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1. Smetana, 'My Country'
James Levine(cond), Wiener Philharmoniker
I. Vysehrad
II. Vltava
III. Sarka
IV. From Bohemia's Woods and Fields
V. Tabor
VI. Blanik
♣ 스메타나 '나의 조국'
1989년은 동구권의 공산 정권들이 연이어 붕괴한 대격변의 해였다.
이 해에 폴란드에서 시작한 민주화 운동은 마치 도미노처럼 순식간에 동유럽 각국으로
퍼져갔고 이 물결에 재빨리 올라탄 체코는 몇 달간의 숨가쁜 정치적 공방 끝에 민주화 운동을
주도적으로 이끌었던 시민 포럼의 지도자 바츨라프 하벨이 마침내 12월 29일 대통령에
선출됨으로써 혁명을 성공적으로 마무리했다.
그리고 이 역사적인 대전환의 한가운데에 음악이 있었다.
12월 14일에 프라하의 스메타나 홀에서 하벨이 참석한 가운데 베토벤의 '교향곡 9번'이 울려
퍼졌던 것이다.
체코 필하모닉의 단원들은 자신들도 적극 지지했던 혁명이 성공한 것을 축하하며 혼신의 힘을
다한 열연을 펼쳤다.
1. 비셰흐라트(Vy？ehrad)
2. 몰다우(Vltava)
3. 샤르카(？arka)
4. 보헤미아의 숲과 초원에서(Z ？esky luh？ a haj？)
5. 타보르(Tabor)
6. 블라니크(Blanik)
그리고 그 이듬해, 1990년 5월 12일에 같은 장소에서 스메나타의 '나의 조국'이 연주되었다.
그 해 '프라하 5월 음악제'의 첫 무대였던 이 공연의 지휘를 맡은 인물은 라파엘
쿠벨릭이었다.
그는 당시 76세로 건강 악화로 인해 객원 지휘만 간간이 하던 상태였으나 이 자리에는 서지
않을 수 없었다.
단순히 하벨이 초청했기 때문이 아니었다.
1948년에 소련의 사주를 받은 사회주의자들이 일으킨 쿠데타로 체코의 민주화가 좌절되자
택했던 망명의 세월이 40여 년 이어진 끝에 마침내 다시 돌아온 조국의 무대였던 것이다.
더구나 이 음악제는 바로 쿠벨릭 자신이 체코 필하모닉 창단 50주년이었던 1946년 당시
상임지휘자로서 창설한 음악제였던 만큼 그 감회는 형언할 수 없는 것이었으리라.
흥분과 감격으로 얼굴이 붉게 상기된 채 힘차게 지휘봉을 휘두르는 지휘자와 이를 지켜보면서
눈물을 흘리는 하벨 대통령의 모습은 누가 보더라도 감동하지 않을 수 없을 것이다.
그 때 연주된 작품이 '나의 조국' 아닌 다른 곡이었다 해도 그런 가슴 뭉클한 장면이 나올 수
있었을까?
이 곡의 무엇이 지휘자와 연주자 그리고 청중을 하나로 묶은 뜨거운 공감대를 이끌어냈던
것일까?
'나의 조국'(Ma Vlast)은 여섯 곡으로 이루어진 연작 교향시로 1873~1880년에 걸쳐 작곡되었다.
당시 그는 (1866년에 작곡한 오페라 '팔려간 신부'의 대성공 이래) 명실 공히 체코의 국민
작곡가 반열에 올라 있었지만 이 무렵부터 청력이 급속히 쇠퇴하기 시작했고 어지럼증도
생겼다.
결국 그는 1874년 10월경에 청각을 완전히 상실하고 훗날 정신병원에서 세상을 떠나야 했는데
이는 매독 때문이었다.
이런 암담한 상황 속에서 그는 절망에 빠지기를 거부하고 오히려 시선을 밖으로 돌려 체코 민족
전체의 고난에 주목했다.
당시 이 지역은 오스트리아-헝가리 제국의 통치 하에 있었으며 제국 정부가 특별히 압정을 행한
것은 아니었으나 제국을 구성하는 여러 민족 사이의 알력에서 비교적 소외된 위치에 있었던
체코는 독립에 대한 열망이 특히 강했다.
스메타나는 독일어를 쓰는 가정에서 자랐지만 성인이 된 뒤에는 열렬한 민족주의자가 되었으며
민족주의적 소재에 기초한 음악(민족주의 음악)을 다수 작곡했다.
그리고 '나의 조국'은 스메타나의 민족주의적 작품 활동을 총결산하는 작품이자 작곡가의 최고
걸작이다.
그는 이 방대한 연작 교향시에서 체코의 자연과 역사를 능란하고도 애정 어린 필치로 그려냈다.
전곡의 초연은 1882년 11월에 프라하에서 이루어졌으며 대단한 성공을 거두었는데 각 곡의
초연은 그 이전에 개별적으로 이루어졌다.
각 곡의 제목과 그에 대한 설명은 다음과 같다.
1. 비셰흐라트 Vysehrad
프라하로 흐르는 몰다우 강변에 우뚝 선 체코의 옛 성 이름을 따 지은 곡이다.
두 대의 하프가 네 개의 음으로 된 특징적인 음형을 연주하면서 시작하는데 이 음형은
비셰흐라트를 상징하며 이후 전곡에 걸쳐 여러 형태로 되풀이된다.
이 주제는 스메타나의 오페라 '리부셰'와 밀접한 연관을 지니고 있으며 이 오페라가 국민들에게
빛나는 미래를 예언했던 체코의 왕녀 리부셰의 이야기를 다룬 것이라는 점과 그녀의 거성이
바로 비셰흐라트였다는 점을 생각해 보면 결국 비셰흐라트의 주제는 성 자체뿐만 아니라 체코
민족 그리고 조국의 자유와 영광에 대한 작곡가의 염원 모두를 함축하고 있다고 볼 수 있다.
작곡가 자신은 이 곡에 대해 '조국의 영광이 기억에서 사라지게 되면 시인은 조국의 여름에
보이는 찬란한 광경, 전쟁, 마지막으로 조국의 몰락을 노래한다'고 말했다고 하며 이 말은 곡의
광대하면서도 신비로운 시작과 영웅적인 클라이맥스, 차분한 결말로 이어지는 구성에 그대로
들어맞고 있다.
1874년 9~11월에 작곡되어 1875년 3월에 초연되었으며 처음부터 반응이 좋아 자주 연주되었다.
2. 몰다우 Vltava
몰다우는 프라하 시내로 흘러드는 강 이름으로 체코어로는 '블타바'로 부른다.
사실 '몰다우'는 독일어 지명이기 때문에 오스트리아 치하의 체코에서 이 곡을 작곡했던
스메타나에게는 불쾌한 이름일 수도 있다.
그러나 역설적이게도 이 곡은 전체 여섯 곡 가운데서도 독일-오스트리아 교향시 전통의 영향을
가장 강하게 보여주는 작품이기도 하다.
몰다우는 남부 보헤미아의 작은 샘에서 발원해(곡 첫머리의 플루트 악구) 다른 냇물(클라리넷)과
합치면서 어엿한 강으로 불어나 도도하게 흘러간다(이를 묘사하는 현의 유려한 선율은 그 자체로
몰다우 전체를 상징한다).
이 강은 사냥이 한창 벌어지고 있는 숲(사냥 나팔을 묘사한 호른 악구)과 혼례가 벌어지고 있는
시골 들판(폴카 리듬을 지닌 흥겨운 악구)을 지나 흘러가며 밤이 되면 체코 전설에 나오는 물의
요정들이 강변에서 달빛을 받으며 춤을 춘다.
이 대목은 현과 하프를 중심으로 한 신비로운 악구로 묘사된다.
악상은 이윽고 성 요한의 급류에 도달해 격하게 휘몰아치고 몰다우의 주제가 다시 의기양양하게
연주된 다음 비셰흐라트의 주제가 장엄하게 울리는 가운데 힘차게 끝을 맺는다.
1874년 11~12년에 작곡되어 1880년 4월에 초연된 이 곡은 처음에는 '비셰흐라트'만큼 반응이
좋지는 않았으나 곧 인기를 끌기 시작해 이제는 전곡 가운데 가장 유명하고 단독으로도 자주
연주되는 곡이 되었다.
3. 샤르카 Sarka
이제 이야기는 전설의 세계로 옮아간다.
연인에게서 버림받았기에 세상의 모든 남성에게 복수하기로 다짐하고 다른 여전사들과 함께 숲에
숨어든 샤르카의 이야기를 다룬 이 작품은 격렬한 첫머리에 이어 남자 전사들의 도착을 알리는
악구로 넘어간다.
나무에 묶인 샤르카를 발견한 남자들은 이것이 계략인 줄 모르고 그녀를 풀어준다.
샤르카와 다른 여인들에게서 감사를 받으며 대접을 받은 남자들은 술에 섞인 약 때문에 곧 곯아
떨어지고 샤르카가 나팔을 불자 여인들은 남자들을 무참하게 베어버리고 만다.
이 곡은 1877년 5월에 초연되었다.
4. 보헤미아의 숲과 초원에서 Zoesky luhu a haju
피비린내 나는 복수와 살육의 이야기는 보헤미아의 광활하고 아름다운 풍경에 의해 정화된다.
큰 스케일로 굽이치는 첫머리 악구는 드넓게 펼쳐진 체코의 숲과 평원을 바라볼 때의 인상을
표현하고 있으며 이어 새의 노래와 바람에 부드럽게 흔들리는 나무가 멀리서 울리는 자연 자체를
상징하는 호른의 고적하고도 풍부한 음향과 뒤섞인다.
폴카 리듬의 민속적인 악구를 거친 다음 모든 주제가 한데 어우러져 밝고 명랑하게 마무리된다.
초연은 1876년 2월에 이루어졌다.
5. 타보르 Tabor
이 곡과 다음 곡은 음악적인 면에서나 주제 면에서나 서로 밀접하게 연관되어 있다.
타보르는 보헤미아 남부의 도시로 후스 교파(루터의 종교개혁 이전에 가톨릭 교회를 변혁하고자
했던 얀 후스의 추종자들)가 본거지로 삼았던 곳이다.
이 곡의 주축을 이루는 악상은 후스 교파의 성가 '너희 주님의 전사들아'에서 따온 것으로 이
굳세고 힘찬 선율은 여러 체코 작곡가의 작품에서 조국의 정체성의 상징으로 그리고 정치적,
사상적 압박에 대한 저항의 상징으로 자주 등장하고 있다.
음악은 전쟁 전의 긴장감에서 시작해 전투와 승리, 흥망성쇠를 그려내는 가운데 후스 교파의
신앙심과 위엄도 함께 묘사하고 있다.
곡 말미에 성가 주제가 완전한 형태로 당당하게 제시되기는 하지만 결말 자체는 불확실하게 열린
형태로 남는다.
6. 블라니크 Blanik
'타보르'의 마지막 대목이 제기하는 모호한 의문은 '블라니크'의 힘찬 첫머리에서 해소된다.
후스 교파의 전사들은 결정적인 패배를 겪은 뒤 블라니크의 산중에 숨어들어 보헤미아에 다시
영광을 가져오기 위해 부름을 받을 마지막 날까지 잠든 채 누워 있다.
'타보르'에 등장했던 성가 주제가 여기서 다시 되풀이되면서 전사들의 질주를 묘사한 뒤
감동적인 간주 악구로 이어진다.
세월이 흘러 양치기가 피리를 불 때 산중에 누운 전사들의 탄식이 멀리서 메아리처럼 울리고
이윽고 악상은 다시 힘을 얻어 비셰흐라트의 주제와 후스 교파의 성가 주제가 어우러지면서
힘차게 끝을 맺는다.
이 곡은 1880년 1월에 초연되었다.
'프라하의 봄' 음악제는 매년 스메타나의 기일인 5월 12일에 열리며 개막곡은 언제나 '나의
조국'으로 정해져 있다.
이 음악제는 창설자가 어쩔 수 없이 조국을 등진 뒤에도 변함없이 남아 체코 현대사의 영욕을
고스란히 함께했다.
아마도 쿠벨릭은 처음 음악제의 이름을 지었을 때 그 이름이 자신이 의도했던 차원을 넘어선
의미를 지니게 되리라고는 예상치 못했을 것이다.
지금은 '프라하의 봄'이라는 말이 대개는 음악제보다도 소련이 투입한 바르샤바 동맹군의 20만
병력에 무참히 짓밟힌 1968년의 민주화 시도를 가리키는 의미로 사용되니 말이다.
그리고 쿠벨릭은 그로부터 20년의 세월이 지난 뒤에야 마침내 실현된 그리고 앞으로 사라지지
않을 '프라하의 봄'을 맞이한 조국에 되돌아와 압제에 대한 저항의 상징이었던 '나의 조국'을
지휘했다.
그 자리에 참석한 모든 이에게 그 음악이 지니는 메시지는 명백한 것이었으리라.
아마도 체코 사람들은 해마다 5월이 오면 프라하를 뒤덮은 아름다운 신록 속에서 '나의 조국'을
들으면서 이와 같은 자각을 새삼 되새겨갈 것이다.
■ 추천음반
본문에서 언급한 쿠벨릭의 1990년 '프라하의 봄'개막 공연 실황은 음반(Supraphon)으로도 나와
있지만 DVD(Denon)으로 보는 편이 공연의 감동을 제대로 느끼기에 더 좋다.
이 곡이 체코인들에게 과연 어떤 의미를 지니는가를 알려면 반드시 보아야 할 영상물이다.
쿠벨릭이 평생에 걸쳐 남긴 많은 녹음 가운데 음악적으로 가장 뛰어난 것으로는 바이에른 방송
교향악단과의 1984년 녹음(Orfeo)을 꼽을 수 있다.
같은 체코 지휘자인 바츨라프 노이만은 쿠벨릭에 비해 다소 절제된 해석을 들려주며 라이프치히
게반트하우스 오케스트라와의 1968년 녹음(Teldec/Berlin Classics)과 체코 필하모닉과의
1975년 녹음(Supraphon) 모두 뛰어나다.
체코 밖의 지휘자 가운데서는 단정하고 명쾌한 해석이 돋보이는 안토니 비트/폴란드 국립
교향악단의 1993~94년 녹음(Naxos)이 특히 돋보인다.
제임스 레바인 (James Levine, 1943. 6. 23 ~ )
미국의 신시네티에서 태어났으며 피아니스트로서도 높이 평가되고 있다.
10세 때 신시내티 교향악단과 멘델스존의 '피아노 협주곡'을 협연하여 피아니스트로서 데뷔하였다.
부친은 래리 리라는 예명으로 1930년대에 댄스 밴드의 리더로서 활약한 바이올리니스트였고
모친인 헬렌 골드슈타인 레바인은 브로드웨이의 여배우였다.
뉴욕의 줄리어드 음악원에 들어가기 전에 라살 4중주단의 리더인 월터 레빈에게 악곡분석과 악식을
배웠다.
줄리어드 음악원에서는 로지와 레빈에게 피아노를, 장 모렐에게 지휘를 배웠다.
그 후에 레바인은 루돌프 제르킨, 알프레드 월렌스타인, 막스 루돌프, 파우스토 클레바에게도
배웠다.
1964년 조지 셀의 초청으로 클리블랜드 관현악단의 부지휘자로 6년 동안 활동했다.
레바인은 엄격주의자인 조지 셀에게 큰 영향을 받았고 엄격주의자라는 점에서는 누구에게도 뒤지지
않는 아르투로 토스카니니를 존경하고 있다.
그런데 그는 셀과 토스카니니의 음악과는 다른 유연하고 부드러운 음악을 만들어 낸다. 이러한
점에서 제임스 레바인이라는 천재의 숨은 비밀을 풀 수 있는 열쇠가 있는지도 모른다.
레바인은 클리블랜드 관현악단의 부지휘자의 지위를 사임할 때쯤 이를 계기로하여 시카고,
로스앤젤레스, 필라델피아, 애틀랜타, 피츠버그, 덴버, 토론토, 세인트루이스, 댈러스 등 여러
도시의 오케스트라의 지휘대에 섰다.
뉴욕 필하모닉은 1972년 3월 17일, 보스턴 교향악단은 1972년 여름 탱글우드에서의 버크셔 음악제
기간 중에 지휘하였다.
런던에서의 데뷔는 1973년 6월 뉴 필하모니아 관현악단을 지휘함으로써 이루어졌다.
이에 앞선 1971년 6월 5일 메트로폴리탄 오페라 극장에서 푸치니의 오페라 '라 토스카'를 지휘했다.
그 해 라파엘 쿠벨리크가 메트로폴리탄 오페라 극장의 음악 감독으로 취임하였는데 쿠벨리크는
그의 '오른팔'로서 활약해 주는 지휘자로 레바인을 선정하였다.
그 후 1973년부터 1974년까지 메트로폴리탄 오페라 극장의 수석 지휘자를 맡았으며 1975년부터
1988년까지 음악 감독으로 정력적인 활동을 펼쳤다.
레바인에 대한 구미의 음악 비평가들이 쓴 문장에는 반드시 라고 할 수 있을 만 큼 'versatile
musician'이라는 말이 나오고 있는데 versatile에는 '다재 다능한, 다 방면의'라는 의미가 있다.
현대 지휘자의 대부분은 취급하는 작품에 대하여 지나치다 할 정도로 매우 조심스러운데 레바인은
예외적 존재인 것이다.
오페라나 심포닉 레퍼토리에서도 다방면의 많은 작품을 취급하고 있는데 그 연주마다 좋은 성과를
올리고 있다.
그래서 레바인에게는 연주가로서의 독자적인 강한 개성을 엿 볼 수가 있다.
레코딩 레퍼토리에 대해서도 같은 면을 볼 수 있는데 말러의 심포니를 정교하면서도 유연한
부드러운 연주로 수록한 음반이 있는가 하면 한편에서는 스코트조플린의 래그타임 뮤직을 즐겁게
피아노로 연주한 음반도 있다.
레바인의 이런 면모는 그야말로 versatile이라고 할 수 밖에 없다. 그러나 레바인은 무엇이든지
해내는 만능가는 아니다.
여러 가지 성격의 작품을 취급하면서도 두터운 얼음의 가장 밑바닥에는 언제나 도도히 흐르고 있는
물줄기가 있는 것처럼 레바인이 아니고서는 볼 수 없는 그만의 독특한 음악 혼이 통하고 있다.
그의 레코드는 어느 것 하나 소홀히 할 수 없는 수준 높은 것인데 그 대표적인 것으로는 필라델피아
관현악단을 지휘한 말러의 '교향곡 제5번'(RCA)을 들 수 있다.
2. Joseph Joachim Raff, Symphony Nr.5 'Lenore', Op.177 In E Major
Hans Stadlmair(cond), Bamberger Symphoniker
I. Allegro
II. Andante quasi Larghetto
III. Marsch-Tempo
IV. Introduction und Ballade
요제프 요하임 라프 (Joseph Joachim Raff, 1822. 5. 27 ~ 1882. 6. 24)
요제프 요하임 라프는 스위스 태생이며 리스트 문하에서 활동했던 작곡가이자 음악
교육자였다.
라프는 꽤나 많은 작품을 남겨놓고 있으나 사실 오늘날 그의 이름을 기억하게 해주는
작품은 실내악 소품 모음집에서 찾아볼 수 있는 '카바티나' 한 곡 정도일 것이다.
라프는 리스트 문하에서 활동했으며 리스트의 관현악 작품 작업을 돕기도 했으니 그의
오케스트레이션 기술은 의심의 여지가 없을 것이고 그러한 점에서 그의 교향곡과 관현악
작품은 지금껏 접해보지 못했던 미지의 세계로서 충분히 탐구의 대상이 될 만하다.
라프의 교향곡에 대해서 살펴보면 무려 11곡이나 작곡했음을 알 수 있는데 5번은 1873년에
발표된 작품이다.
베를리오즈의 환상교향곡처럼 문학 텍스트를 기반으로 하는 작품인데 작곡가는 4악장
구성의 작품을 1·2악장, 3악장, 4악장의 세 덩어리로 나누어 3부로 구성해놓았다.
왠지 말러의 '5번 교향곡'의 구성이 떠오르기도 하는데 막상 듣고 보면 왜 라프의 교향곡이
잊히고 말았는지에 대한 해답을 깨닫게 된다.
정밀한 오케스트레이션이 라프의 장인적인 솜씨를 말해주고는 있으나 1873년이라는 작곡
년도와 리스트의 문하에서 활동했다는 그의 경력을 감안하면 너무 온건한스타일이 아닌가
싶다.
구성은 베를리오즈의 환상교향곡을 연상시키지만 그보다는 훨씬 얌전한 작품 스타일은 분명
아쉬운 점이며 이는 관현악 모음곡의 경우도 크게 다르지 않다.
3. Chopin, Piano Concerto No.2 in F minor Op.21
Clara Haskil(pf) / Rafael Kubelik(Conductor), Orchestre de la Societe des Concerts
I. Maestoso
II. Larghetto
III. Allegro vivace
※ Recorded 1960. 1. 31 (Mono)
♣ 쇼팽 피아노 협주곡 2번 F 단조 Op.21
스무 살의 쇼팽이 살던 폴란드 바르샤바는 독립을 위한 민중 봉기가 일어나기 직전이었다.
혼란스러움을 벗어나고자 조국을 떠나기로 결심한 그는 가족과 마지막 휴가를 보낸 뒤
1830년 10월 11일 폴란드에서 마지막 연주회를 열었고 바로 이 자리에서 '피아노 협주곡
1번' e단조를 초연했다.
환송식이 열린 자리에서 폴란드의 흙이 담긴 은잔이 그에게 수여되었다.
11월 2일, 쇼팽은 “죽기 위해 떠나는 것 같은 기분이다”라는 느낌을 뒤로 한 채 다시는
밟아보지 못할 폴란드의 땅에게 영원한 작별을 고한다.
1829년 8월 빈에서 성공적인 연주회를 마치고 바르샤바로 돌아온 쇼팽은 피아노 협주곡을
작곡하기 시작했다.
바르샤바 음악원 졸업과 빈에서의 성공은 쇼팽이 본격적으로 피아니스트이자 작곡가로서의
미래를 계획하고자 하는 계기가 되었고 이에 자신을 알리기 위한 수단으로 피아노
협주곡을 작곡하지 않을 수 없었다.
이 무렵 열 아홉 살의 쇼팽은 처음으로 여인에게 사랑의 감정을 느끼게 된다.
쇼팽의 일방적인 짝사랑으로 끝이 났지만 처음 느끼는 강렬한 기분과 뜨거운 가슴이 고스란히
음악으로 녹아들어 바르샤바 시대의 절정을 장식하는 두 개의 피아노 협주곡이 탄생할 수
있었던 것이다.
그의 친한 친구인 티투스 보이체코프스키(Tytus Woyciechowski)에게 1829년 10월 3일에 쓴
편지에 '피아노 협주곡 2번'에 대한 내용이 적혀있다.
“나는 내가 진심으로 숭배할 수 있는 이상형을 찾았다네. 매일 밤 그녀 꿈을 꿀 정도야.
그러나 그녀를 처음 본 지 6개월이 지나도록 나는 한 마디 말도 건네지 못하고 있네.
협주곡 f단조의 느린 악장을 작곡하면서 그녀를 떠올리곤 하지.”
그 상대는 폴란드 음악원의 학생이었던 성악가 콘스탄치아 글라드코프스카(Konstancja
Gladkowska)였다.
그녀는 자신을 짝사랑한 쇼팽의 마음을 눈치채지 못했고 쇼팽이 세상을 뜨고 난 뒤 모리츠
카라소프스키가 쓴 쇼팽 전기를 접하고서야 비로소 진실을 알게 되었다고 한다.
곧 잊어버리게 된 이 풋사랑에 대한 감정이 '피아노 협주곡 2번' f단조의 라르게토 악장과
'피아노 협주곡 1번' e단조의 로망스 악장에 충분히 표현되어 있음을 쇼팽 생전에 알고
있었던 사람은 오직 친구 티투스 보이체호프스키뿐이었다.
그의 소심한 마음 때문인지 이 '2번 협주곡'은 글라드코프스카에게 헌정되지 않고, 몇 해
뒤 파리 시절 친교를 맺은 미모의 백작 부인 델핀 포토카에게 헌정되었다는 아이러니한
사연을 가지고 있다.
아름다움에 대한 새로운 차원을 제시한 쇼팽의 피아노 협주곡은 낭만주의 협주곡 양식의
새로운 전기를 마련한 작품으로 평가받았음에도 불구하고, 피아노와 오케스트라 사이의
불균형이 단점으로 오랫동안 지적받아 왔다.
쇼팽 스스로도 오케스트라 반주 없이 솔로 파트만 연주했던 것을 미루어본다면 그가
오케스트라 부분을 그다지 중요하게 생각하지 않았음을 알 수 있다.
파리 시절에도 주위에서 폴란드 고유의 양식을 대변할 만한 오페라를 작곡하라고
부추겼지만 자신의 미숙한 관현악 기법을 알고 있었던 쇼팽은 솔로 피아노를 위한 작품에
더욱 집착했다.
그러나 이를 안타깝게 여겼던 많은 작곡가들이 그 관현악 파트를 보강하고자 했다.
그 대표적인 개정판으로 쇼팽의 친구이자 후원자였던 리스트의 제자 칼 타우지히가 교정한
'1번 협주곡'과 카를 클린트보르트(Karl Klindworth)의 '2번 협주곡'을 꼽을 수 있다.
쇼팽은 피아니스트로서 단 30여 회의 대중 연주회를 가졌다. 이 가운데 절반 정도는 협주곡을
연주했는데 특히 1번을 자주 연주했다.
1830년 11월 폴란드를 떠난 그는 빈, 브레슬라우, 뮌헨, 파리를 경유하며 개최한 연주회에서
'1번 협주곡'을 연주했지만 그 이전에 작곡한 '2번 협주곡'만큼 뜨거운 반응을 얻지는
못했다고 한다.
1832년 2월에 가진 정식 파리 데뷔 연주회에서야 비로소 '1번 협주곡'은 그가 기대했던 수준의
찬사를 이끌어내게 되었다.
이후 성공적인 평가를 받은 '1번 협주곡'은 파리에서의 쇼팽의 위상을 확고하게 하는데 큰
기여를 하게 된다.
'2번 협주곡'은 1830년 3월 17일 바르샤바 국립극장에서 초연되었는데 이 공연은 쇼팽의
바르샤바 정식 데뷔 무대이기도 했다.
당시 관습에 따라 1악장 연주를 마치고 난 뒤 호른과 현악기를 위한 즉흥곡을 한 곡 연주하고
2, 3악장을 연주했다.
초연 당시의 여러 신문들은 이 협주곡의 아름다운 멜로디와 쇼팽의 뛰어난 연주에 대해
아낌없는 찬사를 보냈다.
특히 당시 비평 중에 오케스트라 튜티 부분이 피아노와 잘 어우러지며 협주곡의 정신을
완벽하게 전달했다는 비평이 이채롭다.
현재 작품번호는 제1번 e단조가 Op.11로 앞서 있지만 사실은 제2번 f단조 Op.21이 한 해 먼저
작곡되었다.
이렇게 작곡 순서와 출판번호가 뒤바뀐 이유는 쇼팽이 먼저 작곡한 2번에 비해 나중에 쓴 1번을
더 만족스러워했기 때문에 이를 먼저 출판했던 것으로 추측된다.
■ 추천음반
가장 고전적 명반이자 건강한 생명력이 돋보이는 루빈스타인의 녹음(RCA)은 자의적이거나
도취적인 스타일을 배재하고 폴란드 고유 정서와 때묻지 않은 순수함을 강조한 연주다.
상송 프랑수아의 연주(EMI)는 즉흥성 넘치고 자유분방한 스타일이 감각적으로 다가오는
해석이며, 마르타 아르헤리치가 지휘자 뒤투아와 함께 한 연주(EMI) 또한 쇼팽의 찬연한
아름다움과 서정성을 잘 살려낸 명연이다.
침메르만의 두 번째 녹음(DG)은 작품에 대한 가장 완벽주의적이면서도 폴란드적인 해석의
표본으로 쇼팽 해석에 대한 새로운 정의라고 말할 수 있다.
클라라 하스킬 (Clara Haskil, 1895. 1. 7 ~ 1960. 12. 7)
루마니아의 부카레스트에서 태어난 여류 피아니스트로서 어릴 때부터 빈으로 이주하여 리햐르트
로베르트이 가르침을 받고 7세때 데뷔했다.
그 뒤 파리 음악원에 입학하여 포레와 코르토에게 사사하고 1910년에 1등상으로 졸업했다.
그 뒤 개인적으로 부조니의 가르침을 받아 젊은 나이로 대 바이올리니스트인 이자이의 반주자로
기용되고 또 루마니아의 선배인 바이올리니스트 에네스코와도 자주 협연했으며 카잘스의 반주도
여러 번 맡았다.
만년에는 아들만큼이나 나이가 어린 바이올리니스트 아르투르 그뤼미오와의 소나타 연주는 유럽
악계의 명물로서 높이 평가되었다.
단 하나밖에 없는 동생과 스위스의 부베이에 살며 병마에 시달리면서 활동을 계속했으나 65세로
조용히 세상을 떠났다.
하스킬은 청초하고 아름다운 터치를 가졌으며 또 얌전한 연주 스타일로 인해 모짜르트의
스페셜리스트로서 존경 받았다.
그러나 결코 그것에만 그치는 피아니스트가 아니며 레코드에서도 쇼팽의 협주곡 제 2번이나
마누엘 데 파야 의 '스페인의 정원의 밤'이라는 명반을 남기고 있다.
특히 섬세한 감각의 자연스런 음악이 매력적이다.
쇼팽이나 베토벤의 스페셜리스트라고 일컬어지는 피아니스트는 그리 진기하지 않지만 모차르트의
스페셜리스트는 드물다.
물론 헤블러라든가 피리스 등을 모차르트 주자로서 꼽을 수는 있지만 모차르트 특유의 빛과 그늘,
멸망의 미학이라고도 할 만한 감각을 완벽하게 실현한 피아니스트라면 역시 하스킬을 꼽지 않을
수 없다.
그녀의 모차르트는 생명력 넘치는 싱그러운 감각과 자유로운 악상의 비상이 특징이며 더구나
들을수록 작품이 지닌 내적 세계로 끌려 들어가는 마력을 지녔다.
4. Elgar, Violin Concerto in B minor, Op.61
Kyung Wha Chung(Vn) / Georg Solti(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro molto - Cadenza - Allegro molto
♣ 엘가 바이올린 협주곡 B Minoe, Op.61
1910년 작곡된 엘가의 바이올린 협주곡은 작곡가의 복잡하고 신비스러운 성격이 잘 드러나 있는
몇 안 되는 작품 중 하나다.
이 곡은 단호하고 퉁명스럽게 시작하여 환희에 찬 희망의 폭발적 발산으로 끝맺는다.
반면에 다른 부분에서는 내성적인 애수와 아름다우면서도 가슴 아픈 향수가 배어 있고 느린
악장의 마지막 부분에서는 강한 회한의 감정이 가미된 애욕적인 부드러움이 느껴진다.
여러 면에서 작곡가 내면의 목소리를 담고 있는 이 작품은 음악적 '고백'에 가깝다.
이 작품은 바이올린 기교가에게는 기교를 보여줄 수 있는 기회의 장인 동시에 브람스 이후 가장
표현력 있고 설득력 있는 관현악 협주곡으로 꼽힌다.
피날레에 등장하는 카덴차에서 반주 부분의 현악부는 곳곳에서 기타와도 같이 줄을 퉁기며
반주하는데, 여기서는 엘가의 탁월한 시적 영감을 충분히 느낄 수 있다.
엘가는 자기불신에 시달렸던 인물이었지만 이 부분만큼은 매우 자랑스러워 했다.
엘가의 작품중에 가장 긴 연주 시간을 요구하는 바이올린 협주곡 B단조는 낭만주의 시대의
바이올린 협주곡에서 영국이 만들어낸 가장 위대한 곡으로 평가되고 있다.
이 곡이 태어난 동기가 된 것은 1909년 런던 필하모니 협회가 당시 최고의 인기를 끌고 있던
엘가에게 바이올린 협주곡의 작곡을 의뢰하면서부터였다.
엘가 자신은 바이올리니스트였으나 기술적 조언을 얻기 위해 런던 심포니 오케스트라의 수석
바이올리니스트였던 리드를 방문하곤 했다.
클라이슬러도 영향력있는 조언을 해주기도 했다.
이 곡은 후에 클라이슬러에게 헌정되었으며, 그의 연주로 1910냔 11월에 초연되었다.
엘가는 이 곡의 친필 악보에 "여기에는 열정이 담겨있는데..."라는 뜻의 그를 스페인어로
남겼다고 하는데 여기서 열정이라함은 엘가가 아네모네라고 부르던 여자친구 알리스였다고 한다.
■ 추천 음반
- 나이젤 케네디, 사이먼 래틀 버밍햄 심포니(EMI)
- 예후디 메누힌, 런던 심포니(EMI)
- 강동석, 에이드리언 리퍼 폴란드 국립교향악단
정경화 (1948. 3. 26 ~ )
음악가정에서 태어난 정경화는 뉴욕 줄리어드 음악원에서 전설적인 스승 이반 갈리미언을 사사한
이후 예술과 문학의 세계로 이끌어 준 조셉 시게티에게서 지도를 받았다.
1967년 정경화는 리벤트리트 콩쿨에서 우승함으로 국제적인 명성을 쌓아가는데 70년 런던에서
자신의 유럽 데뷔 무대를 가진 이후, 앙드레 프레빈, 게오르그 솔티, 리카르도 무티, 다니엘
바렌보임과 같은 최고의 지휘자들이 이끄는 정상급 오케스트라들과 세계적인 콘서트 무대들에서
연주회를 가졌다.
정경화는 1988년 EMI와 전속계약을 맺은후 Deca, RCA 도이치 그라모폰 등과의 30개의 레코딩들
가운데 크리스티안 짐머만과 녹음한 슈트라우스와 레스피기 바이올린 소나타 음반과 사이먼 래틀
지휘로 녹음한 바르톡 바이올린 협주곡 2번과 랩소디는 그라모폰 상을 수상하기도 했다.
지난 95년 '아시아위크'가 뽑은 '위대한 아시아인 20인' 가운데 클래식 연주자로 유일하게
선정됐던 정경화는 영국 선데이 타임스 선정 '최근 20년간 가장 위대한 기악 연주자'에 오르기도
했다.
현재 이화여대 석좌교수로 근무하고 있다.
5. Brahms, Serenade in D majeur Op.11
Czech Nonet
I. Allegro molto
II. Scherzo. Allegro non troppo
III. Adagio non troppo
IV. Minuettos I & II
V. Scherzo. Allegro
VI. Rondo. Allegro
♣ 브람스 세레나데 Op.11
브람스가 21 ~ 25세이던 무렵인 1854 ~ 1858년 리페 데트몰트 대공의 궁정악장이었을 때의
작품이다.
청춘의 발랄한 기쁨과 싱싱한 숨결을 브람스다운 세련된 수법으로 나타내며 악곡을 구성하고
있다.
제1악장 알레그로 몰토
깊은 숲 속에서 울리는 사냥 나팔로 서주가 시작된다.
제2악장 스케르초-알레그로 논 트로포
서정적 악상이 사랑을 이야기하는 것처럼 불려진다.
제3악장 아다지오 논 트로포
제1악장과 대조가 되는 긴 악장으로, 로맨틱하고 아름답고 감미로운 감정이 넘친다.
제4악장 미뉴에토-모데라토
독일 무곡풍의 메누엣이다.
제5악장 스케르초-알레그로
베토벤의 작품을 연상케 한다.
제6악장 론도-알레그로
심한 감정의 기복이 있다.
6. Schumann, Fantasiestuecke, Op.73
Jacqueline du Pre(Vc) / Gerald Moore(Pf)
I. Zart und mit Ausdruck
II. Lebhaft, Leicht - (Coda) Nach und Nach Ruhiger
III. Rasch und mit Feuer - (Coda) Schneller
♣ 슈만 환상 소곡집, Op.73
슈만은 원래 클라리넷을 위한 환상 소곡집을 세 개 작곡했다. 그러나 첼로나 비올라나
바이올린으로 연주하는 것도 좋아했다.
광시곡의 생기 넘치는 분위기는 클라리넷으로 연주하면 투명하고 서정적으로 들리고 첼로로
연주하면 무게감과 깊이가 느껴진다.
이 세 작품들은 제목이 따로 없지만 저마다의 속도와 표현법을 통해 초조하고 흥분되고
감정적인 세상을 묘사하고 있다.
'섬세하게 감정을 담아'라는 주문이 적혀 있는 첫 번째 작품은 우아하고 개방적인 멜로디로
시작해서 반음계의 독특하고 기묘한 선율로 바뀐다.
'경쾌하고 가볍게' 연주해야 하는 두 번째는 우아한 아라베스크로 시작한다. 그러다가 마치
즐거운 게임을 하듯이 장난스러운 셋잇단음표가 나온다.
이 부분을 첼로로 연주한다면 특히 조절을 잘해야 한다. 섬세한 보잉과 빼어나고 힘들이지
않는 자연스러운 악절의 회음이 필요하다.
세 번째는 '맹렬하게 열정적으로' 연주해야 하는데 16음으로 이루어진 폭풍우 속으로 음이
분출하는 것 같다.
그리고 어느새 전시 나팔 소리처럼 폭발한다.
단조의 중간 부분으로 갈수록 긴장은 고조되고 풍부한 화성이 연속되다가 폭발적인 오프닝
주제가 다시 나온다.
이 소품들은 화음이 무척 풍부하고 분위기가 쉴 새 없이 바뀌기 때문에 어떤 악기로 연주하더라도
매번 신선하다.
뛰어난 연주자들이라도 슈만의 피아노곡이 가진 섬세함은 차분히 풀어나가야 한다.
스티븐 이설리스와 크리스토프 에센바흐는 자연스러운 시적 표현이 가장 뛰어나다.
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도 불구하고
연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
7. Beethoven, Piano Trio No.3 in C minor, Op.1, No.3
Andreas Staier(Pf) / Daniel Sepec(Vn) / Jean-Guihen Queyras(Vc)
I. Allegro con Brio
II. Andante Cantabile con Variazioni
III. Menuetto - Quasi Allegro & Trio
IV. Finale - Prestissimo
8. Goran Sollscher - Works for Guitar
John Dowland (1562 - 1626)
1) Prelude
2) A Fancy
3) Sir John Langton's Pavan
4) The King of Denmark's Galliard
5) A Fancy
6) The Right Honourable The Lady Clifton's Spirit
7) Can She Excuse
Fernando Sor (1778 - 1839)
1) Morceau de concert op.54
2) Sonata in C major op.15
Agustin Barrios (1885 - 1944)
1) La catedral. Preludio. Lento
2) La catedral. Andante solemne
3) La catedral. Allegretto
4) Valse No.3
Manuel Ponce (1882 - 1948)
1) Sonatina meridional. Campo. Allegretto
2) Sonatina meridional. Copla. Andante
3) Sonatina meridional. Fiesta. Allegro con brio
9. Diana Yukawa - Elegy
1) Tempo di Menuetto (in the style of Gaetano Pugnani) - Kreisler
2) Dancing Doll (Poupee valsante) - Poldini (arr. Kreisler)
3) La capricciosa - Reis
4) Salut d'amour - Elgar
5) Two Mazurkas Op.19 - Obertass - Wieniawski
6) Two Mazurkas Op.19 - Dudziarz - Wieniawski
7) Meditation (from "Thais") - Massenet
8) Frasquita (Serenade) - Lehar (arr. Kreisler)
9) Melodie - Gluck (arr. Kreisler)
10) Zigeunerweisen - Sarasate
11) Dream - Hikari Oe
12) Air on a G String - Bach (arr. Wilhelmj)
13) Serenade espagnole - Glazunov (arr. Kreisler)
14) Polichinelle Serenade - Kreisler
15) Liebesleid - Kreisler
16) La campanella (from Violin Concerto No.2) - Paganini (arr. Kreisler)
17) Sukiyaki Song - Hachidai Nakamura (arr. Kaori Yonekura)
18) Elegy - Shoichi Makino (arr. Kaori Yonekura)
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