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1. Beethoven, 11 neue Bagatellen, Op.119
Valery Afanassiev(Pf)
I. Allegretto
II. Andante con moto
III. a l'Allemande
IV. Andante cantabile
V. Risoluto
VI. Andante
VII. Allegro ma non troppo
VIII. Moderato cantabile
IX. Vivace moderato
X. Allegramente
XI. Andante ma non troppo
♣ 베토벤 11개의 바가텔
바가텔(bagatelle)의 원뜻은 '가벼운 작품'이며 피아노를 위한 두도막·세도막 형식의 소품곡을
말한다.
바가텔이라는 명칭은 F.쿠프랭의 '클라브생 작품'(1717)에 사용된 이래 자주 쓰였으며 18세기
후반에는 갖가지 소품집의 표제에 사용되었다.
베토벤의 3곡의 바가텔(작품번호 33, 119, 126)은 19세기의 성격소품(character piece)의
시초로 간주되어 낭만파에서는 서정적인 피아노소품의 뜻으로 쓰였다.
피아노 독주곡으로 자주 연주되는 '엘리제를 위하여'(1810) 등은 이 부류의 것이다.
그러나 20세기 초 바르토크의 '피아노를 위한 14개의 바가텔'(1908), 베른의 '현악4중주의 6개의
바가텔'(1913) 등에 의해 다시 주목을 끌었다.
이와 같은 경향은 19세기의 캐릭터 피스에 계승되었다.
발레리 아파니시예프(Vvalery Afanassiev, 1947. 9. 8 ~ )
1974년 브뤼셀에서의 리사이틀을 계기로 망명한 이후 서방측에서 활약하고 있는 러시아 출신의
이색적인 피아니스트이다.
작곡도 하고 또 프랑스어라든가 영어로 소설을 출판한 적도 있는 재주꾼인데 피아니스트로서의
재능 또한 측정할 수 없을 만큼 뛰어나다.
대체로 느리고 때로는 실속(失速) 직전의 템포로 충분히 노래해 가는 그의 피아노는 그러면서도
항상 절묘한 평형 감각을 유지하고 있어서 유례없는 설득력으로 청중의 마음에 강하게 호소해
온다.
레퍼토리도 다양하며 현재 무대활동을 의식적으로 억제하고 있는 상태이지만 세계의 톱 클라스
피아니스트임에 틀림없다.
2. Sibelius, Symphony No.2 in D Major Op.43
Lorin Maazel(cond), Pittsburgh Symphony Orchestra
I. Allegretto
II. Tempo Adante, ma rubato
III. Vivacissimo; Lento e suave
IV. Finale: Allegro moderato
♣ 시벨리우스 교향곡 2번 D 장조 Op.43
1902년 3월 8일, 헬싱키에서 시벨리우스 자신의 지휘로 거행된 '교향곡 제2번 D장조'의 초연은
핀란드 음악사상 가장 위대한 승리로 기억된다.
해당 공연이 대성공을 거두었음은 물론이고 그 직후 일주일 남짓한 기간 동안 앙코르 공연이
세 차례나 열렸으며 일련의 공연들은 전부 매진되었던 것이다.
당시 핀란드 국민들은 '핀란디아'의 작곡가가 발표한 애국적인 신작 교향곡에 열렬한 관심과
지지를 보냈다.
특히 시벨리우스 음악의 권위자였던 지휘자 로베르트 카야누스는 이 교향곡을 '러시아의
압제에 대한 핀란드의 저항정신과 궁극적인 승리를 그린 작품'으로 규정했다.
나아가 역시 시벨리우스 스페셜리스트였던 지휘자 슈네보익트는 각 악장의 내용을 다음과 같이
해석하기도 했다.
"제1악장은 압제, 압박이라든가 사상에 번민하지 않는 핀란드인의 한가로운 전원생활을
나타내고 제2악장은 러시아의 잔인한 압박에 시달리며 애국심에 불타는 핀란드인의 심정을
나타낸다. 그리고 제3악장은 국민적 감정을 환기시키면서 그들의 권리를 옹호하는 국가 조직에
대한 요구를 말하고 있다. 이어서 제4악장은 구세주의 출현을 예상하는 위안과 미래에 대한
희망과 신념을 노래한 것이다"
이러한 해석은 실제로 작품과 잘 어울리는 것처럼 보인다.
특히 이 곡의 감동적인 피날레를 들으면서 애국심을 떠올리는 건 별로 어색한 일이 아니다.
무엇보다 이 교향곡은 핀란드의 국민 작곡가의 작품이 아니던가.
심지어 1940년대에 한 음악학자는 아예 작품에다 '해방 교향곡'이라는 별명까지 붙였다.
오늘날에도 핀란드에서는 이 작품이 종종 '독립 교향곡'으로 불린다.
하지만 정작 작곡가 자신은 그러한 국가주의적인 해석을 거부한 바 있다.
시벨리우스는 1901년 2월 이탈리아의 라팔로에서 이 교향곡을 쓰기 시작했다.
당시 그는 후원자 악셀 카르펠란 남작의 권유에 따라 가족과 함께 이탈리아로 여행을 떠나
3개월 정도 체류했다.
라팔로는 제노바에서 멀지 않은 리구리아 해 연안의 마을인데 그는 그곳의 여관에 아내와
두 딸을 투숙시켜 놓고 자신은 주로 산 위에 있는 어느 별장의 서재에 머물렀다.
그 별장은 아름다운 정원에 둘러싸여 있었고 정원에는 장미, 동백, 선인장, 포도나무, 야자수
등 온갖 꽃과 과실이 가득했다.
그는 자신의 고향과는 사뭇 다른 남국의 자연환경에서 새로운 자극을 받으며 재충전의 기회를
가질 수 있었다.
아울러 그는 서재에서 몇 권의 책을 읽었는데 그 중에서도 '돈 후안과 석상 손님' 이야기에서
중요한 영감을 얻었다.
그리고 그 이야기에 등장하는 석상의 이미지를 새 교향곡의 느린 악장의 주제로 삼게 된다.
다만 그때만 해도 시벨리우스는 교향곡이 아니라 '레민케이넨의 전설'처럼 네 개의 단편으로
이루어진 연작 교향시를 염두에 두고 있었다.
따라서 '교향곡 제2번'의 느린 악장은 다분히 교향시적인 성격을 띠고 있다 하겠다. 그런데
사실 그에게 이탈리아 체류기는 행복과는 거리가 먼 시기였다.
비록 새로운 환경이 그의 창작력을 자극하긴 했지만 현실적인 문제가 그를 괴롭히고 있었던
것이다.
일단 재정 문제로 심각한 고민에 빠져 있었고 어린 딸은 발진티푸스를 앓고 있었다. 또 얼마전
자살로 생을 마감한 처제에 관한 생각도 뇌리에서 떠나지 않았다.
그렇게 누적된 스트레스 탓이었던지 어느 날 그는 아내와 아이들을 라팔로에 남겨둔 채
알리지도 않고 혼자 로마로 가서 한 동안 지내기도 했다. 그의 정신적 방황은 가족들을 데리고
피렌체, 비엔나, 프라하를 거쳐 고국으로 돌아온 다음에도 한 동안 지속되었다.
그 해 여름, 그는 핀란드 남부의 로히야에 있는 장모의 영지에서 머물며 작곡에 매달렸다.
그는 우선 피렌체에서 구상했던, 단테의 '신곡'에 기초한 교향시를 쓰려던 계획을 폐기했고
대신 그 동안 축적한 악상들을 바탕으로 다분히 자전적인 성격을 지닌 새 교향곡을 써나갔다.
작업은 11월에 거의 마무리되었지만 그 달에 잡혀 있던 초연 일정이 연기되자 그는 대폭적인
개정을 단행했다.
그리고 이듬해 3월, 마침내 완성된 '교향곡 제2번 D장조'를 발표했던 것이다.
'교향곡 제2번 D장조'는 시벨리우스의 창작 이력에서 터닝 포인트의 의의를 갖는다.
전작인 '교향곡 제1번 e단조'에 차이콥스키를 위시한 선배 작곡가들의 영향이 크게 작용했다면
이 작품에는 시벨리우스만의 개성이 보다 뚜렷이 드러나 있기 때문이다.
그 화려한 음색과 드라마틱한 전개는 후기낭만주의 교향곡의 전통을 가리키고 있지만 동시에
그의 성숙기 교향곡들에서 부각되는 보다 고전적인 경향도 보여주고 있다.
특히 작품의 첫머리에 등장시킨 단순한 음계를 바탕으로 전곡을 구축해나가는 기법이 그러하다.
이런 면에서 이 곡을 베토벤이나 브람스의 교향곡에 견주는 견해도 있다.
혹자는 이 곡을 가리켜 '시벨리우스의 전원 교향곡'이라고 부르기도 한다.
이 작품이 시벨리우스의 자연에 대한 특히 핀란드의 자연에 대한 애정을 풍부하게 담아내고
있다는 것이다.
물론 이러한 관점은 예의 ‘애국적 해석’과 궤를 같이 한다. 하지만 앞서 살펴본 바와 같이
이 곡에 투영된 자연의 이미지는 복합적이다.
다시 말해서 남유럽의 이미지와 북유럽의 이미지가 혼재돼있다고 할 수 있을 것이다.
또한 작곡 당시의 정황을 돌아보면 이 작품의 내용은 핀란드 민족정신의 발현보다는
시벨리우스 개인의 위기와 극복 쪽에 가까운 것처럼 보인다.
다만 이 두 명제에 서로 상통하는 면이 있음은 부정할 수 없다.
사실 이 곡의 매력은 이처럼 다양한 해석이 가능하다는 데 있을 것이다. 어떤 이는 이 곡에서
남유럽의 온화한 풍광과 눈부신 태양을 볼 수도 있고 어떤 이는 북유럽의 서늘한 기운과
신비로운 오로라를 볼 수도 있다.
또 어떤 이는 이 곡을 들으며 불타는 애국심과 민족정신의 고양을 느낄 수도 있고 어떤 이는
지극히 개인적인 고뇌에 대한 돌파구를 찾거나 해방감을 만끽할 수도 있다.
제1악장 : 알레그레토, D장조, 6/4박자
지극히 단순한 음계의 반복으로 이루어진 8마디의 서주에 이어 전원의 테마로 불리는 주요
주제가 클라리넷과 오보에로 제시된다.
이 경쾌하고도 소박한 주제의 후반부는 호른의 고즈넉한 울림이 장식한다.
이후 곡은 이 주요선율을 중심으로 다양한 모티브들이 어우러지며 자유로운 환상곡풍으로
전개된다.
혹은 또 하나의 주제를 짚어내 ‘소나타 형식’으로 분석하기도 하지만 그보다는 전원 주제에
의한 환상곡으로 보는 편이 낫지 않을까 한다.
그만큼 풍부하고 다채로운 이미지와 변화무쌍한 흐름을 내포하고 있는 악장이기 때문이다.
다만 시벨리우스 특유의 주도면밀한 전개수법은 반드시 주목할 필요가 있는데 주요선율에
다양한 모티브들이 얽히는 과정에서 나타나는 치밀한 기법과 절묘한 호흡은 대단하다.
무엇보다 첫머리에 등장하는 단순한 모티브가 모든 악장의 주제를 도출해내는 씨앗으로
기능하게 된다는 점을 놓쳐서는 안 될 것이다.
제2악장 : 템포 안단테 마 루바토, d단조, 4/4박자
이 비극적인 악장은 전곡에서 가장 어둡고 강렬한 인상을 남긴다. 시벨리우스가 라팔로에서
읽은 책에서 얻은 아이디어 즉 '돈 후안과 석상 손님'을 주제 삼아 작곡된 또 하나의
환상곡이자 온전한 교향시라고 할 수 있다.
여기서 석상 손님은 보통 죽음을 상징하는 것으로 해석된다.
곡은 팀파니의 묵직한 연타에 이어 콘트라베이스와 첼로가 피치카토를 연주하며 시작된다.
죽음의 이미지는 파곳이 꺼내놓는 음산한 단조 주제로 표현되며 이것을 바탕으로 긴장감
넘치는 극적 장면들이 펼쳐진다.
이와 대비를 이루는 유려한 장조 주제는 위로 혹은 비애처럼 다가온다.
이 주제의 유래는 시벨리우스가 피렌체에서 떠올린 그리스도의 이미지로 알려져 있는데
그렇게 종교적인 차원에서 접근하자면 이 곡은 준엄한 최후의 심판대를 마주한 인간의
불안과 고뇌를 적나라하게 표출한 것으로 볼 수도 있지 않을까.
제3악장 : 비바치시모, B♭장조, 6/8박자
이 악장은 흔히 베토벤의 '교향곡 제5번 c단조(일명 ‘운명 교향곡’)'의 스케르초 악장에
비견된다.
그 곡처럼 이 곡도 스케르초와 트리오(중간의 삽입구)로 이루어져 있고 단락 없이 다음
악장으로 이행한다.
다만 베토벤의 경우에는 스케르초의 재현이 확대되며 피날레로 넘어가는 데 비해 이
곡에서는 트리오가 한 번 더 재현된 다음 넘어가는 점이 다르다.
질주하는 스케르초와 목가적인 트리오의 대비를 통해서 독특한 이미지를 연출하는
악장이다.
제4악장 : 알레그로 모데라토, D장조, 3/2박자
앞선 악장의 말미에서 그대로 이어지는 이 영웅적인 피날레는 찬란하고 감동적이며 사려
깊다.
더없이 단순하기에 뇌리에 즉각적으로 각인되는 첫 번째 주제선율은 때로는 힘차게
노래되고 때로는 점진적으로 고조되면서 듣는 이에게 가슴 벅찬 감흥을 안긴다.
그 흐름은 마치 베토벤의 '교향곡 제5번'처럼 좌절과 혼돈의 시간을 떨치고 승리와 확신의
시간을 향해 나아가는 듯한 인상을 준다.
반면에 핀란드 민요풍의 두 번째 주제선율은 비감에 젖어있는 듯한 인상을 주는데
시벨리우스의 부인인 아이노의 말에 따르면 이 선율에는 안타깝게 유명을 달리한 처제에
관한 상념이 녹아 있다고 한다.
하지만 마지막에는 그 모든 고뇌와 역경을 딛고 희망의 미래를 향해 의연하게 전진하는
발걸음이 그려진다.
그 절정에서 오보에, 트럼펫, 트롬본 등이 함께 연주하는 찬가는 실로 눈부시다.
■ 추천음반
우선 왕년의 명반으로는 존 바비롤리(EMI, Chesky)와 유진 오르먼디(Sony, RCA)가
대표적이다.
좀 더 거슬러 올라가면 토머스 비첨, 앤소니 콜린스, 로베르트 카야누스 등을 언급할 수도
있겠지만, 음질을 고려한다면 바비롤리와 오르먼디 정도에서 멈추는 편이 나을 듯 싶다.
전자는 콜린 데이비스, 알렉산더 깁슨 등으로 이어지는 영국계 스페셜리스트들의 대표자라
할 수 있고, 후자는 생전의 작곡가가 극찬했던 챔피언의 노련한 솜씨를 보여준다.
역사적 맥락을 따지자면 다소 아이러니하지만 아쉬케나지(Decca), 얀손스(EMI) 등 러시아계
지휘자들도 훌륭한 명반을 남겼다.
그 중 아쉬케나지의 두 가지 데카 음반 중에서는 필하모니아 오케스트라와의 구녹음이
활력에 넘친다면 보스턴 심포니와의 신녹음은 음색 면에서 좀 더 풍부하고 해석은 보다
여유롭다.
다만 현재는 구녹음을 구하기가 더 쉬울 것이다.
작곡가와 동향인 핀란드 지휘자들의 음반은 확실히 뭔가 다르다.
레이프 세게르스탐(Ondine), 유카-페카 사라스테(RCA), 오스모 밴스캐(BIS) 등도 좋은
연주지만 역시 올해 작고한 파보 베르글룬드가 대표 격이다.
헬싱키 필하모닉을 지휘한 녹음(EMI)이 유명하지만 유럽 체임버를 지휘한 녹음(Finlandia)의
실내악적인 명징함은 한층 인상적이다.
개성 충만한 연주를 찾는다면 레너드 번스타인(DG)과 헤르베르트 폰 카라얀(EMI)이 있다.
특히 빈 필하모닉을 지휘한 번스타인의 신녹음은 다분히 자극적이고 과장됐으면서도 극도로
감동적이며, 동시에 현대 오케스트라 기능미의 한 극치를 만끽하게 해준다.
로린 마젤 (lorin maazel, 1930 ~ )
프랑스의 파리 근교의 뉘이에서 유대계 러시아인인 부친과 헝가리와 러시아의 혼혈인 모친
사이에서 태어나서 미국으로 이주했기 때문에 어린 로린은 피츠버그에서 자랐다.
일찍부터 음악적인 재능을 발휘하여 4세 때 절대음감과 발군의 기억력을 갖추고 있다는
것이 증명되었다.
피아노와 바이올린을 배웠는데, 로린은 지휘에 비상한 흥미를 보였다고 한다.
8세 때 이미 아이다호의 대학 오케스트라를 지휘하여 슈베르트의 '미완성 교향곡'을
연주하였다.
그 당시 대평론가인 오린 다운즈에게 인정되어 1939년 9세 때 뉴욕 세계 박람회에
출연하여 대편성 오케스트라를 지휘함으로서 신동 지휘자라 세상을 떠들썩하게 하였다.
또 10세인가 11세 때 NBC 교향악단을 객원 지휘하였고 이어서 뉴욕 필하모닉을
지휘하였다.
그러나 마젤은 그대로 학업을 계속하여 고등학교를 16세 때 졸업한 다음 피츠버그
대학에 들어가 어학과 철학을 전공하였으며 블라디미르 바칼레이니코프에게 바이올린과
지휘법을 배웠다.
이 동안 피츠버그 교향악단의 바이올린 주자를 맡았고 아트 현악 4중주단을 조직하여
활약하였는데 1949년에는 피츠버그 교향악단의 부지휘자로 임명되었다.
1951년에 풀브라이트 국비생(장학생)으로서 이탈리아로 유학하여 바흐를 비롯한 바로크
음악을 주로 공부하였으며 보스턴의 버크셔 음악 센터에서는 지휘법을 공부했다.
1953년에는 이탈리아의 로마에서 본격적인 데뷔를 장식하여 센세이션을 일으키면서
성공하였다.
그 이후 세계에서 가장 젊은 지휘자로서 유럽 각국의 주요 오케스트라와 음악제에
게스트로 초청되어 대활약을 시작하였다.
더구나 1960년 30세의 나이로 바이로이트의 바그너 음악제에 '로엔그린'를 가지고
등장하여 실력과 경력을 인정받았다.
마젤은 그 후에도 1968년과 1969년에 바이로이트에 초청되어'니벨룽겐의 가락지'
전4부작을 지휘하였다.
1965년 베를린 도이치 오페라의 음악 총감독에 취임하였으며 동시에 베를린
방송교향악단의 수석 지휘자도 겸임하여, 서 베를린의 인기를 카라얀과 양분하게 되었다.
오페라 활동은 1971년까지 했고 방송교향악단은 1973년까지 지휘하였다.
1970년부터 1972년까지 런던의 뉴 필하모니아 관현악단에서 클렘페러를 보좌하는
준지휘자를 맡았는데 1972년에는 미국으로 본거지를 옮기고 클리블랜드 관현악단의
음악 감독으로 취임하였다.
1976년부터는 프랑스 국립관현악단의 상임 객원 지휘자도 겸임했으며 1982년 시즌부터
빈 국립 오페라 극장의 총감독으로 취임했다.
레코드는 베를린 필하모니를 지휘한 것이 많았는데 그중에서도 멘델스존의 교향곡
'이탈리아'와 '종교 개혁', 라벨의 '어린이와 마법'(이상 그라모폰)등이 유명하다.
30세 전 마젤의 젊은 무사로서의 활약이 충분히 발휘된 그것은 자기 주장의 강한 매력이
넘치는 연주였다.
베를린 도이치 오페라 시대의 레코드에서는 소프라노인 안나 모포를 주역으로 한 비제의
'카르멘' 전곡(오이로디스크)이 인상에 남는다.
이것은 알코어판의 원전을 철저하게 해석한 것으로 이 오페라의 강한 생명력을
재발전시켰다.
베를린 방송교향악단 시대는 필립스에서 바흐를 비롯해서 바로크음악을 상당히 중점적으로
녹음하여 'b단조 미사곡'등에서는 마젤다운 자기 주장을 보였는데 오히려 페르골레시의
'스타바트 마테르'가 마음에 남는다.
클리블랜드 재임 후는 초기에 거슈윈의 '포기와 베스'전곡, 프로코피예프의 '로메오와
줄리에트'(이상 런던)에서 공전의 명연을 들려주었다.
그러나 대작의 브람스, 베토벤 두 교향곡 전집(런던, CBS) 등은 지나치게 정통적인
표현으로써 마겔다운 개성이 느껴지지 않는다는 것이 약간 유감이다.
최근의 것에는 베를리오즈의'환상 교향곡'(CBS)이 오랜만에 정교한 표현을 통해 그다움을
다시 되찾은 것만 같다.
1988년 가을부터 피츠버그 교향악단의 상임 지휘자로 활동하고 있는 마젤은 그동안의
음악적인 성숙으로 생의 깊이를 밀도있게 음악으로써 그릴 것이다.
1978년 9월 13일에 열린 클리블랜드 관현악단의 연주는 청중들에게 큰 감동을 주었다.
이 관현악단이 몇 해 전에 왔을 때엔 조지 셀이 엄격한 지휘로써 빈틈없는 다부진 연주를
들려 주었지만 이번엔 40대의 천재 지휘자 로린 마젤이 신비적이면서도 감동적인 연주를
들려주었다.
마젤은 지휘를 매우 부드럽게 하면서도 강인한 표현을 하는 뛰어난 솜씨를 보여주었다.
마지막 곡인 차이코프스키의 '비창 교향곡'제4악장 중간 부분에서 너무나도 열띤 지휘를
하느라고 두 팔을 휘두르다가 지휘봉이 왼손과 부딪쳐서 그만 두 동강이가 나서 3분의
2길이의 끝부분은 무대 위에 떨어졌다.
그는 부러진 그 짧은 지휘봉을 휘두르면서 바로 앞의 비올리스트에게 지휘봉이 부러졌다는
것을 알리자 이 비올리스트는 준비하고 있던 새 지휘봉을 꺼내서 손을 뻗쳐 조용히 내밀자
마젤은 약간 허리를 구부리는가 하더니 날쌔게 받아서 그대로 지휘를 계속했다.
지휘봉이 부러지는 것도 극적이지만 부러진 손잡이 부분을 내려뜨리지 않고 오른손으로
살그머니 모우닝 코우트의 안호주머니에 넣어 두는 것은 아름다운 정경이었다.
신경질이 심했던 토스카니니는 리허설 때 자기 뜻대로 안되면 지휘봉을 꺾어버리는 것이
일쑤였다고 한다.
따라서 금방 화가 가라앉으라고 일부러 꺾어지기 쉬운 나무로 특별히 만들었다고 한다.
그러나 로린 마젤의 경우는 다르다 그는 지휘봉을 자기의 목숨처럼 생각하는 듯이
애지중지했다고 알려져 있다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.5 in E flat major, Op.73 'Emperor'
Elly Ney(Pf) / Willem van Hoogstraten(cond), Nurnberger Symohoniker
I. Allegro
II. Adagio un poco mosso
III. Rondo - Allegro ma non troppo
※ Recorded 1960
♣ 베토벤 피아노 협주곡 5번 E 플랫 장조 Op.73 '황제'
1809년 초 베토벤의 생활은 비로소 든든한 반석 위에 올라선 것처럼 보였다.
일단 3월 1일부터 '평생 연금'을 받기 시작했는데 세 명의 젊은 고위 귀족, 로프코비츠 공작,
킨스키 공작, 루돌프 대공이 그에게 매년 4천 플로린이라는 거금을 지급하기로 약속했던
것이다.
다만 베토벤이 "빈(Wien) 혹은 오스트리아 황실 폐하의 다른 세습영지를 거주지로 하는 대신"
이라는 조건이 붙었다.
이로써 안정적인 재정기반을 확보한 베토벤은 들뜬 기분에 여행이나 결혼도 할 수 있으리라는
기대를 품었고 특히 친구인 글라이헨슈타인 남작에게 편지를 보내서 자신의 신붓감을 찾아봐
달라고 부탁하기까지 했다.
하지만 그러한 희망은 얼마 지나지 않아 산산이 부서지고 만다. 그 해 5월 나폴레옹 군대가
빈을 점령했기 때문이다.
오스트리아의 바이에른 침공에 대한 대응에 나선 프랑스 군이 에크뮐 전투에서 오스트리아
군을 격파한 다음 내친 김에 빈까지 진격해왔고 그러자 오스트리아의 왕족과 귀족과
부유층들은 서둘러 빈을 탈출했다.
뒤에 남은 시민들이 나름대로 도시를 수호하겠다고 나섰지만 상황은 절망적이었다.
무기가 턱없이 부족해서 극장에 있던 총과 창, 칼 등의 소품들까지 꺼내왔지만 별 도움이
되지 못했다.
결국 빈은 포위된 지 일주일 만인 5월 13일에 함락당하고 말았다.
빈에 남게 된 베토벤의 상황은 절박했다. 적군의 포탄이 쏟아지는 동안에는 약해진 청력을
보호하기 위해 책상 밑으로 들어가 베개를 머리에 두르고 있어야 했다.
또 프랑스 군이 도시를 점령한 뒤에도 한 동안 오스트리아 군의 반격으로 인한 전투가
계속되어 그는 사방을 뒤덮은 전쟁의 참화와 진군의 북소리, 군화 소리로 인해 거의 미칠
지경이었다.
게다가 후원자들이 모두 도시를 떠나면서 경제적 원조가 끊기는 바람에 생계를 꾸려나가기도
힘겨웠는데 피난하기도 여의치 않았다.
가까스로 동생의 집에 의탁한 그는 여름에 쓴 한 편지에서 당시의 상황을 이렇게 전하고
있다.
"그 동안 우리는 가장 심각한 형태의 비참함을 겪고 있었습니다. 5월 4일 이후 나는 일관성
있는 작품을 거의 하나도 쓰지 못했습니다. 기껏해야 단편 이것저것 뿐입니다. …… 바로
얼마 전에 내가 쌓아올린 생존의 기반이 불안정해 졌습니다. …… 주위에서는 온통
파괴적이고 무질서한 행태 밖에는 보이지 않습니다. 온통 북소리, 대포소리, 모든 형태의
비인간적인 처참함 뿐입니다"
그의 마지막 협주곡은 바로 이러한 경험에 기초한 것으로 보인다.
그래도 9월에 베토벤은 자선 연주회에서 '영웅 교향곡'을 지휘했고 전황이 정리되어 감에
따라 빈의 질서와 생활도 점차 정상적인 상태를 되찾아갔다.
일련의 상황은 10월 14일 쇤부른 궁전에서 프랑스와 오스트리아 사이에 강화조약이
체결되면서 일단락 되었고 베토벤도 다시금 기지개를 켰다.
그 전란의 와중에 작곡된 것으로 알려진 '피아노 협주곡 제5번 E♭장조'는 베토벤 최고의
역작 가운데 하나이다.
이 작품의 장대한 스케일, 왕성한 추진력, 찬란한 색채는 타의 추종을 불허한다.
심지어 베토벤 자신조차도 이 정도로 대담하고 격렬한 협주곡은 쓴 적이 없었다.
그는 이 곡에서 특유의 강력한 피아니즘을 그 어느 때보다 과감하게 펼쳐 보였고 그 결과
이전의 '피아노 협주곡 제4번 G장조'에 이어 다시 한 번 피아노 협주곡사에 새로운 장을
열었다.
이 협주곡은 베토벤 자신의 '바이올린 협주곡'과 더불어 훗날 슈만과 브람스가 계승하게
되는 '교향적 협주곡(Symphonic Concerto)'의 본격적인 출발점으로 간주된다.
이 곡은 분명 협주곡이지만 관현악부가 독주부 못지않은 중요성을 지니며 두 파트가
긴밀하게 어우러져 더없이 절묘하고 역동적인 음악세계를 펼쳐 보인다.
제1악장 - 알레그로
약 20분간에 걸친 장대한 규모를 자랑하는 첫 악장은 시작부터 특별하다.
관현악의 힘찬 화음에 이어 피아노가 곧바로 등장하여 화려하고 당당한 카덴차를 연주해
보이며 출발하는 것.
협주곡의 고전적인 틀에서 벗어난 이런 개시법은 이후 슈만, 그리그, 차이코프스키 등
수많은 후배 작곡가들에게 영향을 미치게 된다.
이 혁신적인 개시부에 이어 관현악이 강렬하고 박진감 넘치는 제1주제와 스타카토 리듬에
실려 등장한 후 유려하게 펼쳐지는 제2주제를 제시한다.
이후 피아노가 다시 등장하고 음악은 때로는 충만한 열기와 긴장감 속에서 강력하게
때로는 섬세하고 유연하면서도 멋스럽게 진행된다.
이 악장은 두 차례의 장쾌한 클라이맥스에 도달한 후 힘차게 마무리된다.
여기서 또 한 가지 특별한 점은 통상 재현부와 종결부 사이에 놓이는 독주자 임의의
카덴차가 허용되지 않았다는 점이다.
이 부분에 관해서 베토벤은 '카덴차는 필요 없음. 그대로 계속해서 연주할 것'이라고
지시하는 대신 카덴차에 상당하는 독주부를 직접 채어 넣었다.
즉 자신이 의도한 흐름이 독주자의 기교과시에 의해서 단절되거나 왜곡될 위험을 차단했던
것이다. 이 역시 슈만과 브람스를 비롯한 후배들에게 귀감이 되었던 부분이다.
아울러 이 악장에서는 트럼펫과 팀파니의 활약을 통해서 팡파르 풍의 울림과 행진곡풍
리듬이 유난히 부각된다. 또한 전편의 치열하고 박진감 넘치는 흐름은 다분히 전투적이다.
그래서인지 알프레트 아인슈타인은 이 협주곡을 '군대 개념의 변증론'이라고 불렀는데
혹시 베토벤은 이 곡에서 나폴레옹 군대 혹은 그로 상징되는 '적군'에 대한 자기 나름의
투쟁을 전개했던 것은 아닐까?
나폴레옹이 빈을 점령했던 시절, 베토벤은 프랑스군 장교와 마주친 자리에서 주먹을
불끈쥐며 이렇게 말한 적이 있다고 한다.
"내가 대위법만큼 병법에 정통했더라면 당신들을 가만두지 않았을 텐데….."
도처에서 포탄이 터지는 듯한 장면마저 연출하는 이 곡을 들으며 (물론 비유적인 견지에서)
관현악을 병사들로, 피아노를 그들을 이끄는 장수로 상정해보는 것도 흥미로울 듯하다.
제2악장 - 아다지오 운 포코 모소
앞선 악장과 사뭇 대조적인 완서악장이다. 차분하게 가라앉은 분위기 온화하게 이어지는
흐름 그리고 그 위에 신중하게 얹히는 독주 피아노의 선율.
이 명상적인 악장에는 숭고하고 성스러운 기운마저 서려있다. 베토벤의 제자였던 체르니에
따르면 찬미가풍의 주제는 오스트리아의 순례의 노래에서 따온 것이라고 한다.
이 악장은 그 극복의 통로가 아니었을까? 여기서 그는 반추하고, 기도하고, 음미한다.
그리고 새 희망을 꿈꾼다.
그의 후기음악에 나타나는 영적인 차원의 환상적인 음률이 이미 선명하게 모습을 드러내고
있는 이 악장은 베토벤이 남긴 가장 심오하고 감동적인 음악 가운데 하나이다.
제3악장 - 론도. 알레그로
앞선 악장의 끝부분에서 중단 없이 이어지는 이 악장에서 음악은 다시금 첫 악장의 기세와
분위기로 복귀한다.
이 '승리'를 향한 행진곡에서, 춤곡풍의 주제는 마치 곡예를 펼치는 듯하며 피아노와
관현악은 서로 앞서거니 뒤서거니 하며 술래잡기를 하는 듯하다.
협주곡 고유의 경쟁의 묘미와 돌파의 스릴을 만끽할 수 있는 박진감 만점의 멋진
피날레이다.
흔히 곡의 제목처럼 통용되는 '황제'라는 별명은 정작 베토벤 자신과는 별 관련이 없어
보인다.
무엇보다 베토벤이 한 때 존경하던 나폴레옹이 황제의 자리에 올랐다는 소식을 듣고서
격노하여 '영웅 교향곡'의 원래 표지를 찢어버렸다는 일화를 떠올리자면 베토벤의 가장
돋보이는 걸작 중 하나에 '황제'라는 별명을 붙이는 것은 심히 불경스러운 일처럼
보이기도 한다.
이런 별명을 누가 붙였는지는 확실히 밝혀지지 않았지만 일설에는 J. B. 크라머라는
영국의 출판업자가 거론된다.
그는 이 작품이야 말로 모든 피아노 협주곡들 가운데 '황제'의 자리에 놓일 만하다고
생각했다고 한다.
그런데 이것도 꽤나 그럴듯한 발상 아닌가? 더구나 젊은 시절에는 혈기왕성했던 베토벤도
나이가 들어감에 따라 점차 보수적인 성향으로 변해갔으며 한 때 '황실 악장'의 직함을
원하기도 했었다는 사실을 돌아보면 굳이 거부할 필요도 없는 일 아닌가 싶다.
■ 추천음반
다른 어떤 곡보다도 이 곡에 있어서만큼은 근래의 음반들보다 왕년의 거장들이 남긴
음반들이 먼저 떠오른다.
모노 시절의 명반으로는 역시 에트빈 피셔를 가장 먼저 거론해야 할 것이고 이후에도
빌헬름 박하우스, 빌헬름 켐프, 루돌프 세르킨, 클라우디오 아라우, 프리드리히 굴다,
알프레트 브렌델, 에밀 길렐스, 레온 플라이셔, 아르투로 베네데티 미켈란젤리 등등이
남긴 기라성 같은 명연들이 즐비하다.
엘리 네이 (Elly Ney, 1882. 9. 27 ~ 1968. 3. 31)
독일의 뒤셀도르프에서 나폴레옹과 영국 네이 장군의 후손으로 태어난 독일의 여류
피아니스트이다.
쾰른 음악원에서 이시도르 사이스와, 칼 보처에게 사사하고 후에 빈으로 나가 에밀 폰
자우어와 레셰티츠키의 문하에서 배웠다.
1905년에 빈에서 데뷔하고 1911년부터 27년까지 네덜란드의 지휘자 빌렘 반 호그스트라텐과
결혼했다.
1928년에는 시카코의 아레즈와 재혼했고 1932년에 횔셔, 시트로스와 엘리 나이 3중주단을
조직하였으며 만년에는 잘쯔부르크 모짜르테움의 교수를 지냈다.
그녀는 80세를 넘는 나이까지 활약하다가 1968년에 타계했다.
대전 전의 명성을 생각케 하는 스케일이 큰브람스의 협주곡이 SP에 있었으나 현재는 모두
폐반이 되고 말았다.
레코드는 베토벤, 슈베르트, 슈만, 브람스, 쇼팽 등이 있는데 그 중 베토벤의 협주곡과
소나타는 특히 많고 '하일리겐슈타트의 유서'는 그녀 자신이 낭독한 것이기도 하다.
작품 26에서 아다지오를 연주한 레코드도 있다.
4. Bruch, Scottish Fantasy, Op.46 [ SACD ]
Jascha Heifetz(Vn) / Sir Malcolm Sargent, New Symphony Orchestra Of London
I. Introduction- Grave; Adagio cantabile
II. Allegro
III. Adagio; Andante sostenuto
IV. Finale- Allegro guerriero
♣ 브루흐 스코트랜드 환상곡 Op.46
브루흐는 영국의 작가인 월터 스코트 경의 여러 소설작품에 자극을 받아 로맨틱하고 감상적이며
기술적으로 현란한 이 스코틀랜드 환상곡을 작곡했다.
초연은 1880년 독일의 함브루그에서 당대 최고의 바이올리니스트인 사라사테의 연주로 열렸다.
4개 악장으로 되어 있는 이 곡의 각 악장에는 스코틀랜드의 민요풍 멜로디가 사용되고 있다.
하지만 브루흐는 그런 민속 멜로디를 단순히 책에서 인용한 것이 아니라 자신이 직접 영국을
여행하면서 발견한 것들이라고 자랑할 정도로 이 작품에 대한 깊은 애착을 보여주고 있다.
환상곡이란 제목이 붙여져 있지만 5대 바이올린 협주곡의 하나인 그의 바이올린 협주곡 제1번과
쌍벽을 이루는 바이올린의 걸작이다.
원래 이 곡의 원제는 '스코틀랜드 민속 선율을 사용한 바이올린과 오케스트라, 그리고 하프를
위한 자유로운 환상곡 E플랫 장조, 작품 46' 이다.
일생동안 브루흐가 스코틀랜드 민요에 흥미를 가졌음을 이야기 해주는 최고의 역작이다.
브루흐는 음악가로서 초기시대라고 할 수 있는 1863-64년 사이에 '스코츠 박물관'에서 제임스
존슨이 스코틀랜드 민요 600곡을 모은 앤솔로지를 발견했다.
이 민요집은 총 6권으로 구성되어 있으며 1787-1803년 사이에 엔딘버러에서 출판된 것을 1839년과
1853년에 재인쇄한 것이다.
민요 연구에 대한 브루흐의 작업은 그의 개인적인 음악적 개성을 발전 시키는데 큰 영향을 주었을
뿐만 아니라 리스트나 바그너 같은 신독일 학파와 맞설 수 있는 큰 무기이기도 했다.
그의 작품 가운데서 민요 연구에 대한 결과가 가장 설득력 있게 표현된 것이 바로 '스코틀랜드
환상곡'이다.
물론 여기에 사용된 스코틀랜드의 선율들은 그가 스코츠 박물관에서 발견한 노래에서 따온 것이다.
1880년 완성되어 그 해 9월에 함부르크에서 '파블로 데 사라사테'의 바이올린 연주로 초연되었고
역시 초연자인 '사라사테'에게 헌정되었다.
'스코틀랜드 환상곡'은 서주와 4개의 악장으로 구성되어 있으며, 서주는 그라베로써 다소 쓸쓸하고
몽환적인 분위기의 저음으로 시작된다.
브루흐는 이 곡을 바이올리니스트인 사라사테를 위하여 1880년에 작곡하며 그 해 함브르그에서
그에 의해 초연되었다.
멘델스존과 말러를 포함하여 나찌는 그를 '인종적으로 불순한' 부류로 취급하여 그의 음악을
금지한다.
그의 작곡으로 두 현악 4중주, 그리고 합창과 오케스트라를 위한 거의 50여편의 작품이 있었지만
오늘날 그를 기억하기를 제1번 바이올린 협주곡과 스코트랜드 환상곡 그리고 히브리 성가인
콜니드라 정도일 뿐이다.
아마도 나찌에 의해 블랙리스트에 올랐던 이유가 큰 듯하다.
브루흐는 사라사테를 위해 이 곡 뿐만 아니라 제2 바이올린 협주곡도 작곡하였고 개인적으로는
제2 바이올린협주곡을 더욱 더 자랑스럽게 여겼다.
그렇지만 이 곡의 공식 명칭인 '스코트랜드의 민요를 자유롭게 사용한 판타지아(Fantasia Freely
Using Scottish Folk Melodies)'가 더욱 더 알려져 있다.
제 1악장 Intruduction Grave; Adagio cantabile
아다지오 칸타빌레는 스코틀랜드 민요 'Auld Rob Morris'의 선율을 기초로 하고 있는데 감미로운
악장으로 친근하면서도 따뜻한 느낌을 준다.
브루흐는 이 곡의 작곡이 자신이 영국에 머물 당시 그곳에서 감명 받은 영국작가 월터 스콧경에
기인한다고 밝힌다.
스코트랜드 환상곡은 베이스와 하프의 장엄하고도 음유시인적인 서주로 시작하여 부드러운 현악의
쿠션 위에 솔리스트를 위한 서창연주의 레치타티보가 뒤따른다.
이것은 곧 스코트랜드 민요 'Auld Robin Morris'에 바탕을 두고 하프와 바이올린 연주가 대등한
관계를 이루고 있는 E 프랫 장조의 아다지오 칸타빌레로 이어진다.
제 2악장 Scherzo: Allegro
알레그로는 경쾌한 스케르쪼로 역시 스코틀랜드 민요인 'Hay, Dusty Miller'라는 노래를 바탕으로
한다.
이 선율은 고대의 전통적인 춤곡의 리듬을 기조로 바이올린의 화려하고 다채로운 기교를
사용하는 변주로 발전되어 나간다.
'Scherzo: Allegro' 그리고 'Dance'라는 많은 이름이 있는 G 장조의 두번째 악장은 민요, 'Hey,
the Dusty Miller(이 더러운 방앗간 주인아)'에 바탕을 두고 있다.
묵직해서 느려터져 것만 같은 베이스가 백파이프의 소리를 표현한다.
반면에 바이올린은 곧 더블스톱된 스트링(한번의 활질로 두 선을 연주하는 것)의 멜로디를 소개하며
나타나며 화려함을 더한다.
한참 동안의 이 화려한 한바탕의 유희는 민요, 'Auld Robin Morris'를 연상시키는 브릿지로 끝을
보게 된다.
제 3악장 Andante sostenuto
안단테 소스테누토는 'I'm a doun for lark O'Johnnie'를 기본 모티브로해서 악상이 전개된다.
쉼 없이 넘어가 맞이하는 제3악장. 호화롭고도 편안한 늦은 악장의 민요, 'I'm Down for Lack o'
Johnnie'에 기반을 둔 Andante sostenuto의 다양한 변주이다.
바이올린은 사람을 감동시킬 듯한 장정의 웅변을 한동안 하는 듯하다. 그러다 평생 동안 기억에
남을 수 밖에 없을 듯한 한숨과 함께 종말을 고한다.
제 4악장 Finale Allegro gueriero
피날레는 알레그로 구에리에로(War-like)라는 지시어가 말해주듯이 독주 바이올린과 관현악이
아주 씩씩한 주제를 제시한다.
이 악장은 스코틀랜드의 오래된 군가인 'Scots Wha Hae'의 리듬과 멜레로디를 주제로 하고 있는데
전 4악장 가운데서 가장 화려한 악장이다.
마지막에 가서 독주 바이올린과 관현악이 함께 이 군가를 힘차게 연주하면서 대단원의 막이
내려진다.
브루흐는 마지막 피날레 악장에서 멘델스존이 그의 스코틀랜드 교향곡의 마지막 악장에서 그렸을
듯한 전쟁을 치루는 듯한 인상을 기획하는데 이 부분은 민요 'Scots wha hae'에 그 기반을 두고
있다.
부드럽게 첫 악장의 멜로디를 재현할 때까지 바이올린은 두 세 혹은 심지어 네선을 한번에
연주함으로서 흥취를 돋운다.
그러나 전쟁에서의 필승을 기원하자는 듯 'Scots wha hae' 멜로디가 컴백하며 곡을 마무리한다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에
입학하여 드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고
그 이래 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해
하이페츠의 이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는
표현 등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어
가는 큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Mozart, Serenade No.9 in D, K.320 'Posthorn'
Sir Colin Davis(cond), Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
I. Adagio maestoso; Allegro con spirito
II. Menuetto I: Allegretto
III. Concertante: Andante grazioso
IV. Rondeau: Allegro ma non troppo
V. Andantino
VI. Menuetto II: Trio I; Trio II
VII. Finale: Presto
♣ 모차르트 세레나데 9번 '포스트혼'
1779년 초 모차르트는 우여곡절 많았던 '만하임-파리 여행'을 마감하게 된다.
1월 16일 그는 15개월 동안 헤어져 있었던 아버지와 누이를 다시 만났지만 어머니의
부재로 인하여 그들의 재회는 우울했다.
그건 정말 처량한 귀향이었다. 어머니를 파리에 묻었고 돌아오는 길에 들렀던 뮌헨에서는
사랑하는 알로이지아에게 퇴짜를 맞았다.
쓸쓸함을 달래려 아우크스부르크에 들러 사촌 여동생 베즐레와 함께 귀향했지만 아버지의
노여움만 더할 따름이었다.
레오폴트는 이미 아들을 위한 자리를 마련해놓고 있었다. 미리 준비된 청원서에 서명하자
모차르트는 곧바로 궁정 오르간 주자로 임명되었다.
잘츠부르크의 궁정음악가로 복귀한 모차르트는 주어진 임무를 충실히 수행했다.
흥미로운 점은 이 시기에 그가 작곡한 작품들에서 어떤 불만이나 불안의 기색이 거의
발견되지 않는다는 것이다.
오히려 만하임-파리 여행 기간 동안의 성과가 반영되어 한층 농익은 기법과 보다 성숙한
음악성을 보여준다.
당시 그가 주군인 콜로레도 대주교를 위시하여 후원자들이나 친구들을 위해서 쓴 일련의
작품들 가운데는 그의 마지막 잘츠부르크 시기를 장식하는 명작들이 포함되어 있다.
가장 돋보이는 작품은 '바이올린과 비올라를 위한 신포니아 콘체르탄테 E♭장조, K.364'이고
'두 대의 피아노를 위한 협주곡 E♭장조, K.365', '디베르티멘토 D장조, K.334', '대관식
미사 C장조, K.317', '고백자의 장엄한 저녁기도, K.339' 등도 주목할 만하다.
그리고 일명 '포스트혼 세레나데'로 불리는 '세레나데 제9번 D장조, K.320'는 모차르트가
해당 장르에 남긴 수많은 곡들 가운데 으뜸으로 꼽히는 작품이다.
'세레나데(serenade)'는 원래 '저녁의 음악'이라는 뜻이다.
그 중에서도 특히 저녁 무렵 젊은 남자가 연인의 창가 아래서 부르는 노래를 가리키는 용어로
즐겨 사용돼왔다.
모차르트의 '돈 조반니'나 로시니의 '세비야의 이발사' 같은 오페라에도 이 '세레나데'를
부르는 장면이 나온다.
반면에 기악 장르에서 이 용어가 사용될 때는 주로 고전파 시대에 작곡된 기악 앙상블을 위한
다악장의 유희적인 악곡을 가리키게 된다.
비슷한 유형으로 '디베르티멘토(divertimento)'가 있지만 디베르티멘토가 주로 실내악 규모의
작은 편성을 위한 곡인 데 비해 세레나데는 보다 큰 오케스트라 규모의 편성을 취하는 경우가
많다.
한 가지 흥미로운 점은 잘츠부르크 이외의 지역에서는 '세레나데'라는 제목으로 이런 유형의
악곡을 쓴 작곡가가 별로 없다는 사실이다.
레오폴트와 볼프강 모차르트 그리고 미하엘 하이든 등 잘츠부르크의 작곡가들의 세레나데에는
몇 가지 고유한 특징이 있다.
먼저 본곡에 앞서 '행진곡'이 연주되는데 이것은 세레나데가 야외에서 연주되었을 가능성을
시사한다.
세레나데는 대개 결혼식, 생일, 성명축일, 대학 수료식 등의 축하행사를 기념하기 위해서
작곡되었는데 연주자들은 '행진곡'을 연주하면서 시내를 이동하고 행사장에 도착하면
'세레나데'를 연주했던 것이다.
한편 본 곡인 세레나데는 통상 7개에서 10개에 이르는 다수의 악장으로 구성되는데 그 뼈대는
소나타 형식 악장, 느린 악장, 피날레 악장 등으로 교향곡의 일부를 연상시킨다.
그리고 이 기본 형태에 두 개 이상의 미뉴에트 악장과 한 개 이상의 협주곡풍 악장 등이
추가되어 한 곡의 온전한 세레나데를 이루게 되는 것이다.
아울러 주로 야외에서 연주되는 데 따른 몇 가지 제약이 있었다. 일단 음이 분명하게 들리도록
비교적 단순한 유니즌이나 화성적인 악구가 많이 사용되었고 악기들도 이동의 편의성을
감안하여 선택되었다.
이를테면 팀파니처럼 이동하면서 연주하기 까다롭거나 지나치게 덩치가 큰 악기는 빠지고
콘트라베이스도 마차에 실을 수 있는 작은 사이즈의 악기가 사용되었던 것이다.
모차르트는 '세레나데'를 10여 곡 남겼는데 그 중에는 오케스트라 편성을 위한 곡들 외에 관악
앙상블이나 현악 앙상블을 위한 곡들도 포함되어 있다.
'그랑 파르티타(Gran Partita)'라는 별명이 붙은 '세레나데 제10번 B♭장조, K.361'은 관악
앙상블을 위한 곡이고 '아이네 클라이네 나흐트무지크'라는 제목으로 유명한 '세레나데 제13번
G장조, K.525'는 현악 앙상블을 위한 곡이다.
다만 이 두 명곡은 1781년 이후의 '비엔나 시대'에 작곡된 완숙기의 작품들이다.
아직 잘츠부르크에 머물던 시기의 작품들은 대개 현악기들과 관악기들이 어우러진 오케스트라
편성의 곡들이다.
그 중 특히 유명한 세레나데가 두 곡 있는데 하나는 '하프너'라는 별명을 가진 '제7번 D장조,
K.250'이고, 다른 하나가 '제9번 D장조, K.320', 일명 '포스트혼 세레나데'이다.
전자가 만하임-파리 여행 이전의 가장 뛰어난 세레나데라면 후자는 잘츠부르크 시기를 통틀어
가장 훌륭한 세레나데라고 할 수 있다.
이 걸작 세레나데의 작곡 동기는 분명치 않다. 전기작가인 니메체크는 출판사에 보낸 편지에 이
곡이 콜로레도 대주교의 성명축일을 위해서 작곡된 것이라고 썼다.
하지만 대주교의 성명축일은 9월 30일이고 이 곡이 완성된 날짜는 8월 3일이다.
따라서 그 주장을 곧이곧대로 받아들이기엔 무리가 따른다 그보다는 잘츠부르크 대학의 교과과정
종료를 축하하기 위한 곡이었을 것이라는 추측이 한결 그럴싸하다.
당시 잘츠부르크 대학은 매년 8월 첫째 주에 학교 앞의 콜레기엔 광장에서 종업식을 가졌기
때문이다.
이런 맥락에서라면 별명의 유래가 된 두 번째 미뉴에트 악장의 포스트혼(우편나팔, 마차나팔)
소리가 교과 과정을 마친 학생들이 역마차를 타고 고향을 향해서 떠나는 모습을 상징하는
것이라고 볼 여지가 다분하다.
이 세레나데는 모차르트의 마지막 잘츠부르크 시기의 양식을 대표하는 작품 가운데 하나이다.
무엇보다 만하임-파리 여행에서 축적한 음악적 성과가 풍부하게 반영되어 있는데 악기들을 다루는
기법에서는 만하임 오케스트라의 영향이 물씬 풍기며 반복 기호를 갖지 않은 첫 악장과 피날레
악장의 형식, 그리고 강렬한 파토스를 내지닌 느린 악장의 표현력 등에서는 파리 체류기의 여파가
감지된다.
전곡은 7악장으로 이루어져 있으며 각 두 개씩의 미뉴에트 악장과 콘체르탄테(협주곡풍) 악장이
포함되어 있다.
악기 편성은 플루트, 오보에, 파곳, 호른, 트럼펫이 각 2대씩이고, 바이올린과 비올라가 두 파트씩
그리고 베이스와 팀파니가 배치된다. 아울러 부분적으로 피콜로와 포스트혼이 동원된다.
제1악장 : 아다지오 마에스토소 콘 스피리토, D장조, 4/4박자
소나타 형식으로 작곡된 이 첫 악장은 여러 모로 모차르트의 '후기 3대 교향곡'을 예시하는 듯하다.
느리고 당당한 서주는 '교향곡 제39번'의 그것을 방불케 하고 힘찬 추진력과 명확한 악센트로
긴장감을 유발하면서도 여유가 넘치는 격조 높은 흐름은 '주피터 교향곡'의 그것을 연상시킨다.
아울러 도처에서 부각되는 '만하임 크레셴도'도 주목거리다.
제2악장 : 미뉴에트. 알레그레토, D장조, 3/4박자
첫 번째 미뉴에트 악장으로, 먼저 메인 섹션은 앞선 악장의 흐름을 이어받아 힘차고 당당하게
진행된다. A장조의 트리오 섹션에서는 플루트 솔로와 파곳 솔로가 아기자기하게 어우러진다.
제3악장 : 콘체르탄테. 안단테 그라치오소, G장조, 3/4박자
협주곡적인 성격을 지닌 콘체르탄테 악장으로 플루트와 오보에가 솔로 악기로 부각된다.
주선율은 제1플루트와 제1오보에에 주어져 있지만 제2플루트와 제2오보에도 적절히 어우러져
매혹적인 4중주의 음률을 빚어낸다.
트럼펫과 팀파니는 침묵하지만 호른은 때때로 가세하여 제 목소리를 낸다. 우아한 흐름과 섬세한
짜임새가 돋보이는 아름다운 악장이다.
제4악장 : 론도. 알레그로 마 논 트로포, G장조, 2/4박자
또 하나의 매혹적인 콘체르탄테 악장으로, 앞선 악장에서처럼 플루트와 오보에가 활약한다.
다만 흐름은 보다 경쾌하고 리드미컬하며 론도 형식인 만큼 한결 다채로운 악상들로 장식되어 있다.
무엇보다 '모차르트가 싫어했던 악기'로 알려진 플루트가 주도적인 역할을 하고 있는 점이
흥미롭다. 한편 모차르트는 이 두 개의 콘체르탄테 악장을 각별히 여겼던 것으로 보이는데 4년 후
비엔나에서 이 곡들을 묶어 '나의 지난날의 피날무지크(Finalmusik)로부터의 짧은 콘체르탄테
교향곡'으로 소개한 바 있기 때문이다.
제5악장 : 안단티노, d단조, 3/4박자
세레나데의 느린 악장으로서는 매우 이례적인 단조 악장으로 은근한 긴장감을 자아내는 악상과
오페라적인 표현이 깊은 인상을 남긴다.
정서적으로 비슷한 시기의 '신포니아 콘체르탄테 E♭장조, K.364'와 상통하는 면이 있는데
세레나데와 같은 유희적인 장르에서조차 이런 심각한 표정을 내비치고 있는 것은 아무래도
'만하임-파리 여행'이 그의 인생에 드리운 그림자의 여파가 아닐까 싶다.
제6악장 : 미뉴에트, D장조, 3/4박자
두 번째 미뉴에트 악장으로 다시금 작품 초반부의 위풍당당한 기세를 회복한 모습이다. 첫 번째
트리오에는 상큼한 민요풍 선율을 연주하는 플라우티노(피콜로) 솔로가 나오고 두 번째 트리오에는
문제의 포스트혼 솔로가 나온다.
'우편나팔' 또는 '마차나팔'로 번역되는 포스트혼(posthorn)은 당시 유럽 각지를 누비던 역마차가
달고 다니던 신호용 도구였다.
여기서 이 악기로 연주되는 선율은 아련한 동경의 기운을 떠올리는데 어쩌면 모차르트는 학생들처럼
잘츠부르크를 떠나고픈 욕망을 내비쳤던 것이 아닌가라는 분석도 있다.
제7악장 : 피날레. 프레스토, D장조, 2/2박자
길이는 짧지만 음악적으로 전곡 가운데 가장 충실한 악장이다. 두 개의 주제를 중심으로 진행되며
발전부에서는 푸가적인 움직임들도 나타난다.
느린 악장에서의 우울한 표정이 슬쩍 드리워지는 듯한 순간도 있지만 이내 떨쳐진다. 그것은 마치
어두운 과거는 유머러스하게 받아넘기고 밝은 미래를 향해서 달려 나가겠다는 의지 또는 희망의
표현처럼 보인다.
한편 이 곡의 도처에서 모차르트 특유의 '음악적 농담'이 고개를 내밀고 있는데 혹자는 이것을
콜로레도 대주교를 향한 익살맞은 야유로 해석하기도 한다.
그런가 하면 이 곡이 요제프 하이든의 '교향곡 제60번 C장조'의 영향을 받았다는 지적도 있는데
그 교향곡의 부제는 '얼빠진 인간'이다.
또한 이 세레나데의 앞뒤에는 '두 개의 행진곡 D장조, K.335'가 연주되었을 것으로 추정된다.
■ 추천음반
1) 빌리 보스코프스키(지휘)/비엔나 모차르트 앙상블
2) 네빌 마리너(지휘)/아카데미 오브 세인트마틴인더필즈
3) 찰스 매케러스(지휘)/프라하 체임버 오케스트라
4) 콜린 데이비스(지휘)/바이에른 방송 교향악단
콜린 데이비스 (Colin Davis, 1927. 9. 25 ~ )
영국 웨브리지에서 태어난 그는 런던 왕립음악원에서 클라리넷을 공부했으나 당초부터 지휘자를
뜻하고 있었다.
얼마 후 칼머 실내관현악단이나 체르시 오페라 그룹 등의 조직에서 지휘를 하면서 훈련을 쌓아
나갔다.
1957년 글래스고의 BBC 스코티시 관현악단의 부지휘자가 되었고 1959년에는 새들러즈 웰즈
오페라의 음악감독으로 초빙되어 1965년까지 재임했는데 그 동안의 그의 활동은 실로 눈부셨다.
즉 1959년에는 갑자기 병이 난 클렘페러의 대리역으로서 필하모니 관현악단의 연주회를 떠맡아
모짜르트의 '돈 조반니'의 연주회 형식의 상연을 지휘하여 선풍적인 성공을 거두는가 하면
1960년에는 그라인드 본 음악제에서 비첨을 보좌했고, 1961년에는 미네아폴리스 교향악단을
지휘하여 미국에 데뷔했다.
또한 이 해에 런던 교향악단을 처음으로 지휘했고 1964년에는 런던 교향악단의 세계일주
연주여행에 케르테스와 동행했으며 같은 해 베를린 필하모니에도 객연했다.
그리고 1967년에는 BBC 교향악단의 수석 지휘자가 되어 71년까지 재임했다.
1968년 초에 메트로폴리탄 가극장에 데뷔하여 브리튼의 '피터 그라임즈'를 지휘했고 가을에는
뉴욕 필하모니에서 베를리오즈 찌클루스를 1969년에는 코벤트가든 왕립가극장에서 베를리오즈의
거작 '토로이인'의 전곡 상연을 지휘하여 화제를 모았다.
그리고 1971년에 BBC를 사임하고 코벤트가든의 음악감독으로 취임하여 현재에 이르고 있다.
한편 1973년부터 보스턴 교향악단의 수석 객연지휘자가 되었고 1976년부터는 런던 교향악단과도
수석 객연지휘자 계약을 맺었다.
같은 해 스칼라 극장에서 베를리오즈의 '벤베누토 첼리니'를 지휘했고, 1977년과 1978년에는
바이로이트 음악제에 데뷔하여 '탄호이저'를 지휘했다.
또한 코벤트가든에서도 장기인 모짜르트나 베를리오즈의 오페라를 비롯하여 바그너의 '니벨룽겐의
반지'에도 손을 대는 의욕적인 활동을 계속하여 코벤트가든과의 계약도 1982년까지 연장하는
쾌조를 보였다.
데이비스의 음악을 단적으로 말하면 단정하고 명석하다고 할 수 있다. 털끝 만큼도 애매함이 없는
명쾌한 울림 속에 싱싱한 신선함이 넘치고 있다.
그는 1979년에 코벤트가든 로열 오페라를 이끌고 내한하여 공연을 가진 바 있다.
[ 목요우리음악 ]
6. 김국진 첼로 바이올린 산조
1) 첼로와 피아노를 위한 산조
우지현(첼로) / 김영한(피아노)
I. 다스름 [01] Senza Misura,Rargo Maestoso
II. 진양조 [02] Andante Cantabile
III. 중모리 [03] Moderato un poco Sostenuto
IV. 굿거리 [04] Allegretto
V. 자진모리 [05] Allegro con Animato
VI. 중사 [06] Senza Misura Prestissimo
VII. 엇모리 [07] Prestissimo
2) 바이올린과 피아노를 위한 산조
주일엽(바이올린) / 한영애(피아노)
I. 다스름 [01] Senza Misura
II. 진양조 [02] Un poco Sostenuto Andante Maestoso
III. 중모리 [03] Moderato con Espressivo & Allegro con moto
IV. 중중모리 [04] Allegro con Grazioso
V. 굿거리 [05] Allegro
VI. 자진모리-엇모리-휘모리
♣ 김국진 첼로 산조
김국진의 첼로 산조는 다스름-진양-중모리-굿거리-자진모리-중사-엇모리로 구성된다.
그리고 바이올린 산조는 다스름-진양조-중모리-중중모리-굿거리-자진모리, 엇모리,
휘모리로 구성되어 있다.
각 악장은 원래 우리 전통 무속음악이나 춤곡에서 비롯된 것이다.
첼로 산조의 중모리 후반에는 멋진 뱃노래가 붙어 있는데 일엽편주에 몸을 싣고 드넓은
바다를 호쾌하게 저어나가는 느낌이 압권이다.
서양악기로 연주되는 만큼 피아노가 함께 하는데 여기서 피아노의 역할은 반주가 아니라
이중주 형식이다.
전통 산조의 장고나 북의 역할을 피아노가 하는 셈이다.
리듬을 새기면서 전체적인 컬러를 만들어 내고 또 독주 악기와 주고받는 모습은 태평성대를
노래하고 있는 듯하다.
즉 '다스름' 부분의 명상성과 여러 악장의 무곡舞曲에서 느껴지는 원시성 그리고 선율과
리듬에서 느껴지는 한국적 컬러 및 화음에서 나타나는 동양적 신비 등이 이 음반의
매력이라 할 만하다.
한편 이 음악은 서양악기로 연주된 국민주의 음악으로 분류할 수 있다.
클래식으로 보면 체코의 드볼작이나 헝가리의 바르톡, 코다이 등의 음악과 맥이 닿는다.
민속 혹은 특정 지역의 향토적 향기를 담고 있기 때문이다.
이는 음악을 통해 민족적 정체성을 찾는 작업의 일환으로 의미가 대단히 크다고 볼 수 있다.
20세기 서양 현대음악이 그 난해성으로 인해 방향성을 상실한 현 상황에서 수준 높은 미학과
음악적 기능을 내재한 우리의 전통음악이 더욱 기대를 모으고 있기 때문이다.
과거에도 많은 음악적 선각자들이 바이올린이나 피아노 등 서양악기를 위해 우리 가락을
만들어왔다.
그 가운데에서도 김국진이 도달한 세계는 서양음악계의 새로운 장을 열었다고 평가할 수
있을 것이다.
김국진 (1930. 4. 24 ~ )
김국진은 평안남도 이천이라는 시골에서 태어났다. 그 곳에서 초. 중. 고등학교를 다녔다.
음악을 알게 된 것도 이천에 있는 예배당이었으며 이재만목사의 트럼펫 소리에 매료되어
음악을 시작하게 되었다.
그 후 김재경 목사의 도움으로 풍금을 알게 되었고 주일학교 성가대를 지휘하면서 찬송가의
구조적인 원리를 터득하게 되었다.
1946년 중학생이었던 그는 찬송가 풍으로 된 '대동강 동무야 나의 동무야', '어머니 노래'
등의 동요들을 작곡하였다.
1949년 평양 오중학교를 졸업하고 평양 성화신학교에 입학하여 신학을 공부했으며 틈틈이
성가곡을 작곡하기 시작했다.
그는 1.4후퇴 때 김재경 목사의 인솔하에 동네 청년들 30여명과 함께 남하하여 곧바로 군에
입대하였다.
제대 후 이재만 목사가 목회하시는 온천교회의 성가대 지휘자로 있으면서 군복무로 쉬었던
창작작업을 계속하게 되었다.
1955년 고등학교 교원자격 검정고시에 합격하여 짧은 기간이나마 부산 평화 중.고등학교(현:
동고등학교)에서 교편생활을 했다.
그는 1956년 크리스마스를 맞이해서 칸타타'구세주 오신 날'을 작곡하였다. 이 곡은 이재만
목사가 계시는 온천교회에서 발표하였으며 이재만목사를 통해 선교사로 오신 Mr. Dweight
Malsbary 에게 전달되면서 사제지간이 되었다.
김국진은 민요를 채보하여 피아노곡으로 옮기는 작업을 시작으로 한국의 소리를 찾는 일에
주력을 다했다.
첫 시도는 아니지만 한국의 소리를 찾기 위한 초기 시도 중 하나가 '목관5중주'다.
이 곡은 1962년 12월에 제2회 동아음악콩쿨에 입선한 것으로 한 음렬에서 음성적인 것과
양성적인 음렬을 병행시켜 생겨나는 음색을 응용하여 동양철학의 음.양 원리를 암시하고
있다.
한국의 소리를 찾기 위한 김국진의 노력은 '피아노5중주'에서 머물지 않고 우리 아악과
민속음악의 연구로 이어졌다.
그 결과 1967년 현악 4중주 '산원'과'명회'를 완성시켰으며 제1회 김국진 작곡발표회(1967년
12월 9일 부산일보 프레스홀)에서 초연되었다.
1969년 부산시향 정기연주회에서 교향곡 제1번을 발표하였으며 1970년 교향시곡 '산수화'를
발표하였다.
1971년부터 악보출판을 통해 한국전서에 가까운 어법들을 김국진의 음악에 맞게 완성시켰다.
7. Schubert, String Quintet in C Major, Op.163, D.956
Takacs Quartet
I. Allegro ma non troppo
II. Adiago
III. Scherzo- Presto - Trio- Andante sostenuto
IV. Allegretto
♣ 슈베르트 현악5중주 C장조 Op.163, D.956
1828년 10월 2일, 그의 삶을 불과 49일 남겨놓은 슈베르트는 출판업자 프로스트에게 신작
출판을 요청하는 편지를 썼다.
"최근에 세 곡의 피아노 소나타와 하이네의 시에 의한 몇 개의 가곡들을 작곡했습니다.
그리고 드디어 바이올린 2대와, 비올라 1대, 첼로 2대를 위한 5중주곡을 처음으로
작곡했습니다.
소나타는 몇 군데서 연주했는데 반응이 좋았고, 5중주곡은 몇 주 후에 연주될 예정입니다.
이 작품들에 관심이 있으시면 부디 제게 연락 주십시오"
그러나 1850년이 되도록 편지에 언급된 슈베르트의 '현악5중주곡'이 연주되었다는 증거는
발견되지 않는다.
슈베르트 현악 5중주곡에 대한 공식 초연은 1850년 11월 17일 빈에서 헬메스베르거 4중주단과
또 한 명의 첼리스트에 의해 이루어졌다.
또한 이 곡의 악보는 슈베르트 사후 25년이 지난 1853년이 되어서야 디아벨리 출판사에서
출판되었다.
실내악을 사랑하는 사람이라면 고전음악의 수 많은 실내악 명곡들 가운데서도 슈베르트의
'현악5중주 D.956'을 으뜸으로 꼽기를 주저하지 않는다.
음악학자 호머 울리히도 그의 저서 에서 슈베르트의 '현악5중주'를 가리켜 "고귀한 이념과
아름다운 선율, 다양한 분위기에 있어 이 작품에 필적할 만한 것은 없다"고 말했다.
피아니스트 아르투르 루빈스타인은 이 작품의 느린 악장을 그의 장례식 때 연주해달라고
청했으며 바이올리니스트 조셉 선더스는 자신의 무덤 비석에 슈베르트 '현악5중주' 1악장의
제2주제를 새겨 넣었다.
이토록 수많은 음악가들과 음악애호가들에게 각별한 영감을 전해준 이 특별한 걸작이
슈베르트 당대와 그 이후 오랫동안 무시되고 잊혀질 뻔했다는 사실은 실로 가슴 아픈 일이다.
슈베르트가 '현악5중주'를 작곡한 시기는 1828년 8월과 9월로 추정하고 있다.
그는 현악4중주 편성(바이올린 2, 비올라 1, 첼로 1)에 첼로 한 대를 추가해 현악5중주를
작곡했는데 이는 현악4중주에 비올라를 더하는 일반적인 현악5중주곡과는 다른 편성이다.
슈베르트는 비올라 한 대가 더 편성된 모차르트의 뛰어난 현악5중주 작품을 알고 있었음에도
비올라가 아닌 첼로를 선택했다.
슈베르트가 '현악5중주곡'에서 첼로를 선택한 이유에 대해서는 아직까지도 음악학자들
사이에 의견이 분분하지만 1악장에서 두 대의 첼로가 3도와 6도 음정으로 서로 어우러지는
제2주제를 들어보면 그 이유를 금방 느낄 수 있다.
두 대의 첼로가 만들어내는 이 푸근하고 편안한 화음의 매력이야말로 슈베르트
'현악5중주'를 특별하게 하기 때문이다.
이 작품에서 첼로는 때로는 마치 테너 가수처럼 아리아를 부르는 듯 하다가도 때로는
베이스 가수처럼 깊은 저음으로 침잠하며 듣는 이의 마음을 한껏 흔들어놓는다.
일찍이 작곡가 보케리니도 제2첼로를 넣은 현악5중주를 작곡한 적이 있지만 첼리스트였던
그는 제1첼로를 프리마 돈나처럼 돋보이게 했다.
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