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1. Brahms, Tragic Overture in D Minor Op.81
Leonard Bernstein(cond), Wiener Philharmoniker
Allegro non troppo - Molto piu moderato - Tempo primo
♣ 브람스 비극적 서곡 D 단조 Op.81
브람스는 비슷한 시기에 동일 장르의 성격이 전혀 다른 곡을 쓰는 경우가 많았다.
피아노 소품과 가곡은 논외로 하더라도 브람스는 어떤 곡을 작곡하면 거기에 담을 수 없는
악상과 그것과 대조적인 영감을 사용한 곡을 따로 쓰곤 했다.
'교향곡 1번'과 '교향곡 2번' 그리고 '바이올린 협주곡'과 '바이올린 소나타 Op.78'의 짝은
그 좋은 예라 할 수 있을 것이다.
'대학축전 서곡'과 '비극적 서곡' 역시 그러한 관계에 놓여 있다고 볼 수도 있을 것이다.
칼베크 같은 브람스 전기 작가는 파우스트와 이 서곡의 관련성에 대해 언급한 바 있다.
즉 브람스는 빈 부르크 극장의 지배인 딩엘슈타트(1814~1881)로부터 극장에서 상연하기로 한
괴테 '파우스트' 1부와 2부를 위한 음악 작곡을 의뢰받은 적이 있다.
어떤 곡을 쓸지 걱정이 된 브람스는 '비극적 서곡'과 '교향곡 3번'의 2악장을 쓰려고 했던
모양이다. 그러나 딩엘슈타트는 곧 사망했고 상연 계획이 중단되었다.
'비극적 서곡'과 '파우스트'의 관계를 속단하기에는 너무 빠르게 정리된 사안이었다.
또 '교향곡 3번'이 이 시기에 착수되었다는 확증도 없다. 칼베크의 설은 현재 별로
받아들여지지 않고 있다.
'비극적 서곡'의 스케치는 1870년 이전에 이루어졌다. 브람스는 클라라의 딸 율리에 슈만에게
남몰래 연정을 품고 있었다.
그러나 1869년 율리에는 백작에게 시집갔고 브람스의 상처는 컸다. 고통스런 그의 마음은
'알토 랩소디'란 명곡을 낳았다.
'비극적 서곡'의 재료가 적혀있는 스케치 수첩의 대부분은 '사랑의 노래 Op.52'와 '알토
랩소디'를 위한 스케치가 차지하고 있었다.
서곡의 재료와 '알토 랩소디'가 브람스의 심리적인 면을 반영했으며 당시 브람스의 심경은
'사랑과 슬픔' 혹은 '사랑의 슬픔'으로 묘사할 수 있겠다.
1871년에 작곡된 '운명의 노래'에는 알토 랩소디의 영향이 남아있다.
'비극적 서곡'이 본격적으로 작곡되기 이전 시기를 살펴보면 브람스를 슬픔에 빠지게 한
작품들이 상당히 있었다.
1879년 2월 16일에 클라라의 아들인 펠릭스 슈만이 병으로 열 다섯 나이에 세상을 떠났다.
브람스는 펠릭스가 시를 잘 쓰는 것을 인정하고 그의 시에 음악을 붙이기도 했다.
1880년 1월 4일에는 브람스의 친구 포이어바흐가 베네치아에서 쓸쓸히 세상을 떠났다.
브람스는 이전에 포이어바흐의 계모 헨리에타와 오페라 대본에 대해 상담을 나누고 동화
'행복의 여신' 대본을 받은 적이 있다.
포이얼바흐의 죽음을 슬퍼한 브람스는 1881년 여름 '애도가'를 써서 헨리에타에게 바쳤다.
1880년 5월에 본에서 열린 슈만의 기념비 제막식에 브람스는 클라라와 함께 참석했다.
여기서 브람스는 슈만의 라인강 투신과 정신병원 입원의 비극을 떠올렸을 것임이 분명하다.
브람스는 이 즈음 귀가 아팠다. 친분이 깊었던 바이올리니스트 요제프 요아힘과의 우정에
벽을 느끼는 등 인생의 어두운 면을 맛보았던 시기였다.
1880년 9월 6일 브람스가 출판업자 짐로크에게 보낸 편지를 보면 '고독한 마음을 고백하며
비극적 서곡을 쓴다'는 내용이 있다.
이 당시에는 작품명을 'Trauerspiel Ouverture'라고 적었는데 총보 최종원고에는 지금
쓰이는 것처럼 'Tragische Ouverture'라고 적혀 있다.
브람스는 이 곡을 4손 피아노용 원고로 작곡한 최종고를 1880년 12월 중순경에 보냈고
파트악보와 총보는 1881년 7월에 시판되었다.
총보에는 '대학축전 서곡'때와는 달리 '대 오케스트라를 위한'이라고 되어 있지 않고 단순히
'오케스트라를 위한'이라고 씌어 있다.
빈 악우협회가 펴낸 브람스 작품 전집에서 '비극적 서곡'의 총보는 짐로크의 인쇄 악보와
브람스가 소유하다 현재 악우협회에 있는 초판의 견본 거기에 짐로크에게 있던 브람스
오리지널 자필악보를 기초로 작성됐다.
3종 악보들이 현저한 차이가 있었던 것은 아니었다.
'비극적 서곡'에 대해 브람스는 젊은 시절 비극적인 영웅을 다룬 고전희곡을 읽는 것을
좋아했고 그런 이야기를 소재로 한 베토벤의 '에그몬트 서곡'과 '코리올란 서곡'에도 경의를
품었던 것으로 알려졌다.
그래서 '비극적 서곡'이 단지 브람스의 심경 뿐만 아니라 비극적 드라마를 승화시킨 베토벤의
서곡에 상당하는 작품이라고 보는 시각도 있다.
이 곡은 알레그로 논 트로포 d단조로 시작된다. 소나타 형식이지만 '대학축전 서곡'처럼
변칙적이지 않고 재료도 많지 않다.
투티에 의해 d단조 으뜸화음과 딸림화음이 연주되고 나서 현으로 제1주제가 나타난다.
처음에는 조용하다가 후반은 행진곡풍이 되어 힘을 얻어간다. 이 주제를 관이 확보하면 곡은
주제 처리에 새로운 악상도 가한 경과부로 들어간다.
마지막 가까이에서는 바이올린에 싱커페이션을 동반한 온화한 파도와 같은 진행이 저음현의
d음을 지속음으로 한 다음에 d단조로 나타난다.
그것이 Ab장조로 바뀌며 호른과 관악기에 의한 부드러운 악구가 등장한다. 이내 일단락하고
바이올린이 F장조로 노래하는 듯한 새로운 선율을 2주제로 연주하고 나서 코데타로 들어간다.
코데타에서는 정열적인 고양과 긴장이 느껴진다.
클라이맥스 이후 팀파니만이 남고 피치카토 화음에 이끌려 현으로 제1주제가 나오고 발전부가
시작된다.
템포를 늦춰 4/4박자가 되고 제1주제 후반부 행진곡풍 리듬을 잠시 다룬 후 현에서 관으로
이어받아 경과부 선율이 다시 D장조로 돌아온다.
비올라 이하가 제1주제 서두를 차례로 나타내고 호른이 그것을 확대하고 나서 비올라가
제2주제를 제시하며 바이올린이 그것을 받는다.
코데타 재현이후 코다로 이동하고 제1주제에 의해 고조되며 일단은 그것도 진정되지만 결국
d단조로 힘차게 전곡이 끝난다.
'비극적 서곡'에서 비극은 질질 끌고 우울한 그런 종류의 비극이 아니다. 그것을 품에 안고
가며 힘차게 다루는 남성적인 비극이다.
좌절하지 않고 꿋꿋하게 살아나가는 의지를 느끼게 하는 이 작품은 제목과 달리 삶에 대한
희망을 얻을 수 있는 카타르시스를 제공해준다.
■ 추천음반
이 곡의 좋은 연주를 꼽다 보니 빈 필의 연주가 석 종이나 포함됐다. 칼 뵘/빈 필(DG)은
떡갈나무같은 지휘자가 브람스의 본질을 꿰뚫었다. 관악군의 활약이 발군이다.
카라얀/빈 필(Decca)은 비장감 풍부하며 치밀하게 설계가 잘 된 연주다.
유일한 디지털 녹음인 번스타인/빈 필(DG)은 서정적이면서도 어둑어둑한 곡의 특징을 잘
살렸다.
클렘페러/필하모니아 오케스트라(EMI)는 중후하고 스케일이 크다.
어딘지 기품이 느껴지는 해석을 선보이는 발터/콜럼비아 심포니(Sony)의 연주도 그냥 지나치기
힘들다.
레너드 번스타인(Leonard Bernstein, 1918. 8. 25 ~ 1990. 10. 14)
'레니'란 애칭으로 세계인의 사랑을 받았던 레너드 번스타인은 미국 출신의 지휘자이자
작곡가이면서 피아니스트였을 뿐만 아니라 명실공히 미국이 낳고 기른 최초의 세계적인
마에스트로였.
번스타인은 헤르베르트 폰 카라얀, 게오르그 숄티 등과 함께 20세기 후반의 클래식 음악
업계를 이끌었던 스타 음악가였다.
번스타인은 우크라이나계 유대인이며 독실한 유대교 신자였던 아버지 사무엘 번스타인의
이민 2세로 매사추세츠주 로렌스에서 태어났다.
출생 당시의 이름은 '루이스'였지만 나중에 레너드로 개명했다.
비록 음악가 집안이 아니었고 음악적인 환경도 전혀 아니었지만 번스타인은 아기 때부터
어머니 제니가 즐겨 틀던 축음기에서 나오는 음악에 귀를 기울이며 좋아했다 한다.
이후 번스타인은 재능을 살려 이발소를 경영하던 아버지의 완강한 반대에도 불구하고
음악가의 길을 걸어갔다.
명문 공립고등학교인 보스턴 라틴 스쿨을 거쳐 하버드 대학과 커티스 음악원에서 공부한
번스타인은 디미트리 미트로풀로스의 지휘 모습을 직접 보고 지휘자가 되기로 결심했다.
이후 그는 프리츠 라이너와 세르게이 쿠셰비츠키에게 지휘를 배우고 월터 피스톤에게
작곡을, 이사벨라 벤게로바에게 피아노 레슨을 받았다.
커티스 음악원을 졸업한 뒤 잠시 일이 없이 지내던 시절이 있었지만 기회는 곧 찾아왔다.
1943년 여름 뉴욕 필 음악감독 아르투르 로진스키는 번스타인을 뉴욕 필의 부지휘자로
임명했다.
그리고 더 큰 기회가 그에게 왔다. 1943년 11월 14일 번스타인은 컨디션 난조로 지휘할
수 없게 된 거장 브루노 발터의 대타로 뉴욕 필하모닉 심포니(현재의 뉴욕 필하모닉
오케스트라)의 지휘대에 올랐다.
이날 연주회에서는 슈만의 '만프레드 서곡', 미클로스 로자의 '주제, 변주곡과 종곡
Op.13a', 리하르트 슈트라우스의 '돈 키호테'(요제프 슈스터의 첼로연주), 바그너
'뉘른베르크의 마이스터징어' 1막 전주곡등이 연주됐는데, 라디오로 미국 전역에 중계
방송돼 센세이션을 일으켰다.
이때부터 그의 음악활동이 본격적으로 전개되었는데 그의 지휘 활동은 크게 세 시기로
나눠볼 수 있다.
첫째가 1943년~1958년 데뷔 연주회에서 뉴욕 필 상임지휘자 취임까지 둘째가
1958년~1969년 뉴욕 필 상임지휘자 시대 그리고 1969년~1990년 뉴욕 필 상임지휘자
사임부터 만년까지이다.
번스타인이 스물 다섯의 나이에 지휘 활동을 시작했을 때 미국에서 활동하던 지휘자들은
대부분 다른 나라에서 이주한 사람들이었으며 브루노 발터처럼 제2차세계대전의 전선을
피해 온 사람들도 많았다.
당시까지 미국에서 태어나 미국이 키운' 지휘자는 거의 없었기 때문에 번스타인은
곧바로 미국 클래식 음악계의 기대주가 되었다.
1953년 11월 18일 번스타인은 CBS TV 다큐멘터리 시리즈 '버지니아'에 출연해 베토벤
'교향곡 5번'에 대해 해설했다.
이날 방송은 이후 이어진 교육 프로그램인 '청소년 음악회 Young People's Concert'의
출발점이 되었다.
1957년 39세의 번스타인은 자신의 대표작인 '웨스트 사이드 스토리'를 작곡한다.
그리고 이듬해 1958년 뉴욕 필하모닉 오케스트라의 음악감독에 취임했는데 '미국 출신
지휘자'로는 그가 최초였다.
번스타인이 지휘하는 뉴욕 필은 공연마다 대성공을 거두었고 명실공히 뉴욕 필의
황금시대를 열었다.
번스타인은 스타 기질이 농후했다. 그가 만들어내는 음악은 매력이 넘쳤으며 당시
지휘자의 이미지였던 엄격함을 탈피해 상냥하고 너그러운 성격을 전면에 내세웠다.
흥이 나서 점프를 하는 등 번스타인의 열정적인 지휘 모습은 그 자체로 팬들을
매료시켰다.
번스타인이 CBS 음반사와 녹음계약을 맺었을 때 음반사측에서는 어떤 곡을 녹음할 것인지
그 결정권을 번스타인에게 모두 일임했다.
이로 인해 당시로서는 획기적이라 할 만한 레퍼토리도 많이 녹음했다.
1969년 뉴욕 필의 음악감독에서 물러난 번스타인은 상임지휘자 등 특정 오케스트라의
자리에 머물지 않고 빈 필, 이스라엘 필, 바이에른 방송교향악단, 런던 심포니,
프랑스국립관현악단 등을 객원지휘하면서 명연주를 들려주었다.
베를린 장벽이 붕괴됐던 1989년 그해 크리스마스에는 베를린에서 동독과 서독, 미국과
구 소련, 프랑스, 영국의 연합 오케스트라가 베토벤 '교향곡 9번 합창'을 연주했는데
번스타인이 지휘봉을 들었다.
이때 동서 냉전의 종식을 상징하는 의미로 '환희의 송가' 가사 가운데 'Freude(환희)'를
'Freiheit(자유)'로 연주한 일화는 유명하다.
이처럼 번스타인은 음악가로서 사회적인 메시지를 전달하는 일도 많이 했지만 때로는
그런 행동이 논란을 불러일으키기도 했다.
1990년 6월 삿포로에서 약칭인 PMF로도 알려진 퍼시픽 뮤직 페스티벌을 시작하고 후진
양성에 박차를 가하려 했지만 이미 번스타인은 병에 걸려 있었다.
1990년 8월 19일 탱글우드 음악제에서 보스턴 심포니를 지휘해 브리튼의 '4개의 바다
간주곡'과 베토벤 '교향곡 7번'을 연주한 것이 번스타인의 마지막 무대가 되고 말았다.
10월 9일 지휘 활동 은퇴를 선언한 번스타인은 그 닷새 뒤인 10월 14일 폐암으로 뉴욕
시내 자택에서 세상을 떠났다.
폐암으로 사망한 번스타인은 골초였다. 열 네 살 때 담배를 배웠다는 그는 담배에 얽힌
에피소드도 많이 가지고 있다.
1986년 68세 때 번스타인은 미국의 일간지 인터뷰에서 이런 말을 했다.
"나는 20대 중반에 폐기종 징후가 있다고 진단 받았다. 의사는 내게 담배를 끊지 않을
경우 35세 이전에 죽을 것이라 했다"
저명한 뮌헨의 음악평론가인 요아힘 카이저와의 대화에서 번스타인은 날마다 담배
100개피(5갑)와 위스키 1병을 소비했다고 밝혔다.
만년의 번스타인은 어시스턴트 지휘자에게 "오늘부터 금연이지만 마지막으로 딱 한 대만
피우자"고 말하며 담배를 피웠고 번스타인은 결코 담배를 끊지 못했다고 한다.
레너드 번스타인이 지휘한 음반을 들어보면 음의 세밀한 조탁과 미세한 부분의 섬세한
표현과는 거리가 있는 것을 알 수 있다(이는 카라얀과의 대척점이었다).
그는 소위 오케스트라 조련사는 아니었다. 그러나 어디까지나 작곡가의 입장에서 악보를
읽고 연주 하나 하나를 재창조하는 것을 느끼고 우리는 감동할 수 있는 것이다.
그의 쇼맨십은 어디까지나 쇼맨십이었을 뿐 사실 번스타인은 음악 표층의 매끌매끌한
광택 보다는 그 곡의 심연에 도사리고 있는 갖가지 모습을 굵은 뼈대와 육중한 무게로
우리 앞에 가져다주는데 관심이 있었다.
번스타인이 가장 사랑했던 오케스트라는 뉴욕 필, 빈 필, 그리고 이스라엘 필이었다.
그러나 번스타인의 지휘는 오케스트라를 가리지 않는 편이었다. 초기의 뉴욕 스타디움
심포니 오케스트라에서 뉴욕 필, 이스라엘 필, 콘세르트허바우, 빈 필 할 것 없이
그의 손길을 거친 음악은 번스타인의 음악으로 각인된다.
뜨거운 에너지와 끈끈한 칸타빌레, 온갖 감정이 뒤엉켜있는 때로는 극단적인 느린 템포
등에서 그것을 느낄 수 있다.
진하게 블렌딩한 커피를 한 번 맛보면 다른 커피가 들어오지 않을 정도로 잊을 수 없는
그의 말러 교향곡이 대표적이다.
같은 유대인이었던 말러의 작품에 있어서 번스타인은 "마치 내가 쓴 것 같이 느껴진다"고
말할 정도로 수많은 명연을 남겼다.
20세기 후반의 클래식 음악팬들은 동시대 최고의 지휘자였던 헤르베르트 폰 카라얀과
번스타인을 라이벌 구도로 파악했다.
카라얀이 번스타인보다 10살 연상인데 번스타인이 카라얀을 처음 만난 것은 1948년 아직
30세로 젊은 나이였을 때였다.
빈에서는 번스타인의 공연을 전후해 카라얀의 콘서트가 열리는 경우가 종종 있었다.
1988년 가을 어느 날 번스타인의 어시스턴트는 스승의 연주회 다음날 있었던 카라얀의
연주회 티켓을 구입했다.
자신의 연주회 다음날 카라얀의 연주회가 있다는 것을 안 번스타인은 어시스턴트에게
"내일 카라얀 공연 갈 건가?"하고 물었다.
조수가 "갑니다"라고 말하자 번스타인은 자기도 데려가 달라고 말했다 한다. 조수와
번스타인의 매니저가 "마에스트로가 가시면 언론이 따라붙어 스캔들을 만들 겁니다"라고
반대하자 "그 자의 음악은 싫지만 얼굴은 자세히 좀 보고 싶어"하고 말했다 한다.
번스타인은 결국 다음날 기자들을 피해 카라얀과 몰래 만났다고 한다.
번스타인은 1988년 4월 5일 팔순을 맞은 카라얀에게 선물과 생일 카드를 보냈다.
이듬해인1989년 7월 16일 카라얀이 사망했을 때 파리의 연주회에서 이 소식을 접한
번스타인은 카라얀을 위해 2분간 묵념시간을 가졌고 그 두 달 뒤인 9월 16일 카라얀 추모
연주회에서 번스타인은 빈 필을 지휘해 '베토벤 현악 4중주 16번 Op.135'의 현악
오케스트라용 편곡 버전을 연주했다.
카라얀의 전기작가 리처드 오스본에 의하면 번스타인과 카라얀은 젊은 시절 서로
상대방의 재능을 인정하고 있었다 한다.
1958년 뉴욕 필 객원지휘로 카라얀을 초청한 주인공은 번스타인인이었다.
뉴욕에 온 카라얀은 11월 13일부터 23일까지 총 8차례의 연주회를 지휘했다. 이때
프로그램은 모차르트 '교향곡 40번', 리하르트 슈트라우스 '영웅의 생애' 등이었다.
카라얀이 사망하던 해에 카라얀은 번스타인과 한 연주회 무대에 서는 합동 연주회를
제의했었다.
카라얀은 "오케스트라는 어디가 좋을까? 역시 베를린 필을 지휘하고 싶은가?"라고 묻자
번스타인은 "베를린 필 음악가들은 버릇이 없다. 당신을 상임지휘자로 원치 않는 것만
봐도 그렇다"고 하며 빈 필을 지휘하기를 희망했다.
이에 카라얀은 크게 기뻐했다 한다. 둘은 이 연주회를 손꼽아 기다렸지만 카라얀의
사망으로 결국 무산되고 말았다. 번스타인은 카라얀과 관련하여 깊은 존경심을 표하는
일이 많았다고 한다.
번스타인은 젊은 시절 어느 날 집에서 토스카니니가 지휘하는 베를리오즈의 '로미오와
줄리엣' 음반을 듣고 있었다.
그런데 문득 생각난 연주와 관련된 질문이 있어 토스카니니의 자택을 찾아갔다. 그러나
음반실을 관리하고 있던 토스카니니의 아들이 외출하고 '질문에 대해서는 나중에 편지로
답을 주겠다는 말을 들었다.
그러나 집에 돌아온 번스타인이 다시 레코드를 살펴보니 그것은 토스카니니의 것이
아니라 샤를 뮌슈의 음반이었다.
당황한 번스타인은 바로 착각을 해 미안하다는 편지를 써서 전하려 했는데 그보다 먼저
토스카니니로부터 답장이 도착했다.
조심조심 편지를 펼쳐 읽어 보았다. 거기엔 이런 내용이 씌어 있었다.
"자네의 지적을 받고 내 음반을 다시 들어보았네. 내 해석엔 잘못이 없다고 생각했지만
또 완벽한 것이라고도 할 수는 없겠지. 귀중한 충고 고맙네"
1950년 푸르트뱅글러가 암스테르담 콘세르트허바우 오케스트라를 객원 지휘했을 때
연주회차 암스테르담에 머물던 번스타인은 푸르트뱅글러의 연주회에 참석했고 거기서
브람스 '교향곡 1번'을 듣고 그 연주에 홀딱 반해버렸다.
감격한 번스타인은 연주회가 끝나고 푸르트뱅글러의 분장실을 방문하려 했지만 당시
나치 협력 혐의가 있던 푸르트뱅글러에게 유대인인 번스타인이 방문한다는 것은 매우
위험하다고 관계자가 말렸기에 포기할 수밖에 없었다.
당시 콘세르트허바우 홀 밖에는 반 나치 시위대가 데모를 하고 있는 등 분위기가 매우
험악했다. 그 뒤 이 두 명의 거장이 조우할 기회는 영영 찾아오지 않았다.
그런데 푸르트뱅글러의 일기에 의하면 공연 며칠 뒤 번스타인의 연주회에 푸르트뱅글러가
참석했다고 한다.
젊은 미국 지휘자에 완전히 매료된 푸르트뱅글러는 역시 연주회가 끝나고 번스타인을
만나려 했으나 정치적인 문제도 있고 낯을 가리는 성격 때문에 포기했다고 일기에는
적혀 있었다.
음악계 지휘자들에 대해 신랄한 비판과 독설로 유명한 세르주 첼리비다케의 화살이
번스타인을 피해갈 리는 없었다.
"번스타인은 내 음악세계에는 존재하지 않는 인물"이라고 한 첼리비다케의 독설은
유명하다.
그러나 번스타인이 1990년 사망했을 때 첼리비다케는 번스타인에 대해 "그와 나는
오랫동안 편지를 주고 받았다. 번스타인은 진정한 천재였다. 죽기에는 너무 이른
나이였다"고 그의 죽음을 애도했다.
또 번스타인은 자신보다 12세 연하인 카를로스 클라이버를 깊이 존경하고 있으며
클라이버가 지휘한 푸치니 '라 보엠'을 '가장 아름다운 청각적 체험중 하나'라고 말했다
한다.
클라이버는 1992년 1월 1일 번스타인을 대신해 그가 이루지 못하고 세상을 떠난 빈
신년음악회 지휘대 위에 섰다.
번스타인의 정치적 성향은 좌파였다. 번스타인 뿐 아니라 당시 미국의 많은 예술가들의
정치적 성향은 좌파가 대다수였다.
번스타인은 민주당 열성 지지자였고, 존 F 케네디 대통령을 이상적인 정치가로서
존경했다.
스승인 디미트리 미트로풀로스와 마찬가지로 번스타인은 동성애 성향을 가지고 있었다.
1951년 결혼한 펠리치아와 사이에 세 자녀를 두었고 병상에 누워있던 부인이 암 선고를
받자 헌신적으로 간호하는 등 그는 아내를 깊이 사랑했다.
펠리치아가 1978년에 사망했을 때 만년의 번스타인은 크나큰 정신적 타격을 입었다고
주위 사람들은 회상한다.
이렇게 아내를 깊이 사랑했지만 번스타인은 다른 한 편으로는 자신의 동성애 성향도
숨기지 않았고 남성들과 필요 이상으로 친밀하게 행동하는 경우도 많았다.
펠리치아가 "이제 남자들을 유혹하는 짓은 그만해!"라고 말하면 번스타인은 "무슨
소리야? 예술가란 호민테른(호모 + 코민테른)같은 존재야"라고 응수했다고 한다.
1970년대 중반 번스타인은 CBS사를 떠나 도이치 그라모폰, EMI와 녹음 계약을 체결하고
예전에 녹음한 레퍼토리를 다시 녹음하며 유럽과 미국의 여러 오케스트라들과 다양한
녹음에 착수했다.
이 가운데 EMI와의 계약은 금방 끝나버렸지만 도이치 그라모폰과의 관계는 계속되어
번스타인이 최후의 실황음반을 낼 때까지 파트너십이 유지되었다.
같은 작품이라도 번스타인의 CBS 시대는 발랄하고 약동하는 젊음을 느낄 수 있다면
DG에서는 지휘자로서 원숙함을 느낄 수 있어 평가도 곡마다 음반마다 가지각색이다.
그라모폰의 녹음 중 대부분이 처음부터 음반으로 판매할 것을 염두에 둔 라이브
레코딩으로 제작된 것도 당시로서는 획기적인 일이었다. 동시에 유니텔이나 방송국의
영상 녹화도 적극적으로 이루어졌다.
1979년~1981년 무렵 발표된 베토벤 교향곡 전곡과 서곡집, 현악 4중주 14번(현악 합주
버전'과 '미사 솔렘니스'는 막시밀리안 셸과 번스타인의 작품해설을 포함한 오스트리아
방송협회가 제작한 TV 미니시리즈 '베토벤/번스타인'과 나란히 녹음되었다.
이 무렵 1979년 10월 4일과 5일에 번스타인은 베를린 필을 지휘했다. 연주된 곡은 말러
'교향곡 9번'이었다.
이 음원은 번스타인이 사망한 뒤 1992년 라이브 음반으로 출시되었다. 열성팬들 가운데
이 녹음을 번스타인의 대표작으로 여기는 이들이 적지 않다.
정열적이고 탄탄한 음악 만들기가 매력이었던 번스타인은 만년에는 넓고 중후한 표현을
선호하게 되었다. 때로는 지극히 주관적인 연주를 전개하면서 악보에서 표현할 수 있는
한계라고 할 정도의 감정이입도 마다하지 않았다.
위에서 언급했지만 CBS 시대의 패기와 DG 시대의 원숙미로 구분할 수 있는 번스타인의
음반들 가운데 두 종의 말러 교향곡 전집은 어느 한 곡도 빼놓을 수 없는 가치를 지닌다.
CBS(소니 뮤직)의 전집은 친절하고 정리된 느낌이며 DG는 짙고 대담하고 표현이 깊다.
그 외 빈 필을 지휘한 베토벤 '교향곡 전집'(DG)과 브람스 '교향곡 전집'(DG), 시카고
심포니를 지휘한 쇼스타코비치 '교향곡 7번'(DG), 거슈윈 '랩소디 인 블루'(소니 뮤직)
등도 들어봐야 할 번스타인의 음반이다.
2000년 10월, 번스타인의 사후 10주기를 맞아 뉴욕 필 자체 제작 앨범인 '번스타인
라이브(Bernstein Live)' 10CD가 발매되기도 했다.
이 가운데에는 바그너 '신들의 황혼'이라든지 브루크너 '교향곡 6번' 등 정규반에
남아있지 않은 특별한 레퍼토리도 눈에 띈다.
빌헬름 켐프와 협연한 베토벤 '피아노 협주곡 3번', 재클린 뒤 프레와 함께한 슈만
'첼로 협주곡' 등 특별한 공연도 공식적인 기록으로 출시되었다.
■ 약력
1943 뉴욕필하모닉 심포니 데뷔 연주회
1957 '웨스트 사이드 스토리' 작곡
1958~1972 청소년 음악회 시리즈 진행
1958~1969 뉴욕 필 상임지휘자
1969 뉴욕 필 상임지휘자 사임
1979 베를린필과 말러 '교향곡 9번' 지휘
1989 베를린 장벽 붕괴 - 베토벤 '합창 교향곡' 지휘
2. Brahms, Symphony No.4 in Mi Minor e-moll Op.98
Sergiu Celibidache(cond), Munchner Philharmoniker
I. Allegro non troppo
II. Andante moderato
III. Allegro giocoso
IV. Allegro energico e passionato
♣ 브람스 교향곡 4번 Op.98
브람스의 첫 번째 교향곡은 유난히 베토벤의 교향곡을 닮았다. 이 곡에서 팀파니는 마치
베토벤의 '교향곡 제5번'의 '운명'의 동기를 닮은 리듬을 집요하게 반복한다.
그 때문에 당대의 뛰어난 피아니스트이나 지휘자이며 음악평론가인 한스 폰 뷜로는
브람스의 '교향곡 제1번'을 가리켜 '베토벤의 제10번'이라 불렀다.
이후 브람스는 교향곡 두 곡을 더 작곡했는데 그 중 '교향곡 제2번'은 '브람스의 전원',
'제3번'은 '브람스의 영웅'에 비유되면서 여전히 베토벤의 교향곡과 유사하다는 혐의에서
벗어나지 못했다.
하지만 '교향곡 제4번'은 진정한 브람스만의 음악이며 아무도 이 교향곡을 베토벤의
작품에 빗대지 않았다.
이 교향곡을 채색하고 있는 클라리넷과 비올라의 중음역과 첼로와 호른의 저음역이 강조된
무채색의 사운드 그리고 사이사이에 간간히 묻어나는 진한 고독감은 브람스 음악 특유의
깊이를 담고 있다.
1885년, 이미 세 곡의 훌륭한 교향곡을 통해 교향곡 작곡가로서의 능력을 입증해낸
브람스는 이제 인생의 말년에 접어들어 자신만의 음악적 깊이를 교향곡에 담아내고자 그의
마지막 교향곡의 작곡에 심혈을 기울였다.
마침내 '교향곡 제4번'이 완성되자 브람스의 옹호자였던 당대의 음악평론가 한슬리크는 이
작품을 가리켜 “어두움의 근원”이라 불렀다.
브람스의 단조 교향곡들 가운데 유일하게 피날레에서 장조의 환희로 변하지 않고 단조의
우울함을 그대로 간직하고 있기 때문이리라.
이로써 브람스는 '어둠에서 광명으로' 향하는 베토벤 풍의 구도를 버리고 어둠으로부터
비극으로 침잠해 가는 자신만의 교향곡 모델을 확립하게 된 것이다.
서주 없이 곧바로 제1주제로 시작하는 제1악장 알레그로 논 트로포(빠르게, 그러나
지나치지 않게)의 도입부는 고통의 흔적을 보여주기보다는 오히려 인생을 관조하듯
초연하게 펼쳐진다.
3도 하행, 6도 상행의 연쇄로 이루어진 이 주제를 음이름으로 풀어보면
B-G-E-C-A-F-D#-B로서 3도씩 계속 하행하는 형태가 된다.
마치 나락 없는 심연으로 추락하는 듯하다. 추락하는 주제 선율은 쉼표들 사이로 띄엄띄엄
제시되고 있어 더 무뚝뚝하고 기묘하게 들려온다.
제2주제의 선율은 좀 더 표정이 풍부하고 서정적이지만 첼로와 호른의 어두운 음색으로
채색되고 있어 가라앉은 분위기를 풍긴다.
2악장 안단테 모데라토(걷는 듯 보통 빠르기로)는 매우 독특하다. 브람스는 호른으로
연주하는 도입부의 선율을 중세의 교회 선법 중 하나인 프리지아 선법으로 작곡했는데
여기서 베토벤보다 더 먼 과거로부터 교향곡에 대한 새로운 해답을 얻고자 했던
브람스의 의도가 드러난다.
호른의 선율로 시작하는 도입부는 음악적인 주제라기보다는 거룩한 종교적 선언처럼
들리며 고풍스러운 분위기를 풍긴다.
호른의 선언적인 주제는 현악기의 피치카토를 배경으로 흐르는 클라리넷으로 이어지면서
엄숙하고도 차분한 색채를 더해가고 이윽고 현악기의 서정적인 노래로 이어지면서 듣는
이의 마음을 사로잡는다.
3악장 알레그로 지오코소(빠르고 즐겁게)는 '바커스의 축제'라 불릴 정도로 화려하고 힘에
넘치는 음악이다.
하지만 형식만큼은 전통에서 결코 벗어나지 않는다. 브람스는 대체로 그의 교향곡에
간주곡적인 성격의 3악장을 써넣었으나 이 교향곡에서는 오히려 전통적인 스케르초로
회귀하는 모습을 보여준다.
힘차게 제시되는 제1주제와 춤곡과 같은 제 2주제, 피콜로와 트라이앵글의 화려한 색채는
1, 2악장의 차분함과는 매우 대조를 이루고 있다.
그러나 1악장 제1주제의 중심이 되었던 3도 음정이 여전히 중요한 모티브로 사용되고
있다는 점에서는 앞의 악장들과 긴밀한 관련이 있다.
브람스는 4악장 알레그로 에네르지코 에 파쇼나토(빠르고 힘차게 그리고 열정적으로)에서
또다시 과거로 회귀한다.
특이하게도 그는 바흐 이후에 퇴색해 버린 샤콘느를 이 악장의 기본 형식으로 도입했다.
짧은 주제가 낮은 성부에서 계속 되풀이되는 동안 위 성부에서 계속 변주가 이루어지는
샤콘느는 바로크 시대에 성행했던 변주 기법들 중 하나다.
일찌기 바흐의 '무반주 바이올린을 위한 파르티타' 제2번의 '샤콘느'에 큰 감명을 받아왔던
브람스는 바흐의 칸타타 제150번 '주여 저는 당신을 바라나이다'의 주제를 바탕으로 샤콘느
형식의 작품을 만들고자 했으나 실행에 옮기지 못했다.
1885년 '교향곡 제4번'을 작곡하면서 이 주제를 약간 다듬어 마지막 악장의 모티브로
삼았던 것이다.
샤콘느 주제는 4악장 도입부에서 트롬본으로 힘차게 연주되며 변주가 진행되는 동안 다양한
방식으로 재현된다.
하나하나의 변주가 연주될 때마다 이 짧은 주제를 능수능란하게 다루는 브람스의 놀라운
변주기법을 확인할 수 있다.
비장미 넘치는 샤콘느 주제가 반복되는 동안 음악적인 갈등은 점점 심화되고 마침내
비극적인 단조의 결말을 향해 숨 가쁘게 치닫는다.
브람스의 '교향곡 4번'은 1885년 10월 25일에 마이닝겐에서 작곡가 자신의 지휘로
초연되었다.
초연 후 11년이 지난 1896년 브람스는 교향곡 제4번의 악보를 펼치고 1악장의 첫 4음인
B-G-E-C 위에 “오! 죽음이여, 오 죽음이여!”라고 적었다.
그리고 이듬해인 1897년에 브람스는 영원한 안식을 찾았다.
■ 추천음반
브람스 교향곡 제4번의 명반으로는 카를로스 클라이버가 지휘하는 빈 필하모닉(DG)의 생기
넘치는 연주가 유명하다.
레너드 번스타인이 지휘하는 빈 필하모닉(DG)의 드라미탁한 연주 역시 색다른 감흥을
전해준다.
헤르베르트 블롬슈테트가 지휘하는 게반트하우스오케스트라(Decca)의 정제된 연주 또한 좋은
평가를 받고 있다.
첼리비다케와 뮌헨필(EMI)의 연주는 첼리비다케의 절제되면서도 강렬한 느낌이 살아있는
명반이다.
사이먼 래틀 경이 지휘하는 베를린 필하모닉(EMI)의 최근 음반에는 브람스 음악에 대한
현대적인 관점을 드러나고 있어 흥미롭다.
세르주 첼리비다케 (Sergiu Celibidache, 1912/ 6/ 28 ~ 1996. 8. 14)
지휘자 세르주 첼리비다케는 1912년 루마니아 네암츠 주의 로만에서 태어났다.
여섯 살 때부터 피아노를 배운 그는 부카레스트에서 음악과 철학과 수학을 공부했다. 그 뒤
파리에 유학해 21세까지 학업에 정진했다.
첼리비다케는 1936년 우리나라의 손기정 선수가 월계관을 썼던 독일 베를린으로 가 베를린
대학과 베를린 예술대학에서 철학, 수학, 작곡, 지휘를 공부했다.
베를린 예술대학의 교수였던 작곡가 하인츠 티센은 이 시절 첼리비다케의 은사로 그에게 큰
영향을 끼쳤다.
그는 '20세기의 위대한 지휘자 시리즈' 음반 첼리비다케 편에서 하인츠 티센의 작품 '햄릿
모음곡'을 연주하고 있다.
베를린에 머무는 동안 첼리비다케에게 강한 영향을 끼친 지휘자는 빌헬름 푸르트뱅글러였다.
이 시절 푸르트뱅글러가 지휘하는 베를린 필의 공연은 거의 하나도 놓치지 않고 들으며
거장의 음악을 온몸으로 빨아들였다.
첼리비다케는 제2차세계대전 중에도 베를린에 머물렀고 전쟁이 끝날 때까지 베를린을 지켰다.
제2차세계대전이 끝나고 1945년 푸르트뱅글러를 비롯한 유명 지휘자들은 친 나치 혐의로
활동을 중단하고 근신 생활에 들어가야 했다.
이에 따라 푸르트뱅글러를 대신하여 러시아 출신의 지휘자 레오 보르하르트가 베를린 필을
지휘하게 되었다.
그런데 보르하르트가 어떻게 대지휘자 푸르트뱅글러를 대신할 수 있었을까?
사회주의 혁명으로 1920년 독일로 이주한 보르하르트는 베를린 크롤 오페라에서 오토
클렘페러의 부지휘자로 활동한 경력을 시작으로 베를린 국립오페라와 베를린 필을 객원
지휘했었다.
전쟁 중 베를린에 칩거하며 반 나치 지하조직에 참가해 유대인 음악가들을 도운 보르하르트는
전쟁이 끝나고 혼란 속에서 흩어졌던 베를린 필 단원들을 불러 모았다.
베를린을 점령하고 있었던 소련군 사령관은 러시아어가 유창하고 반 나치 활동을 했으며
음악적으로도 뛰어났던 보르하르트를 눈여겨보았다.
그리고 그를 베를린 필 임시 지휘자로 임명했다.
1945년 5월 26일 보르하르트가 지휘한 베를린 필은 전쟁 후 첫 연주회를 가졌다.
그러나 첫 연주회 이후 불과 3개월 뒤인 8월 23일 보르하르트가 탄 자동차는 미군의 정지
신호를 듣지 못했다.
미군 경비병은 위협사격으로 타이어를 쏜다는 것이 뒷자석에 앉아있던 보르하르트의 머리를
명중시키고 말았다. 안타까운 일이었다.
베를린 필은 후임 임시지휘자 물색 작업에 들어갔고 지휘자 오디션을 개최했다.
스승 하인츠 티센의 권유로 참가한 첼리비다케는 당일 오디션 시간에 늦고 말았다.
그러나 그가 과제곡인 브람스 '교향곡 4번' 1악장(브람스 '교향곡 1번'이었다는 설도 있다)을
지휘하자 심사위원들은 만장일치로 첼리비다케의 손을 들어주었다.
이렇게 해서 보르하르트가 불의의 사고로 세상을 뜬지 불과 엿새 만에 첼리비다케가 베를린
필 야외 콘서트 지휘대에 서게 됐다.
공연 프로그램은 로시니 '세비야의 이발사' 서곡, 베버 '바순 협주곡', 그리고 드보르자크
'교향곡 9번 '신세계로부터' 였다.
연합군 측에서 볼 때 첼리비다케를 베를린 필 지휘자로 발탁한 데에는 독일 문화에서 나치의
색채를 씻어내려는 뜻도 담겨 있었다.
그런데 첼리비다케가 베를린 필을 두 번째 지휘했을 때의 프로그램을 보면 멘델스존 '교향곡
4번 '이탈리아''와 바그너 '탄호이저 서곡'이 한데 들어있다.
첼리비다케는 왜 나치 치하에서 유대인의 작곡이라 경원시됐던 작품과 히틀러가 좋아했던
작곡가의 작품이 나란히 연주했을까?
아마도 정치적 프로파간다에서 해방된 순수한 음악 그 자체의 전달을 의도했던 첼리비다케의
뜻이었을 것이다.
베를린 필 지휘자 시절 젊은 단원과도 격의 없이 이름을 불렀고 음식을 함께 나눠 먹기도
하면서 패전 이후 베를린의 혼란기를 극복해 나갔다.
유명한 독주자를 해외에서 초청할 여건이 안 되었던 당시 베를린 필의 내실을 기하는 데
힘썼다.
특히 프랑스와 러시아 음악들로 새로운 레퍼토리를 개척했다.
활동 초기 평론가들의 반응도 좋았고 베를린 필을 많이 지휘한 경험도 많았기 때문에
첼리비다케는 이변이 없는 한 푸르트뱅글러 이후 차기 수석 지휘자로 손꼽혔다.
푸르트뱅글러를 깊이 존경하고 있던 첼리비다케는 재판에서 푸르트뱅글러가 나치 협력 혐의를
벗을 수 있도록 하기 위해 동분서주했다.
그 2년 뒤인 1947년 푸르트벵글러는 베를린 필에 복귀했다.
당시 베를린 필 단원들은 하루라도 빨리 푸르트뱅글러의 복귀를 바라고 있는 분위기였다.
첼리비다케가 지긋지긋할 정도로 요구하는 높은 연주수준에 맞춰야 했기 때문이다.
첼리비다케는 베를린 필 단원들에게 엄청난 수준의 연습과 정교한 연주 기술을 요구했다.
게다가 만년에 난청으로 고통받고 있던 푸르트뱅글러가 그냥 넘어갔던 부분을 귀가 훨씬 밝은
첼리비다케는 결코 좌시하지 않았다.
그는 오케스트라 구석구석 요소요소에 존재하는 문제점을 짚어냈다.
또 첼리비다케는 자신의 요구대로 움직이지 않는 단원은 오디션을 통해 교체하고 싶어했으며
이같은 움직임에 불안해하는 단원들도 많았다.
화려한 동작, 제자리 걸음, 기합소리, 신음소리들까지 동원되었던 첼리비다케의 전대미문의
지휘 스타일은 베를린 청중들에게 비판을 받기도 했다.
이런 일련의 분위기가 탐탁치 않았던 첼리비다케는 베를린 필의 지휘 횟수를 줄이고 런던에서
객원 지휘활동을 시작했다.
이후 유럽 전역에서 중남미에 이르기까지 객원 지휘 오케스트라의 범위를 확대하고 점차
베를린 필과 거리를 두기 시작했다.
그리고 푸르트뱅글러가 사경을 헤매며 병상에 누워있는 바로 그 때 첼리비다케는 베를린 필과
'독일 레퀴엠' 리허설에서 큰 충돌을 일으켰다.
단원들과 갈등은 최고조에 이르게 된다.
그날 이후 38년 뒤 1992년 3월 31일 처음이자 마지막으로 복귀 콘서트를 가질 때까지
첼리비다케가 베를린 필을 지휘하는 일은 없었다.
그리고 그 이후는 너무나도 유명한 베를린 필의 역사 그대로였다.
1954년 푸르트뱅글러가 서거하자 베를린 필의 상임지휘자는 카라얀으로 결정났다.
첼리비다케는 이탈리아 공영 방송국 RAI(Radiotelevisione Italiana)에 소속된 여러
오케스트라(토리노, 로마, 밀라노 등)과 스웨덴 방송교향악단, 덴마크 국립교향악단 등 유럽의
여러 오케스트라를 전전하며 객원지휘 활동을 하고 있었다.
1971년 그가 남서독일방송교향악단(현 슈투트가르트 방송교향악단) 창립 25주년 기념 콘서트를
지휘한 브루크너 '교향곡 7번' 연주는 화제를 불러 일으켰다.
슈투트가르트 방송교향악단 단원들과 관계자들은 첼리비다케의 지휘에 매혹됐다.
첼리비다케는 잘 알려진 것처럼 녹음을 무척 싫어했다.
그러나 이후 약 10년 동안 그가 원하는 만큼 연습하고 그 대신에 그 연주를 녹음하고 방송하는
것을 첼리비다케가 묵인하는 형태로 지휘자와 악단의 긴밀한 관계는 계속됐다.
1979년부터 첼리비다케는 뮌헨 필하모닉 오케스트라의 상임 지휘자로 취임했다.
그 3년 뒤 1982년 그는 슈투트가르트 방송 교향악단을 떠났다.
방송 녹화된 연주가 본인의 뜻과 달리 편집됐다는 이유였다. 이후 만년의 첼리비다케는 뮌헨
시의 예술 감독이 되었다.
독설가로 유명한 첼리비다케는 다른 지휘자들을 거침없이 비판했다.
카라얀에 대해서는 "그는 천재가 아니며, 젊은 음악가에게 심각한 독이 될 수 있다는 본보기"라고
했고, 카를로스 클라이버에 대해서는 "그는 음악이란 무엇인지 한 번도 체험한 적이 없었을
것"이라 했다.
그런가 하면 로린 마젤에 대해서는 "칸트를 읽는 두 살 짜리 어린애"라고 했고 리카르도 무티는
"가장 뛰어난 재능을 가졌지만 교양이 결여된 지휘자"라고 일침을 놓았다.
카를 뵘이 뮌헨 필을 객원지휘하려했을 때 첼리비다케는 "고구마 포대, 쌍봉낙타 같이 둔한
지휘자가 모차르트, 베토벤 스페셜리스트라 불리는 것은 어불성설"이라고 독설을 퍼부었다.
마침 당시 이 말을 듣고 마음이 상했던 뵘은 연주 계약해지 통보로 간주하고 출연을 취소했다고
한다.
그런데 그런 첼리비다케가 나중에 뵘이 몸이 아파서 지휘할 수 없게 된 런던 심포니 오
케스트라의 대타 지휘를 기꺼이 맡았을 때 '알 수 없는 사람'이라는 반응이 나왔다.
첼리비다케의 리허설은 모든 소리가 원하는 대로 나올 때까지 철저하게 진행되었다.
협주곡을 제외하고는 모두 암보로 지휘했다. 오페라는 지휘하지 않았다.
1947~1948년 경 푸르트뱅글러와 함께 떠난 베를린 필의 영국 연주 여행을 전후해 첼리비다케는
처음으로 공식적인 레코딩을 제작했다.
베를린 필을 지휘하여 멘델스존의 '바이올린 협주곡', 프로코피예프 '교향곡 1번 '고전' 등을
녹음했으며, 런던 필을 지휘하여 모차르트 '교향곡 25번', 차이콥스키 '교향곡 5번'과
'호두까기인형 모음곡' 등을 영국에서 레코딩했다.
첼리비다케는 이때 자신의 녹음 재생을 듣고 "아무래도 엔지니어가 템포를 만진 것 같다"며
불만을 토로했다.
마이크에 의한 녹음이 한계가 있다고 깨달은 이후 음반 발매를 기피했으며 소수의 예외를
제외하고는 좀처럼 녹음을 하지 않았다.
첼리비다케가 인정한 유일한 공식 녹음은 유니세프 자선 레코드인 스스로 작곡한 '비밀의
상자'(도이치 그라모폰)였다.
만년에는 영상물을 적극적으로 출시해 첼리비다케 기록물에 목마른 애호가들의 갈증을 적셔
주었다.
1996년 첼리비다케의 사후 유족들은 비정규 해적음반이 범람하는 것이 두렵다는 이유로 미발표
리사이틀 기록을 EMI와 도이치 그라모폰에서 공식 CD로 발매하도록 했다.
정규반으로 발매된 그의 모든 레코딩은 수집 대상이다.
그 중에서도 특히 EMI에서 나온 뮌헨 필과의 브루크너 교향곡집과 DG에서 발매된
슈투트가르트 방송교향악단의 '브루크너 교향곡집', 알투스(Altus)에서 발매된 브루크너
'교향곡 5번'과 '8번' 등은 반드시 들어볼 만하다.
첼리비다케는 선불교도였다.
존 케이지와 마찬가지로 그 연주와 해석에도 선불교 사상이 반영되어 있다.
첼리비다케는 "음악이란 말로 이야기되는 것이 아니고 단지 체험일 뿐이다"라고 설파했다.
실제 첼리비다케의 연주를 들어보면 곡에 대한 철저한 구조 분석에 의한 구성의 통일이 엿보이며
그것을 구현하기 위해 때로는 극단적인 템포와 음정의 변화를 느낄 수 있다.
극과 극은 통한다는 말이 있는데 음반을 기피한 첼리비다케와 음반만을 추구한 글렌 굴드, 이
둘이 추구한 완벽한 음악의 세계는 뫼비우스의 띠처럼 맞닿아 있다.
첼리비다케는 자신의 모든 음악적 통찰력은 푸르트뱅글러로부터 배웠다고 했다.
푸르트뱅글러가 인터뷰에서 템포 설정에 대해 질문을 받자 "그것은 소리가 어떻게 영향을
주는 가에 달렸다"고 대답한 것을 첼리비다케는 잊지 못한다고 말했다.
그때 첼리비다케는 홀의 음향 등 여러 요소를 무시하고 메트로놈 숫자처럼 원래 정해진 것과
같은 템포 설정은 무의미하다는 것을 깨달았다고 한다.
또한 그는 높은 순도의 하모니와 악기간의 균형 또한 철저하게 추구했다.
그가 연습시키는 오케스트라는 실내악적으로 서로의 음을 듣는 훈련을 반복했다.
만년의 첼리비다케 연주를 보면 템포가 매우 느려졌음을 알 수 있다.
마지막 해인 1996년 유명한 브루크너 '교향곡 8번' 리스본 실황을 들어보면 러닝타임은 약 105분
정도로, 보통 80분 내외의 해석보다 훨씬 길다.
첼리비다케는 자신이 이해할 수 없는 현대음악은 연주하지 않았다.
이탈리아의 실바노 부조티가 자신의 스코어를 보여주고 "혼돈의 음악"이라 설명했을 때 "그런
애들 같은 생각이 담긴 음악은 연주하고 싶지 않다"고 거부했다.
그는 신 빈악파 이후의 무조음악은 결코 연주하지 않았다.
첼리비다케의 건강이 조금만 더 좋았다면 우리는 1996년에 뮌헨 필을 지휘하는 그를 볼 수
있었을 것이다.
1997년 4월 그를 대신한 주빈 메타와 내한했던 뮌헨 필의 연주는 지금도 잊혀지지 않는다.
그들이 연주한 베토벤 '교향곡 5번'과 차이코프스키 '교향곡 5번'은 지금도 뇌리 한 구석에
충격으로 고스란히 남아있다.
먼지를 털면 반짝반짝 광이 나는 추억이다. 굵직한 관악군을 중심으로 소용돌이친 이들의 연주는
정녕 헤비급이었다.
■ 약력
1945~1952 베를린 필 상임지휘자 대우
1945~1946 베를린 방송교향악단 상임지휘자
1960~1963 덴마크 국립관현악단 수석객원지휘자
1965~1971 스웨덴 방송교향악단 음악감독
1971~1979 슈투트가르트 방송교향악단 음악감독
1974~1975 프랑스 국립관현악단 수석객원지휘자
1979~1996 뮌헨 필하모닉 오케스트라 예술감독
3. Brahms, Piano Concerto No.2 in B flat major, Op.83
Wilhelm Backhaus(Pf) / Carl Schuricht(cond), Wiener Philharmoniker
I. Allegro non tropo
II. Allegro appassionato
III. Andante
IV. Allegretto grazioso
♣ 브람스 피아노 협주곡 2번 B 플랫 장조 Op.83
이탈리아 여행을 마치고 돌아온 브람스는 1881년 3월 빈 근교에 있는 프레스바움에
머물면서 새로운 피아노 협주곡을 구상해냈다.
여행에서 받은 인상과 샘솟은 영감을 토대로 대단히 빠른 속도로 작곡하여 불과 3개월
정도가 지난 뒤에 피아노 협주곡의 대부분의 파트를 완성할 수 있었고 그 해 여름
무렵에 총보를 완성했다.
그리고 그는 절친한 친구이자 스승인 에두아르트 막센에게 자신의 두 번째 피아노
협주곡을 헌정했다.
1881년에야 비로소 브람스는 자신에게 지대한 영향을 끼쳤던 이 대가에게 만족스러운
음악을 처음으로 바쳤다는 사실은 브람스의 신중한 성격을 드러내기에 충분하다.
피아니스트로서도 탁월한 재능을 지녔던 브람스는 젊은 시절부터 피아노 협주곡에 대한
악상에 사로잡히곤 했다.
그러나 그는 자신에게 무자비할 정도로 철저했던 완벽주의자로서, 자신의 '현악 4중주
1번'을 발표하기 이전에 작곡한 20여곡의 습작 현악 4중주 모두를 폐기해버렸을 정도다.
더군다나 슈만으로부터 영향을 받았을 피아노에 대한 애정과 협주곡 양식에 대한
의무감을 표출해야만 했던 그가 단 두 개의 피아노 협주곡만을 남겼다는 사실 또한
그가 그 이전에 얼마나 혹독한 자기검열을 거쳤는가를 반증해 준다.
게다가 두 곡 사이의 작곡 시기는 거의 4반세기 정도의 격차를 두고 있을 뿐만 아니라
그 스타일과 관점 또한 현저하게 상이하다.
'1번 협주곡'은 끝없이 진행되는 연속성과 불타오르는 듯한 비르투오시티, 폭풍우를
연상시키는 듯한 다이내미즘 등등을 연상시키며 젊은 브람스의 대범하면서도 열정적인
모습을 반영한다.
그러나 '2번 협주곡'은 독창성과 표현력에 있어서 여전히 작곡가의 전형적인 모습을
보여주지만 그 내용에 있어서 극단적인 표현을 자제하며 여유로움과 사색을 즐기고자
하는 노대가의 관조적인 모습을 담고 있다고 말할 수 있다.
'피아노 협주곡 2번'의 가장 독창적인 면모는 협주곡의 전통적인 3악장 형식에서
벗어나 극적인 효과를 배가시키는 스케르초 악장이 하나 더 포함되어 있다는 점을
손꼽을 수 있다.
이 협주곡은 피아노와 오케스트라를 위한 교향곡 형식의 작품으로 종종 오해받곤
하거나 피아니스트의 비르투오소적인 자기 과시가 없기 때문에 더더욱 교향악적인
작품으로 낙인찍히곤 했다.
그러나 피아노 협주곡은 본질적으로 자기과시를 위한 장르도 아니고 교향곡으로서의
이디엄을 흉내낸 장르 또한 아니다.
오히려 역사적으로 보았을 때 성악곡 가운데 아리아 형식과 깊은 관련을 맺고 있기
때문에 독주자 개인이 오케스트라에 대등한 위치를 점유하며 하나의 소리를 만들어낼
수 있는 카리스마와 테크닉(결코 외향적인 이유만은 아닌), 그리고 이를 감싸주며
전체의 흐름과 구조를 리드해나가는 지휘자와 오케스트라의 거시적인 시각의
조화야말로 협주곡 장르의 독립적인 이상이라고 말할 수 있다.
이러한 관점에서 비발디, 텔레만, 바흐를 비롯한 협주곡 장르의 대가들 이후
모차르트와 하이든, 베토벤, 베버, 슈만을 거친 뒤, 특히 현대화된 피아노라는 악기에
부합한 협주곡 양식의 새로운 가능성을 보여준 작품이 바로 브람스의 '피아노 협주곡
2번'이다.
협주곡 양식이라는 측면에 있어서 형식적으로 확대된 것은 물론이려니와 피아노와
오케스트라에 대한 역할 분담 또한 다양해진 발전적인 모습을 담고 있는 이 협주곡은
브람스 개인의 정서적인 측면에 있어서도 이전보다 한층 원숙하고 사색적으로 변화한
동시에 완벽주의적인 성격 또한 더욱 정교해졌음을 어렵지 않게 알 수 있다.
■ 추천음반
독일 피아니즘의 거장 빌헬름 박하우스가 칼 뵘이 이끄는 빈 필하모닉과 함께 만년에
녹음한 음반(DECCA)은 연주자들에게 얹어진 역사성과 형언할 수 없는 거장성이 데카
녹음팀의 혁신적인 레코딩 테크놀로지에 의해 포착된 기적적인 연주라고 말할 수 있다.
한편 러시아의 에밀 길렐스는 오이겐 요훔이 이끄는 베를린 필하모닉(DG)과 서정성
높은 아름다운 자태를 발산하는 강철의 성을 쌓으며 박하우스와는 대조적인 관점을
보여주는 또 다른 명연을 탄생시켰다.
디지털 시대에 접어들어 레너드 번스타인은 빈 필하모닉을 이끌고 크리스티안
치메르만과 함께 녹음하여 개성적이면서도 현대적인 훌륭한 녹음(DG)을 만들어낸 바
있다.
가장 최근의 녹음으로는 최고의 음향을 자랑하는 콘세트르허바우 오케스트라를 지휘한
리카르도 샤이가 넬슨 프레이레와 함께 이 작품에 담긴 풍부한 음향과 세밀한 표현의
조화를 이끌어낸 음반(DECCA)을 추천할 만하다.
빌헬름 박하우스 (Wilhelm Backhaus, 1884. 3월 26. ~ 1969. 7. 5)
금세기의 독일 최대의 피아니스트로서 라이프찌히에서 상업을 하는 집안에서 태어났으나
음악 애호가인 모친에게서 어릴 때부터 피아노의 기초를 배웠다.
1891~1899년까지 이곳에서 알로이스 레켄도르프의 레슨을 받았다.
1898년에 프랑크푸르트에 가서 대 피아니스트인 오이겐 달베르의 문하에 들어가 연주
활동과 작곡에 전념하기 위해 당시 한 사람의 제자도 없었던 이 거장의 유일한 제자가
되어 그 테크닉을 연마하여 베토벤을 비롯한 레퍼터리를 배워서 연주가로서의 기초를
완성시켰다.
1900년에는 처음으로 런던에 연주 여행하여 정식했다. 같은 해 고향인 라이프찌히에서
명지휘자 니키시가 지휘하는 게반트하우스 관현악단과도 협연하여 성공을 거두고
피아니스트로서의 본격적인 연주 활동에 들어갔다. 그
러나 박하우스가 세계적으로 알려지게 된 것은 1905년 파리에서 루빈슈타인 상을 수상하고
부터이다.
1912년에는 미국에서도 데뷔하여 호평을 얻었고 1913년과 1914년에 연속해서 방문한 외
유럽 각지는 물론 남미에도 활발히 연주 여행했다.
또 이 사이의 1905년에 맨체스터 왕립 음악학교, 1907년에 졸델스하우젠의 음악원,
1925~1926년에는 커티스 음악원에 초청받아 가르쳤으나 시간이 부족해 모두 단기간에
사임하했다.
제 1 차 대전 중에 병역에 복무한 시기를 제외하고 오로지 연주 할동에 전념했다.
제 2차 대전 후는 스위스의 루가노에 자리잡고 켐프와 함께 독일 음악의 최고의 해석자로서
조금도 쇠퇴하지 않는 활동을 계속하여 1969년 6월36일의 최후의 콘서트까지 항상 전세계의
존경을 받았다.
1969년 7월 5일에 피라하에서 세상을 떠났다.
강인하고 완벽한 테크닉을 갖고 스케일이 큰 박하우스의 연주는 '건반의 사자왕'이라고
불리기에 어울리는 남성적인 힘에 넘쳐 있다.
그러나 그 연주는 결코 극단적인 표현을 초래하는 것이 아니고 항상 작품에 대한 깊은 공감과
뛰어난 지성에 의해 두텁게 뒷 받침되고 있으며 균형이 잡힌 안정된 구축성 속에 숭고하고
더구나 인간적인 따뜻함을 잃는 일이 없는 풍부한 음악을 실현하고 있다.
특히 베토벤과 브람스에 있어서 그 표현은 타의 추종을 불허하는 깊은 내용을 갖추고 있다.
4. Brahms, Violin Concerto in D Major Op.77
David Oistrakh(Vn) / George Szel(cond), Cleveland Orchestra
I. Allegro Non Troppo
II. Adagio
III. Allegro Giocoso, Ma Non Troppo Vivace - Poco Pio Presto
♣ 브람스 바이올린 협주곡 D 장조 Op.77
1870년대는 브람스에게 매우 생산적인 시기였다. '하이든 주제의 의한 변주곡', '교향곡 1번'과
'2번' 같은 대작들이 이 10년의 기간 동안 작곡되었기 때문이다.
1878년의 여름, 오스트리아의 휴양지 푀르트샤흐(Poertschach)에서 그의 오랜 친구이자
바이올리니스트 요제프 요아힘이 연주한 베토벤의 바이올린 협주곡을 떠올리고 있었다.
처음부터 브람스가 요아힘의 연주에서 영감을 얻은 것은 아니었다.
1877년 여름 바덴바덴에서 파블로 데 사라사테가 연주하는 막스 브루흐의 '바이올린 협주곡
2번'의 초연 현장에 있던 브람스는 이 스페인 출신의 비르투오조에게 완전히 넋이 나갔다.
물론 그는 브루흐의 협주곡에 대해서는 그다지 훌륭하다고 생각하지는 않았지만 독주자의 화려한
바이올린 연주에는 감탄을 표시했다.
브람스는 결국 장엄한 양식의 바이올린 협주곡을 쓰고 싶다는 생각을 더욱 굳히게 되었다.
브람스가 그의 바이올린 협주곡의 모델로 생각했던 것은 베토벤의 협주곡이었지만 조반니
비오티의 '바이올린 협주곡 22번'에서 첫 번째 씨앗을 발견했다.
브람스가 이 협주곡을 작곡하던 바로 그 해에도 요아힘과 함께 비오티의 협주곡을 연주했고
클라라 슈만에게 보낸 편지에서도 칭찬을 아끼지 않고 있다.
“나를 완전히 사로잡은 것은 비오티의 '협주곡 22번'입니다. 대단히 독창적인 상상력이
인상적이었고 요아힘의 연주도 끝내줬죠. 어떻게 이처럼 훌륭한 작품이 제대로 된 평가를 받지
못하고 있는지 이해할 수 없군요.”
브람스가 바이올린 협주곡을 작곡하는 과정에서 요아힘의 역할은 논쟁의 여지는 있지만 많은
부분에서 과장된 것도 사실이다.
실제로 브람스와 요아힘이 교환한 편지를 보면, 이 두 사람은 활발하게 의견을 주고 받았다.
그러나 브람스가 요아힘의 기술적인 조언을 곧이곧대로 받아들인 것은 아니었다.
요아힘은 너무 어려운 기교적인 부분을 수정해달라고 요구했지만 결국 완성된 판본은 브람스의
굳은 의지가 반영된 결과였다.
그럼에도 불구하고 요아힘의 역할은 비록 한정된 부분이지만 분명 브람스의 바이올린 협주곡
탄생에 하나의 역할을 한 것도 사실이다.
1878년 10월 23일, 브람스는 요아힘에게 "지금 아다지오와 스케르초 부분을 어떻게 할까
고민하고 있습니다"라는 편지를 보낸다.
한 달 후에는 "원래 계획했던 2개의 중간 악장을 빼버리기로 결심했고 대신 아다지오를
넣었어요. 이렇게 하는 것이 전체적인 구성에 더 맞다고 생각합니다"
요아힘의 손에 완성본이 전해진 것은 1878년 12월 12일이었고 초연까지는 보름이 조금 넘게
남아 있었지만 리허설이 예정되어 있던 25일까지는 열 이틀 밖에 시간이 없었다.
여전히 요아힘은 클라라 슈만을 포함한 주변 사람들에게 독주 부분이 너무 어렵다고
투덜거렸다.
초연 장소도 계속 표류중이었다. 프라하나 부다페스트가 물망에 오르다가 베를린과 빈으로
그러다 결국 라이프치히로 결정되었다.
1879년 1월 1일, 브람스가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스 오케스트라와 요제프 요아힘의
협연으로 초연되었다.
사라사테 같은 연주자는 브람스의 바이올린 협주곡을 높이 평가하지 않았지만 20세기 초반
에밀 소레와 앙리 마르토 그리고 브로니수아프 후베르만, 아돌프 부슈, 프리츠 크라이슬러
같은 뛰어난 바이올리니스트들이 브람스 연주를 통해 자신들의 명성을 높였다.
현재 이 곡은 베토벤과 멘델스존의 작품과 함께 3대 바이올린 협주곡이라고 불려지는 걸작이
되었다.
1악장 - 알레그로 논 트로포
부드러운 세 박자, 그리고 첫 주제의 3화음 등이 인상적이며 두 개의 주제적 동기가 지닌
리듬의 특성은 매우 흥미롭다.
다섯 개의 4분 음표 음형이 반복되면서 조성된 부드럽고 서정적인 동기는 제1바이올린에 의해
펼쳐지며 다섯 박자 음형의 동일반복은 기초가 되는 세 박자의 갈등 구조는 묘한 긴장감을
불러 일으킨다.
으뜸음과 딸림음에서 지속되는 페달 포인트 위로 독주자는 46마디의 '기교적인 어려움'을
풀어야 한다.
2악장 - 아다지오
매력적인 오보에의 활약이 돋보이는 이 악장은 고독하고 쓸쓸한 정경을 제시한다.
유달리 아름다운 아다지오 악장에 대해 브람스 자신은 그다지 만족하지 않은 것 같다.
독주 바이올린과 오케스트라의 섬세한 대위법을 감상할 수 있다.
3악장 - 알레그로 지오코소, 마 논 트로포 비바체 - 포코 피우 프레스토
여섯 부분으로 된 론도는 독주 악기가 주제를 더블스톱으로 연주함으로써 시작된다.
헝가리의 짚시 스타일의 이 악장은 첼로의 셋잇단음표로 시작되는 코다가 파도처럼 긴장감을
높여나간다.
다만 브람스가 지시했듯이 ‘마 논 트로포 비바체’(그러나 너무 활기차지는 않게)를 염두에
두어야 한다.
저음현의 피치카토에 이어 독주 바이올린은 8분음의 휴지부를 두면서 마무리 된다.
■ 추천음반
조지 셸이 지휘하는 클리블랜드 오케스트라와 협연한 다비드 오이스트라흐(EMI)의 음반은
조화로운 앙상블이 인상적이다.
키릴 콘드라신이 필하모니아를 지휘하고 레오니드 코간이 협연한 음반은 장엄한 스타일이
기억에 남는다.
프리츠 라이너가 지휘하는 시카고 심포니와 협연한 야샤 하이페츠의 음반(RCA)은 상당히
빠른 템포로 박진감 넘치는 연주를 들려준다.
레너드 번스타인이 빈필을 지휘하고 기돈 크레머가 협연한 음반(DG)은 전체적으로 팽팽한
긴장감이 짜릿한 맛을 주고 있다.
다비드 오이스트라흐 (David Oistrakh, 1908. 9. 30 ~ 1974. 10. 24)
20세기 서방세계에서 하이페츠가 그 큰 날개를 펼쳐 모든 바이올리니스트를 가리고 있을 때
그 그늘에서 유일하게 벗어나 있던 또 다른 봉황이 있었다.
그는 바로 구 소련이라는 철의 장막에 갇혀 있었던 다비드 오이스트라흐였다.
러시아를 대표하는 바이올린 전통인 레오폴드 아우어 악파에서 벗어나 있었던 그는 19세기
재정 러시아 시대로부터 내려온 옛 전통으로부터 자유로운 진정으로 '새로운' 러시아 악파를
대변하는 인물이었다.
예술가로서 풍부한 감수성과 남다른 심미안을 가지고 있었던 그는 음악을 자신의 스타일로
끌어당기기보다는 자신이 음악 그 자체로 뛰어들어 매번 새로운 모습으로 변화했다.
한편 까다로움과 예민함의 극한을 달렸던 아우어의 제자들과는 달리 부처와도 같이 후덕한
외모와 인자한 품격 때문에 오이스트라흐는 인간적인 측면에서도 덕이 높았다.
공자께서 말씀하셨던 "흥어시 입어예 성어락(興於詩 立於禮 成於樂, 논어)"의 현현으로
오이스트라흐를 꼽는다 하더라도 모자람이 없을 것이다.
예후디 메뉴힌은 "그의 음색은 저음역부터 고음역까지 순수하고 깨끗하다. 뿐만 아니라 그의
사람됨마저 순수하고 깨끗하다"라고 평가한 바 있다.
메뉴힌은 소련과 런던을 오가며 오이스트라흐와 함께 바흐를 연주했는데 그 또한
오이스트라흐의 음악은 물론이려니와 인품까지를 높이 평가했다.
지휘자 쿠르트 잔데를링은 "그가 연주를 시작하면 갑자기 세계는 더욱 아름다운 곳으로
변화하곤 했다"라고 표현하며 오이스트라흐가 가지고 있는 범접할 수 없는 고유의 아우라에
경의를 표하기도 했다.
사실상 오이스트라흐는 1950년대 이후에서야 비로소 서방세계에 그 모습을 드러낼 수
있었는데 당시 많은 청중들과 비평가, 연주자들 모두 그의 놀라운 연주에 경탄하지 않을 수
없었다.
아니 하이페츠가 세상의 전부가 아님을 비로소 인지할 수 있었던 것이다.
그 때부터 바이올린 세계의 하늘에는 두 개의 태양이 각자의 빛을 발산하며 떠 있을 수 있었던
것이다.
완벽에 가까운 정확한 운지를 바탕으로 그의 레가토는 비할 바 없이 유연했고 아주 짧은
음표에서도 맵시 있는 음향을 만들어내는 활놀림은 건조하다기보다는 믿음직스러웠다.
더 나아가 시종일관 긴장감과 에너지를 응축했다가 격정의 순간에 그가 토해내는 클라이막스는
고귀한 영혼의 거룩한 일갈과도 같은 엄숙함에 가까웠다.
한편 그는 만년에 접어들며 은은한 은빛 칸타빌레를 선보이곤 했다.
이는 이전 시대의 슬라이딩 기법 혹은 현대의 벨칸토적인 칸타빌레와도 전혀 다른 까닭 모를
투박한 질감과 현대적인 날카로움을 동시에 머금고 있었다.
또한 만년의 그가 호흡을 맞추었던 피아니스트 스비아토슬라프 리히테르의 그 엄청난 에너지와
동등한 입장에서 앙상블을 이룰 수 있었던 유일한 바이올리니스트이기도 했다.
이것은 단지 그의 스타일이나 스케일에서 비롯한 것이 아니라 전적으로 음악 그 자체에
몰입하여 그 이치를 발견해내고자 하는 치열한 음악혼을 소유했기에 가능했던 것이다.
그는 서방세계에 모습을 드러내기 이전부터 이미 소련의 명실상부한 단 한 명의
바이올리니스트로 자리매김하고 있었다.
1차대전 이후 소련에는 아우어의 제자 가운데 가장 특별한 재능과 카리스마를 발산했던 미론
폴리아킨이 일종의 '우상'으로 자리잡고 있었지만 때이른 죽음으로 서방세계는 그의 진가를
알 기회 조차 가질 수 없었다.
한편 진정한 인민의 바이올리니스트로 일컬어졌던 보리스 골드슈타인은 천재
바이올리니스트로서 오이스트라흐와 함께 소비에트 바이올린계를 양분할 것으로 기대가
높았지만 정치적 이유로 그는 거의 잊혀진 사람 취급을 받으며 역사의 뒤안길로 사라질 수
밖에 없었다.
모두 왕성한 나이에 요절해버린 레오니드 코간은 오이스트라흐와는 반대의 스타일을 구사하며
독자적인 길을 걸었고 올레그 카간은 오이스트라흐와 비교하기에는 너무 젊었다.
오이스트라흐는 1908년 9월 30일 우크라이나의 남부 도� | 
