|
5. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61
Christian Tetzlaff(Vn) / David Zinman(cond), Tonhalle Orchestra Zurich
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게
연주했다고 전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이
계속 반복되면서 피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악
사중주 '라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을
지적한 것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을
사랑하고 있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도
모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게
피할 수 없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로
전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를
배가시키는 특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터
지휘의 콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는
명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
크리스티안 테츨라프 (Christian Tetzlaff, 1966. 4. 24 ~ )
크리스티안 테츨라프는 안네 소피 무터 및 프랑크 페터 침메르만과 함께 독일을 대표하는
바이올리니스트로서 바흐의 소나타와 파르티타 6곡 전곡이 유기적인 연속성을 가진다고
말한다.
이 때문에 테츨라프는 바흐의 소나타와 파르티타 6곡 전곡을 하루에 모두 연주하는 것을
원칙으로 하고 있으며, 실제로 뉴욕 링컨센터와 잘츠부르크 모차르테움 등 전 세계 유명
공연장에서 연주해왔다.
테츨라프는 음반 역시 두 차례 선보인 바 있다. 특히 2005년의 두 번째 녹음은 한층 자유로운
해석이 돋보여 독일 에코 클래식상을 수상하고 그라모폰지 에디터스 초이스에 선정된 바 있다.
지적이며 사색적인 연주자로 꼽히는 테츨라프는 고전에서부터 현대곡에 이르기까지 폭넓은
레퍼토리를 지니고 있음은 물론 그 완성도에서 감탄을 자아낸다.
그동안 그의 레코딩은 그라모폰지 크리틱스 초이스(바르토크), 황금디아파종상(시벨리우스),
미뎀 어워드(베토벤) 등 주요 음반상을 휩쓸었다.
테츨라프는 2010년 2월과 2011년 6월에 내한해 공연한 바 있으며 특히 2010년 2월 23일
LG아트홀에서 열렸던 공연에서 바흐의 소나타와 파르티타 전곡을 연주해 큰 감동을 전해주었다.
6. Schumann, Cello Concerto in A minor, Op.129
Jacqueline du Pre(Vc) / Daniel Barenboim(cond), New Philharmonia Orchestra
I. Nicht zu schnell
II. Langsam
III. Sher lebhaft
♣ 슈만 첼로 협주곡 A 단조 Op.129
슈만이 작곡한 세 곡의 협주곡 중 가장 유명한 피아노 협주곡과 바이올린 협주곡 그리고 첼로
협주곡은 대체로 외면적으로 화려한 기교를 부리지 않고 독주부와 관현악부가 일체가 되어 슈만
특유의 시적이고 상상력 넘치는 분위기를 자아내고 있다는 것이 특징이다.
특히 '첼로 협주곡 A단조' Op.129는 이러한 특질을 가장 잘 띄고 있는 작품으로서 독주악기의
존재감을 화려하게 드러내보이지 않고 관현악 속으로 자연스럽게 몰입시킨 점이 다른 첼로
협주곡들과의 다른 점이기도 하다.
외향적인 성격보다 내면적인 모습 그리고 내면으로의 침잠이 아니라 외면을 향해 용솟음치는
고양감을 그러낸 작품인 만큼 독주자로 하여금 세심하면서도 대범한 연주기법과 상상력 풍부한
표현력을 요구하는 작품이기도 하다.
슈만 역시 첼로를 위한 협주곡을 작곡하는 데 많은 고민과 시간을 거쳤음이 분명하다.
협주곡을 작곡하지 않았던 슈베르트는 예외로 치더라도 그의 선배격인 모차르트나 베토벤은
물론이려니와 동시대 동료인 리스트나 쇼팽, 멘델스죤, 브람스 등등 역시 첼로 협주곡을
작곡하지 않았다.
19세기에 들어서자 바이올린과 마찬가지로 첼로를 위한 작품 수는 점차 감소했다.
그러나 한편으로는 낭만주의 시대의 작곡가들은 당시에 유행했던 피아노를 반주로 사용함으로써
첼로라는 악기의 가능성을 독주악기로서 개성을 발휘하게끔 이끌었다.
베토벤, 브람스, 쇼팽 등이 작곡한 첼로 소나타들의 경우가 바로 그 예이다.
첼로는 독주악기로서 그리고 오케스트라에서 사용되는 가장 서정적인 악기가 되었다.
베토벤 '교향곡 9번' 4악장에서의 환상적인 레치타티보도 그러하거니와 브람스의 교향곡에서도
선율을 주도하는 악기는 바로 첼로였다.
더군다나 브람스는 '바이올린과 첼로를 위한 2중 협주곡'에서도 첼로의 역할과 비중을 높게
할애해 독주 악기로서 첼로가 가진 가능성을 열어주기도 했다.
19세기 초중반은 첼로라는 악기에 대한 비르투오소적인 관점이 팽배해지던 시기였다.
드보르작의 '첼로 협주곡' 이후 첼로에 대한 관심은 본격적으로 증폭되기 시작했다.
생상스, 랄로를 비롯하여 미요, 뒤티외, 포레, 댕디, 미요, 뿔랑, 프로코피에프, 쇼스타코비치,
브리튼 등 20세기에 이르기까지 첼로에 대한 탐구는 계속되었다.
특히 드뷔시의 '첼로 소나타'와 코다이의 '무반주 첼로 소나타', 달라피콜라와 크세나키스 등의
작품들은 첼로에 대한 풍부한 가능성과 표현력을 확장시킨 걸작으로 평가받는다.
이 가운데 슈만의 '첼로 협주곡'이야말로 그 기법과 표현력 및 형식면에 있어서 선구자적인
존재라고 말할 수 있다.
첼로라는 악기는 첼로 협주곡을 작곡하기 이전부터 슈만에게 있어서 대단히 특별한 의미를
가지고 있다.
슈만과 첼로는 대단히 극적이며 특별한 인연을 맺고 있다. 그 인연은 슈만의 마지막 작품과
관련이 있다.
지금까지 알려진 그의 마지막 작품은 피아노 작품으로 1853년 10월 15일부터 18일 사이에 작곡한
'아침의 노래 gesange der fruhe' Op.133으로 알려져 있다.
그러나 정작 슈만의 마지막 관심 대상은 바로 첼로였다.
1853년 11월 뒤셀도르프에서 작곡한 '첼로와 피아노를 위한 다섯 개의 로망스'라는 작품이 슈만의
진실된 마지막 작품인 것이다.
슈만이 세상을 뜬 뒤 40여 년이 지난 1893년에 클라라 슈만은 요하임의 권유로 이 작품을 불에
태워 파기해버렸는데 만약 이 작품이 지금까지 전해졌다면 슈만의 천재성이 최고도로 발휘된
감동적인 걸작으로 평가받았을 것임이 분명하다.
1849년에 슈만은 괴테 탄생 100주년을 맞이하여 드레스덴에서 체류하고 있었다.
슈만은 오랫동안 공을 들였던 괴테의 '파우스트'에 의한 같은 제목의 극음악을 드레스덴,
라이프치히, 바이마르에서 공연했다.
당시는 슈만에게 있어서 풍부한 결실의 해로서 수많은 합창곡과 관악기용 작품이 탄생했다.
'피아노와 호른을 위한 네 개의 행진곡' Op.76, '피아노와 클라리넷을 위한 환상 소곡집' Op.73,
'네 개의 호른과 대규모 오케스트라를 위한 콘체르트 슈튀크' Op.86 등이 이 시기에 작곡되었다.
그러나 이 시기 동안 슈만은 마음 속으로 불만을 가지고 있었다.
진정한 음악가를 만날 수 없다는 이유로 이 도시를 떠난 슈만 부부는 운 좋게도 1850년 가을
뒤셀도르프에 새로운 음악 감독으로 부임하여 융숭한 대접을 받게 되었다.
라인란트 지방의 자유롭고 친절한 분위기가 슈만 부부로 하여금 행복한 나날을 꿈꾸게 할 수
있었으며 무엇보다도 클라라는 남편이 지휘대에 오르게 된 것을 진정으로 기뻐했다.
이렇게 작곡과 연주 모두에서 로베르트는 진정한 음악적 기쁨을 맛볼 수 있게 되었다.
바로 이 시기를 대표하는 작품으로 11월과 12월에 작곡한 '라인 교향곡'과 더불어 '첼로
협주곡'을 꼽을 수 있다.
'첼로 협주곡'은 그가 라인강에 투신자살을 시도하기 4년 전 그리고 46세의 나이로 엔데니히
정신병원에서 숨져가기 6년 전인 1850년에 작곡한 작품이다.
슈만은 1850년 10월 10일부터 24일 사이, 단 2주만에 작곡을 끝냈으나 안타깝게도 슈만은 생전에
이 작품이 연주되는 것을 보지 못했다.
1851년 3월 23일 크리스티안 라이머가 솔로 파트만을 리허설했을 뿐 전곡이 온전한 형태로 대중들
앞에서 연주되진 않았기 때문이다.
이 곡의 초연은 그가 세상을 뜬 4년 뒤인 1860년 6월 9일 라이프찌히 게반트하우스에서 열린 슈만
탄생 50주년 기념행사에서 비로소 루드비히 에베르트의 독주로 이루어졌다.
이 작품은 첫 제시부의 긴 길이와 도입부의 초절기교적인 테크닉 때문에 슈만의 모든 작품들
가운데에서도 가장 대범하고 모험적인 작품으로 평가받는다.
자필 악보를 보면 슈만은 협주곡이라기보다는 콘체르트슈튀크(Konzertstuck)라고 명시해 놓고
있다.
이는 전통적 관점의 협주곡 양식과 결별해 작곡가 카를 베버로부터 비롯한 새로운 장르인
콘체르트슈튀크와 첼로의 가능성을 발전시키고 싶어했음이 분명하다.
그의 다른 협주곡들과 동일하게 이 '첼로 협주곡' 역시 환상곡풍의 스타일로 구성되어 있으며 세
악장이 쉼없이 연주되는 단악장 형식을 취하고 있다.
슈만은 악장 사이에 박수가 나오는 것을 혐오했다고 한다.
그런 이유로 협주곡에 악장 구분을 없앤 것으로 추측할 수도 있을 것이다.
짧은 오케스트라 도입부에 이어 첼로의 독주가 시작되고 이후 서정적인 멜로디를 따라 오케스트라와
첼로는 긴밀한 관계를 유지하며 3악장 론도에 이르기까지 독특한 음향과 개성적인 리듬을
만들어간다.
최근에는 마지막 코다 전에 등장하는 마지막 반주가 따르는 카덴차를 연주가 자신이 임의로 작곡한
무반주 카덴차를 등장시키기도 한다.
물론 슈만이 악보에 카덴차를 바꾸어 연주해도 된다고 지시한 사항은 아니다.
1악장 Nicht zu schnell 너무 빠르지 않게
2악장 Langsam 느리게
3악장 Sher lebhaft 매우 생생하게
■ 추천음반
슈만의 첼로 협주곡은 예로부터 훌륭한 연주가 많이 존재해왔다.
그 가운데 엔리코 마이나르디의 DG 레코딩(Spectrum)은 풍부한 서정성과 투명한 음색으로 이 작품의
목가적인 아름다움을 발견해낸 역사적인 녹음으로 손꼽을 만하다.
야노슈 슈타커의 녹음(Mercury)은 이 작품의 에너지감과 고전적 형식미를 정확히 읽어낸 호연
가운데 호연으로 그 명성이 이어져 내려왔다.
모리스 장드롱의 우아하고도 귀족적인 녹음(Testament)도 개성적인 뿐만 아니라, 나탈리 구트만과
클라우디오 아바도의 연주(DG)는 이 작품의 모든 디테일에 영혼을 불어넣은 현대적인 연주로 적극
추천한다.
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도 불구하고
연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
7. Mozart, Oboe Concerto in C major, K314
Randall Wolfgang(Ob) / Orpheus Chamber Orchrstra
I. Allegro aperto
II. Adagio non troppo
III. Rondo (Allegretto)
♣ 모차르트 오보에 협주곡 C 장조 KV 314
모차르트의 오보에 협주곡 KV.314는 그의 클라리넷 협주곡과 마찬가지로 오랜 동안 침묵
속에 묻혀 있었다.
오보에 협주곡의 악보가 발견된 것은 1920년으로 모차르트 사후 무려 130년간 행방불명이
되었던 것이다.
더욱이 이 곡은 플륫 협주곡 D장조와 거의 똑같으며 단지 조가 다를 뿐이다.
플륫 협주곡은 D장조지만 오보에 협주곡은 오보에로 연주하기 쉬운 C장조다.
플륫 협주곡과 오보에 협주곡 가운데 어느 쪽이 먼저 작곡되었는가는 아직까지 논란의
대상이 되고 있다.
제1악장 알레그로 아페르토. D장조. 4/4박자
협주곡풍의 소나타 형식. 이 알레그로 악장은 아페르토(aperto, 확실히)라고 지시되어
있다.
K313의 제1악장처럼 밝은 악장이다.
제2악장 아다지오 논 트로포. G장조 3/4박자
소나타 형식. 서정적인 아름다운 완서악장이다.
제3악장 론도(알레그로토). D장조 2/4박자
악곡의 성격에서 보면 명백히 론도이지만 주제의 제시법에서 보면 변칙적인 소나타
형식이다.
경쾌한 기분이 가득찬 악장이다.
8. Mendelssohn, Violin Concerto in E minor, Op.64
Isaac Stern(Vn) / Eugene Ormandy(cond), Philadelphia Orchestra
I. Allegro molto appassionato
II. Andante
III. Allegretto Non Troppo - Allegro Molto Vivace
♣ 멘델스존 바이올린 협주곡 E단조
펠릭스 멘델스존이 자신의 두 번째 바이올린 협주곡을 완성하게 된 1844년 여름에는 그
자신도 이 작품의 성공을 확신할 수 없었다.
멘델스존은 당시 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 콘서트마스터로 활약하고 있던
페르디난트 다비트의 연주에 영감을 얻어 E단조의 협주곡을 작곡하게 된다.
1838년부터 이 작품의 작곡을 시작했지만 완성(1844)까지 무려 6년의 시간이 소요될 만큼
심혈을 기울여 작곡했다.
음악적으로 세 개의 악장이 이어져 있고 시작하자마자 독주 바이올린이 음악적 방향타를
제시하는 새로운 방식은 동시대 청중에게 강렬한 인상을 남겼다.
1845년 3월 13일 닐스 가데가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스와 다비트의 협연으로
초연이 이루어졌다.
그리고 2년 후에 멘델스존이 사망하면서 이 작품은 그의 음악적 초상으로 기억된다.
지난 160여년 동안 멘델스존의 바이올린 협주곡은 연주자들에게나 음악애호가들에게나
엄청난 사랑을 받고 있다.
한 번 들으면 머리에 쏙 기억되는 멜로디와 로맨틱한 분위기 등 이 작품은 19세기 전체를
통틀어서도 최고의 명작으로 인정받고 있다.
낭만주의 시기에 작곡된 바이올린 협주곡은 수없이 많지만 그중에서도 멘델스존의 작품은
차이코프스키의 작품과 더불어 언제나 최고의 찬사를 받고 있다.
이 협주곡에는 멘델스존의 온화하고 따뜻한 성품이 고스란히 드러난다.
어린 천재로서 세상의 주목을 받으며 괴테로부터 축복의 키스를 받으며 성장한 아이가
청년 작곡가로서 세계를 향해 던지는 메시지이기도 하다.
멘델스존에 대한 한 가지 오해는 그가 어려움 없이 성장했기 때문에 인생의 여러 가지
단계를 거치지 못했고 따라서 그의 음악도 심오한 철학을 담아낼 수 없다는 것이다.
음악가로서 멘델스존의 작품이 지닌 가장 중요한 요소는 많은 사람들이 엄숙한 얼굴을
하고서 음악의 한 가지 측면만을 이야기 할 때 그는 다채로운 언어로 음악을 만들었다는
데 있다.
이 바이올린 협주곡에는 한 사람이 태어나고 성장해서 사랑하는 삶의 계단들이 일종의
순환형식으로 되어 있다.
우리는 이를 통해서 '운명의 수레바퀴'를 느끼게 된다. 소위 낭만주의적 감수성이라고 할
수 있는 먼 곳에 대한 동경과 잡힐듯 잡히지 않는 대상의 그리움 같은 것이 음악의
전체적인 분위기를 만들고 있다.
제1악장 (Allegro molto appassionato)
우아하게 시작되는 서주는 멘델스존 특유의 것이다. 바람결에 나부끼는 코스모스의
느낌처럼 은은하게 피어오르는 멜로디는 그 자체로 매혹되는 선율이다. 현악기의 화음과
함께 독주 바이올린이 주제를 연주하는데 이 부분에서 안개에 휩싸인 듯한 분위기의 연출은
필수적이다.
오보에와 바이올린의 화음 그리고 클라리넷과 플루트의 앙상블이 바이올린의 주제를 이어
받아 부서질 듯 말 듯한 여운을 남기는 것 또한 매우 중요하다. 독주 바이올린이
아르페지오와 목관 악기들의 연이은 주제와 코다의 순간적인 폭발은 기교도 기교지만 리듬을
자연스럽게 타는 것에 주안점을 두어야 한다.
사실 1악장의 아름다움을 제대로 살려내지 못한다면 전체의 핵심적인 모티프를 잃어버리기
마련이다.
제2악장(Andante allegro non troppo)
명상적인 선율은 잔잔한 호수의 물결처럼 전개되는데 선율의 투명함은 이 악장의 가장
중요한 부분이며, 따라서 모든 것을 초월한 듯한 느낌을 만들어야 한다.
수도원에서 기도하는 신부의 손 끝에 비친 아침 햇살 같은 투명함 말이다. 유려한 멜로디의
흐름은 1악장이나 3악장에서도 중요하지만 2악장의 수줍은 듯한 미소를 표현하는 데 있어
선율 감각은 대단히 중요하다.
우아함의 경지란 바로 이런 것을 두고 말하는 것일텐데 오케스트라의 은근한 반주 위에서
독주 바이올린은 세속의 경계에서 노래한다.
제3악장(Allegro non troppo - Allegro molto vivace)
리드미컬한 3악장은 기교로 빛나고 있다. 특히 마지막 코다 부분에서 화려하게 폭발하는
테크닉은 모든 것을 삼킬 듯하다.
오케스트라와 독주 바이올린의 대화는 '콘체르토(Concerto)'의 어원인 '경쟁하다'의 의미를
다시 한번 생각하게 한다.
3악장에는 사춘기 소녀의 웃음소리 같은 발랄함과 아이들의 재잘거림이 동시에 느껴진다.
멘델스존은 엷디 엷은 감수성의 바다 위를 미끄러져 가는 듯한 효과를 창출하면서 테크닉의
화려한 비상을 꿈꾸고 있다.
■ 추천음반
밀슈타인이 발터의 뉴욕필(Sony/Naxos)과 협연한 연주는 히스토리컬 녹음으로 만화경처럼
변화는 다채로운 접근 방식과 함께 질주감이 짜릿하다.
뒤트와와 함께한 정경화(DECCA)의 연주는 섬세한 감수성과 날렵한 보잉이 눈부신 연주로
'펭귄 가이드'의 Key Recording 음반이다.
사라 장의 연주(EMI)는 농염하고 따뜻한 감성에 꽉 차 있으며 시적인 연출이 돋보인다.
카바코스가 카메라타 잘츠부르크(Sony)와 협연한 앨범은 따뜻하고 은은하면서도 순간적인
폭발력이 인상적이다.
아이작 스턴 (Isaac Stern, 1920. 7. 21 ？ 2001. 9. 22)
1920년 구소련의 우크라이나에서 유대계로 태어난 스턴은 생후 10개월에 부모를 따라
미국으로 이주해 샌프란시스코에서 자랐다.
스턴은 1943년 뉴욕 카네기홀에 데뷔했으며 당시 음악 평론가 버질 톰슨은 뉴욕 헤럴드
트리뷴에 "전세계 바이올리니스트 대가중 한명"이라고 평가했다.
그 이후 음반 작업과 무대 연주로 왕성한 활동을 했다. 스턴은 소니 레코드사를 통해
1백종이 넘는 음반을 냈으며 꿈의 공연장인 카네기홀에서 지난 90년대까지 무려 1백75번이
넘는 연주회를 가졌다.
고전ㆍ낭만의 기본 레퍼토리 뿐 아니라 현대음악 연주에도 독보적이어서 번스타인,
펜데레츠키, 뒤티외, 바르토크, 힌데미트 등의 곡을 세계 초연 또는 미국 초연했다.
재정난으로 음악사의 뒤안길로 사라질 1960년대 후반 위기를 맞았던 카네기홀을 구해낸
것으로 유명하며 카네기홀측은 그의 공로를 기리기 위해 대연주장을 "아이작스턴
오라토리엄"으로 명명했다.
91년 걸프전 때는 이라크의 미사일공격 경보 사이렌이 울리는 예루살렘에서 가스 마스크를
쓴 청중 앞에서 마스크 없이 연주한 것으로 유명하다.
나치의 유대인 학살에 항의해 독일만 방문하지 않다가 1999년에야 처음으로 가서 학생들을
지도했다.
또한 유대계인 스턴은 ‘아메리카-이스라엘 문화재단’을 통해 유대계 현악인의 발굴과
지원에 영향력을 발휘했다.
이츠하크 펄만, 핀커스 주커만, 요요마 등 일급 연주자를 발굴해 키운 것도 그이다.
1964년엔 뮤지컬 '지붕위의 바이올린'에 출연하여 바이올린 연주를 들려주기도 하였다.
2001년 9월 22일 81세의 나이로 뉴욕의 웨일 코넬 의료센터에서 심장병으로 사망했다.
9. Lalo, Cello Concerto in D minor Op.37
Han-Na Chang(Vc) / Antonio Pappano(cond), Orchestra dell'Accademai Nazionale di Santa Cecilia
I. Prelude: Lento - Allegro maestoso - Tempo I
II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro Presto - Andantino (Tempo I) - Allegro Presto
III. Introduction: Andante - Allegro Vivace
♣ 랄로 첼로 협주곡 D 단조 Op.37
에두와르 랄로의 이름을 널리 알려준 곡이 바이올린 협주곡(스페인교향곡)과 오직 하나
뿐인 첼로 협주곡 D단조이다.
이 두 작품은 스페인 정취가 깊이 배어있고 독주 악기와 관현악기의 조화가 잘 처리되어
있다는 것과 작곡시기도 비슷하다는 공통점 을 가지고 있다.
특히 첼로 협주곡은 탄탄한 구조와 이국 풍의 색채가 풍부한 선율로 근대 첼로 협주곡
가운데 백미로 평가되는 곡이다.
특히 랄로는 바이올린과 비올라, 첼로 등의 연주에 상당한 실력을 가지고 있을 정도로
악기에 모두 능통했던 작곡가로 알려져 있다.
그의 이름을 알려준 계기가 된 스페인 교향곡이나 첼로협주곡 같은 작품이 독주 악기의
역할을 적절히 살렸다고 좋게 평가 받고 있는 이유가 여기에 있다.
보통 현악기는 피아노와는 달리 대편성의 관현악의 위용에 눌려 자칫하면 소리가 들리지
않게 되는데 이 곡은 독주 첼로소리가 가려지는 경우가 없도록 배려가 되어 있는 것을
느낄 수 있다.
20대에 작곡을 시작한 랄로는 초기에는 인정을 받지 못하다가 51세가 되었을 때 '바이올린
협주곡 F 장조'를 발표하고 이듬해 스페인 교향곡을 발표하면서 이름이 알려지게 되었다.
첼로 협주곡은 1876년 53세 때 작곡되어 다음해 작품을 헌정 받은 첼리스트에 의해
파리에서 초연 되어진 곡이다.
랄로 음악의 특징은 강한 이국적 취향과 귀족적인 단아함에 있다.
그의 모든 작품은 잘 빚어진 조각품처럼 우아하고 섬세한 맛을 풍기며 이런 성향이
스페인적 정취와 어울려 독특하고 세련된 음악을 빚어내고 있다고 평가 받고 있다.
랄로는 역량에 비해 무척 운이 없었던 음악가로 알려졌었다.
그는 프랑스 릴의 스페인 가계 출신으로 부친은 나폴레옹에게 직접 훈장을 받은 군인이었다.
유년시절 릴 음악원에서 베토벤 지휘로 연주한 바 있다는 첼리스트 보만을 사사했다.
대를 잇기를 원했던 부친의 희망을 저버리고 16세에 집을 떠나 파리 국립음악원에
입학했지만 고루한 교육방법과 어려운 생활로 고달픈 학창시절을 보낸다.
1847년에 로마대상에 도전하여 2등에 머물자 작곡을 포기하고 아르맹고 4중주단의 비올라
주자로 들어간다.
1865년에 결혼하고 다시 작곡을 시작해 오페라 공모에 도전하지만 3등에 그쳤다.
그러나 당시 그를 주목했던 파리 오페라극장 단장이 작품의뢰를 해오나 그것도 전쟁과 화재,
파산 등으로 결국 불발하게 된다.
결국 관현악을 위한 디베르티멘토가 발표되면서 비로소 조그마한 성공을 거두는데 그것은
바로 그의 50회 생일 전날이었다.
그 후 1873년 사라사테가 연주한 바이올린 협주곡이 대성공을 거두고 스페인교향곡에 이어
1878년 첼로 협주곡이 발표되자 작곡가로서 랄로의 위치는 확고해지며 정부로부터 훈장까지
받게 된다.
그러나 곧 중풍증세가 시작되고 그의 유일한 오페라가 성공했음에도 불구하고 그토록 원했던
예술원에 뽑히지 못한 채 일생을 마친다.
D단조 협주곡은 1877년에 작곡되어 그 다음해 파리에서 피셔에 의해 초연되었고 헌정되었다.
제 1악장 프렐류드 : Lento Allegro maestoso
8분의 12박자의 소나타 형식.
향수를 불러 일으키는 감미로운 주제 선율 을 들을 수 있으며 전 관현악이 연주하는
스페인풍의 악구로 도입부가 시작된다.
광대하고 느린 서주가 첼로의 남성적 레치타티보를 선행한다.
1악장의 주주제는 리듬과 음정이 팡파레 같은 열정을 기초로 하는데 서주의 인상을 그대로
간직하고 있어 엄숙한 분위기가 조성된다.
이에 비해 종속 주제는 '돌체시모 에스프레시보'가 지시하듯이 매우 서정적이며, 2분박과
3분박의 배합으로 스페인풍을 자아낸다.
카르멘 행진곡 같은 삽입절이 잠깐 스치고 오스티나토적 리듬과 1주제의 팡파레적 요소가
합쳐져 극도로 발전된다.
재현은 삽입절 없이 1, 2주제를 등장시킨 다음 화려한 결론부로 직행한다.
제 2악장 인터메초 : Intermezzo Andante con moto
8분의 9박자의 세도막 형식.
슬픔에 넘친 가락은 제 1 바이얼린이 담당하고 그대로 독주 첼로에 이어진다.
선이 굵고 아름다우며 우수에 찬 가락이 이어지며 현과 플륫트가 피치 카토와 스타카토를
번갈아 연주하면서 긴장을 주는 장면이 귀를 즐겁게 한다.
카잘스는 이 악장을 설명하면서 "여기에는 격렬함이란 존재하지 않는다. 너무나 우아하고
스페인적이어서 고아함과 시적인 미를 담아서 연주해야 한다"고 했다.
단순한 2부 형식으로 1주제는 고상하고 몽상적인 느린 멜로디이고 2주제는 현의 피치카토와
플루트의 스타카토로 된 오스티나토 리듬에 맞춰 솔로가 싱코페이션의 가볍고 경쾌한
노래를 부른다.
약간 변형된 1, 2주제가 반복되고 나서 피치카토로 가볍게 끝을 내는데 이를 듣노라면
너무나 사랑스러워 항상 미소가 저절로 나온다.
제 3악장 Introduzione Allegro vivace
관현악이 가장 여린 음으로 하바네라 리듬의 변형을 연주하기 시작하고 곧 가장 센 연주로
고조되면 독주 첼로가 론도의 제1주제를 힘차게 연주한다.
첼로가 론도의 제1주제를 힘차게 연주한 뒤 제2주제로 스페인 민속 춤곡인 하바네라의
율동적 선율이 이어지는데 이것은 유명한 사라사데의 바이올린곡(하바네라)의 주제와 같은
것이다.
스페인적 무드가 고조에 달하면서 3악장은 첼로 독주가 하바네라 선율을 느리게 두 번
반복하며 서주를 장식한다.
이어 스페인 춤곡의 1주제가 비바체로 힘차게 연주되자마자 쉬지 않고 빠른 하바네라의
2주제가 나타난다.
론도 형식의 피날레는 마지막 코다에 가서 첼로는 a"의 고음까지 치닫고 여기에 금관과
팀파니가 가담하고 4개의 호른의 강주로 장대하게 곡을 마친다.
전체적으로 관현악과 독주첼로가 마치 잘 맛물린 톱니바퀴처럼 한치의 오차도 없이 조화를
이루어 내고 있는 곡이다.
드보르자크의 위대함이나 생상의 정교함 같은 것은 부족하지만 랄로의 협주곡은 우선
신나고 즐겁다.
스페인 음악이 가지고 잇는 발랄함과 유희성, 유머감각과 프랑스 음악의 특징인 합리성과
멋스러움이 교묘하게 조화를 이룬다.
오랜 동안 작곡으로 성공하기 위해 공들인 연구와 노력을 모두 담아 내려는 욕구에 너무
많은 것을 일시에 표현하려는 의도가 보여지는데 이것은 낭만주의 음악의 한 측면이기도
하다.
그는 어려서 스승이던 보만의 가르침인 "평범하다 혹은 관용적이다 함을 경계하라,
그렇다고 괴상하면 더욱 않된다. 남이 하기 때문에 행하기보다는 자신이 하고 싶다고 느낀
것만을 행하라"고 한 말을 늘 잊지 않았다고 회고한다.
비록 50세가 될 때까지 기다림이 있었지만 랄로는 확실히 남이 흉내 낼 수 없는 것과
자신이 하고픈 것 만을 이루었다고 생각되는 대기만성 형의 작곡가라고 할 수 있다.
장한나 (1982. 12. 23 ~ )
1982년 수원시 팔달구 매탄동에서 출생했다. 9세가 되던 1992년 '월간음악' 주최 전국
콩코르에서 1위에 입상하면서 각광받기 시작했다.
같은 해 '소년소녀협주회'의 오디션에 합격, 서울시향과 협연한 적이 있다.
1993년 2월, 한미 뉴욕 줄리어드 예비음대에 특별장학생으로 입학, 본격적인 연주수업을
시작했다.
1994년 제4회 세계 최고권위의 로스트로포비치 콩쿠르에서 심사위원 만장일치로 1위
입상하여 세계적 연주자로 명성을 얻었다.
그녀의 천재적인 음악성에 반한 므스티슬라프 로스트로포비치, 미샤 마이스키, 주세페
시노폴리(작고) 등의 전폭적인 후원을 받았다.
장한나는 2002년 9월 하버드대에 입학하여 문학과 철학을 공부했으며 현재 왕성한 연주활동을
하고 있다.
10. Rodrigo, Fantasia para un gentilhombre for Guitar and Orchestra
John Williams(gt) / Sir Charles Groves(cond), The English Chamber Orchestra
I. Villano y Ricercare (Adagietto - Andante moderato)
II. Espa_oleta y Fanfare de la Caballeria de Napoles (Adagio - Allegreto molto ritmico)
III. Danza de las hachas ( Allegro con brio)
IV. Canario ( Allegro ma non troppo)
♣ 로드리고 어느 귀인을 위한 환상곡
호아킨 로드리고(1901~1999년)는 마드리드 대학에서 음악사 교수로 활동했으며 20세기
음악의 변천과 진화 과정을 몸소 체험한 음악가였다.
생애 거의 대부분을 장님으로 지냈을 뿐 아니라 에스파냐 내전 동안 망명생활을 해야 했던
그였지만 그의 작품만큼은 활기에 넘치고 낙천적이다.
'네오카스티시즈모'라고 일컬어지는 그의 작곡 스타일은 현대와 전통 에스파냐 음악의
흥미로운 융합이다.
1939년 에스파냐로 돌아온 그는 11개의 협주곡을 썼고 다양한 성악, 합창, 기악곡을 비롯해
영화와 극장 음악도 작곡하였다.
이 곡은 기교가 뛰어난 기타 주자 안드레스 세고비아로부터 의뢰를 받아 1954년 완성되었다.
제목에 명시된 '귀인'은 세고비아를 지칭하는 것이 아니라 17세기 에스파냐 기타 연주자이자
작곡가였던 가스파르 산츠를 가리킨다.
이 작품의 네 악장은 1674년 출판된 기타에 관한 전문 서적에 사용된 무곡 모음으로부터
영감을 받아 만들어졌다.
고음악에 쓰이는 매력적인 선율을 끌어와 현대적인 심문 과정을 거쳐 재탄생시키는 음악적
아이디어는 피터 워록의 유명한 '카프리올 조곡'에서도 찾아볼 수 있다.
여기서 로드리고는 무곡 선율을 현대적 관현악 편성에 교묘히 한데 섞어 넣어 온화하면서도
파괴적인 결과를 낳는다.
이 작품에서 기타 주자는 마지막 악장에서 3개와 6개로 이루어진 음의 그룹을 성공적으로
처리하며 결코 쉽지 않은 기교를 발휘해야 한다.
존 윌리엄즈 (John Williams, 1941.4.24 ~ )
오스트레일리아 멜버른에서 태어난 오스트레일리아의 기타리스트이다.
재즈 기타리스트였던 부친에게서 기타의 초보 교육을 받고 10세 때에 런던으로 옮긴 뒤
세고비아와 알게 되어 그 가르침을 받았다.
1955년에 최초의 리사이틀을 가진 뒤 3년간을 런던 왕립 음악원에서 배우고 1958년에 정식으로
데뷔하여 압도적인 성공을 거두었다.
그 이래 무대와 레코딩의 양면에서 왕성한 활동을 전개하고 있다.
세고비아가 적절하게도 윌리엄즈를 '기타의 프린스'라고 평한 그 말에 실로 어울리는 거물이다.
기교나 음악성이나 또 연주가로서의 적극성 등 어느 것이나 비길데가 없고 적어도 동년배 혹은
연하의 기타리스트 중에는 그와 맞설 수 있는 존재는 없다.
그의 연주는 근래 더욱 더 완벽해져서 풍려한 상쾌감을 느끼게 하는 그의 기타에는 장르를
초월한 팬도 많다.
11. Bruch, Violin Concerto No.1 in G minor, Op.26
Sarah Chang(Vn) / Kurt Masur(cond), Dresdener Philharmonie
I. Vorspiel: Allegro moderato
II. Adagio
III. Finale: Allegro energico
♣ 브루흐 바이올린 협주곡 1번 G 단조 Op.26
브람스보다 5년 늦게 태어난 막스 브루흐는 자신이 독일 낭만주의의 전통 위에 서 있다는
강력한 믿음을 가지고 있었다.
슈만과 브람스가 바라본 음악적 지평선 따라가고 싶다는 열망은 브루흐의 작곡 스타일을
결정지었다.
멘델스존은 브루흐의 역할모델로서 작용했고 그는 자신이 멘델스존과 같은 천재가 아니라는
열등감에 시달렸다.
그가 1864년부터 2년 동안 작곡한 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐가 바라보는 음악적
색깔을 확실하게 보여준다.
로맨틱한 정서는 곡 전체를 끈적끈적하게 맴도는데 바로 이 멜랑콜리함은 브루흐의
음악이가지고 있는 특성이다.
그는 음악의 친화력이 멜로디의 아름다움에서 시작된다고 보았고 '바이올린 협주곡 1번'은
이러한 특성이 더욱 두드러진 작품이다.
더구나 멘델스존의 강력한 영향 아래 있던 브루흐는 선배 작곡가의 로맨틱한 스타일을
따르고 있다.
당대의 명바이올리니스트 요제프 요아힘의 연주에서 영감은 얻은 브루흐는 이 헝가리 출신의
바이올리니스트를 위해 자신이 가지고 있는 재능을 쏟아부을 수 있는 작품을 쓰기로
결심한다.
그렇게 탄생한 이 협주곡은 1866년 4월 24일 브루흐 자신의 지휘와 오토 폰 쾨니히 슬뢰프의
독주 바이올린으로 독일 코블렌츠에서 초연했다.
그러나 결과에 만족하지 못한 작곡가가 요아힘의 조언을 받아들여 수정판을 만들었다.
이러한 작업을 거쳐 탄생한 개정판은 1868년 1월 5일 카를 마르틴 라인탈러의 지휘와 요아힘의
독주 바이올린으로 브레멘에서 초연되었다.
현재 우리가 알고 있는 브루흐의 '바이올린 협주곡 1번'의 형태가 이 때 결정된 것이다.
사실 그때까지만 해도 고만고만한 작곡가의 대열에서 아직 벗어나지 못했던 브루흐는
요아힘처럼 지명도 있는 바이올리니스트가 필요했다.
아마도 브루흐가 이 작품을 작곡하지 않았다면 그의 명성은 지금의 절반에도 미치지 못했을
것이다.
그가 남긴 세 곡의 교향곡은 대부분 그 존재 자체도 모를 정도며 나머지 두 개의 바이올린
협주곡은 가끔씩만 녹음될 뿐이다.
두 개의 현악 사중주나 '오딧세이' 같은 오라토리오 작품 또한 같은 운명에 놓여져 있다.
따라서 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐라는 작곡가를 이해하기 위한 거대한 출발점이다.
대부분의 사람들에게 협주곡 1번을 제외한다면 '스코티시 환상곡'이나 첼로 작품인 '콜
니드라이' 정도가 알려져 있을 뿐이다.
작품에 작곡가가 가려진 현상은 그다지 보기 좋은 것은 아닐 것이다.
평생 동안 브루흐는 '바이올린 협주곡 1번'과 비슷한 작품을 써달라는 요청에 시달려야 했다.
이 협주곡이 초연된 지 반세기 가까이 흐른 20세기 초에 브루흐가 친구에게 보낸 편지를 확인해
보자.
"저기 저들은 이곳 구석구석에서 내게 '바이올린 협주곡 1번'을 외치고 있어. 마치 내가 작곡한
바이올린 협주곡이 1번 하나만 있다고들 생각하는 것 같아. 난 그 따위 인간들의 지긋지긋한
타령에 미칠 지경이야. 내 생각엔 2번이나 3번 협주곡도 1번만큼이나 훌륭한데 말이지. 제발
이제들 그만해줬음 좋겠어!"
브루흐에겐 좀 안된 얘기지만 여전히 우리는 그만 멈출수가 없다. 사실 브루흐가 존더샤우젠의
궁정악단 지휘자에서 베를린 예술아카데미 교수로 자리를 옮길 수 있었던 가장 결정적인 계기도
'협주곡 1번'의 성공에 힘입었다는 사실을 부인할 수 없다.
죽는 그 순간까지 브루흐는 '협주곡 1번'의 그늘에서 벗어나려고 발버둥 쳤지만 결국 성공하지
못했다.
그는 제1차 세계대전에서 조국이 패전하는 것과 새로운 조류의 음악인 R. 슈트라우스의 '알프스
교향곡'이 초연되는 것을 지켜보며 자신의 시대가 저물었다는 것을 실감했다.
둘 중에 어떤 것이 브루흐의 마음을 더욱 아프게 했는지는 잘 모르겠지만 확실한 건 두 가지
모두 그를 상심에 빠지게 했다는 것이다.
1악장 - 알레그로 모데라토
자유로운 형식의 1악장은 대단히 화려하며 독주자에게 엄청난 기교를 요구한다.
목관악기가 오래도록 기억될 만큼 아름다우며 오케스트라의 역동적인 음악이 무척이나
인상적이다.
마치 독립된 1악장이 아닌 2악장의 서주 같아 보이는데 발전부가 대단히 짧다는 사실과
오케스트라와 독주 바이올린이 하나의 동기를 교대로 연주하기 때문이다.
브루흐는 자유분방한 형식의 1악장 때문에 이 작품을 환상곡의 범주에 넣으려 했었다.
2악장 - 아다지오
서정적인 세 개의 주제로 전개되는 아다지오 악장은 물안개가 자욱한 호숫가를 은은하게
흘러가는 배의 움직임의 부드럽고 서정적이다.
전체적으로 갈망하는 듯한 분위기가 뒤덮고 있으며 약음의 섬세한 활쓰기가 요구된다.
감수성 어린 2악장은 명상적이면서 어떤 애틋함의 기운이 느껴진다.
3악장 - 알레그로 에네르지코
행진곡 스타일의 활기찬 리듬이 인상적인 이 악장은 제2주제는 독주 바이올린에 의해 G현으로
연주된다.
제1주제는 3도의 기교적인 더블 스톱으로 화려하게 펼쳐지고 곳곳에서 집시의 기운이
느껴질만큼 흥겨움과 떠들썩함이 코다의 장엄함으로 이끌며 스피디하게 진행되는 오케스트라와
독주 바이올린의 치열한 경합이 대미를 장식한다.
■ 추천음반
수십 종의 브루흐 바이올린 협주곡 1번의 녹음이 있지만 하이페츠(RCA) 연주를 첫손에 꼽고
싶다. 말콤 사전트가 지휘하는 뉴 심포니와의 협연은 빠른 템포의 질주감이 찬란한 슬픔을
안겨준다.
정경화의 첫 번째 녹음으로 루돌프 켐페와 협연(Decca)한 음반은 오랫동안 추억하게 만들며
2번째 녹음인 래틀과의 협연(EMI) 보다 풍부한 감성의 진폭을 느낄수 있다.
사라 장과 쿠르트 마주아(EMI)는 환상적인 호흡이 돋보이는 연주를 선보이고 있다. 이 음반은
국내에서도 인기가 대단했었으며, 사라 장의 열연이 돋보이는 대한민국의 명반이다.
카라얀과 협연한 무터의 연주(DG)는 달콤하고 감각적인 선율로 가득 차 있다.
브루흐 바이올린 협주곡 2번, 3번을 모두 수록한 아카르도의 연주도 분명 가치있는 선택이다.
장영주 (1980. 12. 10 ~ )
장영주는 필라델피아에서 음악가 출신의 부모 사이에서 태어났다. 4세때부터 바이올린을 배우기
시작했으며 8세때 받은 오디션에서 지휘자인 주빈 메타와 리카르도 무티로부터 뉴욕 필과
필라델피아 오케스트라와의 협연을 즉석에서 요청 받을 정도로 뛰어난 기량을 보였다.
1990년 예술의 전당에서 열린 신년음악회에서 주빈 메타가 지휘하는 뉴욕필과 연주하면서 데뷔
무대를 가졌다.
1992년 콜린 데이비스가 지휘하는 런던 심포니와 유럽 무대에 데뷔했으며 이후 세계적인
오케스트라와 협연을 가졌다.
1992년 EMI사에서 첫 음반이 나왔는데 이는 9세때 녹음된 음반으로 세계 최연소 레코딩 기록을
가지게 되었다.
수상경력으로는 93년 그라모폰 '올해의 최연소 연주자상'과 독일 '에코음반상'을 받았고 또한
그 해에 로얄 필하모니 음악협회상과 1994년 런던의 클래식뮤직 어워드에서 '올해의 신인상'의
영예를 안았다.
2004년 6월엔 한국출신 음악가로는 처음으로 미국 로스앤젤레스(LA) '헐리우드 보울'의 명예의
전당에 등재됐다.
[앨범감상]
12. Salvatore Lanzetti Six Solos after an Easy and Elegant Taste for Violincello
Balazs Mate (Vc) / Jeremy Joseph(Hc)
1) Lanzetti, Sonata No.5 in D major for cello and basso continuo
I. Largo
II. Pastorale. Allegro
III. Rondeau. Allegro
2) Lanzetti, Sonata No.1 in G major for cello and basso continuo
I. Allegro
II. Siciliana. Amoroso
III. Rondeau. Allegro
3) Lanzetti, Sonata No.2 in A minor for cello and basso continuo
I. Allegretto
II. Adagio
III. Rondeau. Allegro
4) Lanzetti, Sonata No.3 in F major for cello and basso continuo
I. Allegetto
II. Ciacona. Allegro
III. Rondeau. Allegretto
5) Lanzetti, Sonata No.4 in C major for cello and basso continuo
I. Andante
II. Caccia. Allegro
III. Fanfare
6) Lanzetti, Sonata No.6 in E minor for cello and basso continuo
I. Allegretto
II. Andante
III. Minuetto
| 
