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1. Rimsky-Korsakov, Scheherazade, Symphonic Suite Op.35
Andre Previn(cond), London Symphony Orchestra
I. The Sea and Sinbad's Ship
II. The Story of the Kalender Prince
III. The Young Prince and the Young Princess
IV. Festival at Baghdad; The Sea; The Ship goes to Pieces
♣ 림스키-코르사코프 세헤라자데
니콜라이 림스키-코르사코프는 이른바 '러시아 5인조' 작곡가 가운데 가장 기술적으로 높은
수준에 이르렀으며 특히 빼어난 관현악법은 차이콥스키를 비롯한 음악가들의 찬탄을 받았다.
그 가운데서도 '세헤라자데'는 '스페인 기상곡' 및 '러시아 부활제 서곡'과 더불어 이른바
작곡가의 '3대 관현악곡'으로 꼽히는 걸작으로 완숙기에 도달한 그의 관현악법이 실로
찬란한 빛을 발하는 작품이다.
림스키-코르사코프가 이들 작품을 끝으로 더 이상 이렇다 할 관현악곡을 작곡하지 않은 것은
유감스런 일이다.
그러나 이 곡이 많은 이들의 사랑을 받는 것은 단순히 관현악법 때문만은 아니다.
전곡에 걸쳐 짙게 배어 있는 이국적이고도 관능적인 오리엔트 정취와 단순하고도 호소력 짙은
선율미야말로 이 곡을 오늘날의 명성에까지 끌어올린 원동력인 것이다.
물론 이 곡이 누구나 아는 친숙한 이야기에 근거하고 있다는 사실 역시 무시할 수 없는 요인일
것이다.
흔히 '아라비안 나이트' 또는 더 적절하게 '천일야화'(千一夜話)라고 알려진 장대한 설화집이
정확히 언제 누구의 손으로 작성되었는지는 알 수 없다.
워낙 방대한 시공간을 배경으로 하고 있기에 오랜 세월에 걸쳐 아랍 세계 각지의 구전 설화가
모여 완성되었으리라고 추측할 따름이다.
그렇기에 다양한 버전이 존재하고 어떤 이야기가 이 버전에는 있는데 저 버전에는 없는 등의
차이는 있지만 모든 버전을 관통하는 공통점도 있다.
이 모든 이야기가 어느 잔혹한 왕과 지혜로운 여인의 천하룻밤에 걸친 사랑에서 비롯된
것이라는 사실이 바로 그것이다.
샤리아르라는 왕이 있었다.
젊었지만 어질고 지혜로운 왕이었던 그는 어느 날 왕비가 다른 남자와 정을 통하는 장면을
목격하고는 왕비를 죽여 버린다.
이후로 여자를 믿지 못하게 된 왕은 매일 밤마다 처녀를 데려다 동침한 후 이튿날 아침에
죽이는 나날을 반복하게 된다.
이 무렵 한 대신의 딸 세헤라자데가 나라의 앞날을 걱정하는 아버지의 탄식을 듣고 왕의 신부가
되길 자청한다.
그녀는 첫날밤부터 왕에게 이야기를 들려주기 시작하고 왕은 그녀의 이야기 솜씨에 홀려 어느새
천하룻밤을 함께 보내게 된다.
세헤라자데의 마지막 이야기가 끝났을 때 샤리아르 왕은 자신이 그녀를 진심을 사랑하고 있음을
깨닫고 영원히 해로할 것을 다짐한다.
이것이 대강의 줄거리이다.
그러나 림스키-코르사코프의 4악장짜리 대작 교향시를 이해하는 데 이런 이야기를 꼭 알아야
하는 것은 아니다.
어차피 그의 의도는 특정한 줄거리를 음악적으로 전달하는 것이라기보다는 동양적인 분위기
자체로써 듣는 이의 상상력을 자극하는 데 있었으니 말이다.
각 악장의 제목이 다소 애매한 것 역시 이런 의도 때문이었을 것이다.
한편으로는 피겨 스케이팅의 김연아 선수를 통해 이 곡을 알게 된 사람들도 많을 것이다.
김연아 선수가 피겨 스케이팅 배경곡으로 이 작품을 사용했는데 4분 남짓한 음악은 44분에
이르는 '세헤라자데'의 여러 주제를 솜씨좋게 편집한 곡이다.
림스키-코르사코프가 '세헤라자데'를 작곡하기 시작한 것은 1888년 초의 일이었다.
작곡가는 그해 6월 25일에 친구에게 보낸 편지에서 전곡의 초고를 완성했다고 밝히고 있는데
관현악 총보가 완성된 것은 7월 26일이었다.
참고로 말하자면 이 곡과 병행해서 작곡한 '러시아 부활제 서곡'은 8월 20일에 완성되었다.
림스키-코르사코프는 당시에 실로 창작력의 정점에 있었던 셈이다.
작곡가는 이 곡에 착수하게 된 계기에 대해 특별히 밝히고 있지 않으나 원래부터 환상적인
이야기를 좋아하는 성격이었고 또 젊었을 때 해군 장교로서 배를 타고 세계를 돌아다녔던 경험
역시 작곡가에게 이국적인 것에 대한 동경을 불어 넣었으리라고 추측된다.
1악장 - 바다와 신드바드의 배
'라르고 에 마에스토소'(아주 느리고 장중하게)로 지정된 서주에서 두 가지 주제가 등장한다.
맨 첫머리에 제시되는 위압적인 금관 주제는 샤리아르 왕을 템포가 렌토로 바뀌면서 바이올린이
연주하는 처연하고 애소하는 듯한 선율은 세헤라자데를 묘사한 것이다.
이 두 주제는 전곡에 걸쳐 등장한다. 이어지는 주요부를 여는 파도가 넘실거리는 듯한 선율은
별개의 주제처럼 들리지만 실제로는 왕의 주제를 변형한 것이다.
머잖아 신드바드의 주제가 플루트로 조용히 제시되고 다시 독주 바이올린이 세헤라자데의
주제를 화려하게 장식한 형태로 연주한다.
이후에도 왕과 세헤라자데, 신드바드의 주제가 서로 얽히면서 자유롭게 전개되어 나간다.
2악장 - 칼렌다 왕자의 이야기
'칼렌다'는 이슬람의 탁발승을 말하는데 작곡가가 구체적으로 어느 이야기를 지목해 음악화한
것인지는 분명치 않다.
서주에서 독주 바이올린이 세헤라자데의 주제를 연주한 뒤 바순이 탁발승 왕자의 주제를
연주한다.
이 선율을 익살스럽다고 묘사한 글이 많지만 개인적인 느낌을 밝혀도 된다면 차라리 애절하게
들린다. 이 주제가 여러 악기를 거치면서 점차 고조된 뒤 새로운 주제가 금관으로 힘차게
연주된다.
이 주제를 바탕으로 해 중간부가 다채롭게 전개된 뒤 다시 왕자의 주제로 되돌아가 화려하고
박진감 있게 마무리된다.
3악장 - 젊은 왕자와 젊은 공주
현악기의 관능적인 선율이 샤리아르 왕과 세헤라자데의 사랑을 묘사한다. 중간부에서는
작은북의 독특한 리듬을 타고 경쾌한 주제가 클라리넷으로 연주된다.
최초의 주제가 다시 등장하고 왕과 왕비의 주제를 거쳐 다시 중간부 주제가 재등장한 뒤 목관이
세헤라자데의 주제를 귀엽고 익살스럽게 암시하면서 끝난다.
4악장 - 바그다드의 축제-바다-난파-종결
이전 악장들의 여러 주제가 번갈아 가며 등장해 일대 축제를 벌이는 마지막 악장이다.
먼저 왕의 주제가 성급하고 퉁명스럽게 제시된 뒤 이를 무마하듯이 세헤라자데의 주제가
등장한다.
두 주제가 변형된 형태로 한 번씩 더 등장한 다음 악상이 일변해 급박하게 전개되는 리듬을
타고 바그다드의 축제가 펼쳐진다(도중에 탁발승 왕자의 주제도 나온다).
이어 1악장에서의 바다 선율이 더 큰 스케일로 펼쳐진 뒤 배가 난파하고 나면 2악장의 중간부
주제와 3악장 서두 주제(목관으로 연주된다)가 등장한다.
이런 식으로 변화무쌍하게 전개되다 흥분이 가라앉고 나면 독주 바이올린이 세헤라자데의
주제를 약음으로 가녀리게 연주하고 이어 저음현이 왕의 주제를 차분하게 연주한 뒤 양쪽이
어우러지면서 두 남녀의 진정한 결합을 알린다.
연주자들은 이 곡의 연주를 그리 반기지 않는다는 말도 있다.
몇 개의 단순한 주제를 음색만 바꿔 끝없이 되풀이하는 것은 고역이라는 이야기다.
이해할 수 없는 말은 아니나 바로 그렇기에 이 곡이 위대한 것이라고 말할 수도 있다.
천하룻밤에 걸쳐 이어진 왕과 왕비의 이야기만큼이나 면면히 흐르는 아름다운 선율은 듣고
또 들어도 결코 질리지 않는 매력을 지니고 있다.
이렇듯 어느 잔혹한 왕과 아름답고 지혜로운 아가씨의 사랑은 우리에게 세계 문학사상
불멸의 걸작뿐만 아니라 세월을 뛰어넘어 사랑받았고 앞으로도 사랑받을 음악도 남겨
주었다.
■ 추천음반
뛰어난 녹음이 많지만 옛날 녹음 가운데는 두 가지만 소개하고자 한다.
프리츠 라이너의 1960년 녹음(RCA)은 강고한 응집력으로 모든 세부를 철저하게 장악하는
가운데 추진력과 강렬한 대비를 보여준다.
앙드레 프레빈과 런던심포니(JVC)의 화음은 세헤라자데의 분위기를 한껏 고조시키는가하면 이야기
속으로 빠져들게하는 것으로 정평이 나 있다. 또한 XRCD로 발매된 음반의 녹음 상태나 음질이
매우 우수한 것으로 평가되고 있다.
레오폴드 스토코프스키의 1964년 녹음(Decca)은 '색채의 마술사'라는 별명이 붙은 지휘자답게
현란한 색채감을 과시한다.
앙드레 프레빈 (Andreas Ludwig Priwin, 1929. 4. 6 ~ )
베를린에서 태어나 어릴 때부터 피아노에 재능을 보여 베를린 음악원에서 공부했으나 1939년에
집안이 캘리포니아로 이주했다.
그 후에도 작곡을 카스텔누오보-테테스코에게, 지휘를 몽퇴에게 사사했고 파리 음악원에 1년
유학했다.
1945년에 편곡자로서 MGM 영화사에 입사하여 1948년에는 음악감독으로 승격했다.
프레빈은 그 후 30편 이상의 영화에 작곡, 편곡, 지휘를 하여 '지지(Gigi)'(뮤지컬 음악상),
'포기와 베스'(뮤지컬 음악상), '당신만이 오늘 밤에'(편곡상), '마이 페어 레이디'(편곡상)의
4편에서 아카데미상을 수상했다.
한편 셔리 맨이나 레드 미첼 등과 트리오를 편성하여 재즈 피아니스트로서 큰 인기를 얻고 있었다.
그러나 1959년에 클래식의 지휘자로 전향하여 1963년에는 센트루이스 교향악단을 지휘하여
오데사에서 브리튼의'진혼교향곡' 등을 1964년에는 로열 필하모니를 지휘하여 RCA에서 녹음했다.
이러한 작품들이 호평을 받아 1967년에 영국의 연주회에 데뷔하여 1968년 가을에는 이 악단의
수석지휘자로 취임했다.
또한 1967년에는 이미 휴스턴 교향악단의 음악감독이 되어 젊은 세대로부터 환영을 받고 있었는데
1969년에 두번째 처 드리 란든과 별거하고 여배우 미아 패로와의 염문 때문에 휴스턴 악단으로부터
일방적으로 해임되었다.
그 후 그는 미아 패로와 함께 본거지를 런던으로 옮겨 젊은 청중들의 압도적인 지지를 받으면서
런던 교향악단의 수준을 높여 갔다.
그는 1979년 3월을 기하여 런던 교향악단을 사임할 것을 발표하여 이 악단으로부터 명예 지휘자의
칭호를 받았다.
미아 패로와도 이혼한 그의 앞으로의 활동은 1976년부터 음악감독으로 있는 피츠버그 교향악단을
중심으로 하여 행해지게 된다.
프레빈 레퍼터리는 후기낭만파로부터 보수적인 모던 뮤직이 주류를 이루고 있는데 모두가 해석이
명쾌하고 상냥한 아름다움을 자아내어 독특한 서정성을 나타낸다.
프레빈은 두번에 걸쳐 런던 심포니 오케스트라를 이끌고 내한 공연을 가졌는데 1971년에는
정경화와도 협연했고 1975년에는 김영욱, 정명훈과 협연하는 등 우리와는 친숙한 세계적 지휘자이다.
2. Rachmaninov, Symphony No.2 in E minor Op.27
Valery Gergiev(cond), Kirov Orchestra, ST Petersburg
I. Largo／Allegro moderato
II. Allegro molto
III. Adagio
IV. Adagio vivace
♣ 라흐마니노프 교향곡 2번 E 단조 Op.27
세르게이 라흐마니노프는 보통 피아니스트 또는 피아노 음악 작곡가로 기억된다.
물론 그는 20세기의 가장 위대한 피아니스트 가운데 한 사람이었고 후기낭만주의 비르투오소
피아니즘의 연장선상에서 현란한 연주기교가 부각되는 피아노 음악을 다수 남겼다.
오늘날 공연장에서 주로 접하게 되는 그의 작품들을 꼽아보면 이런 이미지는 더욱 굳어진다.
'전주곡', '회화적 연습곡', '피아노 소나타 제2번', '피아노 협주곡 제2번', '피아노 협주곡
제3번', '파가니니 주제에 의한 광시곡' 등 대개 피아노 독주곡 내지는 피아노와 관현악을
위한 협주작품이다.
반면에 라흐마니노프가 관현악 분야에 남긴 대작들은 오랫동안 무시당하거나 폄하되어 왔다.
다소 무모했던 '교향곡 제1번'은 차치하더라도 가장 잘 알려진 '교향곡 제2번'도 과거에는
축약된 형태로 연주되기 일쑤였고 만년의 수작인 '교향곡 제3번'은 아직도 제대로 조명을 받지
못하고 있다.
최근 들어 마지막 대작인 '교향적 춤곡'에 대한 관심이 다소 높아진 것이 그나마 다행이라
하겠다.
사실 라흐마니노프는 연주가이기보다는 작곡가이기를 원했던 인물이었기에 작금의 상황은
부당하다고 해야 할 것이다.
특히 '교향곡 제2번 e단조'는 '작곡가 라흐마니노프'의 포부가 얼마나 원대했는지를 웅변적으로
보여주는 작품이다.
라흐마니노프의 대표작 가운데 하나인 '교향곡 제2번 e단조'는 제1차 러시아 혁명 직후에
작곡되었다.
1906년 봄 귀족이자 지주였던 라흐마니노프는 국내 정세에 불안을 느껴 아내와 어린 딸을
데리고 러시아를 잠시 떠나 있기로 했다.
그래서 처음에는 이탈리아로 갔다가 여름에 독일의 드레스덴으로 거처를 옮겨 그곳에서 3년
동안 지내게 된다.
그런데 한편으로 이주의 또 다른 이유는 작곡할 시간을 충분히 갖는 것이었다. 그 직전까지 그는
성공한 음악가로서 너무도 바쁜 나날을 보냈었다.
1901년에 발표한 재기작 '피아노 협주곡 제2번'이 글린카상을 수상하면서 작곡가로 인정받기는
했지만 그 이전부터 부각된 지휘자로서의 역량은 그를 작곡보다는 연주활동에 얽매이게
만들었다.
그리하여 영광스런 볼쇼이 극장의 지휘자 자리에까지 올라 두 시즌을 성공리에 치러냈으나
정치적인 이유로 퇴임 압력을 받게 되자 그는 결단을 내렸던 것이다.
드레스덴에서 그는 원했던 대로 작곡에 매진하여 실로 풍성한 결실을 거두었다.
'교향곡 제2번'을 필두로 '피아노 소나타 제1번', 걸작 교향시 '망자의 섬', 미국 순회 연주를
위해 준비한 '피아노 협주곡 제3번' 등을 완성했던 것이다.
그 중에서도 '교향곡 제2번'의 의미는 각별했다. 과거 '피아노 협주곡 제2번'이 그랬던 것처럼
현실에서의 불안과 위기를 예술적으로 극복하려는 의지의 표현이었을 뿐만 아니라 그를 작곡
불능 상태에까지 빠지게 만들었던 '교향곡 제1번'의 실패 이후 실로 10여 년 만에 재도전한
교향곡이었기 때문이다.
그리고 이 작품이 그 자신의 지휘로 초연되어 대성공을 거둔 후 다시 한 번 글린카상의 영예를
차지하게 됨으로써 그는 명실상부 차이콥스키의 후계자이자 러시아를 대표하는 교향곡 작곡가의
반열에 올랐던 것이다.
이 교향곡은 라흐마니노프의 예술성이 전성기를 구가하던 무렵의 작품이다.
대하와도 같은 도도한 흐름과 대양과도 같은 광활한 스케일이 유장한 호흡 위에서 폭넓게
펼쳐지는 첫 악장은 그가 품고 있던 작곡가로서의 야망과 상상력이 최고조에 달해 있었음을
증언한다.
관현악의 화려하고 변화무쌍한 색채와 박진감 넘치는 전개가 일품인 스케르초 악장은 그의
뜨거운 열정과 진취성을 표상한다.
또 슬프도록 아름다운 서정성이 흘러 넘치는 완서악장은 그 특유의 애잔하고 감미로운 선율미의
극치를 보여주며 힘찬 행진곡으로 출발하는 종악장은 절묘한 구성미와 눈부신 클라이맥스를
아우르고 있다.
그의 멘토였던 차이콥스키의 교향곡만큼이나 유려하고 애절하며 강렬하지만 그보다는 한결
강인하고 의연하며 무엇보다 긍정적인 전망을 제시한다는 점에서 이 곡은 진정한 '거인의
교향곡'이라 하겠다.
제1악장 : 라르고 - 알레그로 모데라토, e단조, 2/2박자
라르고의 서주로 시작되는 장대한 악장. 특히 서주는 장장 한 시간에 걸친 대하드라마의 초석에
해당하는 중요한 부분이다.
첫머리에서 첼로와 베이스로부터 흘러나오는 모토 주제가 악장 중간 중간에 다시 등장해서
클라이맥스의 구축에 기여할 뿐 아니라 이후의 악장들에도 영향을 미친다.
아울러 주부에 등장하는 주요 주제들도 이 모토와 깊은 관련을 맺고 있다. 이 악장의 흐름은
때론 사색적이고 때론 신비로우며 무엇보다 드라마틱하다.
유장한 호흡 위에서 이러한 면면들이 유유히 번갈아 부각되는 과정을 고도의 집중력과 끈기를
가지고 거시적으로 조망할 때 비로소 이 곡의 진가를 확인할 수 있다.
아울러 종결부에서 새롭게 부각되는 또 하나의 주제도 놓치지 말아야 할 것이다.
제2악장 : 알레그로 몰토, a단조, 2/2박자
앞선 악장에서 누적된 긴장과 피로를 일거에 날려버리는 활기찬 스케르초 악장이다.
현이 새기는 경쾌한 리듬 위에서 호른이 영웅적인 주제를 연주하는가 하면 앞선 악장과 연관된
감성적인 선율이 등장하기도 한다.
또 중간에는 긴박하고 기묘하며 자극적인 트리오가 놓여 있다. 다만 전반적으로 흥미진진한
흐름 속에서도 라흐마니노프 특유의 진지한 표정은 지속되는데 특히 말미에 연주되는 금관에
의한 코랄은 그가 자주 인용했던 '디에스 이레(진노의 날)' 선율과 관련을 맺고 있다.
제3악장 : 아다지오, A장조, 4/4박자
라흐마니노프의 멜로디메이커로서의 재능이 최고조로 발휘된 호사스럽고 감동적인 악장이다.
클라리넷에서부터 마술처럼 흘러나와 면면이 이어져나가는 주제선율은 차이콥스키의 '비창
교향곡'에 등장하는 칸타빌레 주제에 버금갈 만큼 황홀한 매력을 지니고 있다.
혹자는 '설탕과 꿀, 초콜릿으로 뒤범벅된 음악'이라고 불평하기도 했지만 그 감미로운 선율과
절묘한 흐름은 지휘자와 악단이 깊은 감정을 노래하되 과도한 센티멘털리즘에 탐닉하지 않는
한 듣는 이의 가슴에 잊을 수 없는 감흥과 환상을 새겨놓게 된다.
그런데 그 근원은 역시 첫 악장 서주에 나왔던 모토 주제이다. 다시 말해서 이 악장은 그
모토의 완성이라 할 수 있으며 그 원형은 악장의 말미에서 슬며시 모습을 드러낸다.
제4악장 : 알레그로 비바체, E장조, 2/2박자
축전적인 피날레 악장. 활짝 개인 배경 위로 위풍당당한 행진곡 리듬, 금관의 힘찬 팡파르,
현의 서정적인 선율 등이 시원스레 부각되며 발전부에서는 앞선 악장들에서 나왔던 요소들이
다시 모습을 드러낸다.
이 모든 요소들이 한 데 어우러지며 화려한 향연을 펼쳐 보이며 찬란한 클라이맥스에 도달하면
'거인의 드라마'는 한없이 상승할 것만 같은 분위기 속에서 '피아노 협주곡 제2번'의
피날레에도 등장했던 단호한 리듬으로 막을 내린다.
■ 추천음반
우선 왕년의 명반으로 쿠르트 잔데를링(DG), 유진 오르먼디(Sony), 앙드레 프레빈(EMI) 등을
꼽을 수 있다.
이 가운데 오르먼디는 스테레오 시대 들어 라흐마니노프의 교향곡 전집을 최초로 녹음한
지휘자로서 그의 유명한 1959년 레코딩은 다소간의 축약이 있긴 하지만 '필라델피아
사운드'를 바탕으로 펼쳐 보이는 찬연한 파노라마가 돋보이는 영원한 고전이다.
아울러 디지털 시대의 대표적 명반인 블라디미르 아쉬케나지의 음반(Decca)에서도 로열
콘세르트허바우 특유의 풍윤한 사운드가 돋보이는데 특히 완서악장의 농밀한 흐름이
일품이다.
러시아 지휘자와 악단의 음반들 중에서는 마리스 얀손스(EMI)와 미하일 플레트뇨프(DG)가
주목할 만하다.
이 가운데 얀손스가 상트페테르부르크 필하모닉을 지휘한 음반에는 악단의 강건한 사운드와
견고한 기능미, 지휘자의 탄탄한 조형감각과 늠름한 표현력이 멋진 조화를 이룬 연주가 담겨
있다.
한편 이반 피셔와 부다페스트 페스티벌 오케스트라의 음반(Channel Classics)은 기존
명반들과는 사뭇 다른 이미지로 다가온다.
한결 여유롭고 담박한 흐름, 정갈한 사운드와 실내악적 앙상블이 두드러지며 순수하고
자연스런 미감을 지닌 완서악장이 은은하고 진솔한 감명을 자아낸다.
발레리 게르기예프 (Valery Gergiev, 1953. 5. 2 ~ )
부모가 모두 카프카스인이다. 데뷔음반은 상당히 야성적이고 활력에 차 있으며 특히 '전람회의
그림'은 무소르크스키의 토속성을 전면에 내세워 지금까지와는 맛이 다른 '전람회의 그림'
상(像)을 구축하고 있다.
3. Brahms, Piano Concerto No.1 in D minor, Op.15
Krystian Zimerman(Pf) / Leonard Bernstein(cond), Wiener Philharmoniker
I. Maestoso／Poco piu moderato
II. Adagio
III. Rondo: Allegro non troppo
♣ 브람스 피아노 협주곡 1번 D 단조 Op.15
브람스의 관현악 창작 이력에서 시작과 끝을 장식한 것은 공히 협주곡이었다.
그의 첫 관현악곡은 '피아노 협주곡 제1번'이며 마지막 관현악곡은 '바이올린과 첼로를 위한
2중 협주곡'이었던 것이다.
아울러 이 두 곡은 애초에는 협주곡이 아닌 교향곡으로 구상되었다는 공통점을 가지고 있다.
그런데 원숙기의 소산인 '2중 협주곡'과는 달리, 청년 시절의 작품인 '피아노 협주곡 제1번'은
상당한 산고를 거친 뒤에야 비로소 빛을 볼 수 있었다.
'피아노 협주곡 제1번 d단조'의 유래는 1854년까지 거슬러 올라간다.
그 해 2월에 그의 멘토인 슈만이 자살을 기도했고 그 소식을 접한 브람스는 곧바로
뒤셀도르프로 달려가서 슈만 가족을 위로하고 보살펴주었다.
이 사건은 결과적으로 클라라(슈만의 아내)를 향한 브람스의 마음이 애틋한 연정으로 발전하는
계기가 되기도 했다.
그 해 3월(또는 4월) 9일, 브람스는 친구 요아힘에게 편지를 보내 3악장 구성의 '2대의
피아노를 위한 소나타'를 완성했다는 사실을 알렸다.
처음에 브람스는 이 소나타를 바탕으로 교향곡을 쓰려고 했던 모양이다.
그래서 먼저 제1악장을 관현악곡으로 편곡하여 요아힘과 클라라에게 비평과 자문을 구하기도
했다.
친구들의 반응은 호의적이었지만 워낙 스스로에게 엄격한 성품이었던 브람스는 그 과정에서
악곡에 결함이 있음과 오케스트레이션에 미비점이 있음을 발견하고 계획을 변경하게 된다.
그리하여 1855년 2월에는 클라라에게 다음과 같은 편지를 쓰기에 이른다.
"제가 밤에 어떤 꿈을 꾸는지 상상해 보십시오. 저는 좌절된 교향곡을 피아노 협주곡으로
전용하고 그것을 연주했습니다. 제1악장도 스케르초도 피날레도 무척 어렵습니다만 저는 아주
의욕이 넘치고 있습니다"
그러나 피아노 협주곡의 작곡은 더디게 진행되었다.
1856년 여름에 슈만이 세상을 떠나고 가을이 되어서야 브람스는 그 제1악장을 클라라에게
보여줄 수 있었다.
두 사람은 그것을 2대의 피아노로 함께 연주하기도 했다.
그리고 같은 해 12월 30일의 편지에서 브람스는 클라라에게 다음과 같은 사실을 알렸다.
"요 며칠 저는 협주곡의 제1악장을 정서했습니다. 요아힘은 마지막 악장을 무척 기대하고
있지요. 지금은 당신의 아름다운 초상화를 그리고 있는데, 그것은 아다지오가 될 것입니다"
이 편지에서 언급된 경건하고 감동적인 아다지오 악장은 이듬해 1월에 완성되었다.
브람스는 그 악보를 요아힘에게 보내 비평을 구했는데 그때 브람스는 악보에 라틴어로 "주의
이름 아래 오는 자에게 축복 있으라"라는 기도문을 기입했다. 혹시 그는 이 악장에 슈만에
대한 경의와 클라라에 대한 위로를 담고자 했던 것이었을까? 하지만 나중에 이 문구는
삭제되었다.
한편 마지막 론도 악장이 확정된 것은 1857년 5월이었다.
그러나 브람스는 1858년 2월까지 요아힘과 의견을 주고받으며 계속해서 오케스트레이션을
보완하고 세부를 수정했다.
결국 완성된 협주곡이 처음으로 시연된 것은 1858년 3월 30일 하노버 궁정극장에서였고 공개
초연은 다시 해를 넘긴 1859년 1월 22일에 가서야 이루어졌다.
브람스가 첫 협주곡의 완성에 이토록 오랜 시간을 소요했던 데에는 여러 이유가 있겠지만
그중에서도 애초에 그의 포부가 지나치게 컸던 탓을 들 수 있다.
물론 슈만의 부담스런 격려와 베토벤에 대한 경외심이 그를 필요 이상으로 압박하고 고무시켰던
측면이 분명 있었을 것이다.
하지만 관현악 장르에 대한 첫 도전에서 교향곡을 생각한다는 것은 아무리 브람스라고 하더라도
무모한 일이었다.
결국 그는 구상을 축소？변경하는 타협안을 택할 수밖에 없었고 이 일을 계기로 첫 교향곡에는
더욱 더 신중하게 접근하게 된다.
다만 그런 시행착오가 그저 공염불은 아니었다.
베토벤의 '교향곡 제9번 d단조'(제1악장)과 '피아노 협주곡 제3번 c단조'(제3악장) 그리고
슈만의 '피아노 협주곡 a단조' 등에서 많은 영향을 받은 이 곡은 브람스 특유의 '교향악적
협주곡'의 시발점이 되었다.
피아노 파트는 고도의 정력과 기교를 요하지만 관현악을 압도하기보다는 그와 대등한 관계로
맺어져 있고 전곡은 유기적이면서도 명쾌한 구성으로 고전파적인 형식감을 견지하고 있다.
비록 관현악 처리에 있어서 미숙한 면이 없지 않고 전체적으로 의욕과잉인 면도 엿보이지만 이
곡은 패기만만했던 청년 브람스의 초상을 전하는 가장 뜨겁고 생생한 증언이라 하겠다.
제1악장 : 마에스토소(장엄하게), d단조, 6/4박자
이 장엄하고 거대한 첫 악장은 마치 천둥이 치는 듯한 오케스트라의 강렬한 총주로 출발한다.
이 개시부는 초자연적인 울림과 오르간 포인트(지속저음)의 부각이라는 면에서 베토벤의 '합창
교향곡'의 첫 악장을 떠올리게 한다.
계속해서 바로크 협주곡의 리토르넬로를 연상시키는 긴 서주가 이어지는데 여기서는 이 악장의
제1주제를 중심으로 투쟁적 분위기와 숙명적 이미지가 부각된다.
서주의 격렬한 요동이 조금씩 가라앉으면 이내 주부로 넘어가 피아노가 등장한다.
제시부에서는 역시 투쟁적인 국면으로 나아가는 제1주제와 지극히 차분하고 서정적인 제2주제가
극명한 대비를 이루는데 특히 풍부한 표정을 띠고 서서히 부풀어 올라 무한한 동경을 자아내는
제2주제부의 감흥은 각별하다.
피아노의 강렬한 타건과 함께 시작되는 발전부에서는 피아노와 관현악이 마치 전투라도 벌이듯
격렬하게 맞부딪히다가 폭발적인 클라이맥스에 도달하고 재현부 이후에 음악은 다시 한 번
뜨겁게 달아 오른 다음 격정적인 울림 속에서 막을 내린다.
제2악장 : 아다지오(아주 느리게), D장조, 6/4박자
명상적인 기운과 종교적인 기품으로 가득한 이 느린 악장은 작곡 당시 아직 20대 초반이었던
브람스가 얼마나 속 깊고 다정다감한 청년이었는지를 잘 보여준다.
피아노와 관현악이 응답풍의 대화를 이어나가는 3부 형식의 곡으로 주요주제는 첫머리에서
바순이 제시하며 피아노의 정교한 서법이 두드러진다.
어떤 이는 이 악장을 들으면서 브람스가 언급했던 '클라라의 초상'을 떠올리고 어떤 이는 슈만을
기리는 진혼곡의 이미지를 거론하기도 한다.
다분히 침착하고 사색적인 흐름 속에 깊은 슬픔과 애틋한 그리움이 담겨 있으며 사뭇 감동적인
클라이맥스에서는 그 모든 상념과 감정들을 종교적으로 승화시키려는 듯한 열의가 느껴진다.
제3악장 : 론도. 알레그로 논 트로포(빠르게, 지나치지 않게), d단조, 2/4박자
피날레는 경쾌하고 활력 넘치는 론도 악장이다. 다시금 펼쳐지는 투쟁을 통해서 이제까지의
역경과 고뇌를 떨치고 승리를 향해 나아가는 듯한 이 악장은 여러 가지 흥미로운 요소들을
포함하고 있다.
론도 주제는 다성적인 요소와 당김음을 지니고 있어 바흐의 협주곡을 연상시키며 두 번째 부
주제는 카논풍으로 등장하여 역시 바로크적인 기법을 가리키고 있다.
아울러 중간의 단조 부분에서 푸가토를 도입하여 긴장감을 높이는 수법은 베토벤의 협주곡에서
영향을 받은 것으로 보인다.
마지막 단계에서 음악은 '환상곡풍으로'라고 지시된 짧은 카덴차를 거친 후 짐짓 멋을 부린 듯한
코다로 넘어가 잠시 느긋한 흐름을 보이다가 밝은 D장조로 힘차게 마무리된다.
한편 이 협주곡은 1859년 1월 22일 하노버 궁정극장에서 브람스 자신의 피아노와 요아힘의
지휘로 초연되었다.
클라라의 일기는 이 때 브람스의 연주가 아주 훌륭했고, 청중들도 호의적이었다고 전하고 있다.
하지만 그로부터 닷새 후에 라이프치히의 게반트하우스에서 진행된 공연은 참담한 실패로
돌아갔다.
브람스의 피아노와 오케스트라의 연주는 오히려 하노버에서보다 더 훌륭했지만 청중들의 반응은
냉랭했다.
그러한 결과에 충격을 받은 브람스는 "다음 협주곡은 완전히 다른 울림의 것이어야 한다"라고
선언했다.
그리고 그의 두 번째 피아노 협주곡이 완성된 것은 그로부터 20년도 더 지난 먼 훗날의 일이었다.
■ 추천 음반 및 DVD
- 클리포드 커즌(피아노)/런던 심포니/조지 셀(지휘)
- 에밀 길렐스(피아노)/베를린 필하모닉/오이겐 요훔(지휘)
- 스티븐 코바세비치(피아노)/런던 필하모닉/볼프강 자발리쉬(지휘)
- 크리스티안 지메르만(피아노)/빈 필하모닉/레너드 번스타인(지휘) (DVD)
크리스티안 짐머만 (Krystian Zimerman, 1956년 12월 5 ~ )
폴란드의 카토비체 근교의 사브지제 시에서 태어난 피아니스트로서 6세부터 피아노를 시작하여
카토비체 음악원에서 안제이 야신스키를 사사했다.
1975년 제 9회 쇼팽 콩쿠르에서 우승해 쇼팽의 조국 폴란드가 낳은 세 번째의 우승자가 되었다.
이후 세계적으로 인기를 얻고 프라하의 봄, 에든버러, 잘쯔부르크의 각 음악제를 비롯하여 베를린
필, 런던 교향악단 등의 일류 오케스트라와도 공연하여 가장 기대되는 신진 피아니스트의 한
사람으로 손꼽히고 있다.
짐머만의 연주는 결코 미완성의 불안정함이 없고 훌륭한 스카일과 개성을 몸에 익히고 있다.
테크닉이 잘 정돈되어 있음은 물론 아름다운 음색과 풍부한 리듬을 갖고 있어 어떠한 작품도
양식적으로 가려 칠 수 있는 실력을 갖고 있다.
특히 그 음악 속에 자기 주장을 가졌으며 감성이 풍부하고 신선한 연주를 보인다.
4. Brahms, Violin Concerto in D Major Op.77
Henryk Szeryng(Vn) / Bernard Haitink(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. Allegro Non Troppo
II. Adagio
III. Allegro Giocoso, Ma Non Troppo Vivace - Poco Pio Presto
♣ 브람스 바이올린 협주곡 D 장조 Op.77
1870년대는 브람스에게 매우 생산적인 시기였다. '하이든 주제의 의한 변주곡', '교향곡 1번'과
'2번' 같은 대작들이 이 10년의 기간 동안 작곡되었기 때문이다.
1878년의 여름, 오스트리아의 휴양지 푀르트샤흐(Poertschach)에서 그의 오랜 친구이자
바이올리니스트 요제프 요아힘이 연주한 베토벤의 바이올린 협주곡을 떠올리고 있었다.
처음부터 브람스가 요아힘의 연주에서 영감을 얻은 것은 아니었다.
1877년 여름 바덴바덴에서 파블로 데 사라사테가 연주하는 막스 브루흐의 '바이올린 협주곡
2번'의 초연 현장에 있던 브람스는 이 스페인 출신의 비르투오조에게 완전히 넋이 나갔다.
물론 그는 브루흐의 협주곡에 대해서는 그다지 훌륭하다고 생각하지는 않았지만 독주자의 화려한
바이올린 연주에는 감탄을 표시했다.
브람스는 결국 장엄한 양식의 바이올린 협주곡을 쓰고 싶다는 생각을 더욱 굳히게 되었다.
브람스가 그의 바이올린 협주곡의 모델로 생각했던 것은 베토벤의 협주곡이었지만 조반니
비오티의 '바이올린 협주곡 22번'에서 첫 번째 씨앗을 발견했다.
브람스가 이 협주곡을 작곡하던 바로 그 해에도 요아힘과 함께 비오티의 협주곡을 연주했고
클라라 슈만에게 보낸 편지에서도 칭찬을 아끼지 않고 있다.
“나를 완전히 사로잡은 것은 비오티의 '협주곡 22번'입니다. 대단히 독창적인 상상력이
인상적이었고 요아힘의 연주도 끝내줬죠. 어떻게 이처럼 훌륭한 작품이 제대로 된 평가를 받지
못하고 있는지 이해할 수 없군요.”
브람스가 바이올린 협주곡을 작곡하는 과정에서 요아힘의 역할은 논쟁의 여지는 있지만 많은
부분에서 과장된 것도 사실이다.
실제로 브람스와 요아힘이 교환한 편지를 보면, 이 두 사람은 활발하게 의견을 주고 받았다.
그러나 브람스가 요아힘의 기술적인 조언을 곧이곧대로 받아들인 것은 아니었다.
요아힘은 너무 어려운 기교적인 부분을 수정해달라고 요구했지만 결국 완성된 판본은 브람스의
굳은 의지가 반영된 결과였다.
그럼에도 불구하고 요아힘의 역할은 비록 한정된 부분이지만 분명 브람스의 바이올린 협주곡
탄생에 하나의 역할을 한 것도 사실이다.
1878년 10월 23일, 브람스는 요아힘에게 "지금 아다지오와 스케르초 부분을 어떻게 할까
고민하고 있습니다"라는 편지를 보낸다.
한 달 후에는 "원래 계획했던 2개의 중간 악장을 빼버리기로 결심했고 대신 아다지오를
넣었어요. 이렇게 하는 것이 전체적인 구성에 더 맞다고 생각합니다"
요아힘의 손에 완성본이 전해진 것은 1878년 12월 12일이었고 초연까지는 보름이 조금 넘게
남아 있었지만 리허설이 예정되어 있던 25일까지는 열 이틀 밖에 시간이 없었다.
여전히 요아힘은 클라라 슈만을 포함한 주변 사람들에게 독주 부분이 너무 어렵다고
투덜거렸다.
초연 장소도 계속 표류중이었다. 프라하나 부다페스트가 물망에 오르다가 베를린과 빈으로
그러다 결국 라이프치히로 결정되었다.
1879년 1월 1일, 브람스가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스 오케스트라와 요제프 요아힘의
협연으로 초연되었다.
사라사테 같은 연주자는 브람스의 바이올린 협주곡을 높이 평가하지 않았지만 20세기 초반
에밀 소레와 앙리 마르토 그리고 브로니수아프 후베르만, 아돌프 부슈, 프리츠 크라이슬러
같은 뛰어난 바이올리니스트들이 브람스 연주를 통해 자신들의 명성을 높였다.
현재 이 곡은 베토벤과 멘델스존의 작품과 함께 3대 바이올린 협주곡이라고 불려지는 걸작이
되었다.
1악장 - 알레그로 논 트로포
부드러운 세 박자, 그리고 첫 주제의 3화음 등이 인상적이며 두 개의 주제적 동기가 지닌
리듬의 특성은 매우 흥미롭다.
다섯 개의 4분 음표 음형이 반복되면서 조성된 부드럽고 서정적인 동기는 제1바이올린에 의해
펼쳐지며 다섯 박자 음형의 동일반복은 기초가 되는 세 박자의 갈등 구조는 묘한 긴장감을
불러 일으킨다.
으뜸음과 딸림음에서 지속되는 페달 포인트 위로 독주자는 46마디의 '기교적인 어려움'을
풀어야 한다.
2악장 - 아다지오
매력적인 오보에의 활약이 돋보이는 이 악장은 고독하고 쓸쓸한 정경을 제시한다.
유달리 아름다운 아다지오 악장에 대해 브람스 자신은 그다지 만족하지 않은 것 같다.
독주 바이올린과 오케스트라의 섬세한 대위법을 감상할 수 있다.
3악장 - 알레그로 지오코소, 마 논 트로포 비바체 - 포코 피우 프레스토
여섯 부분으로 된 론도는 독주 악기가 주제를 더블스톱으로 연주함으로써 시작된다.
헝가리의 짚시 스타일의 이 악장은 첼로의 셋잇단음표로 시작되는 코다가 파도처럼 긴장감을
높여나간다.
다만 브람스가 지시했듯이 ‘마 논 트로포 비바체’(그러나 너무 활기차지는 않게)를 염두에
두어야 한다.
저음현의 피치카토에 이어 독주 바이올린은 8분음의 휴지부를 두면서 마무리 된다.
■ 추천음반
조지 셸이 지휘하는 클리블랜드 오케스트라와 협연한 다비드 오이스트라흐(EMI)의 음반은
조화로운 앙상블이 인상적이다.
키릴 콘드라신이 필하모니아를 지휘하고 레오니드 코간이 협연한 음반은 장엄한 스타일이
기억에 남는다.
프리츠 라이너가 지휘하는 시카고 심포니와 협연한 야샤 하이페츠의 음반(RCA)은 상당히
빠른 템포로 박진감 넘치는 연주를 들려준다.
레너드 번스타인이 빈필을 지휘하고 기돈 크레머가 협연한 음반(DG)은 전체적으로 팽팽한
긴장감이 짜릿한 맛을 주고 있다.
헨릭 쉐링 (Henryk Szeryng, 1918. 9. 22 ~ 1988. 3. 8)
바르샤바에서 태어난 멕시코 국적의 바이올리니스트로서 어릴 때 부터 모친에게서 피아노와
바이올린을 배웠다.
10세경에 바이올린의 재능을 동향인 후베르만에게 인정받아 그의 권유로 베를린에 유학해서
명교사 칼 플레시에게 사사했다.
1933년에 처음으로 연주 여행에 나가 성공을 거두었다.
그 후 파리에서 티보와 알게 되어 여러가지 조언을 받음과 동시에 파리 음악원에서 부이용을
사사했으며, 이들 세 사람의 스승으로부터 얻은 바가 매우 컸다.
제 2차 세계 대전 중에는 바이올리니스트로서 군의 위문으로 활약했으나 종전 후는 멕시코에
이주하여 시민권을 얻어 연주활동보다도 오히려 대학에서 교육에 힘을 기울이게 되었다.
따라서 어떤 인물과의 만남이 없었더라면 아마 오늘날의 셰링도 없었을지도 모른다.
그 인물이란 이 역시 동향인 아르투르 루빈슈타인인데 1956년에 멕시코 연주 여행 중에 셰링과
만나 즉시 그 실력을 꿰뚫어본 그는 연주 활동에 전념하도록 열심히 설득하는 한편 유럽
음악계의 중심 인물들에게 소개하고 또 스스로 레코드에서 협연하기도 했다.
이리하여 일약 그 이름이 알려지게 된 셰링은 그 이래 활발한 솔로 활동을 전개하면서 급속히
힘을 신장하여 이제는 현대 최고의 바이올리니스트로서 명성을 확고부동하게 되었다.
셰링은 드물게 보는 깔끔한 자세의 소유자로 비길데 없는 엄격한 조형 감각과 양식관에 뒷받침
된 그 음악에는 고결한 음악미를 의연하게 드러내고 있다.
또한 거기에는 일종의 가까이 할 수 없는 분위기가 느껴지거나 인간적으로나 음악적으로도
실로 완벽한 경지에 이른 오늘날에서는 모든 것에 균형이 잡힌 나무랄 데가 없는 연주를
전개해 간다.
기교나 음색 등 표면적인 매력으로 듣는 이를 끄는 타입이 아니기 때문에 바이올리니스트로서는
결코 화려한 존재는 아니지만 그러나 그 음악의 깊이나 호소력이 강한 점에서 대항할 수 있는
이는 거의 찾아볼 수가 없다.
5. Jean-Philippe Rameau, Une Symphonie Imaginaire
Marc Minkowski(cond), Les Musiciens du Louvre
I. Zais - Overture
II. Castor et Pollux - Scene funebre
III. Les fetes d'Hebe / Act 2 - Air tendre
IV. Dardanus / Prologue - Premier Tambourin / Deuxieme Tambourin
V. Le temple de la gloire - Air tendre pour les Muses
VI. Les Boreades / Act 1 - Contredanse
VII. La Naissance d'Osiris - Air gracieux
VIII. Les Boreades / Act 4 - Gavottes pour les Heures et les Zephirs
IX. Platee [ou Junon jalouse] - Orage
X. Les Boreades / Act 5 - Prelude
XI. 6 Concerts transcrits en sextuor / 6e concert - 1. La poule
XII. Les fetes d'Hebe / Act 3 - Musette tendre en rondeau, Tambourin en rondeau ***
XIII. Hippolyte et Aricie / Act 3 - Ritournelle
XIV. Nais / Prologue - Rigaudons
XV. Les indes galantes / Act 9 - Danse des Sauvages
XVI. Les Boreades / Act 4 - Entree de Polymnie
XVII. Les indes galantes / Act 9 - Chaconne
장 필리프 라모 (Jean Philippe Rameau, 1683. 9. 25 ~ 1764. 9. 12)
장 필리프 라모는 화성법을 이론화한 최초의 이론가이자 작곡가로서 근대화성학의 기초를
확립했다.
프랑스 디종에서 교회 오르가니스트의 아들로 태어나 디종 교회의 오르간 연주자인 아버지
밑에서 음악을 배웠다.
17세 무렵부터 프랑스 각지의 교회 오르가니스트 등을 전전하면서 이론과 창작에 힘썼다.
39세 때인 1722년 유명한 '화성론'을 파리에서 출판해 주목을 받았으며 이후 여기에
정주한다.
1726년에는 다시 '신음악 이론 체계'를 출판해 '화성론'과 함께 3도 음의 누적에 바탕을 둔
화음 연결의 원리를 확립했다.
정주 후에는 대표작 '이폴리트와 아리시 Hippolyte et Aricie'(1733)를 비롯한 많은
오페라와를 작곡했으며, 대쿠프랭의 뒤를 이어받아 클라브생(하프시코드 또는 쳄발로라고도
부른다)곡을 작곡했다.
후에 궁정 실내악 작곡가로 임명된 라모는 이윽고 당시의 프랑스 악단 최대의 지도자가
되고 죽음 직전에는 귀족 지위에 올랐다.
라모의 음악은 일반적으로는 '암탉 La poule'이나 '탕부랭 Tambourin'과 같은 극소수의
소품에 의해 사랑받고 있을 뿐이지만 그 작풍은 동시대의 작곡가에 비해 훨씬 진보적이었다.
특히 '선율은 화성에서 태어난다'고 하는 그의 기본적인 음악관은 이미 하이든이나
모차르트의 시대를 앞서가고 있었다고 하겠다.
6. Schubert, Sonata in A minor D821 'Arpeggione'
John Williams(Gt) / Australian Chamber Orchestra
I. Allegro moderato
II. Adagio
III. Allegretto
♣ 슈베르트 '아르페지오네' 소나타 A 단조 D.821
27세의 프란츠 슈베르트는 누구도 정확한 진단을 내리지 못할 만큼 건강하지 못한 상태였다.
가장 중요한 원인으로 매독으로 인한 합병증이 시작되었고 이로 인해 우울증과 같은 정신적
질환도 심해지기 시작했다.
1823년 처음으로 긴 병원생활을 했고 고통스러운 치료를 받았기 때문에 그는 머리카락도
많이 빠졌고 두통 또한 심해졌다. 1824년 일기에 그는 이렇게 쓰고 있다.
"나는 매일 밤 잠자리에 들 때 또다시 눈이 떠지지 않기를 바랍니다. 그리고 아침이 되면
전날의 슬픔만이 나에게 엄습하여 옵니다. 이렇게 환희도 친근감도 없이 하루가 지나갑니다.
또 나의 작품은 음악에의 나의 이해와 슬픔을 표현한 것입니다. 슬픔에 의해 만들어진
작품이 세계를 가장 즐겁게 하리라고 생각됩니다. 슬픔은 이해를 돕게 하고 정신을 강하게
합니다."
- 슈베르트의 일기 중
이렇듯 1824년은 그에게 있어서 고통스러운 한 해였지만 다른 한 편 음악적으로는 보다
커다란 야망을 향해 나아가게 된 계기가 되었다.
그 해 3월 '로자문데' 현악 4중주를 작곡한 이후 그는 대교향곡의 길을 개척하기 위해
실내악에 더 이상 관심을 쏟지 않겠다고 천명했기 때문이다.
그리하여 탄생한 피아노 연탄을 위한 '그랜드 듀오' D.812가 10월경 선을 보였는데 이
작품에서 슈베르트는 보다 큰 규모의 교향곡으로 넘어가기 위한 구체적인 아이디어와 구도를
완성시켰다.
여기서 파생된 '대교향곡' 즉 '9번 교향곡'은 1826년 10월 빈 악우협회에 제출되었지만
소액의 수수료 외에는 아무런 주목을 받지 못했다가 슈베르트 사후 1839년 로베르트 슈만에
의해 발견되어 멘델스존이 라이프찌히에서 초연하면서부터 비로소 세상에 알려지기 시작했다.
그 해 여름 슈베르트는 에스테르하지 일가와 함께 체레스라는 곳에 도착했다. 여기서 즐거운
날들을 보낼 수 있었다.
게다가 슈베르트는 백작의 딸과 어렴풋한 사랑이 싹텄던 동시에 헝가리의 고유한 정취를
만끽할 수 있었다.
자연스럽게 당시 그의 작품에서는 헝가리 풍의 요소가 등장했고 '아르페지오네 소나타' 역시
이러한 성격이 반영되었다.
대작을 향해 달려가기 이전 슈베르트는 잠시 숨고르기의 시간을 가질 수 있었던 것인데 이
시기에 탄생한 작품이 바로 그 유명한 '아르페지오네 소나타'이다.
슈베르트가 1824년 11월 비엔나에서 작곡한 '아르페지오네 소나타' A단조 D.821은 본래
아르페지오네(Arpeggione)라는 악기를 위해 작곡된 작품이다.
1823년 빈의 악기 제작자 요한 게오르그 슈타우퍼에 의해 만들어진 이 악기는 '기타-첼로'
혹은 '기타-다모르'라는 별칭에서 알 수 있듯이 첼로와 흡사한 크기에 기타의 형태를 가지고
있었고 첼로처럼 활을 현에 문질러 연주하는 악기였다.
이 악기는 여섯 개의 거트 현을 가지고 있어 E-A-D-G-B-E로 조율되었고 브릿지와 반음씩
나뉘어지는 금속 핑거보드를 갖추고 있는데 첼로의 중고역 소리를 냈고 콧노래를 부르는
듯한 독특한 정취를 가지고 있다고 한다.
슈베르트는 빈센초 슈스터라는 아르페지오네 주자를 위해 곡을 작곡했다. 슈스터라는 인물은
이 악기를 위한 교본을 남긴 유일한 인물이기도 하다.
아르페지오네라는 악기는 서서히 사람들의 기억 속에서 잊혀진 악기가 되어버렸고 이 악기를
위해 작곡된 작품도 슈베르트의 이 곡이 거의 유일하게 남아 있다.
아르페지오네라는 악기가 급속도로 잊혀졌기 때문에 이 작품 또한 1871년이 돼서야 비로소
출판될 수 있었다.
아르페지오네는 소형의 첼로로서 바흐 시대에 사용되었던 비올라 다 감바(Viola da gamba)와
흡사한 모양과 소리를 가지고 있었다.
현대에는 주로 첼로로 대체해 연주한다. 다만 첼로보다 피치가 높기 때문에 '아르페지오네
소타나'를 현대 첼로로 연주할 경우엔 높은 음부의 빠른 패시지를 자유롭게 연주하는 것이
매우 어려우며 리듬에 변화를 주는 것 또한 쉽지 않다.
그러한 만큼 원곡 외에도 첼리스트 가스파르 카사도의 편곡에 의한 첼로와 관현악 협주곡풍의
편곡이나 도브링거 편곡의 피아노와 바이올린 2중주 그 외에 플루트나 더블베이스, 비올라,
클라리넷, 기타 등등 여러 악기를 위한 편곡으로 연주되곤 한다.
즉흥곡 형식으로 단기간에 작곡된 이 작품은 세 개의 짧은 악장으로 구성되어 있다.
알레그로 모데라토 A단조는 2개의 주제에 의한 소나타 형식으로 씌어졌는데 이 가운데
1주제의 첫 네 개의 음은 '미완성 교향곡'의 첫 마디 음과 유사하다.
이어지는 아름다운 아다지오 E장조는 반주가 딸린 성악을 위한 슈베르트의 가곡 스타일로
시작되어 차츰 기악적인 발전을 이룬다.
마지막 알레그레토 악장은 우아한 후렴구와 무도회적인 에피소드를 갖는 론도 형식이다.
■ 추천음반
로스트로포비치가 영국의 작곡가 벤자민 브리튼의 반주로 녹음한 '아르페지오 소나타'는 이
작품에 있어서 가장 고전적인 명반(DECCA)으로 손꼽힌다. 연주도 훌륭하지만 데카 레코딩팀의
리얼한 사운드가 돋보인다.
한편 헝가리 출신의 거장 미클로시 페레니가 언드라시 쉬프의 반주로 녹음한 연주(Teldec)는
이 작품의 서정성을 극대화한 명연으로서 그의 스승인 엔리코 마이나르디의 녹음에 범접하는
명연으로 손꼽을 수 있다.
현대적인 명연으로 미샤 마이스키와 마르타 아르헤리치의 연주(Philips)를 추천하며 존
윌리엄스의 기타 편곡 연주(SONY)도 환상적이다.
존 윌리엄즈 (John Williams, 1941.4.24 ~ )
오스트레일리아 멜버른에서 태어난 오스트레일리아의 기타리스트이다.
재즈 기타리스트였던 부친에게서 기타의 초보 교육을 받고 10세 때에 런던으로 옮긴 뒤
세고비아와 알게 되어 그 가르침을 받았다.
1955년에 최초의 리사이틀을 가진 뒤 3년간을 런던 왕립 음악원에서 배우고 1958년에 정식으로
데뷔하여 압도적인 성공을 거두었다.
그 이래 무대와 레코딩의 양면에서 왕성한 활동을 전개하고 있다.
세고비아가 적절하게도 윌리엄즈를 '기타의 프린스'라고 평한 그 말에 실로 어울리는 거물이다.
기교나 음악성이나 또 연주가로서의 적극성 등 어느 것이나 비길데가 없고 적어도 동년배 혹은
연하의 기타리스트 중에는 그와 맞설 수 있는 존재는 없다.
그의 연주는 근래 더욱 더 완벽해져서 풍려한 상쾌감을 느끼게 하는 그의 기타에는 장르를
초월한 팬도 많다.
7. Mozart, Clarinet Quintet in A Major KV 581
Leopole Wlach(Cl) / Vienna Konzerthaus Quartet
I. Allegro
II. Larghetto
III. Menuetto
IV. Allegretto con variazioni
♣ 모차르트 클라리넷 5중주 A 장조 KV 581
모차르트는 클라리넷을 위한 아름다운 협주곡과 지금 이 웅장한 5중주곡 A장조(K581)를
썼으며 이후에 쓴 교향곡과 피아노 협주곡에서도 클라리넷을 훌륭하게 활용했다.
그는 당시만 해도 클라리넷의 전신 악기로 연주하는 안톤과 요한 슈타들러 형제의 연주에
영감을 받기도 했다.
모차르트는 안톤을 먼저 만났는데 그를 위해 클라리넷 5중주곡과 협주곡을 썼다.
협주곡은 빈의 국립극장에서 열린 관악 세레나데 연주회에서 연주되었다.
모차르트는 클라리넷의 부드러운 음색을 최대한으로 이끌어 내며 현악기의 소리와
어울리게 했으며 클라리넷을 위해 긴 아리아 선율 같은 곡을 쓰기도 했다.
모차르트가 노래를 부르는 것 같은 클라리넷의 음색으로 최대의 효과를 낸 곳이 바로
2악장의 부드러운 라르게토이다.
현악기는 처음에는 은은하게 뒤를 받쳐주다가 제1바이올린이 클라리넷과 함께 아름다운
2중주를 한다.
■ 추천음반
독일 출신의 클라리넷 주자 사비네 마이어와 빈 현악 6중주단의 음반만큼 이 곡의 특징을
잘 살린 음반도 드물다.
힘들이지 않는 호흡 조절과 완벽한 음악적 재능을 갖춘 자비네는 클라리넷의 모든 음역으로
녹아 내릴 듯 부드러운 소리를 만들어낸다.
그들이 피날레의 변주 부분은 매우 섬세할 뿐만 아니라 솜사탕처럼 가볍다.
무엇보다 곡을 연주하면서 이들이 느꼈을 환희가 느껴지며 모든 연주자들이 돌아가며
연주의 중심을 이룬다.
특히 모차르트가 엔딩 부분에 만들어 놓은 태평스러운 분위기를 연주자들은 너무나 잘
포착했다.
바로 옆에서 연주하는 것 같은 생생한 녹음을 들으면 그 분위기가 무엇인지 확실하게 느낄
수 있을 것이다.
8. Mendelssohn, Cello Sonatas No.1 in B flat Major, Op.45
Christophe Coin(Vc) / Partick Cohen(Pf)
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro assai
♣ 멘델스존 첼로 소나타 1번 B 플랫 장조 Op.45
멘델스존이 남겼던 주옥같은 실내악 작품들 중에서 유독 바이올린과 첼로 소나타만큼은
대중적인 지지를 받지 못했던 것이 사실이다.
10대의 여린 감수성이 서려있는 1번 소나타나 교향곡풍의 장대한 스케일이 빛나는 2번
소나타의 비범한 작품성으로 보았을 때 이 작품이 받은 대접은 부당하기까지 하다.
뛰어난 첼리스트기도 했던 동생 파울의 영향이 드러나는 1번 소나타는 특히 피아노와의
음역이 다양하게 변화되는 특징을 지니고 있어 피아니스트와의 절묘한 일체감이 더욱
요구되는 작품이다.
첼로 소나타 1번은 라이프찌히 시절인 1838년에 작곡되었다.
두번째 첼로 소나타인 2번 D 장조에 가려 인기도는 높지 않지만 멘델스존의 현을 다루는
천재성을 잘 보여주는 작품이다.
낮은 음을 내는 현으로 듣기 편한 음역에서 마치 물이 흐르는 듯한 곡의 전개를 보여주고
있다.
9. Schumann, Waldszenen, Op.82
Valery Afanassiev(Pf)
I. Eintritt
II. Jager auf der Lauer
III. Einsame Blumen
IV. Verrufene Stelle
V. Freundliche Landschaft
VI. Herberge
VII. Vogel als Prophet
VIII. Jagdlied
IX. Abschied
♣ 슈만 숲의 정경 Op.82
슈만의 파란만장한 인생은 그의 작품 속에서 읽을 수 있다.
슈만 처럼 음악속에 자신의 희노애락이 잘 반영되어 있는 작곡가도 드물 것이다. 특히 클라라
슈만과의 사랑이야기는 그의 작품 속에 큰 비중을 차지하고 있다.
이 작품은 슈만의 드레스덴 시절을 대표하는 피아노 독주곡으로, 슈만은 1848년 12월 말부터
1849년 1월 초에 걸쳐서 일주일 남짓한 기간 동안 이 곡을 썼다.
'어린이 정경'처럼 짧은 곡들로 구성된 이작품은 라우베의 '사냥일지' 라는 작품에서 영감을
받아서 곡을 쓰게 되었다고 한다.
처음에는 9곡 모두에 짧은 시가 딸려 있었는데 나중에 4번째 곡을 제외하고는 시들을 모두
삭제하였다고 한다.
9곡은 숲의 다양한 풍경들의 이야기를 그리고 있는데 당시 그의 정신 건강 상태가 좋지 않았기
때문에 이 곡들에서는 불안하고 어두운 정서가 느껴지는 것이 아닌가 생각된다.
No.1 Eintritt <숲의 입구>
No.2 Jager auf der Lauer <숨어 기다리는 사냥꾼>
No.3 Einsame Blumen <고독한 꽃>
No.4 Verrufene Stelle <저주받은 장소>
No.5 Freundliche Landschaft <정다운 풍경>
No.6 Herberge <여인숙에서>
No.7 Vogel als Prophet <예언하는 새>
No.8 Jagdlied <사냥의 노래>
No.9 Abschied <이별>
발레리 아파니시예프 (Valery Afanassiev, 1947. 9. 8 ~ )
1974년 브뤼셀에서의 리사이틀을 계기로 망명한 이후 서방측에서 활약하고 있는 러시아 출신의
이색적인 피아니스트다.
작곡도 하고 또 프랑스어라든가 영어로 소설을 출판한 적도 있는 재주꾼인데 피아니스트로서의
재능 또한 측정할 수 없을 만큼 뛰어나다.
대체로 느리고 때로는 실속(失速) 직전의 템포로 충분히 노래해 가는 그의 피아노는 그러면서도
항상 절묘한 평형 감각을 유지하고 있어서 유례없는 설득력으로 청중의 마음에 강하게 호소해
온다.
레퍼토리도 넓다. 현재 무대활동을 의식적으로 억제하고 있기는 하지만 세계의 톱 클라스에
속하는 피아니스트임에 틀림없다.
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