라는 조건이 붙었다.
이로써 안정적인 재정기반을 확보한 베토벤은 들뜬 기분에 여행이나 결혼도 할 수 있으리라는
기대를 품었고 특히 친구인 글라이헨슈타인 남작에게 편지를 보내서 자신의 신붓감을 찾아봐
달라고 부탁하기까지 했다.
하지만 그러한 희망은 얼마 지나지 않아 산산이 부서지고 만다. 그 해 5월 나폴레옹 군대가
빈을 점령했기 때문이다.
오스트리아의 바이에른 침공에 대한 대응에 나선 프랑스 군이 에크뮐 전투에서 오스트리아
군을 격파한 다음 내친 김에 빈까지 진격해왔고 그러자 오스트리아의 왕족과 귀족과
부유층들은 서둘러 빈을 탈출했다.
뒤에 남은 시민들이 나름대로 도시를 수호하겠다고 나섰지만 상황은 절망적이었다.
무기가 턱없이 부족해서 극장에 있던 총과 창, 칼 등의 소품들까지 꺼내왔지만 별 도움이
되지 못했다.
결국 빈은 포위된 지 일주일 만인 5월 13일에 함락당하고 말았다.
빈에 남게 된 베토벤의 상황은 절박했다. 적군의 포탄이 쏟아지는 동안에는 약해진 청력을
보호하기 위해 책상 밑으로 들어가 베개를 머리에 두르고 있어야 했다.
또 프랑스 군이 도시를 점령한 뒤에도 한 동안 오스트리아 군의 반격으로 인한 전투가
계속되어 그는 사방을 뒤덮은 전쟁의 참화와 진군의 북소리, 군화 소리로 인해 거의 미칠
지경이었다.
게다가 후원자들이 모두 도시를 떠나면서 경제적 원조가 끊기는 바람에 생계를 꾸려나가기도
힘겨웠는데 피난하기도 여의치 않았다.
가까스로 동생의 집에 의탁한 그는 여름에 쓴 한 편지에서 당시의 상황을 이렇게 전하고
있다.
"그 동안 우리는 가장 심각한 형태의 비참함을 겪고 있었습니다. 5월 4일 이후 나는 일관성
있는 작품을 거의 하나도 쓰지 못했습니다. 기껏해야 단편 이것저것 뿐입니다. …… 바로
얼마 전에 내가 쌓아올린 생존의 기반이 불안정해 졌습니다. …… 주위에서는 온통
파괴적이고 무질서한 행태 밖에는 보이지 않습니다. 온통 북소리, 대포소리, 모든 형태의
비인간적인 처참함 뿐입니다"
그의 마지막 협주곡은 바로 이러한 경험에 기초한 것으로 보인다.
그래도 9월에 베토벤은 자선 연주회에서 '영웅 교향곡'을 지휘했고 전황이 정리되어 감에
따라 빈의 질서와 생활도 점차 정상적인 상태를 되찾아갔다.
일련의 상황은 10월 14일 쇤부른 궁전에서 프랑스와 오스트리아 사이에 강화조약이
체결되면서 일단락 되었고 베토벤도 다시금 기지개를 켰다.
그 전란의 와중에 작곡된 것으로 알려진 '피아노 협주곡 제5번 E♭장조'는 베토벤 최고의
역작 가운데 하나이다.
이 작품의 장대한 스케일, 왕성한 추진력, 찬란한 색채는 타의 추종을 불허한다.
심지어 베토벤 자신조차도 이 정도로 대담하고 격렬한 협주곡은 쓴 적이 없었다.
그는 이 곡에서 특유의 강력한 피아니즘을 그 어느 때보다 과감하게 펼쳐 보였고 그 결과
이전의 '피아노 협주곡 제4번 G장조'에 이어 다시 한 번 피아노 협주곡사에 새로운 장을
열었다.
이 협주곡은 베토벤 자신의 '바이올린 협주곡'과 더불어 훗날 슈만과 브람스가 계승하게
되는 '교향적 협주곡(Symphonic Concerto)'의 본격적인 출발점으로 간주된다.
이 곡은 분명 협주곡이지만 관현악부가 독주부 못지않은 중요성을 지니며 두 파트가
긴밀하게 어우러져 더없이 절묘하고 역동적인 음악세계를 펼쳐 보인다.
제1악장 - 알레그로
약 20분간에 걸친 장대한 규모를 자랑하는 첫 악장은 시작부터 특별하다.
관현악의 힘찬 화음에 이어 피아노가 곧바로 등장하여 화려하고 당당한 카덴차를 연주해
보이며 출발하는 것.
협주곡의 고전적인 틀에서 벗어난 이런 개시법은 이후 슈만, 그리그, 차이코프스키 등
수많은 후배 작곡가들에게 영향을 미치게 된다.
이 혁신적인 개시부에 이어 관현악이 강렬하고 박진감 넘치는 제1주제와 스타카토 리듬에
실려 등장한 후 유려하게 펼쳐지는 제2주제를 제시한다.
이후 피아노가 다시 등장하고 음악은 때로는 충만한 열기와 긴장감 속에서 강력하게
때로는 섬세하고 유연하면서도 멋스럽게 진행된다.
이 악장은 두 차례의 장쾌한 클라이맥스에 도달한 후 힘차게 마무리된다.
여기서 또 한 가지 특별한 점은 통상 재현부와 종결부 사이에 놓이는 독주자 임의의
카덴차가 허용되지 않았다는 점이다.
이 부분에 관해서 베토벤은 '카덴차는 필요 없음. 그대로 계속해서 연주할 것'이라고
지시하는 대신 카덴차에 상당하는 독주부를 직접 채어 넣었다.
즉 자신이 의도한 흐름이 독주자의 기교과시에 의해서 단절되거나 왜곡될 위험을 차단했던
것이다. 이 역시 슈만과 브람스를 비롯한 후배들에게 귀감이 되었던 부분이다.
아울러 이 악장에서는 트럼펫과 팀파니의 활약을 통해서 팡파르 풍의 울림과 행진곡풍
리듬이 유난히 부각된다. 또한 전편의 치열하고 박진감 넘치는 흐름은 다분히 전투적이다.
그래서인지 알프레트 아인슈타인은 이 협주곡을 '군대 개념의 변증론'이라고 불렀는데
혹시 베토벤은 이 곡에서 나폴레옹 군대 혹은 그로 상징되는 '적군'에 대한 자기 나름의
투쟁을 전개했던 것은 아닐까?
나폴레옹이 빈을 점령했던 시절, 베토벤은 프랑스군 장교와 마주친 자리에서 주먹을
불끈쥐며 이렇게 말한 적이 있다고 한다.
"내가 대위법만큼 병법에 정통했더라면 당신들을 가만두지 않았을 텐데….."
도처에서 포탄이 터지는 듯한 장면마저 연출하는 이 곡을 들으며 (물론 비유적인 견지에서)
관현악을 병사들로, 피아노를 그들을 이끄는 장수로 상정해보는 것도 흥미로울 듯하다.
제2악장 - 아다지오 운 포코 모소
앞선 악장과 사뭇 대조적인 완서악장이다. 차분하게 가라앉은 분위기 온화하게 이어지는
흐름 그리고 그 위에 신중하게 얹히는 독주 피아노의 선율.
이 명상적인 악장에는 숭고하고 성스러운 기운마저 서려있다. 베토벤의 제자였던 체르니에
따르면 찬미가풍의 주제는 오스트리아의 순례의 노래에서 따온 것이라고 한다.
이 악장은 그 극복의 통로가 아니었을까? 여기서 그는 반추하고, 기도하고, 음미한다.
그리고 새 희망을 꿈꾼다.
그의 후기음악에 나타나는 영적인 차원의 환상적인 음률이 이미 선명하게 모습을 드러내고
있는 이 악장은 베토벤이 남긴 가장 심오하고 감동적인 음악 가운데 하나이다.
제3악장 - 론도. 알레그로
앞선 악장의 끝부분에서 중단 없이 이어지는 이 악장에서 음악은 다시금 첫 악장의 기세와
분위기로 복귀한다.
이 '승리'를 향한 행진곡에서, 춤곡풍의 주제는 마치 곡예를 펼치는 듯하며 피아노와
관현악은 서로 앞서거니 뒤서거니 하며 술래잡기를 하는 듯하다.
협주곡 고유의 경쟁의 묘미와 돌파의 스릴을 만끽할 수 있는 박진감 만점의 멋진
피날레이다.
흔히 곡의 제목처럼 통용되는 '황제'라는 별명은 정작 베토벤 자신과는 별 관련이 없어
보인다.
무엇보다 베토벤이 한 때 존경하던 나폴레옹이 황제의 자리에 올랐다는 소식을 듣고서
격노하여 '영웅 교향곡'의 원래 표지를 찢어버렸다는 일화를 떠올리자면 베토벤의 가장
돋보이는 걸작 중 하나에 '황제'라는 별명을 붙이는 것은 심히 불경스러운 일처럼
보이기도 한다.
이런 별명을 누가 붙였는지는 확실히 밝혀지지 않았지만 일설에는 J. B. 크라머라는
영국의 출판업자가 거론된다.
그는 이 작품이야 말로 모든 피아노 협주곡들 가운데 '황제'의 자리에 놓일 만하다고
생각했다고 한다.
그런데 이것도 꽤나 그럴듯한 발상 아닌가? 더구나 젊은 시절에는 혈기왕성했던 베토벤도
나이가 들어감에 따라 점차 보수적인 성향으로 변해갔으며 한 때 '황실 악장'의 직함을
원하기도 했었다는 사실을 돌아보면 굳이 거부할 필요도 없는 일 아닌가 싶다.
■ 추천음반
다른 어떤 곡보다도 이 곡에 있어서만큼은 근래의 음반들보다 왕년의 거장들이 남긴
음반들이 먼저 떠오른다.
모노 시절의 명반으로는 역시 에트빈 피셔를 가장 먼저 거론해야 할 것이고 이후에도
빌헬름 박하우스, 빌헬름 켐프, 루돌프 세르킨, 클라우디오 아라우, 프리드리히 굴다,
알프레트 브렌델, 에밀 길렐스, 레온 플라이셔, 아르투로 베네데티 미켈란젤리 등등이
남긴 기라성 같은 명연들이 즐비하다.
알프레드 브렌델 (Alfred Brendel, 1931. 1. 5 ~ )
체코슬로바키아의 모라비아 지방의 소도시 비젠베르크에서 태어난 오스트리아의 피아니스트로서
그의 가계에는 오스트리아, 독일, 이탈리아와 체코의 피가 섞여 있다고 한다.
3세 때 유고의 아드리아 해 연안에 옮겨 양친이 호텔을 경영했는데 그리 음악적인 가정은
아니었다고 한다.
그러나 6세 때부터 피아노를 치기 시작하고 집안이 자그레브로 옮기고부터는 정식으로 레슨을
받게 되어 1943년에 그라쯔로 옮겨서 본격적인 음악교육을 받고 또 파울 파움가르트너나
에두아르트 시토이어만에게도 배웠다.
특히 이 동안 뤼째른에서 3년간에 걸쳐 매년 여름마다 에드윈 피셔의 마스터 클래스에서
가르침을 받은 것은 그에게는 가장 중요한 사건이었다.
1948년에 그라쯔에서 최초의 리사이틀을 열어 호평을 얻었고 또 이듬해인 1949년에 이탈리아의
포르짜노에서 열린 부조니 국제 콩쿠르에 우승하여 본격적인 연주 활동에 들어 갔다.
그 후는 빈을 본거지로 각지에서 활약하여 1963년에는 미국에 데뷔하여 성공을 거두고 이후
매년처럼 연주 여행함과 동시에 남미, 오스트레일리아, 극동 등을 자주 방문하여 호평을
받았다.
또 다망한 연주 활동 사이에 교육에도 열성이어서 런던과 빈에서 마스터 클래스를 가르쳤다.
현재는 22년간이나 살았던 빈을 떠나 런던에 정주하고 있다.
브렌델은 처음에 리스트 연주가로서 알려져 있었으나 레퍼터리는 바하에서 쇤베르크까지로
매우 넓으며 또 변화도 풍부해서 그 어느 작품에서나 항상 안정된 극히 수준높은 연주를 들려
주고 있다.
그의 레코드에서도 알 수 있듯이 그의 음악의 중심을 이루고 있는 것은 모짜르트, 베토벤,
슈베르트, 리스트 등의 작품이며 아름답고 안정된 조형 속에 풍부한 뉘앙스와 노래를 담은
연주는 근년에 특히 높은 평가를 받고 있다.
더구나 '생각하는 피아니스트'라고 말해지듯이 작품에 대해서나 자기에 대해서도 항상
격하고 날카롭게 주시하는 브렌델은 안정된 속에서도, 항상 작품 그 자체에서 출발한 신선한
해석과 연주를 들려준다.
4. Bruch, Violin Concerto No.1 in G minor, Op.26
Salvatore Accardo(Vn) / Kurt Masur(cond), Gewandhausorchester
I. Vorspiel: Allegro moderato
II. Adagio
III. Finale: Allegro energico
♣ 브루흐 바이올린 협주곡 1번 G 단조 Op.26
브람스보다 5년 늦게 태어난 막스 브루흐는 자신이 독일 낭만주의의 전통 위에 서 있다는
강력한 믿음을 가지고 있었다.
슈만과 브람스가 바라본 음악적 지평선 따라가고 싶다는 열망은 브루흐의 작곡 스타일을
결정지었다.
멘델스존은 브루흐의 역할모델로서 작용했고 그는 자신이 멘델스존과 같은 천재가 아니라는
열등감에 시달렸다.
그가 1864년부터 2년 동안 작곡한 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐가 바라보는 음악적
색깔을 확실하게 보여준다.
로맨틱한 정서는 곡 전체를 끈적끈적하게 맴도는데 바로 이 멜랑콜리함은 브루흐의
음악이가지고 있는 특성이다.
그는 음악의 친화력이 멜로디의 아름다움에서 시작된다고 보았고 '바이올린 협주곡 1번'은
이러한 특성이 더욱 두드러진 작품이다.
더구나 멘델스존의 강력한 영향 아래 있던 브루흐는 선배 작곡가의 로맨틱한 스타일을
따르고 있다.
당대의 명바이올리니스트 요제프 요아힘의 연주에서 영감은 얻은 브루흐는 이 헝가리 출신의
바이올리니스트를 위해 자신이 가지고 있는 재능을 쏟아부을 수 있는 작품을 쓰기로
결심한다.
그렇게 탄생한 이 협주곡은 1866년 4월 24일 브루흐 자신의 지휘와 오토 폰 쾨니히 슬뢰프의
독주 바이올린으로 독일 코블렌츠에서 초연했다.
그러나 결과에 만족하지 못한 작곡가가 요아힘의 조언을 받아들여 수정판을 만들었다.
이러한 작업을 거쳐 탄생한 개정판은 1868년 1월 5일 카를 마르틴 라인탈러의 지휘와 요아힘의
독주 바이올린으로 브레멘에서 초연되었다.
현재 우리가 알고 있는 브루흐의 '바이올린 협주곡 1번'의 형태가 이 때 결정된 것이다.
사실 그때까지만 해도 고만고만한 작곡가의 대열에서 아직 벗어나지 못했던 브루흐는
요아힘처럼 지명도 있는 바이올리니스트가 필요했다.
아마도 브루흐가 이 작품을 작곡하지 않았다면 그의 명성은 지금의 절반에도 미치지 못했을
것이다.
그가 남긴 세 곡의 교향곡은 대부분 그 존재 자체도 모를 정도며 나머지 두 개의 바이올린
협주곡은 가끔씩만 녹음될 뿐이다.
두 개의 현악 사중주나 '오딧세이' 같은 오라토리오 작품 또한 같은 운명에 놓여져 있다.
따라서 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐라는 작곡가를 이해하기 위한 거대한 출발점이다.
대부분의 사람들에게 협주곡 1번을 제외한다면 '스코티시 환상곡'이나 첼로 작품인 '콜
니드라이' 정도가 알려져 있을 뿐이다.
작품에 작곡가가 가려진 현상은 그다지 보기 좋은 것은 아닐 것이다.
평생 동안 브루흐는 '바이올린 협주곡 1번'과 비슷한 작품을 써달라는 요청에 시달려야 했다.
이 협주곡이 초연된 지 반세기 가까이 흐른 20세기 초에 브루흐가 친구에게 보낸 편지를 확인해
보자.
"저기 저들은 이곳 구석구석에서 내게 '바이올린 협주곡 1번'을 외치고 있어. 마치 내가 작곡한
바이올린 협주곡이 1번 하나만 있다고들 생각하는 것 같아. 난 그 따위 인간들의 지긋지긋한
타령에 미칠 지경이야. 내 생각엔 2번이나 3번 협주곡도 1번만큼이나 훌륭한데 말이지. 제발
이제들 그만해줬음 좋겠어!"
브루흐에겐 좀 안된 얘기지만 여전히 우리는 그만 멈출수가 없다. 사실 브루흐가 존더샤우젠의
궁정악단 지휘자에서 베를린 예술아카데미 교수로 자리를 옮길 수 있었던 가장 결정적인 계기도
'협주곡 1번'의 성공에 힘입었다는 사실을 부인할 수 없다.
죽는 그 순간까지 브루흐는 '협주곡 1번'의 그늘에서 벗어나려고 발버둥 쳤지만 결국 성공하지
못했다.
그는 제1차 세계대전에서 조국이 패전하는 것과 새로운 조류의 음악인 R. 슈트라우스의 '알프스
교향곡'이 초연되는 것을 지켜보며 자신의 시대가 저물었다는 것을 실감했다.
둘 중에 어떤 것이 브루흐의 마음을 더욱 아프게 했는지는 잘 모르겠지만 확실한 건 두 가지
모두 그를 상심에 빠지게 했다는 것이다.
1악장 - 알레그로 모데라토
자유로운 형식의 1악장은 대단히 화려하며 독주자에게 엄청난 기교를 요구한다.
목관악기가 오래도록 기억될 만큼 아름다우며 오케스트라의 역동적인 음악이 무척이나
인상적이다.
마치 독립된 1악장이 아닌 2악장의 서주 같아 보이는데 발전부가 대단히 짧다는 사실과
오케스트라와 독주 바이올린이 하나의 동기를 교대로 연주하기 때문이다.
브루흐는 자유분방한 형식의 1악장 때문에 이 작품을 환상곡의 범주에 넣으려 했었다.
2악장 - 아다지오
서정적인 세 개의 주제로 전개되는 아다지오 악장은 물안개가 자욱한 호숫가를 은은하게
흘러가는 배의 움직임의 부드럽고 서정적이다.
전체적으로 갈망하는 듯한 분위기가 뒤덮고 있으며 약음의 섬세한 활쓰기가 요구된다.
감수성 어린 2악장은 명상적이면서 어떤 애틋함의 기운이 느껴진다.
3악장 - 알레그로 에네르지코
행진곡 스타일의 활기찬 리듬이 인상적인 이 악장은 제2주제는 독주 바이올린에 의해 G현으로
연주된다.
제1주제는 3도의 기교적인 더블 스톱으로 화려하게 펼쳐지고 곳곳에서 집시의 기운이
느껴질만큼 흥겨움과 떠들썩함이 코다의 장엄함으로 이끌며 스피디하게 진행되는 오케스트라와
독주 바이올린의 치열한 경합이 대미를 장식한다.
■ 추천음반
수십 종의 브루흐 바이올린 협주곡 1번의 녹음이 있지만 하이페츠(RCA) 연주를 첫손에 꼽고
싶다. 말콤 사전트가 지휘하는 뉴 심포니와의 협연은 빠른 템포의 질주감이 찬란한 슬픔을
안겨준다.
정경화의 첫 번째 녹음으로 루돌프 켐페와 협연(Decca)한 음반은 오랫동안 추억하게 만들며
2번째 녹음인 래틀과의 협연(EMI) 보다 풍부한 감성의 진폭을 느낄수 있다.
사라 장과 쿠르트 마주아(EMI)는 환상적인 호흡이 돋보이는 연주를 선보이고 있다. 이 음반은
국내에서도 인기가 대단했었으며, 사라 장의 열연이 돋보이는 대한민국의 명반이다.
카라얀과 협연한 무터의 연주(DG)는 달콤하고 감각적인 선율로 가득 차 있다.
브루흐 바이올린 협주곡 2번, 3번을 모두 수록한 아카르도의 연주도 분명 가치있는 선택이다.
살바토레 아카르도 ( Salvatore Accardo, 1941.9.26 ~ )
이탈리아의 토리노에서 태어난 바이올리니스트로서 나폴리의 산 피에트로 음악원에 입학해
루이지 담브로지오에게 사사했다.
이어서 시에나의 키지아나음악원에서 프랑스의 이본느 아스트뤽여사 및 나탄 밀슈타인를
사사했다.
1955년의 베르쩨크 콩쿠르를 시작으로 이듬해 1956년에 제네바 국제 콩쿠르와 1957년에는
이탈리아 방송의 각 콩쿠르에서 잇달아 눈부신 성적을 올렸다.
1958년에는 17세로 제노바의 파가니니 국제 바이올린 콩쿠르를 제패하여 일약 명성을 날렸다.
그 이후 독주자로서 세계적인 활약을 계속하는 한편 토리노에서 실내 관현악단을 조직하여
스스로 그 리더가 되고 또 아르헤리치 및 가쩰로니 등과 실내악 연주를 정기적으로 하는 등
그 활동은 매우 다방면에 걸치고 있다.
또 이 무지치 합주단과 관계도 깊어서 그 3대째의 리더를 맡기도 했다.
빛나는 콩쿠르 경력과 더우기 오늘날에 와서는 세계적으로 손꼽는 파가니니 연주자로 알려진
것처럼 아카르도의 최대의 무기는 그 초절적인 메카닉에 있다.
그것은 두드러진 날카로움과 흔들림이 없는 정확성을 겸비하고 있으며 그는 필요한 국면
이외에는 그것을 드러내려고 하지 않는 지성의 소유자이다.
또한 자신이 태어난 고장에 어울리도록 아름답고 낭랑한 노래를 연주하는 것도 아카르도의
장점의 하나이며 그 결과 바이올린이라는 악기의 본래의 매력을 남김 없이 보여주고 있다.
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