다비드 오이스트라흐 (David Oistrakh, 1908. 9. 30 ~ 1974. 10. 24)
20세기 서방세계에서 하이페츠가 그 큰 날개를 펼쳐 모든 바이올리니스트를 가리고 있을 때
그 그늘에서 유일하게 벗어나 있던 또 다른 봉황이 있었다.
그는 바로 구 소련이라는 철의 장막에 갇혀 있었던 다비드 오이스트라흐였다.
러시아를 대표하는 바이올린 전통인 레오폴드 아우어 악파에서 벗어나 있었던 그는 19세기
재정 러시아 시대로부터 내려온 옛 전통으로부터 자유로운 진정으로 '새로운' 러시아 악파를
대변하는 인물이었다.
예술가로서 풍부한 감수성과 남다른 심미안을 가지고 있었던 그는 음악을 자신의 스타일로
끌어당기기보다는 자신이 음악 그 자체로 뛰어들어 매번 새로운 모습으로 변화했다.
한편 까다로움과 예민함의 극한을 달렸던 아우어의 제자들과는 달리 부처와도 같이 후덕한
외모와 인자한 품격 때문에 오이스트라흐는 인간적인 측면에서도 덕이 높았다.
공자께서 말씀하셨던 "흥어시 입어예 성어락(興於詩 立於禮 成於樂, 논어)"의 현현으로
오이스트라흐를 꼽는다 하더라도 모자람이 없을 것이다.
예후디 메뉴힌은 "그의 음색은 저음역부터 고음역까지 순수하고 깨끗하다. 뿐만 아니라 그의
사람됨마저 순수하고 깨끗하다"라고 평가한 바 있다.
메뉴힌은 소련과 런던을 오가며 오이스트라흐와 함께 바흐를 연주했는데 그 또한
오이스트라흐의 음악은 물론이려니와 인품까지를 높이 평가했다.
지휘자 쿠르트 잔데를링은 "그가 연주를 시작하면 갑자기 세계는 더욱 아름다운 곳으로
변화하곤 했다"라고 표현하며 오이스트라흐가 가지고 있는 범접할 수 없는 고유의 아우라에
경의를 표하기도 했다.
사실상 오이스트라흐는 1950년대 이후에서야 비로소 서방세계에 그 모습을 드러낼 수
있었는데 당시 많은 청중들과 비평가, 연주자들 모두 그의 놀라운 연주에 경탄하지 않을 수
없었다.
아니 하이페츠가 세상의 전부가 아님을 비로소 인지할 수 있었던 것이다.
그 때부터 바이올린 세계의 하늘에는 두 개의 태양이 각자의 빛을 발산하며 떠 있을 수 있었던
것이다.
완벽에 가까운 정확한 운지를 바탕으로 그의 레가토는 비할 바 없이 유연했고 아주 짧은
음표에서도 맵시 있는 음향을 만들어내는 활놀림은 건조하다기보다는 믿음직스러웠다.
더 나아가 시종일관 긴장감과 에너지를 응축했다가 격정의 순간에 그가 토해내는 클라이막스는
고귀한 영혼의 거룩한 일갈과도 같은 엄숙함에 가까웠다.
한편 그는 만년에 접어들며 은은한 은빛 칸타빌레를 선보이곤 했다.
이는 이전 시대의 슬라이딩 기법 혹은 현대의 벨칸토적인 칸타빌레와도 전혀 다른 까닭 모를
투박한 질감과 현대적인 날카로움을 동시에 머금고 있었다.
또한 만년의 그가 호흡을 맞추었던 피아니스트 스비아토슬라프 리히테르의 그 엄청난 에너지와
동등한 입장에서 앙상블을 이룰 수 있었던 유일한 바이올리니스트이기도 했다.
이것은 단지 그의 스타일이나 스케일에서 비롯한 것이 아니라 전적으로 음악 그 자체에
몰입하여 그 이치를 발견해내고자 하는 치열한 음악혼을 소유했기에 가능했던 것이다.
그는 서방세계에 모습을 드러내기 이전부터 이미 소련의 명실상부한 단 한 명의
바이올리니스트로 자리매김하고 있었다.
1차대전 이후 소련에는 아우어의 제자 가운데 가장 특별한 재능과 카리스마를 발산했던 미론
폴리아킨이 일종의 '우상'으로 자리잡고 있었지만 때이른 죽음으로 서방세계는 그의 진가를
알 기회 조차 가질 수 없었다.
한편 진정한 인민의 바이올리니스트로 일컬어졌던 보리스 골드슈타인은 천재
바이올리니스트로서 오이스트라흐와 함께 소비에트 바이올린계를 양분할 것으로 기대가
높았지만 정치적 이유로 그는 거의 잊혀진 사람 취급을 받으며 역사의 뒤안길로 사라질 수
밖에 없었다.
모두 왕성한 나이에 요절해버린 레오니드 코간은 오이스트라흐와는 반대의 스타일을 구사하며
독자적인 길을 걸었고 올레그 카간은 오이스트라흐와 비교하기에는 너무 젊었다.
오이스트라흐는 1908년 9월 30일 우크라이나의 남부 도시인 오데사에서 태어났다.
그의 부모는 모두 유태인으로서 아버지인 다비드 쾰커는 문서정리의 일을 맡은 하급관리이자
아마추어 바이올리니스트였고 어머니인 이사벨라 스테파노프카는 오페라 극장의 단역가수
출신으로서 어린 오이스트라흐를 자주 음악회에 데리고 다녔다.
다섯 살 때 그는 8인치 사이즈의 바이올린을 처음으로 선물받은 뒤 교습을 받기 시작했는데
그 스승은 바로 아우어와 함께 러시아 바이올린 악파를 대표하는 표트르 스톨리아르스키였다.
그의 또 다른 유명한 제자로 나탄 밀스타인을 꼽을 수 있는데 밀스타인이 콘서바토리를
졸업할 무렵인 1914년에 오이스트라흐는 처음으로 무대에 설 수 있었다.
1923년 오데사 콘서바토리에 입학한 뒤 1926년까지 학업에 열중했고 그 해에는 타르티니의
'악마의 트릴'과 루빈스타인의 비올라 소나타, 프로코피에프의 '바이올린 협주곡 D장조'
등의 프로그램으로 첫 공개 리사이틀을 열었다.
그리고 이듬해에는 차이콥스키의 수제자였던 작곡가 글라주노프가 이곳을 방문했다가
오이스트라흐의 음악성에 감수성에 매료되었다.
그는 오이스트라흐에게 "키예프에서 내 지휘로 나의 바이올린 협주곡을 연주해달라"고 부탁했고
결국 그는 이 행운의 기회를 거머쥘 수 있었다.
이를 계기로 니콜라이 말코가 지휘하는 레닌그라드 필하모닉과도 협연을 하여 초미의 관심사로
떠오르게 되었다.
스톨리아르스키의 교육방식은 당시로서는 매우 독특했던 것으로 알려져 있다.
어린 제자들에게 당장 개선해야 할 기술적, 예술적 문제점이 무엇인가를 낱낱이 일깨우는 반면
그것을 어떻게 개선해야 할지는 전적으로 당사자에게 맡겨두었던 것이다.
천재만을 받아 하나부터 열까지를 모두 통제해야 식성이 풀렸던 아우어의 교육방식과는 전혀
다른 시스템으로서 오이스트라흐가 작품을 탐구하여 자신만의 길을 개척해나갔던 것은 바로 이
당시의 학습에 의해 완성된 스타일이었다.
한편 1928년에는 피아니스트 타마라 로타레바를 만나 젊은 나이에 결혼을 하여 가정을 꾸리기도
했다.
이제 그는 새로운 세계로 그 날개를 필 준비를 마쳤다.
1934년 모스코바 콘서바토리에서 선생의 자리를 얻게(1939년에는 교수로 발탁된다) 되었고
1935년에는 소비에트 연방 경연대회에서 우승을 그리고 비네야프스키 콩쿨에서 2위를 했다.
바르샤바에서 열린 이 비네야프스키 콩쿨은 지금 생각해봐도 정말로 별들의 전쟁이었다.
당시 1위는 지네트 느뵈, 4위는 보리스 골드슈타인이었기 때문이다.
그러나 우승에 대한 갈망은 1937년 브뤼셀에서 열린 이자이 콩쿨에서 대상을 차지했고
국제적으로도 그 이름을 알릴 수 있었다.
이 당시 그는 1927년 제1회 쇼팽 콩쿨에서 1등을 차지한 피아니스트 레프 오보린과 평생에
걸친 파트너쉽을 이루며 첼리스트 스비아토슬라프 크누세비츠키와 트리오를 결성하기도 했다.
또한 모스크바를 방문한 자크 티보의 관심과 애정을 받기도 했다.
만약 세상이 평화로웠다면 그는 이 시기부터 세계를 누비며 하이페츠의 대항마로서 그 명성을
높였을 것이다.
그러나 1939년 제2차 세계대전이 발발했고 그는 당의 지시로 공장과 병원에서 연주를 펼쳤고
배급이 끊긴 레닌그라드 대공방전의 와중에 그는 바로 레닌그라드에 남아 항쟁 의지를
북돋우는 콘서트를 열었다.
이를 계기로 그는 1942년 스탈린상을 받으며 '인민예술가'의 칭호를 받음과 동시에
미아스코프스키와 하차투리안의 바이올린 협주곡을 헌정받고 프로코피에프의 플루트와
피아노를 위한 소나타를 바이올린을 위한 작품으로 편곡을 의뢰하여 초연(1944)했으며
쇼스타코비치와 돈독한 관계를 맺으며 그의 두 개의 바이올린 협주곡과 바이올린 소나타 또한
헌정받아 초연하기에 이른다.
전쟁이 끝난 뒤 그가 처음으로 철의 장막을 너머 서방세계에 모습을 드러내기 시작했다.
949년 헬싱키에서, 그리고 1951년 이탈리아를 거쳐 1952년에는 독일, 1953년에는 프랑스,
1954년에는 영국에 이어 1955년에는 미국 공연을 성공리에 마치며 그 존재감을 분명히
각인시켰다.
1959년에는 지휘자로도 활동하기 시작했고 1967년에는 은퇴를 한 오보린의 뒤를 이어
리히테르와 전설적인 듀오를 결성했다.
1960년대는 오이스트라흐에게 있어서 최고의 시절이었다.
매번 매진사례를 거듭하는 연주회의 횟수도 그러하거니와 언론으로부터의 과도할 정도의
찬사와 청중들의 히스테릭할 정도의 열광이 이를 반증해 준다.
더군다나 그는 여러 메이져 음반사들로부터 최고의 대접을 받으며 전설로 남게 될 음반들을
레코딩하기에 이른다.
DG에서는 바흐의 협주곡과 베토벤의 로망스, 브람스와 차이콥스키의 바이올린 협주곡을
녹음하며 바이올린 연주에 있어서의 고전주의적 스타일의 완성이 무엇인가를 보여주었다.
미국 CBS(현재 SONY Classical)에서는 유진 오먼디와 함께 쇼스타코비치의 '바이올린
협주곡 1번'과 시벨리우스 '바이올린 협주곡', 드미트리 미트로풀러스와 녹음한 차이콥스키
'바이올린 협주곡'을 녹음하여 커다란 반향을 일으키기도 했다.
한편 DECCA에서는 힌데미트의 '바이올린 협주곡'과 브루흐의 '스코틀랜드 환상곡',
모차르트의 '콘체르탄테' 등을 녹음하며 역사적인 명반을 남기기도 했다.
무엇보다도 부드러운 분위기와 날카로운 조형미를 겸비했던 그는 베토벤과 같은 독일 고전
레파토리에서 최고의 능력을 보여주었다.
평생의 동반자인 오보린과 함께 Philips 레이블에서 남긴 베토벤 바이올린 소나타 전곡반은
그 이상의 추천반을 찾기가 어려울 정도로서 지금까지도 모든 면에 있어서 절대적인 극찬을
받고 있는 희대의 명연으로 그 가치가 높다.
이 뿐만이 아니다. 특히 EMI에서 남긴 녹음들은 한결같이 결정반으로 추앙하기에 손색이
없을 명반들이라고 말할 수 있다.
무엇보다도 협주곡과 같은 대작에서 오이스트라흐의 위대함은 빛을 발한다.
우선 조지 셸의 지휘로 녹음한 브람스 '바이올린 협주곡'과 '2중 협주곡'(로스트로포비치,
첼로)은 그의 대표적인 명연으로 손꼽기에 손색이 없고, 오토 클렘페러와의 브람스와 앙드레
클뤼탕스와의 베토벤 바이올린 협주곡 또한 메뉴힌의 음반과 자웅을 겨루는 희대의 명연이다.
식스틴 얼링과의 베토벤과 시벨리우스 협주곡 또한 모노 시대부터 명반으로 일컬어졌던
음반이며, 오보린과 크누세비츠키와 함께 녹음한 베토벤과 슈베르트 피아노 트리오 녹음도
빼놓을 수 없다. 이 가운데 헤르베르트 폰 카라얀의 지휘로 로스트로포비치와 리히테르가 한
자리에 모인 베토벤 '3중 협주곡' 녹음이야말로 감히 대적할 수 없는 포스와 치열한 예술혼이
어우러진, 진정한 의미에 있어서 역사적인 레코딩이라고 말할 수 있을 것이다.
만년에 리히테르와 도쿄에서 실황으로 남긴 브람스의 '바이올린 소나타 2, 3번'과 프랑크,
프로코피에프의 바이올린 소나타 등도 훌륭할 뿐만 아니라 소련에서 로제스트벤스키와 키릴
콘드라신 등의 지휘자들과 함께 녹음한 멜로디야(Melodiya) 음원들도 훌륭하다.
한 가지 특징적인 점은 아들인 이고르 오이스트라흐와 함께 두 대의 바이올린을 위한 작품을
연주, 녹음하기도 했고, 자신이 지휘를 맡아 아들의 반주를 도맡기도 하며 가족애를 전면에
드러내기도 했다는 것이다.
피아니스트 로베르 카자드쥐가 아들과 부인과 함께 하거나 메뉴힌이 자신의 누이와 함께
연주한 것 혹은 길렐스가 자신의 딸과 함께 협연한 것과 더불어 오이스트라흐 역시 당당히
'가족 음악가'의 반열에 올라설 수 있었다.
당시 많은 소련 내의 예술가들이 자유를 찾아 서방 세계로 망명했지만 오이스트라흐는 이에
전혀 신경쓰지 않았다.
그에 대한 다큐멘터리 영화를 제작했던 프랑스의 브루노 몽생종은 이에 대해 의문을 던지며
호모 소비에티쿠스(소비에트적 인간)라는 다소 비난조로 들리기도 하는 언사를 덧붙이기도
했다.
그의 조국은 그로 하여금 당에 복종하라고 요구했지만 그에게 있어서 가장 중요했던 것은
음악과 청중에 대한 헌신 뿐이었다.
그는 일체의 정치적인 고려와 권력의 메카니즘에 대해서는 관심조차 두지 않았고 예술과
인간 그 자체의 순수함과 이치에만 집중했던 것이다.
이와 비슷한 예로 리히테르를 들 수 있겠는데 오이스트라흐에게 있어서 소비에트 체제는
자신을 위한 최선의 환경은 아니었을지언정 조국과 전세계 청중들에게 최선을 다하는
음악가로서의 진실된 모습을 보여주었다.
이것이 바로 그가 한 위대한 음악가로서 모든 사람들로부터 지금까지 존경을 받을 수 있는
가장 중요한 이유일 것이다.
1968년은 그의 60번째 생일로서 모스크바 콘서바토리의 그레이트 홀에서 게나디
로제스트벤스키의 지휘로 차이콥스키 '바이올린 협주곡'을 연주하여 성대한 자축연을 가졌다.
이제 오이스트라흐는 루마니아의 에네스쿠나 영국의 메뉴힌, 리투아니아를 대표하는
하이페츠처럼 소련을 대표하는 바이올린의 아이콘으로 자리잡으며 전세계 음악 애호가들의
우상으로 떠올랐다.
그러나 이 무렵부터 당시 모든 소련의 동료 음악가들이 보드카로 인해 그러했듯이 그는 심장
질환이라는 병마에 시달리기 시작했다.
1970년대에는 리히테르와 리사이틀을 열거나 지휘자로서 활동하는 등 새로운 커리어를 쌓기
시작했지만 이는 그에게 있어서 죽음을 앞둔 마지막 산책이었을 뿐이다.
1974년 암스테르담에서 콘세르트허바우 오케스트라를 지휘하며 브람스 사이클을 진행하던
그는 갑작스러운 심장발작을 일으켰고 하릴없이 이곳에서 세상을 뜨게 되었다.
그의 유해는 모스코바로 돌아간 뒤 저 성스러운 노보데비치 공동묘지에 안장되었다.
이제 그는 저 피안의 세계에 존재하는 청중들을 위해 봉사할 수 있는 기회를 얻게 된 것이다.
■ 약력
1923 러시아 오데사 콘서바토리에 입학
1939 러시아 모스크바 콘서바토리 교수로 발탁
1935 소비에트 연방 경연대회 우승
1935 비네야프스키 콩쿨 2위
1937 브뤼셀에서 열린 이자이 콩쿨 대상
1941~1963 오보린, 크누셰비츠키와 함께 오이스트라흐 3중주단 활동
1942 스탈린상 수상
1955 첫 미국 공연
1967 피아니스트 리히테르와 듀오 활동
5. Brahms, Double Concerto for Violin & Cello in A minor, Op.102
David Oistrakh(Vn) / Mstislav Rostropovich(Vc)
Kyrill Kondrashin(cond), Moscow Philharmonic Orchestra
I. Allegro
II. Andante
III. Vivace mon troppo
♣ 브람스 바이올린과 첼로를 위한 이중협주곡 A 단조 Op.102
브람스가 마지막 관현악 작품인 이중 협주곡은 1887년 작곡되었으며 원래 교향곡 5번을
위해 썼던 곡이었고 같은 해 10월 18일에 초연되었다.
이중 협주곡은 브람스가 그의 작품에서 오케스트라를 마지막으로 등장시킨 작품이다.
그랬던 곡을 오랜 친구이자 바이올리니스트인 요제프 요아힘에게 전하는 직접적인
메시지를 담아 협주곡을 완성시킨 것이다.
이 곡은 브람스의 첼로 소나타 2번의 초연을 성공리에 마친 첼리스트 로베르트
하우스먼에게 보내는 선물이기도 했다.
뛰어난 두 연주가는 브람스의 실내악에 영감을 제공했다.
그러므로 이 협주곡은 고전주의의 신포니아 콘체르탄테의 범주에 들어가는 실내악
다이얼로그로 이해해야 할 것이다.
첼로와 바이올린의 선율은 화음의 조화를 이루거나 충돌을 일으키며 진행된다.
첼로가 오프닝 독주 선율을 연주하면 어느새 아름다운 음색의 바이올린이 받아 연주한다.
두 악기는 합주를 하며 화려한 느린 악장으로 들어간다. 이때 선율은 살짝 늘어지다가
경쾌한 댄스곡 풍으로 바뀌는 등 분위기가 변화무쌍하다.
또한 바로크 시대의 콘체르토 그로소 양식의 부활을 의도하여 2종류의 독주 악기를
사용했다고 알려지고 있다.
중후한 교향적 악상속에 차분하고 독특한 로맨티시즘이 스며든 명곡이다.
6. Brahms, Cello Sonata No.1 In E Minor, Op.38
Mstislav Rostropovich(Vc) / Rudolf Serkin(Pf)
I. Allegro Non Troppo
II. Allegretto Quasi Menuetto
III. Allegro
♣ 브람스 첼로 소나타 1번 E 단조 Op.38
브람스의 첼로 소나타는 e단조 작품38번과 F장조 작품99번의 두 곡이 있다.
이 e단조는 1862~65년에 작곡되어 같은 해에 출판되었는데 4년의 세월이 소요되었다.
이 무렵의 브람스는 드디어 빈 악단에도 알려지게 되었고 그의 피아노 협주곡도 연주를
거듭함에 따라 차츰 호평을 받게 되었다.
또 그가 사랑하는 어머니를 갑자기 잃은 슬픔도 커서 어머니의 죽음을 동기로 하여
레퀴엠을 쓰겠다는 결심이 굳어져 착수했다.
브람스의 음악은 중후하고 내성적이기 때문에 그것을 애호하고 감상하여 이해하는 사람은
매우 적었다.
브람스를 이해하고 그 친구이며 찬미자인 유명한 뷜로도 '나는 이미 12년이나 브람스를
연구하고 있지만 아직도 참된 맛을 느끼지 못한 기분이 든다'라고 말할 정도였다.
이 첼로 소나타도 맛을 보면 볼수록 점차 흥미가 생기는 그런 작품으로 브람스의 로맨틱한
환상이 넘치는 명작이다.
므스티스라브 로스트로포비치 (Mstislav Rostropovich, 1927. 3. 27 ~ 2007. 4. 27)
20세기에는 수많은 첼리스트가 활동했지만 일명 '슬라바'라는 애칭으로 많이 불리는
므스티슬라프 레오폴도비치 로스트로포비치만큼 커다란 예술적 영향력과 뜨거운 열정을
가진 사람은 파블로 카잘스 외에는 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다.
로스트로포비치는 첼로 리사이틀은 물론 오케스트라, 실내악, 성악, 오페라까지 섭렵하며
자신의 음악적 재능을 발산했을 뿐만 아니라 후학을 위해 자신의 모든 것을 바칠 수 있는
겸허함도 갖고 있었다.
더군다나 70세 때 떠난 휴가지에서 따분함을 느낀 뒤 죽을 때까지 휴가를 가지 않겠다고
다짐했다는 일화에서 찾아볼 수 있듯이 그는 성실함이라는 미덕을 갖춘 음악가의
표상이었다.
로스트로포비치는 1927년 당시 소련의 일부였던 아제르바이젠의 바쿠에서 러시아인 부모
(아버지는 벨라루스-폴란드계) 사이에서 태어났다.
어린 시절 이슬람권 도시인 바쿠에서 자란 로스트로포비치는 네 살 부터 유능한
피아니스트인 어머니에게 피아노를 배우기 시작했고 열 살 무렵에는 파블로 카잘스의
제자이자 저명한 첼리스트인 아버지로부터 첼로를 배울 수 있었다.
이후 2차대전이 발발하면서 그의 가족은 오렌부르크로 이사한 뒤 1943년에는 모스크바에
정착하게 되었다.
모스크바에 도착한 16세의 로스트로포비치는 모스크바 콘서바토리에 입학하여 첼로와
피아노, 지휘와 작곡을 공부했다.
3년 뒤인 1945년 그는 소련 정부가 개최한 젊은 음악가들을 위한 콩쿠르에서 처음으로
금메달을 수상하는 영광을 안으며 자신의 존재를 알리기 시작했다.
1948년 콘서바토리를 졸업한 그는 1956년까지 이 학교에서 첼로과 교수로 재직하며 교육에
헌신했다.
학교에서 교육자로 활동을 하는 한편 연주자 활동 영역 또한 서서히 넓혀나갔다.
1942년 첫 리사이틀을 연 그는 프라하와 부다페스트에서 개최된 국제 음악제에서 1등상을
수상하며 당시 소련에서 가장 촉망받는 첼리스트로 급부상하고 있었다.
1950년 23세의 나이로 그는 스탈린상을 받으며 명실상부한 소련 최고의 첼리스트로
인정받게 되었다.
레닌그라드 콘서바토리에서도 교수직을 맡게 되며 자국 내에서 최고의 인지도를 얻게 된
그는 1955년 볼쇼이 극장의 성악가인 갈리나 비슈네브스카야와 결혼하며 20대의 마지막을
화려하게 장식했다.
명성에 걸맞게 그는 소련 작곡가들로부터 많은 작품을 헌정 받았다.
1949년 22세의 나이에 프로코피에프로부터 '첼로 소나타 C장조 Op.119'를 헌정 받았고
이듬해 동료인 리히테르와 함께 이 작품을 초연했다.
이를 계기로 프로코피에프는 '첼로를 위한 신포니아 콘체르탄테'를 또다시 그를 위해
작곡하여 1952년에 초연할 수 있었고 작곡가의 서거로 완성을 하지 못한 첼로를 위한
콘체르티노는 이후 작곡가 카발레프스키의 도움으로 마무리 지을 수 있었다.
한편 쇼스타코비치는 두 개의 첼로 협주곡 모두를 그를 위해 작곡했다. 초연 또한 그의
손으로 이루어졌다.
그 외에 슈니트케, 패르트, 루토스와프스키, 메시앙, 뒤티외, 불레즈, 구바이둘리나
그리고 많은 영국 작곡가들로부터 작품을 헌정받은 만큼 그가 헌정 받은 작품들로 20세기
첼로를 위한 현대곡 목록을 완성할 수 있을 정도였다.
1963년 리에쥬 콘서바토리에서 키릴 콘드라신과의 협연을 시작으로 그는 서방 세계에서도
경력을 쌓을 수 있는 기회가 주어졌다.
특히 영국에서 벤자민 브리튼을 만나 전폭적 지지를 얻게 된 그는 이후 첼로 소나타와 세
개의 셀로 모음곡, 첼로 교향곡 등을 헌정받아 초연했다.
1976년 브리튼의 때 이른 서거로 그들의 파트너십은 지속될 수 없었지만 병상에서
브리튼은 하늘에서 언젠가 다시 만나 재결합할 수 있기에 죽음이 두렵지 않다고 말했을
정도로 그들의 음악적 신뢰는 대단히 높았다.
작품을 헌정하는 것에 끝나지 않고 브리튼은 직접 피아노를 맡아 로스트로포비치와 함께
앙상블을 만드는 것을 즐겼고 DECCA 레이블에서 발매된 슈베르트의 '아르페지오 소나타'와
같은 명반을 남길 수 있었다.
이 음반은 브리튼이 좋아했는데 그는 서거하기 직전까지 침대에서 이 음반을 들으며 기쁨의
눈물을 흘렸다고 그의 딸이 전한 바 있다.
그의 엄청난 음악성과 음악에 대한 열정은 첼로라는 악기에만 국한되지 않았다.
그는 1962년 11월 고리키시에서 '므첸스크의 멕베스 부인' 관현악 발췌와 쇼스타코비치
편곡의 무소르그스키의 '가곡과 죽음의 무도'를 지휘하며 처음으로 지휘봉을 들었다.
이후 1967년에는 볼쇼이 극장의 초청을 받아 차이콥스키 '예프게니 오네긴'을 지휘했고
이후 많은 곳에서 콘서트와 오페라를 지휘하며 제2의 음악인생을 시작했다.
그리고 1968년 8월 21일에는 영국 프롬스에서 소비에스 국립 심포니 오케스트라를 이끌고
지휘자로 서방 데뷔 무대를 가졌다.
한편 이 시기에 그는 카라얀과 만나 드보르자크의 '첼로 협주곡'(DG)을 함께 레코딩하여
희대의 명반을 탄생시길 수 있었고 이후 R.슈트라우스의 '돈 키호테'(EMI)와 베토벤의
'3중 협주곡'(EMI)을 카라얀과 함께 녹음하며 최고의 협연을 선보였다.
로스트로포비치는 예술의 뮤즈로서의 역할 뿐만 아니라 자유의 대변자로서의 역할 또한
열정적이었다.
특히 그는 민주주의적 가치와 자유에 대한 소신을 바탕으로 안락한 예술가로서의 삶을
포기했다.
1948년 모스크바 콘서바토리에 재학할 당시 21세의 그는 당시 형식주의 작곡가들이라고
비난 받던 자신의 스승 쇼스타코비치를 옹호하여 학교를 그만두기도 했다.
한편 1968년에는 그의 친구인 소련의 소설가 알렉산드르 솔제니친이 '수용소 군도'를
집필할 당시 그에게 은신처를 제공해 주기도 했다.
공산당 서기장인 브레즈네프에게 솔제니친을 옹호하는 편지를 각 신문사에 보내기도 할
만큼 용감했다.
그 결과 그와 그의 부인은 해외 연주회를 금지당한 채 감시 속에 모진 시간을 견뎌내야만
했다.
그런 까닭에 그는 1974년 스위스를 거쳐 미국으로 망명을 감행했다.
미국에서 새로운 삶을 시작해야 했던 그는 1977년부터 1994년까지 워싱턴 국립 심포니
오케스트라의 상임 지휘자를 맡았다.
런던 심포니 오케스트라와 같은 유수의 영국 오케스트라들을 지휘하며 활발한 지휘 활동을
펼쳐나갔다.
이후 1978년 반애국적 활동으로 국가의 위신을 손상시켰다는 이유로 소련 시민권까지
빼앗겼던 그는 1980년 파리에서 소련의 반체제 물리학자 사하로프의 석방을 요구하는 항의
콘서트를 열었다.
조국 러시아의 정치적 현실에 강하게 반발했던 그는 1990년이 되어서야 비로소 조국으로
돌아갈 수 있었다.
그리고 1989년 베를린 장벽이 무너지던 날 그가 서베를린 측 장벽 아래서 바흐의 '무반주
첼로 모음곡'을 연주하는 모습은 전세계 TV로 퍼져나가 커다란 감동을 안겨주었다.
1991년에는 러시아의 군부 쿠데타 시도를 막기 위해 크렘린 광장에 모인 시위대에 기꺼이
가담하기도 했다.
옐친과 두터운 친분을 나누기도 했던 그는 음악가라는 직업인 이전에 현대 러시아의 역사를
거론할 때 빼놓을 수 없는 중요한 러시아인이기도 하다.
이렇듯 바쁜 삶 속에서도 그는 여전히 첼리스트로서의 본분을 충실히 수행해 나갔다.
미국와 유럽을 오가며 지휘 활동을 하는 와중에 솔리스트로서의 활동 뿐만 아니라 동료
음악가들 및 젊은 음악가들과 함께 앙상블리스트로서도 많은 실내악 활동을 병행했다.
망명 전에는 에밀 길렐스와 스비아토슬라프 리히테르, 다비드 오이스트라흐, 레오니드 코간
등과 트리오 및 듀오를 이루어 러시아 음악가로서의 자긍심을 높이는데 앞장섰다.
망명 후에는 서방의 다양한 음악가들과 기꺼이 앙상블을 맞추어 음악의 본질적인 목적을
추구하는 데에 자신의 재능을 아끼지 않았다.
이러한 까닭에 그는 수많은 음악상과 훈장이 그에게 수여되며 20세기 세계 음악사에서 가장
영예로운 첼리스트이자 진정한 음악가로서의 지위를 누릴 수 있었다.
이후 그는 부인과 함께 로스트로포비치-비슈네브스카야 재단을 워싱턴에 설립하여 구 소련
어린이들의 건강과 교육을 향상시키는 사업을 벌였다.
2002년에는 자신의 고향인 바쿠에 로스트로포비치 박물관을 설립하였으며 아제르바이젠
국립 콘서바토리에서 첼로 마스터 클래스를 열며 후학을 양성하기도 했다.
특히 자신이 세운 로스트로포비치 국제 콩쿨에서 우승한 한국의 젊은 첼리스트인 장한나를
발굴하여 평생토록 그녀가 올바른 길로 나아가는 데에 정신적, 예술적 지도를 아끼지
않았다. 준엄함과 따스함을 동시에 갖춘 스승으로서의 참모습을 보여준 것이다.
그는 주로 1711년산 듀포르 스트라디바리우스와 스토리오니, 과르네리 이렇게 세 대의
악기로 많은 연주회와 녹음을 병행했다.
1950년대 이후 수많은 녹음을 남겼고 이들 어느 하나 빼놓을 수 없는 명반으로 남아 있다.
앞서 언급한 브리튼과 카라얀과의 명반 외에도 리히테르와의 베토벤 '첼로 협주곡 전곡'
(Philips), 루돌프 제르킨의 반주로 녹음한 브람스 '첼로 소나타집'(DG), 유진 오먼디
지휘로 녹음한 쇼스타코비치 '첼로 협주곡 1번'(SONY), 네빌 마리너와 녹음한 하이든 '첼로
협주곡 1, 2번'(EMI), 파울 자허와 휴 볼프의 지휘로 녹음한 바로크 '첼로 협주곡집'(DG,
Teldec) 등이 그를 언급하는 데 있어서 가장 보편적으로 거론되는 첼로 명반이다.
그 무엇보다도 생에 단 한 번 녹음한 바흐의 '무반주 첼로 모음곡'(EMI)은 그의 필생의
예술혼을 담아낸 역작으로 높은 평가를 받고 있다.
한편 에머슨 4중주단과 슈베르트 현악 5중주(DG) 및 안네-소피 무터와의 베토벤
트리오(DG)와 같은 실내악 앨범도 다수 남겼다.
지휘자로서의 명연 또한 솔리스트로서의 기량 못지 않다. 가장 먼저 쇼스타코비치의
'므첸스크의 멕베드 부인' 전곡 녹음(EMI)과 림스키-코르사코프의 '셰헤라자데'(EMI),
차이콥스키의 3대 발레 모음곡집(DG), 세 개의 오케스트라를 동원하여 제작한 쇼스타코비치
'교향곡 전집'(Teldec)이 가장 유명하다.
특히 쇼스타코비치를 존경했던 그는 소련을 떠나기 직전 작곡가에게 반드시 교향곡 전곡을
녹음하겠다는 약속을 작곡가 사후 20년 만에 지켰다는 점에서 그 의미가 크다.
그는 2006년 뉴욕 타임스와의 인터뷰에서 쇼스타코비치에 대한 그리움을 토로한 바 있다.
"가끔 지휘하는 도중에 스승의 얼굴이 나타난다. 종종 그의 표정은 행복해 보이지 않는다.
난 느린 템포를 좀 더 빨리 몰고 간다. 그러면 이내 그 얼굴이 사라지곤 했다."
한편 막심 벤게로프와 함께 한 쇼스타코비치와 프로코피에프 '바이올린 협주곡집'(Teldec)과
베토벤 '바이올린 협주곡'(EM) 또한 그 가치가 높고 13세의 장한나를 후원한 차이콥스키와
생상스 앨범(EMI) 또한 훌륭하다.
한편 피아니스트로서 아내인 비슈네브스카야를 반주한 러시아 가곡집(DG) 또한 빼놓을 수
없다.
1996년 6월 서울에서의 두 번째 내한 공연 때 앙코르 첫 곡을 연주할 때 갑자기 뒤로 돌아
연주하여 합창석 청중들에게 잊을 수 없는 배려를 보여줄 정도로 휴머니즘 넘치는 모습을
보여 준 로스트로포비치에게도 기어이 죽음이 찾아왔다.
2007년 3월 27일 80세 생일을 맞이하여 당시 러시아 대통령인 블라디미르 푸틴은 그를
크레믈링 궁으로 초청하여 성대한 파티를 열어주었다.
그러나 그의 건강은 암으로 점점 악화되어 4월 7일 병원에 입원했고 그 달 27일 세상을
떠났다.
4월 28일 로스트로포비치의 유해가 모스크바 콘서바토리로 이송되어 많은 사람들의 참배를
받았고 그 가운데에는 푸틴 대통령도 참석해 있었다.
그리고 그가 1990년 오랜 망명 생활을 접고 26년만에 고국 땅을 밟은 그가 가장 먼저 달려간
노보데비치 수도원 묘역에 안장되었다.
그 곳에서 비로소 먼저 떠난 정든 친구들과 함께 보드카 잔을 오랜 만에 나눌 수 있게 된
것이다.
■ 약력
1945 소비에트연방 음악콩쿠르 우승
1948 모스크바 음악원 졸업
1950 스탈린상 수상
1962 소련에서 지휘자 데뷔
1968 영국에서 지휘자로 서방 데뷔 무대
1974 스위스를 거쳐 미국으로 망명
1977~1994 워싱턴 국립 심포니 오케스트라의 상임 지휘자 역임
1978 소련 시민권 박탈
1987 영국 명예 KBE훈장(외국인대상 명예훈장)
1995 폴라음악상 수상
루돌프 제르킨 (Rudolf Serkin, 1903. 3. 28 ~ 1991.5.8)
보히미아의 에겔에서 유태계의 러시아인의 가정에서 태어난 미국의 거장 피아니스트이다.
4세 때부터 전에 성악가였던 부친에게서 피아노의 초보를 배우고 9세 때 빈으로 나가
피아노를 리햐르트 로베르트, 작곡을 요제프 마르크스와 쇤베르크 에게 사사했다.
그리고 일찌기도 12세로 빈 필의 독주자로서 기용되어 멘델스존의 피아노 협주곡 G단조를
연주해 성공을 거두었으나 더욱 공부를 계속하여 1920년이 되어서 본격적인 연주 활동에
들어갔다.
제르킨이 친구의 집에서 후에 그의 장인이 된 명 바이올리니스트인 아돌프 부시와 만난 것도
마침 이 해여서 그의 연주를 들은 부시는 곧 자기와 연주 여행을 제의하여 그를 베를린
자택으로 초대했다.
그래서 그 초청에 응해서 베를린의 부시 가를 방문한 제르킨은 거기서 부시의 외동딸
일레네와 만났는데 당시 4세였던 그녀야말로 14년 후에 제르킨의 아내가 된 그 여성이었다.
또 베를린에서의 데뷔에서 부시의 지휘로 바하의 '브란데부르크 협주곡 제 5번'을 연주한
제르킨이 열렬한 앙코르에 응해서 놀랍게도 연주 시간이 50분이 넘는 '골드베르크 변주곡'을
연주해 버렸다는 에피소드도 널리 알려져 있다.
이리하여 피아니스트로서 순조로운 걸음을 계속하여 명성을 날린 제르킨이었지만
유태인이었기 때문에 나찌 정권 성립 후는 독일 국내에서 활동이 불가능하게 되어 마침내
1939년에 부시와 함께 유럽을 떠나서 미국으로 건너갔다.
그는 이미 1933년에 부시와 함께 워싱턴의 쿨리시 음악제에 초청되고 1936년에는 토스카니니
지휘의 뉴욕 필과 공연하여 호평을 얻었다.
미국에 건너가서는 독주자로서 한층 적극적인 활동을 하게 되어 세계 각지를 연주 여행해서
압도적인 명성을 얻었다.
또 다망한 연주의 틈을 내어 1939년부터는 커티스 음악원의 교수를 맡고 1950년 부터는
버몬트 주의 말보로에서 매년 여름 음악제와 음악학교를 주재하여 후진 지도에도 정열을
기울였다.
반 세기를 넘은 충실한 경험을 지닌 제르킨은 바하에서 바르토크에 이르는 넓은 레퍼터리를
자랑했다.
그러나 그러한 그의 음악의 중심을 이루는 것은 무어라 해도 베토벤으로부터 브람스까지의
독일 음악이라해도 좋을 것이다.
드물게 보는 긴장감이 넘친 힘찬 조형속에 작품의 본질과 그 정신성을 훌륭히 구현하고 있다.
또 A. 부시나 카잘스와 함께 실내악 연주에도 극히 충실된 연주를 들려준다.
1960년에 내한 공연을 가진 바 있다.
7. Brahms, Cello Sonata No.2 in F major, Op.99
Anner Bylsma(Vc) / Lambert Orkis(Pf)
I. Allegro vivace
II. Adagio affettuoso
III. Allegro passionato
IV. Allegro molto
♣ 브람스 첼로 소나타 2번 F 장조 Op.99
브람스의 첼로 소나타는 두 곡이 있는데 이 제2번은 1886년에 완성되어 제1번과의 사이에
약 20여 년이 지났다.
즉, 제1번은 브람스의 장년 시대의 작품으로 아직 시작(試作) 시대의 소산이라는 느낌이
강하다.
그러나 제2번은 브람스의 53세 때인 노련한 원숙 시대의 작품이기 때문에 그 높은 기품과
완벽한 수법은 도저히 제1번이 미치지 못한다.
원래 브람스는 실내악곡에 정력의 대부분을 기울여 거기에 충분한 확신을 얻었을 때 비로소
교향곡에 손을 댄 형편이어서 '제1교향곡'같은 것도 43세가 되어 겨우 발표했는데 이 곡도
그러한 신중성을 가지고 겨우 완성한 것으로 생각된다.
따라서 여기에 제시되는 첼로와 피아노의 세계는 예술의 향기가 훨씬 높고 표현의 유현함과
악상의 고매함에 있어서 다른 첼로 소나타가 도저히 따르지 못한다.
아름다운 가락과 탁월한 기교의 경지는 없지만 종합된 극적 효과와 투명한 미의 극치는
차츰 구축되어 간다.
안너 빌스마 (Anner Bylsma. 1934 ~ )
네덜란드 출신 첼리스트로서 지난 1998년 영국의 권위 있는 음악지 클래식CD가 선정해
발표한 '역사상 가장 위대한 첼리스트 6인'에 뽑힌 첼로의 거장이다．
클래식 음악계에서는 드물게 원전악기와 현대악기 모두에 재능을 가진 연주자로 특히
'바흐의 무반주 첼로 모음곡'이 일품으로 꼽힌다
1993년에는 '누벨 아카데미 음반상', 1994년에 '오스카 클래식'에 선정된 바 있다.
안너 빌스마는 트롬본 연주자였던 아버지로부터 세 살 때 바이올린을 배우면서 처음 음악을
접하게 되고 헤이그의 왕립음악원에 들어가 첼로를 배우기 시작했다.
연주에 뛰어난 재능을 보여준 그는 1957년 왕립 음악원에서 수여하는 '프리 덱셀랑스'를
수상했으며 1959년 '파블로 카잘스 콩쿨' 우승자이다.
1982년 이후 그는 하버드 대학에서 특별 연구원으로 활동하며 헤이그의 왕립 음악원과
암스테르담 스벨링크 음악원에서도 교수로 재직하고 있다.
안너 빌스마는 지금까지 유럽을 비롯해 세계 각지를 돌며 수많은 오케스트라와의 협연과
독주회를 열고 있다.
실내악 활동에도 꾸준히 연주활동을 하는 한편 오르페우스 챔버 오케스트라와 타펠 무지크,
계몽주의 오케스트라 그리고 20세기 음악에 강세를 보이는 실내악단 론돔 등 다양한
음악그룹과 정기적인 협연을 갖고 있다.
바로크와 현대 첼로 양쪽 모두에 재능을 가진 빌스마는 파리 음악원, 베를린 음악원, 뉴욕
줄리어드에서 마스터 클래스를 열고 후진 양성에도 힘쓰고 있다.
또한 빌스마는 그의 연륜 만큼이나 다양한 디스코그라피를 갖고 있다.
빌스마의 독주, 실내악 음반들은 에디슨상, 디아파종상, 리스트상을 비롯한 많은 수상
경력을 자랑하고 있고 그의 브람스 소나타음반은 1995년 그래미상 후보에 오르기도 했다.
1999년, 2000년, 2002년 내한공연을 가졌다.
8. Brahms, String Sextet No.1 in B flat Major Op.18
Academy of St. Martin-in-the Fields Chamber Ensemble
I. Allegro ma non troppo
II. Andante, ma moderato ***
III. Scherzo- Allegro molto - Trio - Animato
IV. Rondo- Poco allegretto e grazioso
♣ 브람스 현악6중주 1번 B 플랫장조 Op.18
브람스는 진지한 곡을 작곡하는 사람으로 알려져 있지만 슈베르트처럼 밝은 면도 있다.
오케스트라 세레나데 두 곡과 슈포르의 현악 6중주에 감명을 받아 작곡한 세레나데풍의
6중주 두 곡을 들어 보면 이해가 될 것이다.
6중주 2번은 특히 감미로운데 1악장에는 왈츠 주제도 들어 있다. 이 작품은 괴팅겐에서
만난 여자 친구인 아가테 폰 지볼트에 대한 후회의 심정이 담긴 것 같다.
음표 AGADH(독일 표기법으로)가 왈츠 테마가 끝나자마자 바로 등장한 것을 보면 말이다.
브람스의 6중주곡은 이 곡 외에 G장조(작품36번)가 있다.
이 곡은 1860년 27세 때의 작품으로 브람스 특유의 민요조를 도입했고 여섯대의 악기가
엮어내는 농담의 묘미를 사용하여 한없는 정취를 전개시키고 있다.
제1악장
슈베르트 풍의 가락이 솟아난다.
제2악장
가요풍의 주제와 6개의 변주곡이 장중하고 우아하게 제시된다.
제3악장
베토벤에 심취한 브람스가 나타난다.
제4악장
론도 형식을 취하고 우미한 제1주제와 화려한 제2주제가 교차하면서 환호의 개가가 되어
맺는다.
■ 추천음반
6중주 1번과 2번을 가장 훌륭하게 연주한 음반은 소니 음반이다. 제1첼로를 파블로 카잘스가
맡아 1952년 프라데 페스티벌에서 연주한 B♭장조 1번의 모노 버전은 특히 느린 변주가 들어
있는 악장만으로도 길이 남을 음반이 되었다.
말보로 페스티벌에서 피나 카르미렐리가 주축이 되어 연주한 G장조 2번의 녹음은 현재 들을
수 없다.
하지만 두 곡이 하나의 음반에 담겨 있다면 구입을 주저할 사람은 별로 없을 것이다.
메뉴힌의 빼어난 곡 해석이 돋보이는 이 음반은 시간의 시험에도 살아남아 가슴을 울리는
연주와 뛰어난 음질로 우리를 즐겁게 한다.
9. J.S Bach - Sonatas for Viola da Gamba
Anner Bylsma (Artist), Bob Van Asperen
1) Sonata III G-moll BWV 1029
I. Vivace
II. Adagio
III. Allegro
IV. Adagio
2) Sonata II D-Dur BWV 1028
II. Allegro
II. Andante
III. Allegro
3) Sonata I G-Dur BWV 1027
I. Adagio
II. Allegro Ma Non Tanto
III. Andante
IV. Allegro Moderato
10. Faure - 13 Nocturnes
Eric Heidsieck (Pf)
1) No.1 In E-Falt Minor, Op.33-1
2) No.2 In B Major, Op.33-2
3) No.3 In A Flat Major, Op.33-3
4) No.4 In E Flat Major, Op.36
5) No.5 In B Flat Major, Op.37
6) No.6 D Flat Major, Op.63
7) No.7 In C Sharp Minor, Op.74
8) No.8 In D Flat Major, Op.84-4
9) No.9 In B Minor, Op.97
10) No.10 In E Minor, Op.99
11) No.11 In F Sharp Minor, Op.104-1
12) No.12 In E Minor, Op.107
13) No.13 In B Minor, Op.119
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