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1. Schumann, Fantasie C-dur Op.17
Alexis Weissenberg(Pf)
I. Durchaus phantastisch und leidenschaftlich vorzutragen - Im Lefendenton - Tempo primo
II. Maessig. Durchaus energisch - Etwas langsamer - Viel bewegter
III. Langsam getragen. Durchweg leise zu halten - Etwas bewegter
♣ 슈만 환상곡 C장조 Op.17
1836년 리스트의 계획에 따라 베토벤의 고향 본에 그의 기념비를 세우게 되어 건립을 위한
기부를 각 방면에 요청했다.
평소에 베토벤을 숭배하던 슈만은 그 기념비 건립을 다소나마 돕는다는 생각으로 베토벤의
소나타를 닮은 '플로레스탕과 오이제비우스의 대소나타'를 썼는데 후에 이곡을 개정하여
'환상곡'으로 했다. 곡은 리스트에게 헌정되었다.
슈만의 피아노곡 중 가장 커다란 구성과 정열적인 악상에 넘친 명작으로 힘찬 통일감을 가졌다.
제1악장
환상적으로 또 정열적으로 연주한다.
제2악장
어디까지나 정력적으로.
제3악장
느리게, 온화하게
알렉시스 바이센베르크 (Alexis Weissenberg, 1929. 7. 26 ~ 2012. 1. 8)
되돌아보면 1970년대 유럽은 많은 프랑스 피아니스트들이 활동했던 시기였는데 특히
청중들에게 있어서 '바이젠베르크'라는 단어와 '피아니스트'라는 단어는 이음동의어로
받아들여졌다.
1960년대 초 유럽에는 피아니스트 치프라에 의한 '치프라 쇼크'가 사회적 이슈로
등장하여 청중들을 패닉 상태에 빠지게 했는데 그 바통을 이어받은 바이젠베르크는
한층 우아하고 직선적이며 선명한 멜로디라인과 에너지감 넘치는 리듬을 통해
매너리즘이나 과장됨 없는 연주를 펼쳐 보이며 더욱 많은 청중들을 콘서트 홀로
불러들였다.
이러한 연주 스타일은 라흐마니노프가 서거한 뒤 실로 오랜 만에 만날 수 있었던 연주
스타일로서 마치 전혀 새로운 스타일인 양 많은 사람들은 그의 연주를 절대적인 해석의
기준으로 추앙하기에 이르렀다.
더군다나 짧게 깎은 머리와 머리부터 발끝까지 검은 의상, 할리 데이비슨을 운전하는
듯한 당당한 체구와 떡 벌어진 어깨, 할리우드 명배우를 무색케 하는 이지적인 눈빛
등은 라흐마니노프의 모습을 그대로 빼닮았을 뿐만 아니라 외모와 연주 스타일이
동일하게 맞아떨어지는 데에서 기인하는 독특한 카리스마를 발산했다.
이렇듯 매력적인 외모와 언론의 집중적인 관심은 그가 갖고 있던 고매한 예술세계가
갖고 있는 그 전지전능함과는 점점 멀어지게 되었다.
심지어 한 평론가는 그가 친밀한 관계를 맺고 있던 지휘자 카라얀의 나치 전력을 들먹이며
그의 일거수일투족을 관련 지으려고까지 했다.
그럼에도 불구하고 타협이라고는 모르는 바이젠베르크의 피아니스트로서의 천재성은
쇼맨십적인 성격과는 거리가 멀었다.
그가 세상에 그 이름을 알리게 된 1965년에 제작한 스트라빈스키의 '페트루슈카'
영상(아케 팔크 감독)에서 흑백 영상의 극단적인 채도 대비가 음악의 파격적인 연출력을
상승시키는 와중에 고정된 수직 앵글로 표현되는 그의 가공할 만한 핑거 플레잉의 신기에
가까운 현란함과 고도의 집중력이야말로 바이젠베르크의 모든 것이라고 말할 수 있을
것이다.
그 외에는 아무 것에도 관심이 없었던 그는 통렬한 연주 기법과 전례가 없는 강도 높은
비르투오시티, 계시적인 세부 조탁 능력을 통해 미묘한 모순과 거미줄 같이 촘촘히 얽혀
있는 복합성을 담고 있는 텍스트를 탐험하겠다는 강한 예술적 의지 하나만을 바라보고
살았다.
1929년 7월 26일 불가리아의 소피아에서 태어난 알렉시스 바이젠베르크는 어머니에 의해
어린 나이부터 피아노의 세계에 다가갈 수 있었다.
작곡가인 판초 블라디게로프(Pancho Vladiguerov, 당시 그의 집에서 바이젠베르크는 디누
리파티의 연주를 들을 수 있었다)를 사사하며 피아니스트로의 기본기를 닦았는데, 이 시기의
학습으로 인해 그는 평생토록 작곡가로서의 재능 또한 선보이기도 했다.
전쟁의 발발과 더불어 이스라엘로 피해왔던 그는 1945년 예루살렘 콘서바토리의 슈뢰더
클래스에 참가할 수 있었다.
슈뢰더는 아르투르 슈나벨과 함께 동문수학했던 피아니스트로서 바이젠베르크가 역사와
전통을 자랑하는 '레셰티츠키 악파'의 계승자로서 손색이 없도록 기술과 정신 모두를
전수했다.
특히 작품에서의 순간적인 디테일을 확보할 수 있도록 양손의 독립성을 강조했던 만큼
바이젠베르크는 이를 완벽하게 습득했다.
15세의 바이젠베르크는 미국의 뉴욕으로 건너오자마자 엄청난 학생으로 주목을 받게 되었다.
줄리어드에서 그는 슈나벨로부터 직접 가르침을 받게 되었고, 동시에 올가 사마로프와 반다
란도프스카로부터 많은 도움을 받을 수 있었다.
1947년에 그는 레벤트리트 콩쿨에서 우승을 거두었고 필라델피아 오케스트라가 주최한 영
뮤지션 콩쿨에서도 우승을 했다.
그리하여 그는 조지 셸의 지휘로 필라델피아 오케스트라와 카네기 홀에서 라흐마니노프
'피아노 협주곡 3번'으로 데뷔 무대를 갖게 되었다.
그러나 미국에서의 활동은 그의 예술적 행보에 많은 장애물로 작용했다.
무엇보다도 그는 자신의 피아노 연주 스타일에서 일종의 초현실주의적인 흑백필름만이 줄 수
있는 낯섦을 담아내기 시작했다.
그의 손가락 아래에서 건반은 일종의 기계로 변화했고 모든 것이 작품의 구조를 드러내기
위한 팽팽한 긴장감이 도는 운동 경기를 연상케 했으며 무엇보다도 폴리포니를 이루는 모든
부분에 밝은 빛을 비추어야만 했다.
1950년대의 음악세계는 기존의 가치를 뒤집으며 동시대인들에게 새로운 질문을 던져야 했던
바이젠베르크에게 있어서 대단히 힘든 시기였다.
당시 미국은 블라디미르 호로비츠나 클라우디오 아라우와 같은 명장들이 피아노의 황금
시기를 주도하던 때로서 부르노 레오나르도 겔버나 바이런 쟈니스와 같은 젊은
피아니스트들까지 우르텍스트(Urtext)의 미덕을 되도록 피하고 있었기 때문이다.
그러나 모든 음악의 출발점을 우르텍스트에서 시작했던 바이젠베르크는 끝까지 자신만의
논리를 고집했다.
그는 유럽으로 건너왔다. 미국 콜럼비아에서 1950년대 초반 10인치 디스크에 프로코피에프의
'소나타 3'번과 스크리아빈 '연습곡'을 녹음했던 그는 프랑스의 작은 레이블인
루멘(Lumen)에서 12인치 LP를 처음으로 발표할 수 있었다.
체르니의 '리코르단차 변주곡'과 리스트 '피아노 소나타', 두 개의 '페트라르카의 소네트'
등을 수록한 이 앨범은 건조한 터치와 강렬한 다이내믹이 불꽃을 튀기는 듯한 핑거워크를
통해 폭포수처럼 쏟아지며 연주로서 바이젠베르크의 이름을 처음으로 유럽에 알리게 되었다.
1957년부터 1966년까지 안식년을 가지며 자신의 해석과 연주 스타일에 완벽을 가한
바이젠베르크는 1966년 파리를 시작으로 본격적인 프로페셔널 피아니스트로서의 커리어를
시작했다.
바흐, 라흐마니노프, 브람스, 베토벤, 20세기 작품들을 관통하여 모더니스트로서의 이미지를
쌓아가고 있었던 그는 스웨덴에서 좋은 기회를 맞게 되었다.
당시 리사이틀 프로그램에 포함되어 있던 '페트루슈카'를 들은 영화감독 잉마르 베르히만이
그에게 다가와 같은 주제로 자신과 함께 작업을 해보지 않겠냐고 제안을 해 왔고 이를 승낙한
그는 당시 베르히만의 촬영감독이었던 아케 팔크와 함께 흑백 필름을 제작하게 되었다.
카메라 앵글과 화면 구도, 흑백의 대비 이렇게 세 개의 요소로만 구성된 스트라빈스키의
'페트루슈카'는 당시로서는 혁신적인 음악 영상으로서 지금 보더라도 전율적인 느낌을
자아낸다.
이 영상물은 전혀 기대하지 못했던 곳으로부터 바이젠베르크에게 행운을 가져다주었다.
1966년 12월 당시 차이코프스키 '피아노 협주곡 1번'과 라흐마니노프 '피아노 협주곡 2번'을
영상물로 제작하고자 기획하고 있었던 카라얀이 이 영상물을 본 것이다.
그는 다음 해에 리히테르와 함께 제작하려고 마음먹고 있었던 상황이었는데 바이젠베르크라는
신인의 음악적 능력과 아케 팔크의 천부적인 능력을 알아본 카라얀은 두 사람을 전격적으로
불러들였다.
1967년 베를린 필하모닉 시즌에 바이젠베르크와 차이코프스키 '피아노 협주곡 1번'을 연주하여
커다란 성공을 거둔 다음 바로 그 해에 영상으로 제작했다.
이후 이 세 사람은 1973년에 다시 한 번 모여 라흐마니노프 '피아노 협주곡 2번' 영상을
제작했다.
다만 이 두 영상물 모두 카라얀의 집요한 영웅주의 덕분에 아케 팔크의 영상은 '페트루슈카'
만큼 충격적이지 않았다.
이 영상에 감동을 받은 카라얀의 이전 파트너인 앙리-죠르쥬 클로조 감독 또한 바이젠베르크와
무소르그스키의 '전람회의 그림'과 프로코피에프 '피아노 소나타 7번'을 영상화하고자
계획했지만 그의 갑작스러운 죽음으로 인해 이 엄청난 계획은 안타깝게도 역사적인 예술품으로
제작될 수 없었다.
프랑스와 독일에서 경이로운 피아니스트로 추앙을 받으며 그는 카라얀이 평생토록 가장 아꼈던
피아니스트로서 많은 음반을 제작해나가기 시작했다.
파리 오케스트라와 함께 차이코프스키 '피아노 협주곡 1번'을 녹음했고 베를린 필하모닉과는
프랑크의 '교향적 변주곡'과 라흐마니노프 '피아노 협주곡 2번', 그리고 대망의 베토벤 '피아노
협주곡 전곡'(모두 EMI)을 녹음했다.
이후 그는 카라얀과 브람스 '피아노 협주곡 2번'을, 세이지 오자와와 라흐마니노프 '피아노
협주곡' 전곡을 녹음하려고 계획했지만 결국 실행되지는 못해 안타까움을 남기기도 했다.
그렇지만 그는 카를로 마리아 줄리니/런던 심포니 오케스트라 및 그의 마지막 협주곡 녹음인
1984년 리카르도 무티/필라델피아 오케스트라와 브람스 '피아노 협주곡 1번'을 비롯하여
세이지 오자와/파리 오케스트라와 라벨의 '피아노 협주곡 G장조' 및 프로코피에프'피아노
협주곡 3번', 조르쥬 프레트르/시카고 심포니 오케스트라와 라흐마니노프 '피아노 협주곡 3번',
스타니슬라프 스크로바체프스키와 함께 쇼팽 '피아노 협주곡 전곡'(모두 EMI) 등을 남기며
자신의 대표적인 협주곡을 남길 수 있었다.
그를 홀대했던 미국에서도 커다란 환영을 받았는데 특히 1971년 8월에 가진 뉴욕 리사이틀에
대해 뉴욕 타임즈의 평론가 해롤드 숀버그는 그의 연주를 높이 칭송하며 그의 명성을 알리는데
앞장서기도 했다.
불과 얼음의 피아니스트로 불리며 해석가로서의 엄격함과 비르투오소로서의 폭발적인 에너지를
선보인 그는 스타일을 뛰어넘는 폭넓은 레퍼토리를 자랑했다.
이 가운데에서도 특히 쇼팽과 바흐에 강한 애착을 보였다. 그의 쇼팽 '피아노 소나타 2번'과
녹턴은 강건하면서도 순수한 피아니즘으로 가득 채워진 해석을 보여주었고 바흐의 '골드베르크
변주곡'과 파르티타 등에서도 바흐 스페셜리스트로서 손색이 없는 해석을 펼쳐냈다.
특히 그는 자신과는 전혀 관련이 없는 듯한 연주자들과도 호흡을 함께 하기를 선호했다.
하프시코드 연주자인 톤 쿠프만과 해석의 가능성을 논하기도 했고 데이빗 듀발과는 피아노
연주의 가능성과 옛 거장들의 스타일에 대해 논하기도 했다.
그리고 재즈에 대한 그의 관심은 평생을 함께 했다. 특히 샤를르 아즈나부르나 나나 무스꾸리와
같은 샹송 가수들의 피아노 반주를 맡기도 했으며 재즈적인 요소를 가미한 피아노 작품(Nimbus
레이블에서 그의 피아노 작품들이 발매되기도 했다)을 많이 작곡하기도 했다.
그에게는 세계적인 피아니스트로서의 명성보다는 새로운 호기심이 더 중요한 듯했다.
1980년대 중반 EMI를 떠나 DG로 자리를 옮기면서 새로운 전기를 맞는 듯했다.
스카를라티와 라흐마니노프, 드뷔시 등을 녹음하며 기염을 토했던 그는 1988년 카네기홀
스타인웨이 150주년 기념 연주회의 갈라 콘서트(VAI DVD)에 등장하기도 했다.
당시 서혜경과 데이빗 듀발이 사회를 봤던 이 영상물에서 22명의 명 피아니스틀이 한 곡씩
슈만의 '카니발'을 연주하는 가운데 '오이제비우스'를 관조적이면서도 서정성 풍부하게
연주하는 바이젠베르크의 모습은 실로 감동적이다. 이것이 녹음으로 그를 만날 수 있는
마지막 모습이었다.
1990년 이후 그는 파리에서 비교적 한적한 마드리드로 이사한 뒤 거의 세상에 나오지 않고
은둔생활을 했다.
그 무렵 건강에 이상에 생겼던 그는 이탈리아와 스위스만을 오가며 교육에 자신의 마지막
에너지를 쏟았다.
그러나 당시의 그의 행적은 몇몇 위대한 피아니스트들이 보여주었던 수수께끼와도 같은
평온한 시절에 해당하는 만큼 거의 기록이 남아 있지 않다.
다만 세기가 바뀌며 스위스 루가노로 이사를 온 바이젠베르크는 2001년에 스위스 제네바
홀에서 마지막 공개 연주회를 가졌다는 기록과 함께 2008년 마르타 아르헤리치가 주관한
2008년 루가노 페스티벌에 손님으로 초대되었다는 기록 정도를 확인할 수 있다.
당시 루가노 페스티벌은 바이젠베르크를 기념하기 위해 푸가를 주제로 한 연주회를 기획하여
그를 초청한 것으로서 공식석상에서의 그의 마지막 활동이었다.
그리고 2012년 1월 9일, 루가노에 위치한 자신의 집에서 백혈병 및 파킨슨씨병으로 오랜 동안
투병생활을 하던 끝에 그는 82세를 일기로 세상을 떠났다.
약력
1946 줄리어드 음악학교 입학
1947 레벤트리트 콩쿠르 우승
1947 카네기 홀에서 라흐마니노프 '피아노 협주곡 3번'으로 데뷔
1957~1966 안식년
1966 프랑스 파리에서 복귀 무대
1967 카라얀과 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번' 연주
2001 스위스 제네바 홀에서 마지막 공개 연주회
2008 루가노 페스티벌에 손님으로 초대
2. Bruckner, Symphony No.7 in E major
Mariss Jansons(cond), Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
I. Allegro moderato
II. Adagio. Sehr feierlich und sehr langsam
III. Scherzo. Sehr schnell
IV. Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell
♣ 브루크너 교향곡 7번 E 장조
브루크너의 '교향곡 7번'은 브루크너에게 진정한 성공을 가져다 준 의미 있는 작품이다.
브루크너의 교향곡들은 뛰어난 작품성에도 불구하고 오랜 세월 동안 청중의 이해를 받지
못했으나 '교향곡 7번'이 1884년 초연 당시 대성공을 거두면서 그 동안 외면당했던 다른
교향곡들도 대중의 주목 받기 시작했다.
그 때 작곡가의 나이가 60세였으니 브루크너의 성공은 지나치게 늦은 감이 있다.
브루크너에게 찬란한 영광을 가져다 준 '교향곡 7번'은 언뜻 보기에 음악양식이나 구성
방식에 있어 브루크너의 다른 교향곡들과 크게 달라 보이지는 않는다.
하지만 이 교향곡을 잘 들어보면 귀에 쏙 들어오는 아름다운 선율이 많고 노래하는 현악기와
서정적인 목관악기가 부각된 데다 금관악기의 강한 음색이 절제되어 있어 듣기에 무리가
없다.
아마도 이런 점들이 초연의 성공요인으로 작용한 듯하다.
오늘날에도 '교향곡 7번'은 브루크너의 교향곡들 가운데 가장 인기가 있으며 특히 2악장은
바그너의 죽음과 관련된 있는 음악으로 전 악장 가운데서 가장 유명하다.
브루크너는 '교향곡 7번'을 작곡할 당시 존경하던 바그너의 죽음을 예감하고 영감에 휩싸여
2악장을 작곡했다고 전해진다.
브루크너가 2악장을 작곡하던 1883년에 펠릭스 모틀에게 쓴 편지를 보면 "머지않아 그분이
돌아가실 거라는 생각이 내 머리를 스쳤을 때 아다지오의 단조 주제가 떠올랐다"는 구절이
나온다.
그때 브루크너가 떠올린 2악장의 주제 선율은 바그너가 그의 음악극 '니벨룽의 반지'에서
사용했던 '바그너 튜바'의 어두운 음색으로 표현되고 있어 바그너를 향한 애도의 느낌은
더욱 강조된다.
'바그너 튜바'라는 낯선 악기는 일반적으로 사용되는 악기는 아니다.
그 모양이 작은 튜바처럼 생겼으나 소리는 호른과 튜바의 중간 정도 되므로 부드럽고 풍부한
튜바 소리를 들려주는 악기다.
브루크너는 '교향곡 7번'에 처음으로 바그너 튜바를 편성한 이후 '교향곡 8'번과 '9번'에
이 악기를 사용했으나 다른 관현악곡에 바그너 튜바가 나오는 일은 거의 없기 때문에 악기와
연주자들을 구하기가 쉽지 않다는 문제가 있다.
그래서 '교향곡 7번'의 초연 당시 이 곡의 바그너 튜바 파트는 호른 주자들이 연주했고
오늘날에도 브루크너 '교향곡 7번'의 바그너 튜바를 호른으로 대신하는 경우가 종종 있다.
브루크너의 '교향곡 7번' 2악장은 브루크너의 종교합창곡인 '테 데움'과 관련되어 더욱
의미심장하다.
본래 '테 데움'이란 "주님을 찬양하라"는 뜻을 지닌 교회 합창음악으로 브루크너는 '교향곡
7번'의 작곡에 착수하기 직전까지 '테 데움'의 작곡에 매달리고 있었다.
그러다 1881년에 작곡을 잠시 중단하고 9월 23일부터 '교향곡 7번'의 작곡을 시작해 바그너가
세상을 떠나던 1883년에 2악장을 완성했다.
브루크너는 존경하던 바그너를 잃은 슬픔을 가톨릭 신앙으로 이겨내려 했던 것일까? 바그너의
죽음을 애도하는 2악장에는 브루크너가 잠시 작곡을 미뤄두었던 '테 데움'의 선율이 나와서
더욱 종교적이고 신성한 느낌을 준다.
브루크너가 교향곡 7번 전 악장의 작곡을 모두 마친 것은 1883년 9월 5일의 일로 브루크너는
약 2년여의 시간을 '교향곡 7번'의 작곡에 바친 셈이다.
이는 브루크너의 다른 교향곡에 비해 비교적 빠른 편이다. 또한 '교향곡 7번'의 악보는 몇
군데만 수정됐을 뿐 대대적인 개정이 이루어지지 않았다.
그럼에도 불구하고 이 교향곡은 브루크너에게 최초의 성공을 가져다 주었으니 '교향곡 7번'은
브루크너의 교향곡들 가운데서도 여러 모로 이례적인 작품이다.
브루크너의 이 특별한 교향곡은 1884년 12월 30일 아르투르 니키슈가 지휘하는 라이프치히
게반트하우스 오케스트라에 의해 대중에게 소개됐고 어마어마한 성공을 거두었다.
이후 브루크너는 그의 '교향곡 7번'을 "바이에른의 루트비히 2세에게 깊은 존경을 담아
헌정"했다.
1악장은 브루크너 교향곡의 전형적인 방식이라고 할 수 있는 현악기의 잔잔한 트레몰로로
시작해 서서히 해가 떠오르듯이 주제 전개된다.
전형적인 '브루크너의 개시'를 보여주는 도입이다. 이윽고 호른과 첼로가 연주하는 제1주제는
호른과 첼로가 합해진 독특한 음색으로 3마디에 걸쳐 무려 2옥타브나 상승하는 급격한
움직임으로 깊은 인상을 심어준다.
브루크너가 꿈속에서 들었다는 이 주제는 추진력 있고 대담한 후반부 선율로 인해 더욱
드라마틱하게 전해된다.
1악장에서 시작된 장대한 드라마는 바그너의 죽음을 슬퍼하는 2악장 아다지오의 탄식으로
이어진다.
2악장은 연주시간이 20분이 넘는 느리고 긴 음악이지만 브루크너가 남긴 아다지오 악장
가운데서도 매우 뛰어난 작품으로 손꼽힌다.
바그너 튜바와 비올라로 장엄하게 연주되는 2악장의 제1주제는 복잡 미묘한 느낌을
자아내는데 이는 이 선율이 상당히 넓은 음역에 걸쳐있을 뿐 아니라 단조와 장조가 끊임없이
교차하고 있는 까닭이다.
복잡한 감정의 음영을 암시하는 이 선율은 신비한 황홀경마저 느끼게 한다. 특히 이 주제의
후반부는 브루크너의 '테 데움' 중 제5곡 중 "저희가 주님께 바라오니 영원히 부끄럼이
없으리이다"의 선율에서 온 것으로 종교적인 분위기를 강하게 풍긴다.
2악장 후반에 이르면 한차례의 클라이맥스에 다다르게 되는데 이때 브루크너 교향곡에서는
드물게 나오는 심벌즈와 트라이앵글과 같은 타악기가 등장해 듣는 이들에게 강렬한 인상을
남긴다.
3악장 스케르초는 2악장의 장송 음악과는 대조적으로 간결하고 명쾌하다. 3박자로 이루어져
있는 이 악장에는 독특한 기본 리듬이 깔려있다.
현악기들이 연주하는 이 음형은 첫 박이 8분 음표 2개로 이루어졌고 그 다음 두 박은 각각
4분 음표 하나로 구성된다.
이 리듬은 강박인 첫 박이 짧은 음표로 돼있고 약박인 2째 박과 3째 박이 긴 음표로 되어
있기에 3박자 음악의 자연스런 강세구조에 반하고 있다.
따라서 음악에 강한 추진력을 부여하는 것이 특징이지만 잘못 연주하면 자칫 급해지거나
부정확해질 위험이 있어 연주자들에게는 매우 까다로운 리듬이다.
이 까다롭고 끈질긴 반복 음형을 배경으로 트럼펫이 마치 질문을 던지듯 연주하면 클라리넷과
바이올린이 이에 답한다.
그 중 트럼펫이 연주하는 부분은 브루크너가 수탉의 울음소리에 영감을 받아 작곡한
선율이라고 전해진다.
빠르고 역동적인 스케르초 부분에 비해 3악장 중간에 등장하는 트리오 부분에는 좀 더
부드러운 선율이 나타나 추진력 있는 스케르초 주제와 대비된다.
4악장에 이르면, 1 · 2 · 3악장을 거치는 동안 상승되어온 긴장과 이완의 드라마가 마침내
종합된다.
4악장에서 브루크너는 1악장과의 통일성을 위해서 1악장 제1주제의 우아한 아치형 선율을
좀 더 활기찬 리듬으로 표현해 강렬한 인상을 준다.
리드미컬하게 변형된 아치형 주제는 4악장 마지막 종결부에서 웅장한 결말에 도달하는데
결정적인 역할을 하게 된다.
4악장 종결부에서 처음의 주제가 점진적인 상승을 통해 확신에 찬 음악으로 변모하는 과정은
경이롭다.
그것은 마치 '신'에 대한 완전한 긍정과 환희 그 자체를 표현하는 것 같다.
일찍이 지휘자 브루노 발터는 브루크너와 말러의 음악을 비교하면서 "브루크너는 이미 신을
찾았고 말러는 끊임없이 신을 찾고 있다"고 말하기도 했는데, 아마도 브루크너 '교향곡 7번'
4악장 종결부야말로 신을 찾은 브루크너의 음악적 특성을 가장 잘 보여주는 음악이 아닐까
싶다.
■ 추천음반
브루크너 '교향곡 7번'의 추천음반으로는 귄터 반트와 베를린 필하모닉(RCA), 귄터 반트와
쾰른 라디오 심포니, 세르주 첼리비케다케와 뮌헨 필하모닉(EMI), 클라우스 텐슈테트와
런던 필하모닉(BBC), 프란츠 벨저-뫼스트와 런던 필하모닉(EMI)의 음반이 있다.
※ 브루크너의 개시
브루크너의 거의 모든 교향곡의 도입부는 고요하게 시작해 점차 해가 떠오르듯 더 큰 소리로
발전해가는 특징이 있기에 이런 식의 도입 방식을 '브루크너의 개시'라 부른다.
마리스 얀손스 (Mariss Jansons, 1943 ~ )
소련 라트비아 공화국 리가에서 명지휘자 아르비드 얀손스의 아들로 태어났다.
6세 때부터 바이올린을 배우고 1956년 일가가 레닌그라드로 옮겼기 때문에 그곳의 음악원
부속 음악학교에 들어가 V.시프린의 합창 지휘반에서 배웠다.
그 후 레닌그라드 음악원에 진학하여 N.라비노비치의 지휘과의 교실에서 공부하였다.
1969년에 졸업하였는데 계속 대학원에 진학하였다.
빈 음악 아카데미에도 유학하여 스바로프스키와 에스테르라이허를 사사하였다.
잘츠부르크에서 카라얀의 가르침도 받았다.
1971년의 제2회 카라얀 국제 지휘자 콩쿠르에 나가 2위로 입상하였다. 같은 해 레닌그라드
필하모니를 지휘함으로써 본격적인 데뷔를 장식하였고 므라빈스키로 부터도 가르침을
받았다.
1979년부터 오슬로필하모니관현악단(Oslo Philharmonic Orchestra)의 음악감독으로 있으면서
유럽 각지와 미국 및 일본을 순회연주했고 훌륭한 리코딩을 통해 이 악단의 명성을
세계적으로 드높였다.
1985~1997년 상트페테르부르크필하모니관현악단(St.Petersburg Philharmonic Orchestra)의
수석지휘자로서 유럽·북아메리카·일본 등지를 순회연주했으며 1992~1998년
런던필하모니관현악단의 수석 객원지휘자를 지냈다.
북아메리카에서는 뉴욕필하모닉, 클리블랜드관현악단, 필라델피아관현악단, 시카고·보스턴·
토론토 등의 교향악단 등을 두루 지휘했다.
유럽에서도 베를린필하모니관현악단·빈필하모니관현악단·암스테르담콘세르트헤보우관현악단
등을 지휘했으며 잘츠부르크음악제에도 해마다 참석하고 있다.
1995년 노르웨이의 국왕 하랄 5세(Harald V)로부터 오슬로필하모니관현악단을 훌륭하게 이끈
공로로 외국인에게 수여되는 최고의 훈장을 받았다.
이밖에도 피츠버그의 문화발전에 기여한 공로로 1998년 잡지'피츠버그 Pittsburgh'에서
제정한 해리 예술상(Harry Award)을 받았다.
1999년에는 왕립음악원의 명예회원으로 선임되었으며 2000년에는 피츠버그교향악단의
음악감독직을 맡았다.
3. Chopin, Piano Concerto No.1 in E Minor, Op.11 (Arr. Balakirev)
Friedrich Gulda(Pf), Sir Adrian Boult(cond), London Philharmonic Orchestra
I. Allegro Maestoso
II. Romanze. Larghetto
III. Rondo. Vivace
※ Recorded 1954 (Mono)
♣ 쇼팽 피아노 협주곡 1번 E 단조 Op.11
스무 살의 쇼팽이 살던 폴란드 바르샤바는 독립을 위한 민중봉기가 일어나기 직전이었다.
혼란스러움을 벗어나고자 조국을 떠나기로 결심한 그는 가족과 마지막 휴가를 보낸 뒤
1830년 10월 11일 폴란드에서 마지막 연주회를 열었고 바로 이 자리에서 '피아노 협주곡
1번' e단조를 초연했다.
환송식이 열린 자리에서 폴란드의 흙이 담긴 은잔이 그에게 수여되었다.
11월 2일 쇼팽은 “죽기 위해 떠나는 것 같은 기분이다”라는 느낌을 뒤로 한 채 다시는
밟아보지 못할 폴란드의 땅에게 영원한 작별을 고한다.
1829년 8월 빈에서 성공적인 연주회를 마치고 바르샤바로 돌아온 쇼팽은 피아노 협주곡을
작곡하기 시작했다.
바르샤바 음악원 졸업과 빈에서의 성공은 쇼팽이 본격적으로 피아니스트이자
작곡가로서의 미래를 계획하고자 하는 계기가 되었고 이에 자신을 알리기 위한 수단으로
피아노 협주곡을 작곡하지 않을 수 없었다.
이 무렵 열 아홉 살의 쇼팽은 처음으로 여인에게 사랑의 감정을 느끼게 된다.
쇼팽의 일방적인 짝사랑으로 끝이 났지만 처음 느끼는 강렬한 기분과 뜨거운 가슴이
고스란히 음악으로 녹아들어 바르샤바 시대의 절정을 장식하는 두 개의 피아노 협주곡이
탄생할 수 있었던 것이다.
그의 친한 친구인 티투스 보이체코프스키에게 1829년 10월 3일에 쓴 편지에 '피아노
협주곡 2번'에 대한 내용이 적혀있다.
“나는 내가 진심으로 숭배할 수 있는 이상형을 찾았다네. 매일 밤 그녀 꿈을 꿀 정도야.
그러나 그녀를 처음 본 지 6개월이 지나도록 나는 한 마디 말도 건네지 못하고 있네.
협주곡 f단조의 느린 악장을 작곡하면서 그녀를 떠올리곤 하지.”
그 상대는 폴란드 음악원의 학생이었던 성악가 콘스탄치아 글라드코프스카였다.
그녀는 자신을 짝사랑한 쇼팽의 마음을 눈치채지 못했고 쇼팽이 세상을 뜨고 난 뒤 모리츠
카라소프스키가 쓴 쇼팽 전기를 접하고서야 비로소 진실을 알게 되었다고 한다.
곧 잊어버리게 된 이 풋사랑에 대한 감정이 '피아노 협주곡 2번' f단조의 라르게토 악장과
'피아노 협주곡 1번' e단조의 로망스 악장에 충분히 표현되어 있음을 쇼팽 생전에 알고
있었던 사람은 오직 친구 티투스 보이체호프스키뿐이었다.
그의 소심한 마음 때문인지 이 '2번 협주곡'은 글라드코프스카에게 헌정되지 않고 몇 해
뒤 파리 시절 친교를 맺은 미모의 백작 부인 델핀 포토카에게 헌정되었다는 아이러니한
사연을 가지고 있다.
아름다움에 대한 새로운 차원을 제시한 쇼팽의 피아노 협주곡은 낭만주의 협주곡 양식의
새로운 전기를 마련한 작품으로 평가받았음에도 불구하고 피아노와 오케스트라 사이의
불균형이 단점으로 오랫동안 지적받아 왔다.
쇼팽 스스로도 오케스트라 반주 없이 솔로 파트만 연주했던 것을 미루어본다면 그가
오케스트라 부분을 그다지 중요하게 생각하지 않았음을 알 수 있다.
파리 시절에도 주위에서 폴란드 고유의 양식을 대변할 만한 오페라를 작곡하라고
부추겼지만 자신의 미숙한 관현악 기법을 알고 있었던 쇼팽은 솔로 피아노를 위한 작품에
더욱 집착했다.
그러나 이를 안타깝게 여겼던 많은 작곡가들이 그 관현악 파트를 보강하고자 했다.
그 대표적인 개정판으로 쇼팽의 친구이자 후원자였던 프란츠 리스트의 제자 칼 타우지히가
교정한 '1번 협주곡'과 카를 클린트보르트의 '2번 협주곡'을 꼽을 수 있다.
쇼팽은 피아니스트로서 단 30여 회의 대중 연주회를 가졌다. 이 가운데 절반 정도는
협주곡을 연주했는데 특히 1번을 자주 연주했다.
1830년 11월 폴란드를 떠난 그는 빈, 브레슬라우, 뮌헨, 파리를 경유하며 개최한
연주회에서 '1번 협주곡'을 연주했지만 그 이전에 작곡한 '2번 협주곡'만큼 뜨거운 반
응을 얻지는 못했다고 한다.
1832년 2월에 가진 정식 파리 데뷔 연주회에서야 비로소 '1번 협주곡'은 그가 기대했던
수준의 찬사를 이끌어내게 되었다.
이후 성공적인 평가를 받은 '1번 협주곡'은 파리에서의 쇼팽의 위상을 확고하게 하는데
큰 기여를 하게 된다.
1악장 - 알레그로 마에스토소
긴 오케스트라의 서주에 이어 등장하는 피아노의 아름다운 멜로디와 명인기적인 활약이
탁월하다.
사랑하는 여인에 대한 젊은 쇼팽의 수줍은 열정이 조용히 피어오르는 모습이 느껴지는 듯한
대목이다.
전형적인 제시-발전-재현-코다의 틀을 지니고 있으나 내용면에서는 보다 자유로운 진행과
분위기를 바탕으로 그 청초한 서정성을 만들어 나간다.
2악장 - 로망스 : 라르게토
빠르기표에서 암시되었듯이 낭만적인 서정성의 효시라고 말할 수 있을 정도로 아름다운
악장이다.
약음기를 단 바이올린에 의해 짧은 서주가 제시된 뒤 칸타빌레 주제의 피아노가 등장하며
아름답고 깊은 내면의 소리를 표현해 낸다.
3악장 - 비바체
C샤프 단조로 시작하는 짧은 주제에 이어 피아노에 의해 제시되는 론도는 모차르트를
연상시키는 듯한 재기발랄함으로 가득 차 있다.
꾸밈음과 장식음이 빈번하게 사용되는 독주 피아노는 종지부에 이르면서 더욱 빠르고
강한 에너지와 화려함을 더한다.
■ 추천음반
가장 고전적 명반이자 건강한 생명력이 돋보이는 루빈스타인의 녹음(RCA)은 자의적이거나
도취적인 스타일을 배재하고 폴란드 고유 정서와 때묻지 않은 순수함을 강조한 연주다.
상송 프랑수아의 연주(EMI)는 즉흥성 넘치고 자유분방한 스타일이 감각적으로 다가오는
해석이다.
마르타 아르헤리치가 지휘자 뒤투아와 함께 한 연주(EMI) 또한 쇼팽의 찬연한 아름다움과
서정성을 잘 살려낸 명연이다.
침메르만의 두 번째 녹음(DG)은 작품에 대한 가장 완벽주의적이면서도 폴란드적인 해석의
표본으로 쇼팽 해석에 대한 새로운 정의라고 말할 수 있다.
프리드리히 굴다 (Friedrich Gulda, 1930. 5. 16 ~ 2000. 1. 27)
빈에서 태어난 오스트리아의 피아니스트. 양친이 악기를 즐기는 교육자 집안에서 태어나
7세 때부터 폴크스 음악원에서 파쪼프스키에게 피아노를 배웠다.
12세에 빈 음악 아카데미에 입학하여 명교사 자이들호퍼에게 사사하고 소년시대부터
베토벤의 소나타 연주로 주목을 받고 일찌기 16세인 1946년 제네바 국제 콩쿠르에서
우승하고 빈의 무지크페라인잘에서 데뷔 리사이틀을 가졌다.
그러나 굴다가 본격적인 연주 활동에 들어간 것은 아카데미를 졸업한 1947년부터인데 곧
유럽 각국과 각지의 음악제에 출연하여 가장 재능 있는 젊은 피아니스트로서 명성을 얻어
파울 바두라-스코다, 예르크 데무스와 함께 빈의 세 명수라고 불리게 되었다.
1950년에는 뉴욕의 카네기 홀에서 리사이틀을 열어 미국에도 데뷔하여 성공을 거두어
한층 폭넓은 활약을 행하게 되었다.
또 1950년대 후반부터는 재즈에도 흥미를 보여 자작의 재즈 연주에 의해 센세이셔널한
화제를 일으켜 찬부 양론으로 들끓게 했다.
젊었을 때부터 베토벤 연주가로서의 명성을 얻은 굴다는 날카로운 감각과 강인하고 탁월한
기교와 음, 또 극히 지적이고 잘 연마된 표현에 의해 알려져 있는데 그 부드러운 음악의
흐름 속에는 항상 연주하는 기쁨이 나타나 있다.
그리고 그가 재즈 연주에 대해 적극적인 것도 음악을 한다는 데 대한 기쁨의 솔직한
표현이라고 할 수 있으며 동시에 거기에 극히 의식적이고 지적인 음악가인 굴다 자신이
투영되고 있다.
그의 연주는 듣는이에게 대해 신선한 문제를 제기하고 자기를 주장하면서도 결코 무겁게
정체되거나 쓸데없이 자극적이 되는 일이 없이 음악이 지닌 기쁨을 나타낸다.
4. Tchaikovsky, Violin Concerto in D Major, Op.35
David Oistrakh(Vn) / Gennady Rozhdestvensky(cond), Moscow Philharmonic Symphony Orchestra
I. Allegro moderato
II. Canzonetta. Andante
III. Finale. Allegro vivacissimo
♣ 차이코프스키 바이올린 협주곡 D 장조 Op.35
1878년 봄 차이코프스키는 스위스의 제네바 호수 근교의 클라렌스에서 결혼의 상처
(1877년 여름에 차이코프스키는 동성애자라는 사실을 숨기기 위해 밀류코바라는 여성과
결혼했지만 석달 만에 파경을 맞았다)를 달래고 있었다.
3월 14일 자신의 제자였던 요시프 코테크가 찾아왔다. 그 때는 차이코프스키가 한창
피아노 소나타 G장조를 작곡하던 시기였다.
베를린에서 요제프 요아힘에게 바이올린을 배우고 있던 코테크는 랄로의 스페인 교향곡의
악보를 보여주었고, 두 사람은 이 곡을 함께 연주했다.
그리고 차이코프스키는 바이올린 협주곡을 작곡하고 싶다는 열망에 사로잡히게 된다.
코테크는 모스크바 음악원에서 차이코프스키에게 작곡을 배웠던 인연으로 그와 오랫동안
교류해왔다.
차이코프스키가 폰 메크 부인을 알게 된 것도 코테크를 통해서였고 차이코프스키는
코테크를 위해 왈츠-스케르초를 작곡할 만큼 두 사람의 관계는 깊었다.
마침내 4월 4일 모든 작업을 끝냈다. 그러나 차이코프스키는 여전히 2악장이 마음에 걸렸다.
작품의 전체적인 분위기와 어울리지 않다고 생각했다.
차이코프스키는 결국 처음 작곡했던 2악장(두 달 후 [명상곡]으로 출판된다)을 버리고
하루만에 새로운 안단테 악장을 썼다.
그리고 4월 11일에 악보의 초고가 나왔다. 차이코프스키가 4번 교향곡과 오페라 예프게니
오네긴을 막 끝냈을 때였다.
출판은 모스크바의 표트르 위르겐슨이 맡았고 바이올린과 피아노를 위한 악보가 그 해
10월에, 오케스트라 파트보는 1879년 8월에 나왔다.
초연을 향한 길은 멀고도 험했다. 차이코프스키는 이 곡을 완성하는 데 많은 도움을 준
코테크가 초연해 주기를 원했다.
그러나 프로페셔널 연주자로 경력이 많지 않았던 코테크는 이 작품의 연주를 망설였다.
게다가 그는 자신과 차이코프스키의 육체적 관계에 대한 소문을 두려워하고 있었다.
1878년 10월 차이코프스키는 상트 페테르부르그에서 당대 최고의 바이올리니스트 레오폴드
아우어에게 악보를 주면서 초연을 부탁했다.
그러나 아우어는 차이코프스키와의 약속을 지키지 못했으며 2년을 기다리다 지친
차이코프스키는 넌더리를 냈다.
그러다 마침내 구원자가 찾아왔다. 모스크바 출신으로 라이프치히 음악원의 교수였던
아돌프 브로드스키가 1881년 12월 4일 빈 필하모닉 협회의 콘서트에서 한스 리히터의
지휘로 초연하게 된 것이다.
초연은 성공하지 못했다. 당시 빈 음악계를 주름잡던 비평가 에두아르트 한슬리크는
“음악이 이토록 심한 악취를 풍길 수 있다는 사실을 차이코프스키의 바이올린 협주곡이
증명했다”고 혹평했다.
또다른 비평가들도 이구동성으로 야유했다. '거칠기 짝이 없는 러시아의 허무주의'
(테오도르 헬름), '괴이한 음악이 많은 사람들을 유혹한다'(막스 칼베크).
초연자 브로드스키는 절망하는 대신 몇 개월 후인 1882년 4월 런던에서 한스 리히터의
지휘로 다시 협연함으로써 거대한 성공의 서막을 열었다.
그리고 8월 20일 이폴리트 알타니의 지휘와 브로드스키의 협연으로 모스크바 초연을 했고
여기서도 열렬한 환영을 받았다.
이제 차이코프스키의 바이올린 협주곡에서 아돌프 브로드스키란 이름을 떼어내기는 어려운
지경에 이르렀다.
상황을 인식한 차이코프스키는 원래 예정되었던 헌정자였던 레오폴드 아우어 대신
브로드스키에게 이 작품을 헌정했다.
■ 추천음반
이 작품의 녹음에서 정경화(Decca)는 우리에게 첫 번째 대상이었다. 프레빈이 지휘하는
런던 심포니와의 연주는 그녀의 첫 출발점이었다.
우울한 서정성의 표현에 주안점을 둔 연주로 비극적인 색채의 느낌이 매우 특별하다.
하이페츠(RCA)의 연주는 질주의 미학이 뭔지를 보여준다. 속도감과 박력의 오케스트라는
파괴적인 차이코프스키 상을 그려내었다.
오이스트라흐(MELODIYA)는 내면적 우울과 열정의 상반된 요소들을 모두 표현한 훌륭한
연주다.
코간(EMI)의 연주는 테크니션 코간의 바람을 가르는 날렵한 연주가 색다른 쾌감을 던져준다.
다비드 오이스트라흐 (David Oistrakh, 1908. 9. 30 ~ 1974. 10. 24)
20세기 서방세계에서 하이페츠가 그 큰 날개를 펼쳐 모든 바이올리니스트를 가리고 있을 때
그 그늘에서 유일하게 벗어나 있던 또 다른 봉황이 있었다.
그는 바로 구 소련이라는 철의 장막에 갇혀 있었던 다비드 오이스트라흐였다.
러시아를 대표하는 바이올린 전통인 레오폴드 아우어 악파에서 벗어나 있었던 그는 19세기
재정 러시아 시대로부터 내려온 옛 전통으로부터 자유로운 진정으로 '새로운' 러시아 악파를
대변하는 인물이었다.
예술가로서 풍부한 감수성과 남다른 심미안을 가지고 있었던 그는 음악을 자신의 스타일로
끌어당기기보다는 자신이 음악 그 자체로 뛰어들어 매번 새로운 모습으로 변화했다.
한편 까다로움과 예민함의 극한을 달렸던 아우어의 제자들과는 달리 부처와도 같이 후덕한
외모와 인자한 품격 때문에 오이스트라흐는 인간적인 측면에서도 덕이 높았다.
공자께서 말씀하셨던 "흥어시 입어예 성어락(興於詩 立於禮 成於樂, 논어)"의 현현으로
오이스트라흐를 꼽는다 하더라도 모자람이 없을 것이다.
예후디 메뉴힌은 "그의 음색은 저음역부터 고음역까지 순수하고 깨끗하다. 뿐만 아니라 그의
사람됨마저 순수하고 깨끗하다"라고 평가한 바 있다.
메뉴힌은 소련과 런던을 오가며 오이스트라흐와 함께 바흐를 연주했는데 그 또한
오이스트라흐의 음악은 물론이려니와 인품까지를 높이 평가했다.
지휘자 쿠르트 잔데를링은 "그가 연주를 시작하면 갑자기 세계는 더욱 아름다운 곳으로
변화하곤 했다"라고 표현하며 오이스트라흐가 가지고 있는 범접할 수 없는 고유의 아우라에
경의를 표하기도 했다.
사실상 오이스트라흐는 1950년대 이후에서야 비로소 서방세계에 그 모습을 드러낼 수
있었는데 당시 많은 청중들과 비평가, 연주자들 모두 그의 놀라운 연주에 경탄하지 않을 수
없었다.
아니 하이페츠가 세상의 전부가 아님을 비로소 인지할 수 있었던 것이다.
그 때부터 바이올린 세계의 하늘에는 두 개의 태양이 각자의 빛을 발산하며 떠 있을 수 있었던
것이다.
완벽에 가까운 정확한 운지를 바탕으로 그의 레가토는 비할 바 없이 유연했고 아주 짧은
음표에서도 맵시 있는 음향을 만들어내는 활놀림은 건조하다기보다는 믿음직스러웠다.
더 나아가 시종일관 긴장감과 에너지를 응축했다가 격정의 순간에 그가 토해내는 클라이막스는
고귀한 영혼의 거룩한 일갈과도 같은 엄숙함에 가까웠다.
한편 그는 만년에 접어들며 은은한 은빛 칸타빌레를 선보이곤 했다.
이는 이전 시대의 슬라이딩 기법 혹은 현대의 벨칸토적인 칸타빌레와도 전혀 다른 까닭 모를
투박한 질감과 현대적인 날카로움을 동시에 머금고 있었다.
또한 만년의 그가 호흡을 맞추었던 피아니스트 스비아토슬라프 리히테르의 그 엄청난 에너지와
동등한 입장에서 앙상블을 이룰 수 있었던 유일한 바이올리니스트이기도 했다.
이것은 단지 그의 스타일이나 스케일에서 비롯한 것이 아니라 전적으로 음악 그 자체에
몰입하여 그 이치를 발견해내고자 하는 치열한 음악혼을 소유했기에 가능했던 것이다.
그는 서방세계에 모습을 드러내기 이전부터 이미 소련의 명실상부한 단 한 명의
바이올리니스트로 자리매김하고 있었다.
1차대전 이후 소련에는 아우어의 제자 가운데 가장 특별한 재능과 카리스마를 발산했던 미론
폴리아킨이 일종의 '우상'으로 자리잡고 있었지만 때이른 죽음으로 서방세계는 그의 진가를
알 기회 조차 가질 수 없었다.
한편 진정한 인민의 바이올리니스트로 일컬어졌던 보리스 골드슈타인은 천재
바이올리니스트로서 오이스트라흐와 함께 소비에트 바이올린계를 양분할 것으로 기대가
높았지만 정치적 이유로 그는 거의 잊혀진 사람 취급을 받으며 역사의 뒤안길로 사라질 수
밖에 없었다.
모두 왕성한 나이에 요절해버린 레오니드 코간은 오이스트라흐와는 반대의 스타일을 구사하며
독자적인 길을 걸었고 올레그 카간은 오이스트라흐와 비교하기에는 너무 젊었다.
오이스트라흐는 1908년 9월 30일 우크라이나의 남부 도시인 오데사에서 태어났다.
그의 부모는 모두 유태인으로서 아버지인 다비드 쾰커는 문서정리의 일을 맡은 하급관리이자
아마추어 바이올리니스트였고 어머니인 이사벨라 스테파노프카는 오페라 극장의 단역가수
출신으로서 어린 오이스트라흐를 자주 음악회에 데리고 다녔다.
다섯 살 때 그는 8인치 사이즈의 바이올린을 처음으로 선물받은 뒤 교습을 받기 시작했는데
그 스승은 바로 아우어와 함께 러시아 바이올린 악파를 대표하는 표트르 스톨리아르스키였다.
그의 또 다른 유명한 제자로 나탄 밀스타인을 꼽을 수 있는데 밀스타인이 콘서바토리를
졸업할 무렵인 1914년에 오이스트라흐는 처음으로 무대에 설 수 있었다.
1923년 오데사 콘서바토리에 입학한 뒤 1926년까지 학업에 열중했고 그 해에는 타르티니의
'악마의 트릴'과 루빈스타인의 비올라 소나타, 프로코피에프의 '바이올린 협주곡 D장조'
등의 프로그램으로 첫 공개 리사이틀을 열었다.
그리고 이듬해에는 차이콥스키의 수제자였던 작곡가 글라주노프가 이곳을 방문했다가
오이스트라흐의 음악성에 감수성에 매료되었다.
그는 오이스트라흐에게 "키예프에서 내 지휘로 나의 바이올린 협주곡을 연주해달라"고
부탁했고 결국 그는 이 행운의 기회를 거머쥘 수 있었다.
이를 계기로 니콜라이 말코가 지휘하는 레닌그라드 필하모닉과도 협연을 하여 초미의
관심사로 떠오르게 되었다.
스톨리아르스키의 교육방식은 당시로서는 매우 독특했던 것으로 알려져 있다.
어린 제자들에게 당장 개선해야 할 기술적, 예술적 문제점이 무엇인가를 낱낱이 일깨우는
반면 그것을 어떻게 개선해야 할지는 전적으로 당사자에게 맡겨두었던 것이다.
천재만을 받아 하나부터 열까지를 모두 통제해야 식성이 풀렸던 아우어의 교육방식과는
전혀 다른 시스템으로서 오이스트라흐가 작품을 탐구하여 자신만의 길을 개척해나갔던 것은
바로 이 당시의 학습에 의해 완성된 스타일이었다.
한편 1928년에는 피아니스트 타마라 로타레바를 만나 젊은 나이에 결혼을 하여 가정을
꾸리기도 했다.
이제 그는 새로운 세계로 그 날개를 필 준비를 마쳤다.
1934년 모스코바 콘서바토리에서 선생의 자리를 얻게(1939년에는 교수로 발탁된다) 되었고
1935년에는 소비에트 연방 경연대회에서 우승을 그리고 비네야프스키 콩쿨에서 2위를 했다.
바르샤바에서 열린 이 비네야프스키 콩쿨은 지금 생각해봐도 정말로 별들의 전쟁이었다.
당시 1위는 지네트 느뵈, 4위는 보리스 골드슈타인이었기 때문이다.
그러나 우승에 대한 갈망은 1937년 브뤼셀에서 열린 이자이 콩쿨에서 대상을 차지했고
국제적으로도 그 이름을 알릴 수 있었다.
이 당시 그는 1927년 제1회 쇼팽 콩쿨에서 1등을 차지한 피아니스트 레프 오보린과 평생에
걸친 파트너쉽을 이루며 첼리스트 스비아토슬라프 크누세비츠키와 트리오를 결성하기도 했다.
또한 모스크바를 방문한 자크 티보의 관심과 애정을 받기도 했다.
만약 세상이 평화로웠다면 그는 이 시기부터 세계를 누비며 하이페츠의 대항마로서 그 명성을
높였을 것이다.
그러나 1939년 제2차 세계대전이 발발했고 그는 당의 지시로 공장과 병원에서 연주를 펼쳤고
배급이 끊긴 레닌그라드 대공방전의 와중에 그는 바로 레닌그라드에 남아 항쟁 의지를
북돋우는 콘서트를 열었다.
이를 계기로 그는 1942년 스탈린상을 받으며 '인민예술가'의 칭호를 받음과 동시에
미아스코프스키와 하차투리안의 바이올린 협주곡을 헌정받고 프로코피에프의 플루트와
피아노를 위한 소나타를 바이올린을 위한 작품으로 편곡을 의뢰하여 초연(1944)했으며
쇼스타코비치와 돈독한 관계를 맺으며 그의 두 개의 바이올린 협주곡과 바이올린 소나타
또한 헌정받아 초연하기에 이른다.
전쟁이 끝난 뒤 그가 처음으로 철의 장막을 너머 서방세계에 모습을 드러내기 시작했다.
949년 헬싱키에서, 그리고 1951년 이탈리아를 거쳐 1952년에는 독일, 1953년에는 프랑스,
1954년에는 영국에 이어 1955년에는 미국 공연을 성공리에 마치며 그 존재감을 분명히
각인시켰다.
1959년에는 지휘자로도 활동하기 시작했고 1967년에는 은퇴를 한 오보린의 뒤를 이어
리히테르와 전설적인 듀오를 결성했다.
1960년대는 오이스트라흐에게 있어서 최고의 시절이었다.
매번 매진사례를 거듭하는 연주회의 횟수도 그러하거니와 언론으로부터의 과도할 정도의
찬사와 청중들의 히스테릭할 정도의 열광이 이를 반증해 준다.
더군다나 그는 여러 메이져 음반사들로부터 최고의 대접을 받으며 전설로 남게될 음반들을
레코딩하기에 이른다.
DG에서는 바흐의 협주곡과 베토벤의 로망스, 브람스와 차이콥스키의 바이올린 협주곡을
녹음하며 바이올린 연주에 있어서의 고전주의적 스타일의 완성이 무엇인가를 보여주었다.
미국 CBS(현재 SONY Classical)에서는 유진 오먼디와 함께 쇼스타코비치의 '바이올린
협주곡 1번'과 시벨리우스 '바이올린 협주곡', 드미트리 미트로풀러스와 녹음한 차이콥스키
'바이올린 협주곡'을 녹음하여 커다란 반향을 일으키기도 했다.
한편 DECCA에서는 힌데미트의 '바이올린 협주곡'과 브루흐의 '스코틀랜드 환상곡',
모차르트의 '콘체르탄테' 등을 녹음하며 역사적인 명반을 남기기도 했다.
무엇보다도 부드러운 분위기와 날카로운 조형미를 겸비했던 그는 베토벤과 같은 독일 고전
레파토리에서 최고의 능력을 보여주었다.
평생의 동반자인 오보린과 함께 Philips 레이블에서 남긴 베토벤 바이올린 소나타 전곡반은
그 이상의 추천반을 찾기가 어려울 정도로서 지금까지도 모든 면에 있어서 절대적인 극찬을
받고 있는 희대의 명연으로 그 가치가 높다.
이 뿐만이 아니다. 특히 EMI에서 남긴 녹음들은 한결같이 결정반으로 추앙하기에 손색이
없을 명반들이라고 말할 수 있다.
무엇보다도 협주곡과 같은 대작에서 오이스트라흐의 위대함은 빛을 발한다.
우선 조지 셸의 지휘로 녹음한 브람스 '바이올린 협주곡'과 '2중 협주곡'(로스트로포비치,
첼로)은 그의 대표적인 명연으로 손꼽기에 손색이 없고, 오토 클렘페러와의 브람스와 앙드레
클뤼탕스와의 베토벤 바이올린 협주곡 또한 메뉴힌의 음반과 자웅을 겨루는 희대의 명연이다.
식스틴 얼링과의 베토벤과 시벨리우스 협주곡 또한 모노 시대부터 명반으로 일컬어졌던
음반이며, 오보린과 크누세비츠키와 함께 녹음한 베토벤과 슈베르트 피아노 트리오 녹음도
빼놓을 수 없다. 이 가운데 헤르베르트 폰 카라얀의 지휘로 로스트로포비치와 리히테르가 한
자리에 모인 베토벤 '3중 협주곡' 녹음이야말로 감히 대적할 수 없는 포스와 치열한 예술혼이
어우러진, 진정한 의미에 있어서 역사적인 레코딩이라고 말할 수 있을 것이다.
만년에 리히테르와 도쿄에서 실황으로 남긴 브람스의 '바이올린 소나타 2, 3번'과 프랑크,
프로코피에프의 바이올린 소나타 등도 훌륭할 뿐만 아니라 소련에서 로제스트벤스키와 키릴
콘드라신 등의 지휘자들과 함께 녹음한 멜로디야(Melodiya) 음원들도 훌륭하다.
한 가지 특징적인 점은 아들인 이고르 오이스트라흐와 함께 두 대의 바이올린을 위한 작품을
연주, 녹음하기도 했고, 자신이 지휘를 맡아 아들의 반주를 도맡기도 하며 가족애를 전면에
드러내기도 했다는 것이다.
피아니스트 로베르 카자드쥐가 아들과 부인과 함께 하거나 메뉴힌이 자신의 누이와 함께
연주한 것 혹은 길렐스가 자신의 딸과 함께 협연한 것과 더불어 오이스트라흐 역시 당당히
'가족 음악가'의 반열에 올라설 수 있었다.
당시 많은 소련 내의 예술가들이 자유를 찾아 서방 세계로 망명했지만 오이스트라흐는 이에
전혀 신경쓰지 않았다.
그에 대한 다큐멘터리 영화를 제작했던 프랑스의 브루노 몽생종은 이에 대해 의문을 던지며
호모 소비에티쿠스(소비에트적 인간)라는 다소 비난조로 들리기도 하는 언사를 덧붙이기도
했다.
그의 조국은 그로 하여금 당에 복종하라고 요구했지만 그에게 있어서 가장 중요했던 것은
음악과 청중에 대한 헌신 뿐이었다.
그는 일체의 정치적인 고려와 권력의 메카니즘에 대해서는 관심조차 두지 않았고 예술과
인간 그 자체의 순수함과 이치에만 집중했던 것이다.
이와 비슷한 예로 리히테르를 들 수 있겠는데 오이스트라흐에게 있어서 소비에트 체제는
자신을 위한 최선의 환경은 아니었을지언정 조국과 전세계 청중들에게 최선을 다하는
음악가로서의 진실된 모습을 보여주었다.
이것이 바로 그가 한 위대한 음악가로서 모든 사람들로부터 지금까지 존경을 받을 수 있는
가장 중요한 이유일 것이다.
1968년은 그의 60번째 생일로서 모스크바 콘서바토리의 그레이트 홀에서 게나디
로제스트벤스키의 지휘로 차이콥스키 '바이올린 협주곡'을 연주하여 성대한 자축연을 가졌다.
이제 오이스트라흐는 루마니아의 에네스쿠나 영국의 메뉴힌, 리투아니아를 대표하는
하이페츠처럼 소련을 대표하는 바이올린의 아이콘으로 자리잡으며 전세계 음악 애호가들의
우상으로 떠올랐다.
그러나 이 무렵부터 당시 모든 소련의 동료 음악가들이 보드카로 인해 그러했듯이 그는 심장
질환이라는 병마에 시달리기 시작했다.
1970년대에는 리히테르와 리사이틀을 열거나 지휘자로서 활동하는 등 새로운 커리어를 쌓기
시작했지만 이는 그에게 있어서 죽음을 앞둔 마지막 산책이었을 뿐이다.
1974년 암스테르담에서 콘세르트허바우 오케스트라를 지휘하며 브람스 사이클을 진행하던
그는 갑작스러운 심장발작을 일으켰고 하릴없이 이곳에서 세상을 뜨게 되었다.
그의 유해는 모스코바로 돌아간 뒤 저 성스러운 노보데비치 공동묘지에 안장되었다.
이제 그는 저 피안의 세계에 존재하는 청중들을 위해 봉사할 수 있는 기회를 얻게 된 것이다.
약력
1923 러시아 오데사 콘서바토리에 입학
1939 러시아 모스크바 콘서바토리 교수로 발탁
1935 소비에트 연방 경연대회 우승
1935 비네야프스키 콩쿨 2위
1937 브뤼셀에서 열린 이자이 콩쿨 대상
1941~1963 오보린, 크누셰비츠키와 함께 오이스트라흐 3중주단 활동
1942 스탈린상 수상
1955 첫 미국 공연
1967 피아니스트 리히테르와 듀오 활동
5. Schubert, String Quartet No.13 in A Minor Op.29 D804 'Rosamunde'
Hungarian Quartet
I. Allegro ma non troppo
II. Andante
III. Menuetto & Trio - Allegretto
IV. Allegro moderato
♣ 슈베르트 현악4중주 13번 A 단조 Op.29 D804 '로자문데'
슈베르트가 만든 4중주곡은 15곡이 있는데 이 곡은 그 13번째가 되고 1824년의 작품으로
되어 있다.
아름다운 주제가 보석을 박은 것처럼 찬연하다.
제1악장 알레그로 마 논 트로포
제1바이올린이 고상한 변주 주제를 연주하고, 이어서 우아한 주제가 전시된다.
제2악장 안단테
아름답고 절묘한 활기에 찬 이 느린 악장에는 슈베르트가 낳은 모든 선율 중에서 특히
뛰어난 점이 나타난다.
제3악장 미뉴에토
환상적이며 색다른 해학적인 미뉴에트이다.
제4악장 알레그로 모데라토
화려하고 명랑한 리듬은 이 악장의 근간을 형성하고 있다
6. Giuliani, Sonata in A major, Op.85
Paul Meisen(Ft) / Reinbert Evers(Gt)
I. Allegro maestoso
II. Andante molto sostenuto
III. Scherzo. Vivace
IV. Allegretto espressivo
마우로 줄리아니 (Mauro Giuliani, 1781 ~ 1829)
마우로 줄리아니는 이탈리아 작곡가이자 기타 연주가로서 모렛티와 카룰리, 카르카시등
이탈리아 악파의 음악가중에서 가장 유명했던 거장이며 페르난도 소르와 나란히 기타
음악의 고전시대를 꽃피웠던 이태리의 작곡가이자 기타 연주가였다.
소르의 우아하고 명쾌한 대위법적인 악풍에 비해 줄리아니는 호탕하고 직선적이며 장엄한
음량의 표현을 특징으로 하는 천부적인 작곡가였다.
마우로 줄리아니는 1780년 아드리아해를 끼고 있는 이탈리아 비셀리에에서 태어났으며
형과 함께 바리에타에서 음악 공부를 하였다.
마우로 줄리아니는 정식 음악교육으로 대위법과 첼로를 공부했으나 곧 기타에 흥미를
가졌으며 독학으로 배웠지만 단시일내 당대의 가장 탁월한 기타리스트가 될 정도로 기타에
전념하여 기교와 연주상의 이론에서 뛰어난 재능을 이룩하였다.
그가 누구에게 배웠으며 이탈리아에서 어떤 활동을 하였는지는 확실하게 알려지지 않고
있다.
줄리아니는 바리에타에서 마리아 쥬세페 델 모나코와 결혼하여 아들 미카엘을 낳았고 잠시
동안 블로냐와 트리스테에서 머물며 대위법을 배웠던 것으로 추측되고 있다.
그는 가족들을 바리에타에 남겨둔 채 비엔나에서 프로라인 빌무스라는 여인을 만나 1807년에
딸 마리아를 낳았다.
당시 이태리에서는 오페라가 성행했기 때문에 그의 재능을 보여줄 기회가 거의 없어 유럽으로
연주여행을 다녔으며 결국에는 음악의 중심부인 비엔나에 정착하기로 결심했다.
거기서 그는 연주자와 작곡자로써 재능을 인정받았으며 일련의 대 작곡가들 - 훔멜, 스포어,
디아벨리 등 - 중의 한사람으로 명성을 떨치게 되었다.
비엔나에서 정통 기악연주에 익숙하게 된 그는 1807년 부터 자신의 곡을 출판하기 시작했다.
전 유럽으로 연주여행을 하게 된 그는 대가적 연주로 자신의 음악적 풍취를 소개하여 가는 곳
마다 찬사를 받았다.
그의 성공은 대단한 것이어서 19세기 초 비엔나에서 활동하던 음악가들 중에서 가장 뛰어난
그리고 다양한 악기를 다룰 줄 아는 연주자로 명성을 쌓게 되었다.
당시 유럽음악의 정황에서 기타의 새로운 역할을 정립한 줄리아니는 이제 베토벤, 롯시니 같은
비엔나 최고의 음악가들과도 친교를 맺게 되었다.
1815년 피아니스트 훔멜을 비롯한 당대의 이름있는 현악 연주자들과 함께 비엔나의 유서 깊은
쇤브룬 궁전의 정원에서 일련의 연주회를 열어 입장료를 금화로만 받기도 하였으며 1875년에는
베토벤의 7번 교향곡 초연에서 첼로연주자로 참여하였다.
1804년 4월 3일 레두덴잘아카데미에서 줄리아니의 '기타와 오케스트라를 위한 협주곡 A장조
op.30'의 초연이 있었으며 줄리아니는 이날 기타도 직접 연주했다.
그런데 한가지 재미있는 사실은 이 연주회에는 청중의 한 사람으로 베토벤이 참석해 줄리아니의
기타에 도취되어 열광하였으며 기타는 그 자체가 작은 오케스트라다"라는 유명한 말로 줄리아니의
연주를 극찬했다 한다.
1819년 경제적인 어려움으로 비엔나를 떠나게 된 그는 트리스테와 베니스에서 잠시 머문 후에
로마에 도착하여 1개의 협주곡을 비롯하여 몇 작품을 썼으나 크게 성공하지는 못하였다.
1823년 부터 아버지의 병환때문에 나폴리를 자주 여행하였는데 자신의 기타 작품이 인기가 있음을
알고 그곳에서 활동을 시작하였다.
1826년 부르봉 왕가의 궁정에서 일을 맡게 된 줄리아니는 1828년 부터 건강이 나빠져 다음 해 5월
8일 나폴리에서 눈을 감았다.
줄리아니가 기타를 위해 남긴 작품은 아주 대단한 분량이어서 200곡이 넘으며 기타 독주곡과 기타
실내악곡 그리고 3개의 협주곡 등이 그것이다.
19세기 초 비엔나에서는 공공연주회가 뿌리깊이 정착이 되었기 때문에 연주자의 재능과 명성을
얻기 위해서는 협주곡 연주가 큰 도구로 작용했었다.
그런 의미에서 줄리아니의 협주곡 A장조 op.30은 놀랄만한 성공을 거두었다.
특히 이 곡은 로드리고의 "아란훼즈 협주곡(Concierto de Aranjuez)"과 함께 기타 협주곡의 대표적인
걸작으로 꼽히고 있다.
대규모과 관현악과 기타를 위해 작곡되어진 이 작품은 모차르트에 의해 정립된 3악장 구성의 고전적
형식을 따르고 있다.
그러나 내용적으로 본다면 아주 낭만적 요소를 지니고 있으며 모차르트와 베토벤이 갖는 간결한
구성보다는 차라리 훔멜이나 베버 및 롯시니에게서 느낄 수 있는 하모니와 멜로디를 구사하고 있다.
그외 작품으로는 헨델의 주제에 의한 '테마와 변주곡', 기타 독주를 위한 '판타지아', '기타와 현의
오중주'등이 유명하다.
[ 수요성악 ]
7. Gounod, Messe Solennelle de Sainte Cecile - Pretre
Georges Pretre(cond), Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France
Choeurs de Radio France
Barbara Hendricks(sop)
Laurence Dale(ten)
Jean-Philippe Lafont(bar)
Jean-Louis Gil(Og)
I. Kyrie
II. Gloria
III. Credo
III. Invocation - Offertoire
IV. Sanctus
V. Benedictus
VI. Agnus Dei
VII. Domine Salvum
♣ 구노 '성 체칠리아를 위한 장엄미사'
구노가 슈르피스 신학교에서 신학을 공부하던 기간 동안 단 한곡도 작곡하지 않고 모든 공부를 마친
후 하나님을 영화롭게 할 목적으로 작곡한 첫 곡이 바로 이 장엄미사이다.
오페라 작곡가인 구노는 이 곡에서 화려하고 표면적인 극적효과를 피하고 고전적인 자세와 경건한
신앙적 내면을 음의 색채와 감각적인 소리로 표현하였다.
그는 후세 사람들에 의해 프랑스 근대음악의 선구자로 프랑스 오페라의 대표자로, 그리고 교회음악의
대가로 추앙받고 있다.
대작 중 대작으로 뽑히는 구노의 장엄미사는 신자가 아닌 사라믈에게도 감동을 주는 곡으로 평가받고
있다
※ 성 체칠리아
체칠리아는 3세기 경의 로마의 성녀였다. 이교인과 결혼하여 남편을 개종시키고 남편과 함께 순교했다.
그녀는 노래도 잘하고 악기도 잘 연주했기 때문에 지금은 음악의 수호신으로 숭앙받고 있다.
[ 앨범감상 ]
8. Dieterich Buxtehude - Ciaccona: Il Mondo Che Gira
Stylus Phantasticus
Maria Cristina Kiehr(sop) (1)
Victor Torres(bar) (17)
1) Herr, Wenn Ich Nur Dich Hab Cantate Pour Soprano, Deux Violons & Basse Continue (BuxWV 38)
2) Sonata En Fa Majeur (BuxWV 269) & Basse Continue (BuxWV 269) - Sans Titre
- A Violino Due Solo: Sans Titre - Allegro
- A Viola Da Gamba Solo: Sans Titre - Allegro
- A Violino Uno Solo: Sans Titre
- A Tre: Sans Titre - Allegro
3) Passacaglia En Re (BuxWV 161) Adaptation Pour Deux Violons, Viole De Gambe & Basse Continue
4) 1. Sans Titre - Allegro Sonata En La Pour Violon, Viole De Gambe & Basse Continue (BuxWV 272)
5) 2. Adagio - Sans Titre - Allegro
6) 1. Adagio - Lento Dietrich Becker - Sonata A Due En Re Pour Violon, Viole De Gambe & Basse Continue
7) 2. Adagio Piano - Sans Titre - Sans Titre 0:03:51
8) 1. Vivace - Lento Sonata III Op. Secunda En Sol Pour Violon, Viole De Gambe & Basse Continue (BuxWV 261)
9) 2. Allegro - Lento (largo)
10) 3. Andante
11) 4. Grave
12) 5. Gigue
13) Ciaccona En Mi (BuxWV 160) Adaptation Pour Deux Violons, Viole De Gambe & Basse Continue
14) 1. Grave - Vivace Sonata VI Op. Secunda Pour Violon, Viole De Gambe & Basse Continue (BuxWV 264)
15) 2. Adagio - Poco Presto - Lento
16) 3. Allegro
17) Quemadmodum Desiderat Cervus (BuxWV 92) Ciaccona A Tre Pour Baryton, Deux Violons & Basse Continue
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