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1. Mendelssohn, A Midsummer Night's Dream ~ Overture, Op.21, and Incidental Music, Op.61
Peter Maag(cond), London Symphony Orchestra
I. Overture, Op.21
II. Scherzo, Op.61 No.1
III. "You spotted snakes", Op.61 No.3
IV. Intermezzo, Op.61 No.5
V. Nocturne, Op.61 No.7
VI. Wedding March, Op.61 No.9
VII. Dance of the Clowns, Op.61 No.11
VIII. Finale, Op.61 No.12
♣ 멘델스존 '한여름밤의 꿈'
"내일부터 나는 '한여름 밤의 꿈'을 꾸기 시작할 것입니다"
1826년, 셰익스피어의 '한여름 밤의 꿈'에 깊이 매료된 17세의 멘델스존은 '한여름 밤의 꿈'
서곡으로 그의 꿈을 실현해냈다.
플루트와 바이올린을 중심으로 하는 그 가볍고 경이로운 음향세계는 여태까지 그 누구도
상상할 수 없었던 신비로운 마법의 소리였다.
목관악기가 연주하는 네 번의 코드가 긴 여운을 남기고 부드러운 현악기가 들려오면 갑자기
바스락대는 소리가 귀를 간질인다.
요정의 날갯짓처럼 가벼운 바이올린, 당나귀의 울음소리를 흉내 낸 금관악기 소리는 셰익스피어
희곡의 환상적인 분위기를 꼭 빼닮았다.
일찍이 이 놀라운 음악에 감격한 슈만도 "마치 요정들이 직접 연주를 하는 듯하다"며 칭찬을
아끼지 않았다.
그로부터 17년 후, 꿈같은 사운드로 담아낸 '한여름 밤의 꿈' 서곡은 여러 극음악을 거느린
진정한 서곡으로 거듭났다.
1843년에 멘델스존은 이 서곡에 몇 곡의 음악을 덧붙여 극음악 '한여름 밤의 꿈'을 완성했기
때문이다.
다시 한 번 '한여름 밤의 꿈'을 꾸기 시작한 멘델스존은 서곡을 작곡했을 때보다 두 배나 더
나이를 먹었지만 그의 음악은 여전히 환상과 동심으로 가득했다.
새로 작곡해 덧붙인 극음악은 단순히 연주회용이 아니라 연극 공연을 위한 것이었기에
독창자와 합창이 더해져 극적인 표현이 더 강조되었다.
그 중 첫 번째 곡 '스케르초'는 날아오를 듯 가벼운 목관악기의 리듬으로 시작된다.
발레리나의 가벼운 발놀림 같은 이 경쾌한 음악을 듣고 있노라면 마치 마법의 숲속에서
요정들이 튀어나올 것만 같다.
이후 요정의 숲에서 벌어지는 연인들의 사랑이야기는 '요정들의 행진곡', 아리아 '얼룩무늬 뱀,
두 대의 혀로', '멜로 드라마', '간주곡', '녹턴', '결혼 행진곡', '팡파르와 장송 행진곡',
'베르가마스크'에서 생생하게 펼쳐지고 마지막 '피날레'에서 서곡을 열었던 바로 그 신비로운
목관의 화음이 재현되며 멘델스존의 극음악은 아름답게 마무리된다.
그럼 여기서 멘델스존에게 영감을 준 셰익스피어의 '한여름 밤의 꿈' 이야기를 간단히 살펴보자.
이 이야기는 오베론 왕이 다스리는 요정의 숲에서 헤매는 두 쌍의 커플들의 엇갈린 사랑과 이를
안타깝게 생각한 요정의 왕이 그들의 사랑을 제대로 맺어주며 행복한 결말에 이르는 식으로
진행된다.
요정의 숲 속에서는 서로 열렬히 사랑하는 두 쌍의 커플들이 헤매고 있다.
헤르미아는 드미트리어스와 결혼하라는 아버지의 명을 거역한 채 사랑하는 라이샌더와 함께
도망 중이고 드미트리어스는 사랑하는 헤르미아를 찾아 숲 속을 뒤지는 중이며 드미트리어스를
사랑하는 헬레나는 드미트리어스의 뒤를 쫓아 역시 정처 없이 숲속을 헤맨다.
그들 중 가장 불쌍한 이는 아마도 누구의 사랑 받지 못한 채 희망 없는 추격을 계속하고 있는
헬레나이다.
요정의 왕 오베론은 헬레나를 가엾게 여겨 그녀의 사랑을 이루어주기 위해 한 가지 묘안을
생각해낸다.
누구든 에로스의 화살을 맞은 사랑의 꽃의 즙을 사람의 눈꺼풀에 붙이면 눈을 뜨는 즉시로
보이는 것에 정신없이 반해버리게 되니 젊은이들이 잠든 사이에 꽃물을 발라 드미트리어스와
헬레나를 맺어 주자는 것이 그의 생각이었다.
사실 오베론은 꽃물의 마법을 자기 아내 티타니아에게 쓰려고 계획하고 있었다.
티타니아가 인간세계의 아름다운 소년을 빼앗아 간 후 되돌려주려 하지 않기 때문이다.
하지만 오베론은 우선 퍼크를 시켜 헬레나의 일을 처리하게 했다. 그러나 퍼크는 일을 서두르다가
그만 라이샌더의 눈에 꽃 즙을 바르는 바람에 엉뚱하게도 라이샌더가 헬레나를 좋아하게 되었다.
퍼크는 그 실수를 되돌리기 위해 다시 드미트리어스의 눈에 꽃즙을 발라서 이번에는
드미트리어스가 헬레나에게 반하게 된다.
그러나 결과적으로 두 남자가 헬레나한테 반하는 바람에 일이 더 복잡하게 돼버렸다.
헬레나는 모두가 자기를 놀리는 것이라고 화를 냈고 헤르미아는 라이샌더가 그렇게 금방 마음이
변할 리가 없다고 하며 이상해 한다.
한편 퍼크는 왕비 티타니아를 혼내주려는 오베론의 명을 받아 잠자는 티타니아의 눈꺼풀에
꽃물을 바르고는 티타니아 곁으로 당나귀로 분장한 보텀을 보낸다.
티타니아는 눈 뜨고 나서 제일 처음 본 보텀에게 반해버리게 되고 오베론은 기뻐한다.
그러나 퍼크의 실수로 라이샌더와 드미트리어스는 서로 헬레나를 차지하기 위해 싸움까지 벌이게
되어 사태가 더 혼란스러워진 것을 본 오베론은 퍼크에게 화를 내며 빨리 원래대로 사태를
되돌리라 명령한다.
이에 퍼크는 라이샌더와 드미트리어스가 서로 만나지 못하도록 하고 어둠의 밤이 빨리 깔리게 한
후 라이샌더가 잠에 들자 즉시 눈꺼풀에 달린 꽃즙을 없애 두 쌍의 연인들의 관계를 정상으로
되돌렸다.
그리고 티타니아도 본래의 상태로 되돌아오게 해 오베론과 화해했다. 마치 한여름 밤의 꿈과
같았던 연인들의 추격전이 끝나고 두 쌍의 커플이 맺어지자 헤르미아의 아버지 에게우스도 고집을
꺾을 수밖에 없었다.
그가 신랑감으로 점찍은 드미트리어스가 헬레나에게로 마음을 돌렸으니 어찌하랴.
이번 일이 잘 해결되자 무척 기뻐한 아테네의 영웅 테세우스는 자기의 혼례식 날에 모두를
초청한다. 새로 맺어진 커플들의 결혼을 축하하는 퍼레이드와 무도회가 벌어진다.
멘델스존의 '한여름 밤의 꿈' 중에서 가장 유명한 '결혼 행진곡'은 바로 이 화려한 결혼식을 위한
음악이다.
예식을 마치고 이 세상을 향해 행진하는 신랑, 신부를 위한 축복의 음악은 아마 지금도 세계
곳곳에서 울려 퍼지고 있을 것이다.
연주회에서 멘델스존의 '한여름 밤의 꿈'의 발췌곡이 연주될 때도 '결혼 행진곡'은 결코 빠지지
않는다.
'한여름 밤의 꿈'의 극음악이 음악회에서 연주될 때는 대개 서곡, 스케르초, 간주곡, 녹턴,
결혼행진곡의 순으로 연주된다.
■ 추천음반
이 작품은 오케스트라의 가벼운 질감을 살려내야 하기에 연주하기가 그리 만만치 않다.
연주회에서 전곡이 다 연주되는 일은 드물지만 전곡을 담은 음반은 꽤 있다.
네빌 마리너가 지휘하는 필하모니아 오케스트라의 음반(Philips)과 오자와가 지휘하는 보스턴
심포니오케스트라 음반(DG) 그리고 헤레베헤와 콜레기움 보칼레 헨트가 함께 한 음반(Harmonia
mundi)이 좋은 평가를 받고 있다.
서곡과 주요 발췌곡을 담은 음반 중에서는 조지 셀/클리블랜드 오케스트라의 음반(Sony)이
정교하면서도 생동감 넘치는 앙상블로 유명하다.
페터 마크 (Peter Maag, 1919. 5. 10 ~ 2001. 4. 16)
스위스의 장크트갈렌에서 태어났다. 취리히 대학에서 철학과 신학을 전공한 다음 음악으로
전향하였다. 제네바에서 앙세르메를 사사했다.
1942년부터 비르 시와 졸로투른 시가 합동으로 운영하는 오페라 극장의 부지휘자가 되었으며
1949년부터는 정지휘자를 역임하였다.
1952년 뒤셀도르프 오페라극장의 지휘자로 취임하였다. 1954년부터 1959년까지 본 시의 음악
감독, 1964년부터 1968년까지 빈의 폴크스오퍼의 수석 지휘자, 1972년부터는 파르마의
데아트로레조의 예술 감독을 각각 지냈다.
마크는 1960년경부터 국제적으로 널리 활약하였는데 밀라노 스칼라 오페라 극장, 빈 국립
오페라 극장, 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 극장과 베를린 필하모니, 체코 필하모니, 라이프치히
게반트하우스 관현악단 등을 객원 지휘를 하여 오페라와 콘서트의 양면에서 두각을 나타냈다.
또 유럽 각지의 주요 음악제에서도 자주 객원 연주를 했으며 1977년의 잘츠부르크 음악제에서는
17세기 작곡가 스테파노 란디의 오페라 '성 아레시오'를 부활 연주하여 주목을 받았다.
1968년부터 시에나의키지 음악원과 뉴욕의 줄리어드 음악원 등에서 교편도 잡고 있다.
우리 나라에는 1987년 내한하여 세종문화회관에서 KBS 교향악단을 지휘하였다.
레코드는 비교적 적어 미슬리베체크의 오라토리오 '아브라함과 이삭'(수프라폰)과 베르디의
오페라 '루이자 밀러](런던' 등이 있다.
2. Dvorak, Symphony No.8 in G major, Op.88
Istvan Kertesz(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro con brio
II. Adagio
III. Allegretto grazioso - Molto vivace
IV. Allegro, ma non troppo
♣ 드보르작 교향곡 8번 G major Op.88
안토닌 드보르작(Antonin Dvo？ak, 1841~1904)는 미국이라는 나라를 경험하기 이전에는
영국과 가장 밀접한 관계를 맺고 있었다.
1884년 처음 영국을 방문한 그는 1876년에 작곡했던 '스타마트 마테르'를 지휘하여 대단한
성공을 거두었다.
열광적인 환대를 받은 드보르작는 이후 1891년에는 캠브리지 대학에서 명예 박사학위를 받을
때까지 12회에 걸쳐 영국을 방문했다.
그의 '교향곡 8번 G장조'가 1892년 런던의 노벨로 출판사에서 출판되며 ‘런던’이라는
부제를 갖게 된 것도 결코 우연이 아니었다.
그러나 이 작품은 결코 영국과의 실질적인 관계를 맺고 있지 않고 그렇다고 '신세계
교향곡'처럼 그 나라의 분위기를 대변하는 것도 아니다.
영국 출판사에서 출판되었다는 것 외에 영국과는 아무런 관련이 없고 더군다나 출판 당시의
부제 또한 작곡가가 의도한 것 또한 결코 아니다.
아홉 곡의 교향곡을 작곡한 드보르작에게 있어서 특히 '교향곡 8번'이야말로 작곡가 자신의
민족적, 정서적 배경이 전면으로 드러난 작품이라고 말할 수 있다.
첫 번째 영국 방문을 마치고 체코로 돌아온 그는 프라하 서남쪽 고원지대에 위치한
비소카라는 작은 산간마을에 별장을 지었다.
여름이면 여기에 머물렀던 드보르작는 이 고장의 자연에서 비롯한 보헤미안적인 아름다움에
흠뻑 빠져들곤 했는데 바로 여기서 작곡한 '교향곡 8번'에는 비소카 마을에서 경험한
작곡가의 심상이 고스란히 반영되어 있다.
이렇듯 보헤미안적인 풍경과 선율로부터 영감을 받아 작품으로 창작해냈기에 드보르작에게
있어서 주저함이란 없었다.
1889년 여름 독일과 러시아를 여행하고 돌아온 뒤 본격적으로 작품 구상에 들어간
드보르작는 불과 3개월만인 같은 해 11월 8일에 이 교향곡을 마무리 진 것이다.
그런 까닭에 이 교향곡은 친구들이나 브람스의 조언을 거의 받지 않고 작곡한 몇 안되는
작품 가운데 하나로 손꼽힌다.
체코인으로서 자신의 유전자가 반응하여 울려낸 악상을 고스란히 오선지 위로 옮겨낸
셈이다.
그리고 이듬해인 1890년 2월 프라하에서 작곡가의 지휘로 초연되었다. 아마도 특유의
전원적이고 목가적인 분위기 때문에 1890년 4월 런던에서 초연을 가진 뒤 런던 타임즈는 이
교향곡을 ‘전원 교향곡’이라고 평가하기도 했다.
이 교향곡을 작곡할 무렵 드보르작는 작곡가로서 가장 원숙한 작품을 쏟아내고 있었다.
그러한 만큼 드보르작는 지금까지 내려왔던 교향곡 전통과는 조금 다른 파격적인 모습을 이
교향곡에 담아내고자 했다.
첫 악장에서 전개부와 재현부를 연결해 주는 형식이나 단조로 시작하는 슈베르트풍의 서주
등은 당시로서는 대단히 파격적인 시도로 받아들여졌을 것이다.
특히 2악장에서의 브루크너를 연상시키는 특징적인 휴지부와 바이올린 파트의 리드미컬한
상승 그리고 이와 대조적인 장송 행진곡을 연상케 하는 장중한 발전부와 금관이 주도하는
스케일 큰 클라이막스의 긴장감 등 드보르작이 바그너적인 극적 전개와 브루크너적인 발전
양식을 결코 간과하지 않고 있었음을 암시하는 듯하다.
1악장 알레그로 콘 브리오
소나타 형식으로서 첼로와 호른에 의해 유도되는 비장한 첫 번째 주제가 대단히 인상적이다.
이어 목관악기에 의해 비소카 마을 풍경을 연상케 하는 전원적인 선율이 흘러나오며 축제
분위기의 주제가 펼쳐진다.
플루트와 클라리넷으로 시작하는 두 번째 주제 역시 행복한 분위기가 지배적이다.
2악장 아다지오
보헤미아 지방의 자연과 그 다채로움을 그대로 옮겨놓은 듯한 악장. 전원풍의 멜로디가
현악기에 의해 전개되고 이어 목관악기군이 이를 받아 전개시킨다.
특히 새의 소리와 같은 미묘한 음색이 이 신비로운 자연을 묘사한 음악 사이에서 광채를
더한다.
드보르작는 교향곡의 아다지오 악장에서 우수와 동경을 담아내며 향수감을 자극하곤 하는데
이 8번 교향곡의 아다지오 또한 전형적인 동시에 발전적이라고 말할 수 있다.
3악장 알레그로 그라지오소
스케르초 악장으로서 전통적인 스케르초라기보다는 왈츠 리듬이 물결치듯 넘실거리는
특이한 형태의 트리오라고 말할 수 있다.
바이올린이 주도하는 첫 주제선율과 중간에 이어서 등장하는 민요적 선율의 리듬이 교차로
엮어내는 우아하면서도 신선한 기운이 인상적이다.
4악장 알레그로 논 트로포
변주곡 형식으로서 힘찬 트럼펫이 먼저 등장하고 18마디 뒤에는 타악기가 짧은 마무리를
짓는다.
곧바로 시작되는 첫 번째 주제는 전형적인 보헤미아적인 주제로서 첼로에 의해 제시되고
이어 전체 오케스트라가 이를 모방한다.
다음 주가 플루트에 의해 나타나고 바이올린과 비올라의 반주가 뒤따른다. 이렇게 변주들이
진행된 다음 마지막 피날레에서는 다시 트럼펫이 팡파르를 울린 뒤 모든 것이 빨라지며
극적인 클라이맥스로 달려간다.
■ 추천음반
무엇보다도 라파엘 쿠벨릭이 베를린 필하모닉과 녹음한 앨범(DG)은 드보르작 교향곡 8번
해석을 대표하는 가장 고전적인 명반이다.
매 순간 체코적인 향기와 교향곡으로서의 엄격한 형식미를 잃지 않는 쿠벨릭의 강한 의지가
커다란 감동을 안겨준다.
만년의 헤르베르트 폰 카라얀이 빈 필하모닉과 녹음한 앨범(DG)은 여유로운 템포와 확장된
스케일이 돋보이며 화려하고 스펙타클한 관현악 효과의 절정을 보여주는 개성적인 연주다.
바츨라프 노이만이 체코 필하모닉을 지휘한 앨범(Supraphon)은 오케스트라 사운드와 리듬에
있어서 가장 체코적인 연주라고 단언할 수 있다.
이슈트반 케르테스 (Istvan Kertesz, 1929. 5. 29 ~ 1973. 4. 18)
니키슈로 비롯되어 라이너, 프리차이, 셀, 오먼디, 도라티, 솔티로 이어지는 헝가리 태생
명지휘자의 한 사람이다.
1960년경부터 주목받아 1964년 쾰른 국립 오페라 극장의 음악감독과 1965년 런던 교향악단의
수석지휘자(∼68년)에 취임했다.
실력과 명성을 더욱 연마하려던 차 텔아비브 근교의 해안에서 수영중 큰 물결에 휩싸여
익사하였다. 아직 44세의 젊은 나이었다.
3. Rachmaninov, Piano Concerto No.3 in D minor, Op.30
Vladimir Ashkenazy(Pf) / Anatole Fistoulari(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro ma non tanto
II. Adagio
III. Finale - Alle breve
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번 D 단조 Op.30
1873년 러시아에서 태어나 1943년 미국에서 생을 마감했던 세르게이 라흐마니노프는 자기 자신을
작곡가라고 생각했지만 생의 마지막 30여년 동안에는 자신의 작품을 연주하고 녹음하는
피아니스트라는 두 번째 직업을 가질 수밖에 없었다.
볼세비키 혁명 이후 이역만리 타국에서 생활하기에 작곡가라는 직업은 배가 고플 수 밖에 없었다.
그러나 이 세월 동안 그가 보여준 놀라운 피아노 음악의 경지는 사람들로 하여금 커다란 반향을
일으켰고 결국 그를 전설적인 피아니스트로 아로새길 수 밖에 없게 만들었다.
정력적이고 외향적이었던 그의 친구, 피아니스트 요제프 호프만에 비해 라흐마니노프는
사색적이고 내향적이었는데, 그가 연주를 시작하면 곧 음표가 구조에 달라붙듯이 청동처럼 견고한
건축물로 변화하였다.
한편 호프만이 자연스럽고 다채로운 음색과 변덕스러울 정도로 거침없는 스타일을 구사한 반면
라흐마니노프는 고집스러울 정도로 한결같은 음색과 기계적일 정도로 잘 계산되고 정돈된 스타일을
보여주었다.
그의 사진에서도 느낄 수 있는 수도승과도 같은 이미지, 즉 삭발에 가까운 머리 스타일과 고정된
시선 굳게 닫힌 입술에서 느낄 수 있는 엄격함은 곧 그의 연주 및 작곡 스타일에서도 똑같이
적용되었다.
러시아의 정서와 작곡가의 시성이 매 순간을 아름답게 채색하는 '피아노 협주곡 2번'이
라흐마니노프를 있게 한 가장 대중적이고 유명한 작품일지는 모르겠지만 '3번 협주곡'이야말로
피아니스트로서 자신의 한계를 넘어서고자 한 초월적 의지를 반영한 작품이다.
진정한 의미에 있어서 피아노의, 피아노를 위한, 피아노에 의한 협주곡이다.
오죽하면 작곡가 자신도 이 작품을 “코끼리를 위해 작곡했다”라며 곤혹스러워했을까.
1909년 라흐마니노프는 이바노프카의 시골집에서 평화로운 나날을 보내면서 자신의 미국 데뷔
무대를 위한 새로운 피아노 협주곡을 작곡했다.
그러니까 이 '3번 협주곡'은 순수하게 미국을 위해 작곡한 곡으로서 작곡가로서는 자신의 기량을
한 번에 쏟아내어 새로운 무대를 휘어잡을 만한 도구가 필요했던 것이다.
그의 바램대로 피아노 협주곡 역사상 무서우리만큼 가공할 만한 테크닉과 초인적인 지구력과
상상을 뛰어넘는 예술적 감수성과 시적 통찰력을 요구하는 매머드급 작품이 탄생했다.
이 곡은 라흐마니노프를 미국으로 이끌었을 뿐더러 예술적 동료로 평생토록 깊은 우정을 나누었던
피아니스트 호프만에게 헌정되었다.
그러나 아이러니하게도 호프만은 이 작품을 연주하기에는 손이 작았기 때문에 공개석상에서는 한
번도 연주하지 못했다고 한다.
1909년 11월 28일, 이 곡은 월터 담로슈(의 지휘와 뉴욕 필하모닉의 연주와 라흐마니노프 자신의
피아노 연주로 초연되었고 7주 후 구스타브 말러의 지휘로 다시 한 번 연주되었다.
작품에 대한 청중들의 반응은 '피아노 협주곡 2번' 초연 때만큼 뜨거웠다고는 말하기 어렵지만
오히려 연주자 라흐마니노프에게 관심이 집중되며 커다란 성공을 거두었다.
이 날의 성공 덕택에 다음 시즌 연주회를 위한 계약이 쇄도했고, 보스턴 심포니 오케스트라의
상임 지휘자 직책까지 제안받을 수 있었다.
이 작품은 연주하기가 너무나 힘들 뿐더러 그 정서적 표현 역시 당시로서는 대단히 혁신적인
곡이었다.
그래서 대중적으로 어필하기까지에는 1960년대 피아니스트 블라디미르 아쉬케나지가 등장할
때까지 50여년의 세월을 기다려야만 했다.
그러나 이보다 앞선 1928년 한 젊은 러시아 피아니스트가 나타나 이 '3번 협주곡'을 말 그대로
'삼켜버린' 사건이 벌어졌다.
1928년 1월의 어느 날 뉴욕 카네기 홀 맞은 편에 위치한 스타인웨이 쇼룸에 두 명의 러시아
음악가가 마주보고 앉아 있었다.
한 명은 시대의 거장으로 손꼽히는 라흐마니노프였고 다른 한 명은 막 미국에 도착한 스물 다섯
살의 젊은 피아니스트인 블라디미르 호로비츠였다.
1월 12일 지휘자 토머스 비첨과 뉴욕필과의 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번' 연주로 전설적인
데뷔 무대를 가진 호로비츠는 여세를 몰아 2월 23일에 라흐마니노프가 '3번 협주곡' 초연시
함께 했던 지휘자 담로슈의 지휘로 '3번 협주곡'을 연주하기로 했다.
이 만남은 이 연주회를 위해 작곡가와 연주자가 함께 한 리허설 성격의 만남이었던 것이다.
바로 그 날의 만남이 음악사에 있어 ‘역사적인 만남’이라고 기록되는 이유는 곡의 창조자
라흐마니노프가 자신의 '피아노 협주곡 3번' 연주에 관한 '권위의 봉인'을 호로비츠에게
물려주는 자리였기 때문이다.
언젠가 라흐마니노프는 호로비츠 연주를 듣고 너무 놀라 입을 벌린채 넋을 잃었다고 친구에게
말했을 정도로 무한한 신뢰를 보냈는데 특히 후배인 아브람 카신스에게 "호로비츠는 이 작품을
통째로 삼켜버렸네"라고 언급했을 정도였다.
그 정도로 '피아노 협주곡 3번'과 호로비츠는 샴 쌍둥이와 같은 운명이었다.
이 자리에서 라흐마니노프는 호로비츠의 조언에 따라 1악장과 2악장에서 짧은 삭제 부분을
결정했고(호로비츠는 2악장과 3악장에서 보다 더 삭제된 버전으로 연주, 녹음했다), 1악장의
솔로 카덴차를 보다 짧게 단축시켰으며, 2악장과 3악장의 짧은 피아노 부분들에 대한 두 장
분량의 얼터너티브 솔로 패시지를 과감하게 생략했다.
이러한 수정을 모든 연주자들이 따르게 강제한 것은 아니었지만, 여러 이유에 의해 이 관습은
작곡가에 대한 가장 정중한 예의이자 호로비츠에 대한 무한한 존경의 표시로 받아들여지게
되었다.
낭만주의 러시아 피아니즘의 진정한 적자임을 대변하는 ‘권위의 인장’은 '3번 협주곡'을
통해 라흐마니노프를 거쳐 호로비츠에게 주어지게 된 것이다.
1930년 최초로 이 작품을 녹음한 이후 총 여섯 종의 레코딩을 남겼던 호로비츠에게 있어서 이
작품에 대한 진정한 라이벌은 작곡가도 다른 연주자도 아닌, 바로 자기 자신밖에 없었다.
작곡가가 서거한 지 40여 년이 지난 1982년, 런던에서 연주회를 가질 당시 호로비츠는 작곡가
라흐마니노프에 대해 다음과 같이 회상했다.
"그는 내가 아는 한 가장 위대한 인간이자 위대한 작곡가이며 또한 위대한
피아니스트였습니다"
작곡가에 대한 무한한 애정과 존경을 평생토록 가슴 속에 새겨놓았던 호로비츠야말로 이 '3번
협주곡'을 삼킬 자격이 있었던 것이다.
■ 추천음반
경쟁자는 자기 자신밖에 없다는 평가를 받는 호로비츠의 6종 레코딩 중 2종의 연주를 추천한다.
하나는 1951년 라이너 지휘로 녹음한 스튜디오 레코딩(RCA)이고 다른 하나는 1978년
라흐마니노프와 함께 이 곡을 녹음했던 오먼디 지휘로 녹음한 라이브(RCA)이다.
두 연주는 스타일과 해석에 있어 차이가 나는데 전자는 고전적인 반면 후자는 도취적,
자의적이다.
반 클라이번과 키릴 콘드라신(1962, RCA)의 연주는 환상적인 하모니와 강력한 타건이 잘
어우러진 역사적인 명반으로 꼽히고 있다.
아쉬케나지-하이팅크 녹음(DECCA)은 가장 스탠다드한 명연으로 손꼽히며 호로비츠의 재래로
일컬어지는 볼로도스는 러시아 비르투오소를 잇는 우리 시대의 명반이다.
블라디미르 아슈케나지 (Vladimir Ashkenazy, 1937. 7. 6 ~)
피아노 주자이기도 하며 소련 출신이지만 현재는 아이슬란드의 국적을 가진 세계 유수의
피아니스트중 한 사람이다.
모스크바 서쪽의 도시 고리키에서 음악가 집안에서 태어났으며 원 이름은 블라디미르 다비도비치
아슈케나지이다.
6세 때부터 피아노를 배우고 다음해에는 일찍이 학생 오케스트라와 공연하여 하이든의 '피아노
협주곡'을 연주하였을 정도로 눈부신 재능을 보였다.
그 후 방송에도 출연하였는데 9세 때 모스크바 음악원 부속의 중앙음악학교에 입학하여 산베티안
여사에게 배웠다.
1955년 18세의 나이로 10년제 음악학교를 졸업하고 그해 바르샤바의 쇼팽 국제 콩쿠르에 나가
2등으로 입상하였다.
이어서 모스크바 음악원에 입학하여 레프 오보린과 그의 조수 보리스 젬리얀스키를 스승으로 삼고
가르침을 받았다.
1956년 아슈케라지는 엘리자베트 왕비 국제 콩쿠르에 참가해 1등으로 우승하여 그 결과 벨기에 각
도시와 동서독일, 미국, 캐나다에서 연주하였는데 경이적인 성공을 거두었다.
EMI와 소련 멜로디아에서 레코드로 발매되어 아슈케나지의 명성은 국제적으로 높아졌지만 그는 그
후도 모스크바 음악원에서 공부를 계속하고 1960년에 음악원을 졸업하였다.
1961년 아슈케나지는 모스크바 음악원에 유학중이던 아이슬란드의 여류 피아니스트와 결혼하였다.
그 다음해 제2회 차이코프스키 콩쿠르에 출장하여 영국의 존오그돈과 함께 공동 1위로 입상하여
세계적인 제일급의 피아니스트로서 인정을 받았다.
그리고 부인의 희망에 따라 1963년부터 영국에 집을 마련하고 1968년부터는 아이슬란드의
레이키아비크에서 부인과 네 자녀와 함께 살고 있다.
물론 피아니스트로서 유럽과 미국에서 활발한 연주 활동을 계속하고 있지만 한편 아이슬란드에서
2년마다 개최되는 음악제의 고문으로 일하고 있다.
1975년경 지휘 활동을 시작했으며 1977년에는 영국에서 정식으로 지휘자로 데뷔하여 최근에는
지휘자로서의 녹음도 시작했다.
그는 1969년 소련에는 돌아가지 않겠다는 것을 선언하였고 1972년에는 미국의 신문을 통해 소련의
체제를 비판한 것이 화제를 일으켰다.
1974년 정식으로 소련 국적을 이탈하여 아이슬란드 국민이 되었다.
아슈케나지는 현대의 피아니스트 가운데에서도 가장 안정된 기교와 음악성을 갖춘 주목할 만한
연주가이다.
그는 신장이 168cm의 작은 몸매이지만 그의 손은 매우 독특하여 연주에 아주 알맞다.
모스크바 악파가 전후에 정착시킨 합리적인 방법을 승계하여 그 기교에는 조금의 무리도 없으며
더구나 그의 리듬 감각의 예민함은 비견될 사람이 없을 정도다.
큰 음량과 다양한 음색과 풍려한 울림, 터치의 균질 등 피아노 연주에 필요한 모든 조건을 다
갖추고 있다.
그것은 극적인 다이내미즘을 낳게 함과 동시에 정교한 노래를 가능케 하고 있으며 즉흥적인
감흥과 대응함으로써 신선한 생명력과 충실감을 표현하는 것이다.
따라서 레퍼토리는 매우 넓고 각각에 높은 수준의연주를 듣게 할 수 있지만 최근의 연주는
인간적인 성숙까지도 반영시켜 깊은 정서적 표현을 통해 한층 더 그 매력을 느끼게 하고 있다.
레코드도 수많이 나오고 있는데, 그중에는 '베토벤 피아노곡 대전집'(1981년 현재 6권과 그
밖에 2매)이 포함되어 있다.
이 밖에 솔티 지휘의 시카고 교향악단과 공연한 '베토벤 피아노 협주곡 전집', 프레빈 지휘의
런던 교향악단과 공연한 '라흐마니노프 피아노 협주곡 전집', 펄만과 공연한 베토벤 바이올린
소나타 전집'등 대규모의 많은 전집을 완성하고 있다.
이 밖에도 많은 독주 음반과 실내악 음반이 있는데 지휘자로서의 녹음도 앞으로는 늘어날
것이다.
그러나 그중에서도 첫째로 꼽히는 것이라면 라흐마니노프의 '24개의 전주곡' 또는 스크랴빈의
'피아노 소나타 제3번∼제5번'을 꼽을 수 있다.
물론 솔티와의 베토벤이나 프레빈과의 라흐마니노프, 프로코피예프 등도 각각의 작품의
레코드에서 최고의 연주로 꼽을 수 있다고 생각된다.
실황 연주 녹음인 쇼팽의 '장송 행진곡'도 잊을 수 없는 명연주라고 해도 과언이 아니다.
아슈케나지는 1988년 가을부터 베를린 방송교향악단의 수석 지휘자로 취임하여 그의 인생에
있어서 황금기를 누리고 현역에서 은퇴했다.
4. Beethoven, Violin Concerto in D major, Op.61
Janine Jansen(Vn) / Paavo Jarvi(cond), Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게
연주했다고 전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이
계속 반복되면서 피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악
사중주 '라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을
지적한 것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을
사랑하고 있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도
모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게
피할 수 없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로
전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를
배가시키는 특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터
지휘의 콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는
명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
재닌 얀센 (Janine Jansen, 1978. 1. 7 ~ )
재닌 얀센이 처음으로 세상에 널리 알려진 것은 지금으로부터 15년 전인 1997년으로 거슬러
올라간다.
당시 18세였던 그녀는 세계적인 로열 콘세르트허바우 오케스트라와 협연을 하면서 네덜란드의
최고 스타 음악가로 부상했다.
2002년 11월에는 런던 로열 페스티벌 홀에서 필하모니아 오케스트라와 함께 차이코프스키
바이올린 콘체르토를 연주하며 영국에서 데뷔한 재닌 얀센은 이후 세계적인 오케스트라에서
가장 주목하고 있는 연주자로 평가받고 있다.
게다가 발표한 5개의 음반들은 네덜란드에서 모두 '플레티넘 디스크'에 올랐고,
아이튠스(iTunes)에서 큰 인기를 끌며 수 차례 디지털 차트에서 1위에 오르기도 했다.
2003년 9월, 재닌 얀센은 네덜란드 문화부로부터 'Dutch Music Prize'를 수상하였는데 이는
네덜란드에서 예술가에게 수여하는 가장 큰 상이다.
5. Beethoven, String Quartet No.11 In F Minor, Op.95, "Quartetto Serioso"
Takacs Quartet
I. Allegro Con Brio
II. Allegretto Ma Non Troppo
III. Allegro Assai Vivace Ma Serioso
IV. Larghetto Espressivo, Allegro Agitato
♣ 베토벤 현악4중주 11번 F장조, Op.95 '세리오소'
베토벤은 생전에 모두 16곡의 현악 4중주를 남겼다.
작품 범위는 30세가 될 무렵의 작품으로 추정되는 Op.18의 여섯 개의 현악4중주부터
세상을 떠나기 1년 전에 완성한 1826년 '현악4중주 Op.135'까지에 이르며 단일 악장으로
독립된 작품으로 출판된 '대푸가 Op.133'도 있다.
교향곡이나 피아노 소나타 등 베토벤의 모든 장르가 뛰어난 예술성을 가지고 있지만
실내악의 역사에서 베토벤의 현악 4중주는 전대미문의 가치를 지니고 있다.
현악 4중주의 원조라 할 수 있는 하이든과 그 뒤를 이었던 모차르트의 성과 위에 베토벤은
더욱 빛나는 실내악 음악의 체계를 확립했다.
하이든과 모차르트 초기 현악 4중주는 디베르티멘토, 즉 유희나 여흥의 음악에서 순수
음악으로 그 성격을 바꿔가고 있었다.
현악 4중주는 '사냥', '불협화음' 등 모차르트의 '하이든 4중주’ 시리즈나 '황제',
'일출'과 같은 하이든의 현악4중주에 이르면 장르의 희유적인 색채는 사라지고 깊은 내면의
소리를 전할 수 있는 형식으로 발전한다.
이후 베토벤은 형식의 속성상 화려한 겉모습 효과보다는 앙상블의 조화, 기본적 선율이
중시되는 이 현악 4중주라는 장르를 진실한 음악을 만들기를 위한 적절한 수단으로 삼게
된다.
베토벤의 창작 시기가 초기, 중기, 후기로 나뉘듯 작곡가가 남긴 16곡의 현악 4중주 역시
마찬가지로 분류된다.
'현악 4중주 Op.18' 여섯 곡을 초기 4중주로 칭하고, '라주모프스키' 세 곡을 위시한 다섯
곡을 중기 현악 4중주, 그리고 만년을 장식하는 후기의 다섯 곡과 'Op.133 '대푸가’'를
후기 현악 4중주로 일컫는 것이다.
이 세 그룹은 작곡연대별로 초기 1798~1800년, 중기 1806~1810년, 후기 1822~1826년 사이로
분류된다.
초기와 중기, 중기와 후기는 각각 6년과 12년이라는 긴 공백을 사이에 두고 있다.
베토벤의 현악 4중주, 특히 후기 현악4중주를 듣는다는 것은 심오함으로의 초대이며 작곡가
베토벤의 내면과 단도직입적으로 맞대면하는 것과 같다.
그 심리 상태는 복잡하기가 현대음악을 능가한다고도 볼 수 있고 강렬함은 교향곡에 버금간다.
어떤 부분에서는 리듬미컬한 춤곡적 분위기가 흥을 돋구고 어떤 부분에서는 아름다운 서정적
일면을 노출하기도 한다.
베토벤의 후기 현악 4중주는 12번부터 시작된다.
'현악 4중주 10번 '하프’'와 '11번 '세리오소’'는 중기 현악 4중주의 끝 부분에 위치해
일종의 과도기적 작품으로 분류된다.
그러나 후기 현악 4중주로 본격적으로 진입하는 관문을 꼽자면 '11번 '세리오소’'를 빼놓을
수 없다.
'세리오소'는 베토벤의 중기를 지나 후기가 시작될 무렵인 1810년에 작곡됐다.
초고에는 '1810년 10월 베토벤이 츠메스칼에게 헌정했고 10월에 작곡했다'라는 내용이 적혀
있다.
이 말 앞에 특별히 'Quartett serioso’라고 적혀 있는데 세리오소(진지한, 엄숙한)라는
명칭은 베토벤이 붙인 것이 확실하지만 출판 당시는 이 부분을 찾아볼 수 없었다.
베토벤이 이 곡을 헌정했다는 니콜라우스 츠메스칼이라는 사람은 헝가리 출신 첼리스트이자
작곡가로 빈에서 베토벤과 친분을 맺고 평생 동안 교류했다고 한다.
당시 베토벤이 츠메스칼에게 보낸 편지들은 오늘날까지도 전해지고 있다.
이 곡은 베토벤의 중기나 후기 양식과는 다른 간결한 양식으로 구성되어 있다.
내용이 지성적이며 정서적인 요소가 합쳐져서 엄숙한 분위기를 만들고 있으며 마지막
악장에서는 팽팽하게 긴장감 넘치던 분위기가 이완된다.
그 전까지 세 개의 악장에서는 복잡하고 심각한 내면 심리상태의 표출이 두드러진다.
1악장 알레그로 콘 브리오
간결한 소나타 형식이다. 제1주제와 함께 총주로 강렬하고 힘차게 시작되는데 이 주제는 서로
완전히 다른 두 개의 모티프로 이루어져 있다.
전곡을 통해서 중심적인 악상으로 중요하다. 제2주제는 비올라에 나타나며 첼로, 제2바이올린,
다시 비올라로 이어진다.
발전부는 여리게 하다가 갑자기 힘차게 연주되는데 첼로가 첫 모티프를 시작한다.
재현부에서는 제1주제가 다시 나타난다. 후반의 모티프는 재현되지 않는다. 제2주제가 비올라에
제시되며 마지막 코다에서 조용히 끝난다.
2악장 알레그레토 마 논 트로포
자유로운 소나타 형식이다. 첼로가 하강하며 빈틈없는 리듬을 유도하면 제1바이올린이
제1주제를 연주한다.
제2주제는 d단조로 지속하는 푸가의 형식을 보여준다. 먼저 비올라로 주제를 연주하면 마지막에
제1바이올린이 화답한다.
발전부에서는 제1바이올린이 연주하는 새로운 대위선율이 등장하며 제2주제는 비올라에 나타난다.
이것이 제2바이올린, 첼로의 순서로 자유롭게 나타난다. 재현부에서는 제1주제가 그리고
제2주제는 제시부 때와는 다르게 모습을 바꾸어 나타난다.
코다에 이르러 제1주제에 의해 마지막에 도입부의 모티프가 나타나 여리게 끝을 맺는다.
3악장 알레그로 아사이 비바체 마 세리오소
스케르초의 양식이며 '세리오소(엄숙한)’라는 용어가 적혀있는데, 베토벤이 처음 전곡에 붙인
표제가 이 단어였음을 생각하면 이 부분이 전곡의 중핵이며 작품 전체의 분위기를 대표한다고 할
수 있다.
악장은 날카로운 첫 키스와 같이 처절한 C단조로 시작된다.
이 부분에 의한 발전이 A-B-A'-B'-A''의 A에 해당한다. 제2주제는 G플랫장조이며 주제는
제2바이올린이 연주하는 아름답고 평온한 선율이다.
제1바이올린은 나머지 세 악기에 대항해 홀로 장식적인 음형을 연주하는데 이것이 B에 해당한다.
A부분의 재현에 이어 B부분 또한 재현되는데 다소 변형돼 있다. 마지막 부분은 점점 빠르게
연주되며 A부분이 단축된 형태로 세 번째로 나타나 힘차게 마무리한다.
4악장 라르게토-알레그레토 아지타토
론도 형식. 일정한 형식에 구속받지 않는 자유로운 악장이다. 짧은 서주가 붙어 있다. 서주에
이어 주부는 두 개의 주제가 교대로 나타난다.
느린 서주는 제1바이올린으로 꿈을 꾸는 듯 시작한다. 마지막 빠른 템포는 6/8박자이다.
주부에 이르러 론도 주제가 아름답게 연주한 후 진행하다 경과부로 들어간다.
제2주제는 c단조인데 제2바이올린에 이어 론도의 주제가 진행하면서 다시 나타난다.
짧은 제2주제는 더욱 축소돼 f단조로 재현된다. 론도 주제가 세 번째로 나타나며, 펼침화음으로
아름답게 반주되다가 여러 갈래로 변모하고 빠른 주제로 고조되면서 클라이맥스에 이른 뒤
끝난다.
■ 추천음반
격렬한 내면의 '하드 보일드’풍 정서로 베토벤 내면의 핵심에 다가서는 부다페스트 4중주단의
스테레오 녹음(CBS/Sony Classical)을 첫손에 꼽고 싶다.
그리고 이와는 대조적인 음반을 선택한다면 엄격하면서도 아폴론적인 균형을 세심하고 진지하게
견지하며 차분하고 따스한 풍미가 있는 주스케 4중주단(Berlin Classics)을 고를 수 있을
것이다.
전아한 음색으로 빈의 풍미를 전달한 발터 바릴리가 이끄는 바릴리 4중주단의
연주(Westminster/Universal)는 오늘날 4중주단들이 살리기 힘든 아스라이 떨어진 과거의 미덕을
추억케 해준다.
그리고 아름다운 음색과 칸타빌레의 성격이 두드러진 이탈리아 4중주단의 녹음(Philips/Decca)을
추천을 향한 막차에 태우고 싶다.
이밖에 일일이 열거하기 힘들지만 알반 베르크 4중주단, 보로딘 4중주단, 린제이 4중주단,
스메타나 4중주단 등 명 4중주단은 모두 빼어난 녹음을 남겼다.
타카치 현악4중주단
타카치 현악4중주단은 1975년 헝가리 부다페스트 리스트 음악원 출신 연주자들이 모여 만든
실내악단이다.
1980년대 초 미국으로 본거지를 옮겨 83년부터는 콜로라도 대학 상주악단으로 활동하고 있으며
콜로라도주의 유명 음악축제인 아스펜 음악제의 객원 4중주단으로도 활동 중이다.
카로이 슈란츠(제2바이올린), 안드라스 페어(첼로) 등 두 명의 창단멤버와 함께 1990년대 초
영입한 에드워드 듀슨베리(제1바이올린), 지난해 말 합류한 제랄딘 월더(비올라) 등 네 명이
멤버로 활약하고 있다.
그동안 수많은 음반상을 휩쓸며 연주력을 인정받았다. 1988년 세계적 음반사 데카와 계약한
뒤 하이든, 모차르트, 바르토크, 브람스, 드보르자크 등 주요 현악4중주를 녹음했고 이 중
바르토크 4중주는 1998년 그라모폰 선정 최우수 실내악 음반으로 뽑혔다.
또 2002년부터는 베토벤 현악4중주 전곡 녹음에 도전, 그해 그라모폰상과 2003년 그래미상,
일본 레코드 아카데미상을 잇따라 수상했다.
또한 베토벤 후기 4중주로 그라모폰 최우수 실내악 음반상, BBC 뮤직 어워드 '올해의 음반상'
영국 클래시컬 브릿 어워드 최우수 앙상블 음반상 등 주요 음반상을 휩쓸었다.
6. Tchaikovsky, Serenade for strings in C major, Op.48
Sir Neville Marriner(cond), Academy of St Martin in the Fields
I. Pezzo in forma di sonatina：Andante non troppo／Allegro moderato
II. Walzer：Moderato (Tempo di valse)
III. Eleqie：Larghetto eleqiaco
IV. Finale (Tema russo)：Andante／Allegro con spirito
♣ 차이코프스키 '현을 위한 세레나데' C 단조 Op.48
차이코프스키는 자신의 가장 밝은 분위기의 작품인 '현을 위한 세레나데'를 '1812년
서곡'과 같은 시기인 1880년 겨울에 작곡했다.
그는 이 곡을 작곡할 때 "가슴에서 우러난 감정을 담아 만든 작품이다"라고 했으며
실제로도 그런 느낌이 풍부하게 담겨 있다.
그의 말은 조금도 틀리지 않다. 그는 이 곡으로 우울하고 절망에 찬 시인의 이미지를
단숨에 날려 버렸다.
3악장 '엘레지'의 후반부에서 감상적인 느낌이 아주 살짝 느껴지는 것만 신경 쓰지
않는다면 말이다.
한편 이 곡은 내림 음형으로 시작한다. 이 음형은 차이코프스키가 피날레에 넣은 러시아
민속 음악 중에서 두 번째 곡과 비슷하다는 사실이 듣는 이의 관심을 끈다.
1악장의 주요 부분은 춤곡에서 영감을 받은 것이 단순한 소나티나와 같은 모차르트 선율로
만들어졌다.
또한 차이코프스키의 작품 중에서 가장 우아한 왈츠 선율이 들어 있다. 이 부분은 1881년
초연 당시 앙코르 곡으로 연주했다.
다음 부분은 음형이 올라가기 시작하고 느린 악장에서 되풀이된다. 1악장과 2악장 모두
차이코프스키가 단순한 음계로 얼마나 아름다운 선율의 곡조를 만들 수 있는지 잘 보여준다.
'현을 위한 세레나데'는 현악파트 규모에 따라 분위기가 달라진다.
음색이 화려하고 낭만적일 수도 있고 실내악 분위기를 낼 수도 있다(차이코프스키는 작곡
당시 교향곡으로 쓸지 현악 5중주로 쓸지 고민했다).
서정적이고 우아한 선율이 담긴 전형적인 세레나데 곡으로 차이코프스키 스스로도 완성도
있는 작품이라고 말했다.
'세레나데'라는 것은 원래 어둠이 깔리고 난 후 연인의 창가에서 부드럽고 감미롭게 불렀던
연가에서 시작된 것이다.
시간이 흐르면서 가사가 없는 관현악 작품의 제목에도 사용되었는데 서정적이면서 우아한
선율들을 포함하고 있는 것이 공통점이라 할 수 있을 것이다.
차이코프스키의 '현을 위한 세레나데' 역시 이런 특징들을 고스란히 간직하고 있다.
자신의 작품들에 대해 확신을 가지지 못했던 소심한 성격의 그가 그의 정신적 지주였던 폰
메크 부인에게 보낸 편지에 확신 있는 세레나데를 작곡했다는 강한 표현을 사용할 정도로
마음에 흡족해 했던 작품이기도 하다.
1악장 : Pezzo in forma di Sonatina - Andante non troppo - Allegro moderato
아주 소박하면서도 기품 넘치는 선율을 현의 유니즌으로 시작하는데 이 주제가 점점
발전되면서 드라마틱한 변화들을 일구어내고 있다.
차이코프스키만의 극적인 멜로디, 선명하고 정제된 현의 향연, 지극히 서정적이고 우아함의
극치를 달린다.
2악장 : Waltz : Moderato, tempo di valse
우아한 백조처럼 왈츠를 추는 발레리나의 모습이 연상되는 그러면서도 보다 역동적인 리듬과
아름다운 왈츠풍의 리듬이 감미롭고 흥에 겨워지기까지 하다.
3악장 : Waltz : Moderato, tempo di valse
우아한 백조처럼 왈츠를 추는 발레리나의 모습이 연상되면서도 보다 역동적인 리듬과 아름다운
왈츠풍의 리듬이 감미롭고 흥에 겨워지기까지 하다.
4악장 : Finale: (Tema russo): Andante - Allegro con spirito？
두 개의 민요 선율이 테마를 이루고 있고 첫 악장에서 들려주었던 주제를 마지막 악장의 두번째
주제로 사용함으로써 전체적인 통일성을 강조하는 한편 큰 스케일로 화려한 피날레를 강조하고
있다.
비탄에 잠겼지만 이내 환희와 희열을 맛보는 듯한 화려한 음색으로 발전하며 막을 내린다.
네빌 마리너 (Neville Marriner, 1924. 4. 15 ~ )
네빌 마리너는 영국 동부의 링컨에서 태어났다. 1940년에 런던 왕립음악원에 입학하여 바이올린을
전공했으나 2차 대전으로 중단했다가 파리 음악원에서도 공부했으나 1년쯤 해서 영국으로
돌아왔다.
1947년부터 1948년까지 이튼에서 교편을 잡았다. 1948년에 서스톤 더트와 함께 자코비안 앙상블을
조직하여 17~18세기의 작품을 많이 다루어 음악 전반에 관해 폭넓게 공부하는 기회를 얻었다.
1952년 필하모니아 관현악단에 바이올리니스트로 입단하여 그해 객연한 토스카니니를 비롯하여
푸르트벵글러나 카라얀 밑에서 연주했다.
1956년에 런던 교향악단의 제2바이올린 수석이 되어 1969년까지 활약했다.
이 악단 입단을 전후하여 비르투오소 3중주단을 조직했으며 1958년에는 실내관현악단을 결성했고
1959년에는 메인 주 몬토에 있는 지휘자 학교에서 지휘를 공부한 뒤 11월에 세인트 마틴 인 더
필즈 교회에서 첫 연주회를 갖고 명칭을 아카데미라 했다.
이것은 이른바 실내관현악단인데 작품에 따라 자유로운 편성을 하여 대담하고 청신한 해석을
연출하여 주목을 끄는 존재가 되었다.
1969년에 런던 교향악단을 떠난 마리너는 아카데미와의 활동을 충실히 하는 한편 이해 가을부터
로스앤젤레스 실내관현악단의 음악감독을 겸임했고 1971년에는 노잔 심포니의 준지휘자도 겸하게
되었다.
1978년에는 아카데미의 리더를 사림하고 시투트가르트 방송교향악단의 수석 객연지휘자 및
디트로이트의 매두부르크 음악제 예술감독에 취임하는 외에 1979년 가을에는 미네소타 교향악단의
음악감독으로 취임하였다.
또한 파리 관현악단이나 콘세르트헤보우를 비롯한 구미 각지의 오케스트라의 객연도 활발히 했으며
레퍼터리도 확대하여 점점 의욕적인 활약을 보였다.
그의 음악은 밝고 정치한 울림 속에 싱싱한 표정을 지니고 있고 기성 개념에 사로잡히지 않는
대담한 연주법과 편성에 의한 해석이 청신한 즐거움을 느끼게 한다.
7. Beethoven, Septet in E flat major, Op.20
Vienna Octet
I. Adagio ~ Allegro con brio
II. Adagio cantabile
III. Tempo di menuetto
IV. Tema con variazioni ~ Andante
V. Scherzo ~ Allegro molto e vivace
VI. Andante con moto alla marcia ~ Presto
♣ 베토벤 현과 관악 7중주
모두 6악장으로 구성되어 있는 베토벤 제1기의 걸작의 하나로 당시에 특히 호평을 받은 모음곡풍의
작품이다.
그 중에서도 제3악장 미뉴에트는 유명하며 악기 편성은 클라리넷, 파곳, 호른, 바이올린, 비올라,
첼로, 콘트라베이스로 되어 있다.
8. Beethoven, Piano Sonata No.21 in C major, Op.53 "Waldstein"
Radu Lupu(Pf)
I. Allegro con brio
II. Adagio molto
III. Allegretto moderato
IY. Prestissimo
♣ 베토벤 피아노 소나타 21번 C 장조 Op.53 'Waldstein'
'피아노 소나타 21번 C 장조 “발트슈타인”'(Op. 53)는 루트비히 판 베토벤이 1804년 여름에
완성한 피아노 소나타이다.
이 작품은 베토벤의 다른 중기 피아노 소나타들 23번 “열정”(Op. 57), 26번 “고별”(Op. 81a)과
더불어 가장 뛰어난 세 곡 가운데 하나로 꼽힌다.
"발트슈타인"이라는 별명은 베토벤이 이 작품을 페르디난드 판 발트슈타인 백작에게 헌정한 것에서
유래한다.
대공 삼중주를 포함해 많은 작품이 루돌프 대공에게 헌정된 것과 같이 발트슈타인 백작에게도
베토벤은 많은 작품을 헌정했다.
“발트슈타인”이라는 별명이 이 작품에만 붙은 이유에는 작품의 독창성과 고유함에 기인한 것으로
보인다.
라두 루푸 (Radu Lupu, 1945. 11. 30 ~ )
루마니아의 동쪽 소련 국경에 가까운 갈라티에서 태어난 피아니스트이다.
갈타티에서의 피아노 수업을 마친 뒤 수도 부카레스트에 나가 리파티의 스승으로서도 알려져 있는
무지치니스크 여사의 가르침을 받았다.
1960년에 관비 유학생으로서 모스크바에 유학하여 모스크바 음악원에서 6년간에 걸쳐 유명한
네이가우스 부자를 사사했으며 특히 아들인 스타니슬라프의 영향을 강하게 받았다.
그리하여 1966년 미국의 제 2 회 밴 클라이번 국제 콩쿠르에서 우승한 것을 계기로 이듬해
1967년에는 모국 루마니아에서 에네스코 국제 콩쿠르에서도 우승하여 주목을 받았다.
그러나 루푸가 널리 국제적으로 인정받게 된 것은 1969년의 리즈 국제 콩쿠르에서 우승하고
부터이다.
루푸는 런던으로 옮겨 영국을 중심으로 유럽 각지에 연주 여행하여 호평을 받고 1972년에는
클라이번 콩쿠르 이래 오랫만에 미국을 방문하여 각지에서 연주회를 열어 성공을 거두었다.
데뷔 당시 데일리 텔리그래프 지에 의해 '1000명에 한 사람의 크리시스트'라는 말로 평한 것처럼
루푸의 피아노는 그 잘 연마된 음과 미묘한 뉘앙스에 의해 극히 아름다운 서정을 자아낸다.
그러나 그는 결코 그러한 일면만을 의지해 스스로의 음악을 만드는 연주가가 아니라 항상 작품의
내부 깊숙이 눈을 돌려 전통에 사로잡히지 않는 신선하고 개성적 아름다움을 나타낼 수 있는
유니크하고 뛰어난 음악성의 소유자이기도 하다.
특히 근년은 그 아름답고 맑은 자연에 넘치는 것 같은 노래에 보다 내면적인 깊이와 안정된
표현력을 더하여 상쾌하고 정돈된 연주를 들려 주고 있다.
[ 앨범감상 ]
9. Brahms Works For Cello and Piano
Zuill Bailey(Vc) / Awadagin Pratt(Pf)
1) Lerchengesang, Op.70, No.2
2) Sonata in E Minor, Op. 38 - Allegro Non Troppo
3) Sonata in E Minor, Op. 38 - Allegretto Qausi
4) Sonata in E Minor, Op. 38 - Menuetto Allegro
5) Feldeinsamkeit - Op.86, No.2
6) Wie Melodien - Op.105, No.1
7) Sapphische Ode - Op.94, No.4
8) Liebestreu - Op.3, No.1
9) Sonatensatz
10) Minnelied - Op.71, No.5
11) Sonta in F Major, Op.99 - Allegro Vivace
12) Sonata in F Major, Op.99 - Adagio Affettuoso
13) Sonata in F Major, Op.99 - Allegro Passionato
14) Sonata in F Major, Op 99 - Allegro Molto
15) Wiegenlied, Op.49, No.4
[ 앨범감상 ]
10. Vladimir Ashkenazy 1998 - Chopin for Lovers [2CD]
Vladimir Ashkenazy (Pf)
[CD 1]
1) Nocturne No.2 In E Flat, Op.9 No.2
2) Waltz No.3 In a Minor, Op.34 No.2
3) Mazurka No.23 in D Op.33 No.2
4) Waltz No.9 In A Flat, Op.69 No.1 -"Farewell"
5) Variations In E "Hexameron"
6) Ballade No.3 In A Flat, Op.47
7) Waltz No.7 In C Sharp Minor, Op.64 No.2
8) Nocturne No.15 In F Minor, Op.55 No.1
9) 12 Etudes, Op.25
10) Barcarolle In F Sharp, Op.60
11) Wiosna, B117 (Arr. From Op.74/2)
12) PreLude No.25 In C Sharp Minor, Op.45
13) Waltz No.6 In D Flat, Op.64 No.1 -"Minute"
14) 12 Etudes, Op.10
15) Mazurka No.45 in G minor Op.67 No.2
16) Mazurka No.46 In C Op.67 No.3
17) Nocturne No.1 In B Flat Minor, Op.9 No.1
18) PreLude No.26 In A Flat, Op.Posth.
19) Impromptu No.1 in A flat, Op.29
20) Polonaise No.6 in A flat, Op.53 -"Heroic"
[CD 2]
1) Waltz No.1 In E Flat, Op.18 -"Grande Valse Brillante"
2) Nocturne No.9 In B, Op.32 No.1
3) Waltz No.10 In B Minor, Op.69 No.2
4) Impromptu No.4 In C Sharp Minor, Op.66 "Fantaisie-Impromptu"
5) Nocturne No.5 In F Sharp, Op.15 No.2
6) Berceuse In D Flat, Op.57
7) Mazurka No.5 In B Flat Op.7 No.1
8) 12 Etudes, Op.25
9) 12 Etudes, Op.25
10) Nocturne No.8 In D Flat, Op.27 No.2
11) Waltz No.8 In A Flat, Op.64 No.3
12) 24 PreLudes, Op.28
13) 24 PreLudes, Op.28
14) Waltz No.2 In A Flat, Op.34 No.1
15) Mazurka No.41 in C sharp minor Op.63 No.3
16) Mazurka No.29 In a Flat Op.41 No.4
17) Ballade No.4 In F Minor, Op.52
18) Contredanse In G Flat
19) 12 Etudes, Op.10
20) 24 PreLudes, Op.28
21) Waltz No.11 In G Flat, Op.70 No.1
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