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1. Rodrigo, Fantasia para un gentilhombre for Guitar and Orchestra
Andres Segovia(Gt) / Enrique Jorda(cond), Symphony of the Air
I. Villano y Ricercare (Adagietto - Andante moderato)
II. Espa_oleta y Fanfare de la Caballeria de Napoles (Adagio - Allegreto molto ritmico)
III. Danza de las hachas ( Allegro con brio)
IV. Canario ( Allegro ma non troppo)
♣ 로드리고 '어느 귀인을 위한 환상곡'
호아킨 로드리고(1901~1999년)는 마드리드 대학에서 음악사 교수로 활동했으며 20세기
음악의 변천과 진화 과정을 몸소 체험한 음악가였다.
생애 거의 대부분을 장님으로 지냈을 뿐 아니라 에스파냐 내전 동안 망명생활을 해야
했던 그였지만 그의 작품만큼은 활기에 넘치고 낙천적이다.
'네오카스티시즈모'라고 일컬어지는 그의 작곡 스타일은 현대와 전통 에스파냐 음악의
흥미로운 융합이다.
1939년 에스파냐로 돌아온 그는 11개의 협주곡을 썼고 다양한 성악, 합창, 기악곡을
비롯해 영화와 극장 음악도 작곡하였다.
이 곡은 기교가 뛰어난 기타 주자 안드레스 세고비아로부터 의뢰를 받아 1954년
완성되었다.
제목에 명시된 '귀인'은 세고비아를 지칭하는 것이 아니라 17세기 에스파냐 기타
연주자이자 작곡가였던 가스파르 산츠를 가리킨다.
이 작품의 네 악장은 1674년 출판된 기타에 관한 전문 서적에 사용된 무곡 모음으로부터
영감을 받아 만들어졌다.
고음악에 쓰이는 매력적인 선율을 끌어와 현대적인 심문 과정을 거쳐 재탄생시키는
음악적 아이디어는 피터 워록의 유명한 '카프리올 조곡'에서도 찾아볼 수 있다.
여기서 로드리고는 무곡 선율을 현대적 관현악 편성에 교묘히 한데 섞어 넣어 온화하면서도
파괴적인 결과를 낳는다.
이 작품에서 기타 주자는 마지막 악장에서 3개와 6개로 이루어진 음의 그룹을 성공적으로
처리하며 결코 쉽지 않은 기교를 발휘해야 한다.
안드레스 세고비아 (Andres Torres Segovia, 1893. 2. 21 ~ 1987.6. 3)
그라나다 북쪽의 리나레스에서 태어난 기타 주자. 소년 시대에 기타의 매력에 사로잡혀
혼자서 묵묵히 독학했다는 것은 동향인 카잘스의 경우와 잘 닮고 있다.
15세로 그라나다에서 첫 리사이틀을 가졌고 1923년에는 파리에서 데뷔하여 대성공을 거두였다.
그 뒤 미국으로 옮겨 가서 오랫동안 이 나라에 정주하여 몹시 다망한 연주 생활을 보냈으나
다시 고국으로 돌아가서 유유히 여생을 보내고 있다.
그는 87세의 고령에도 연주 여행이나 레코딩을 계속하다가 타계한 기타계의 거장이다.
세고비아는 예술 분야에서는 극히 방계적인 존재에 지나지 않았던 기타의 가능성을 깊이
추구하여 기타에 대한 일반의 인식을 크게 뒤엎었다.
그 의미에서 그는 위대한 개척자이며 동시에 오늘날의 모든 기타리스트의 은인이라 해도 좋을
것이다.
고고한 경지에 도달한 그의 예술은 악기의 상식을 훨씬 초월한 풍부한 설득력을 갖고 있다.
2. Brahms, Symphony No.1 in C Minor Op.68
Carlo Maria Giulini(cond), Wiener Philharmoniker
I. Un poco sostenuto - Allegro - meno Allegro
II. Andante sostenuto
III. Un poco Allegretto e grazioso
IV. Adagio - Piu Andante - Allegro non troppo, ma con brio
♣ 브람스 교향곡 1번 C 장조 Op.68
바흐, 베토벤과 더불어 독일음악의 3대 거장으로 불리우는 요하네스 브람스는 친구 헤르만
레비에게 다음과 같은 편지를 보낸 적이 있다.
"거인이 내 뒤로 뚝벅뚜벅 쫓아오는 소리를 항상 들어야 한다고 생각해 보게. 그 기분을
자네는 전혀 상상할 수 없을 걸세".
이 편지는 브람스가 베토벤의 9개 교향곡을 얼마나 의식하고 있는지 잘 드러내는 사례이다.
거인 베토벤의 9개의 교향곡이 유럽 음악계를 휩쓸고 지나간 후 그에 필적할 만한 교향곡은
좀처럼 나타나지 않았다.
베토벤 이후 많은 음악가들이 그가 완성한 위대한 교향곡을 모방하였고 그를 뛰어넘으려고
했다. 그러나 또 하나의 걸작은 탄생은 요원한 일이었다.
당시 뛰어난 음악비평가로 명성을 날리고 있던 슈만은 점점 활기를 잃어가는 가는 독일
음악계의 상황을 안타까워 하며 새로운 세대의 음악과 새로운 교향곡이 등장해 이 답답한
분위기를 쇄신해 줄 것을 바랬다.
그것은 슈만 그 자신조차에게도 어려운 문제였다. 베토벤의 벽을 어떻게 넘을 것인가?
드디어 여기에 브람스의 교향곡 제 1번이 등장한다.
브람스의 교향곡 제1번이 1879년 11월에 초연되었을 때 그의 나이는 43세였다.
마흔이 넘어 첫 교향곡을 발표한 것만 보더라도 브람스가 이 작품에 얼마나 신중하게 공을
들였는지 짐작해 볼 수 있다.
작곡에 첫 돌입한 시기는 22세였다. 당시 브람스는 슈만의 만프레드 서곡을 듣고 감동을
받아 한참 관현악에 대한 열정을 불태우고 있을 때였다.
그러나 최초의 구상 아이디어는 피아노 협주곡 2번으로 모습을 바꾸어 완성되었고, 교향곡
제 1번의 진도는 좀처럼 나아가질 못했다. 브람스의 구상은 지극히 신중했다.
언제나 베토벤의 9개 교향곡을 의식하고 있었기 때문이다.
1악장을 완성한 때는 1862년, 7년 뒤의 일이었다. 그리고 12년이 지난 1874년 다시
본격적으로 작곡에 착수해 1876년 9월에 드디어 최종적으로 완성본을 얻었다.
교향곡 제1번 탄생에 20년의 세월이 걸린 것이다. 엄격하고 고지식한 성품의 브람스는 작곡도
작품 발표도 신중했다.
드디어 교향곡 제1번이 초연되었을 당시 당대의 명지휘자 한스 폰 뷜로우는 "우리는 드디어
제 10번 교향곡을 얻었다"고 감격했다는 일화가 있다.
불멸의 9개 교향곡의 뒤를 잇는 또 하나의 교향곡이라는 뜻이었다.
당시 리스트와 바그너가 전통에서 탈피한 새로운 낭만주의 음악의 열풍을 한참 일으키고 있을
때에도 브람스는 독일 전통의 고전주의 음악을 굳건히 지키고 있었다.
한편으로는 지나치게 베토벤을 의식해 브람스 특유의 개성이 드러나지 않는 작품으로
여겨지기도 한다.
클라라 슈만은 그런 이유로 이 작품을 좋게 보지 않았다.
심각한 형식, 스케일을 살려내는 것에 몰두해 브람스 특유의 선율미는 느껴지지 않는다.
그러나 전통을 계승하고 이후 등장할 새로운 교향곡 출현의 산파 역할을 했다는 점에서 대단히
중요한 작품으로 평가받고 있다.
운명 교향곡을 모범적 스타일로 삼아 작곡한 교향곡 제1번은 베토벤의 인상이 강하게 느껴진다.
특히 1악장은 운명 교향곡의 1악장, 4악장의 주제는 합창 교향곡의 '환희의 주제'를 연상케한다.
이런 유사점을 간파하고 한스 폰 뷜로우는 10번 교향곡이라고 일컫기도 했다.
그러나 장중하고 엄숙한 분위기, 심원한 깊이의 선율과 우수에 젖은 목가적인 분위기, 특히
4악장 마지막 피날레에서 모든 갈등이 해결되고 강물처럼 흐르는 긴장감 해소는 브람스 만의
감수성이 빚어낸 표현으로 그가 20년을 바쳐 얻어낸 최고의 순간을 증명한다.
■ 추천음반
샤를 뮌쉬(1968, EMI)의 녹음은 오랫동안 인구에 회자되어온 음반으로 억제되지 않는 호방한
열기와 뜨거운 감정분출이 인상적인 연주이다.
카를로 마리아 줄리니의 연주(1991, DG)는 작품의 유장한 흐름을 느릿한 템포와 중후한 음색으로
그려낸 품격이 돋보인다.
오랫동안 독일 교향악을 지휘해온 귄터 반트(1989, RCA)는 큰 스케일과 정확한 비트가 돋보이는
명연이다.
아바도의 음반(1989, DG)은 폭발과 섬세함이 정확하게 교차하는 생명력 넘치는 연주이며
구하기는 어렵지만 칼 뵘의 1959년 DG음반이 명반으로 꼽히고 있다.
카를로 마리아 줄리니 (Carlo Maria Giulini, 1914. 5. 9 ~ 2005. 6. 14)
이탈리아의 베로나 근교에 있는 바를레타에서 출생했다. 어릴 때부터 바이올린을 배웠고 고향의
음악 학교에서 공부한 뒤, 로마로 가서 이듬해부터 성 체칠리아 음악원에 입학했다.
레미 프린쉬페를 사사하여 비올라를 배웠고 알레산드로 부스티니에게서는 작곡을 배웠다.
재학중이던 1932년에는 로다 성 체칠리아 음악원 관현악단의 비올라 주자를 지냈다. 1938년
졸업과 함께 성 체칠리아 국립 아카데미로 진학해 베르나르디노 몰리나리에게서 지휘법을
배웠다.
1944년의 로마 해방기념연주회에서 로마 성 체칠리아 음악원 관현악단의 지휘자로 데뷔했으며
이때의 대성공으로 인해 그 해부터 페르난도 프레비탈리의 뒤를 이어 받아 로마의 이탈리아
방송교향악단의 지휘자로 발탁되었다.
2년 뒤인 1946년에는 음악 총감독으로 승진하였다. 1950년부터는 밀라노의 방송교향악단으로
옮겼는데 이 무렵부터 유럽 각지의 음악제를 중심으로 한 객원 활동도 활발해 졌다.
1951년에는 베르가모 음악제에서 '라 트라비아타'를 통해 마리아 칼라스와 처음으로 협연도
가졌다.
또한 이 해에는 줄리니가 지휘한 하이든의 오페라 '달의 세계'를 방송으로 청취한 대지휘자
토스카니니로부터 격찬을 받았는데 이것이 계기가 되어 토스카니니의 문하생이 되어 가르침을
받았다.
1952년에는 팔랴의 오페라를 지휘하여 밀라노의 스칼라 오페라 극장으로 진출해 1953년부터
상임 지휘자가 되었고 1954년에는 빅토르 데 사바타의 뒤를 이어 스칼라 극장의 수석
지휘자가 되었다.
그러나 스칼라 극장의 수석 지휘자의 자리도 1956년에는 사임했고 그 후에는 프리랜서가 되어
유럽과 미국 각지를 돌아다니며 객원 활동을 계속했다.
1958년에는 런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장에서 비스콘티의 새로운 연출에 의한 베르디의
'돈 카를로'를 지휘해 절찬을 받았다.
또한 1959년부터는 필하모니아 관현악단의 지휘대에도 가끔 초청되어 활약했고 1968년부터
시카고 교향악단의 수석 객원 지휘자로 임명되어 상임 지휘자인 솔티를 잇는 활약을 보였다.
더욱이 1973년에는 빈 교향악단의 수석 지휘자로 영입되어 1976년 에리히 라인스도르프에게 그
자리를 물려 줄 때까지 수석 지휘자의 자리를 지켰다.
그 후에도 그 오케스트라의 간청으로 1980년까지 수석 객원 지휘자로 머물러 있었다.
1978년 10월 뉴욕 필하모닉으로 떠난 주빈 메타의 뒤를 이어 로스엔젤레스 필하모니의 음악
감독으로 취임하여 세계 악단의 주목을 끌었는데 취임하자 곧바로 맞이한 시즌에서 개막 공연을
베토벤의 '제9교향곡'으로 장식하여, 화제를 모으기도 했다.
그 후 로스앤젤레스 필하모니에서의 평가가 점차 높아지자 레코드에 대한 평가도 급속히 높아져
거장의 대열에 올라섰다.
또한 1982년에는 오래간만에 오페라에의 컴백을 했고 코벤트 가든 왕립 오페라 극장에서의
제피렐리 연출에 의한 베르디의 '팔스타프'에의 평판은 뜨거웠다.
1982년에는 로스엔젤스 필하모닉을 이끌고 한국에 와서 세종문화회관에서 지휘했다. 줄리니는
소위 바람을 일으키는 지휘자들과는 아주 대조적인 타입이다.
자신의 음악을 차분히 연마하면서 완전히 자기 것으로 하기 전에는 레퍼토리로 삼지도 않을
뿐더러 상당한 포스트까지도 사양하는 성격이다.
그래서 무엇이나 닥치는 대로 해치우려는 오늘날의 지휘자들과는 거리가 멀다 하겠다.
이런 이유로 실력에 비해 그의 평가가 쉽게 정착되지 않았으나 근래에 와서 급속하게 성숙된
깊이와 스케일의 크기가 더해져 거장이라고 불리기 시작했으며 인기도 매우 높아졌다.
말하자면 전형적인 대기만성형의 지휘자라 하겠으며 이탈리아의 지휘자로서는 토스카니니 이래
최대의 존재라고 평해도 지나치지 않다.
그의 지휘는 구성력이 풍부하고 강인하며 스케일이 큰 표현으로 정열과 지성이 교묘하게 융합된
연주 속에는 이탈리아 사람이 아니고는 할 수 없는 노래와 풍부한 음악이 항상 저류에 있다.
레코드는 근년에 녹음한 모두가 경청할만한 명연주라 하겠는데 말러의 '교향곡 제9번'
드보르자크의 '교향곡 제8번, 제9번', 베토벤의 '교향곡 제3번, 제6번', 슈베르트의 '교향곡
제4번, 제8번, 제9번', 무소르크스키의 '전람회의 그림', 브리튼의 '세레나데'(모두 그라모폰)
등은 어느 것이나 순음악적인 엄숙하기까지 한 연주이다.
그 중에서도 더욱 훌륭한 것은 베르디의 오페라 '리골레토' 전곡(그라모폰)이라 하겠는데 가수에서
오케스트라에 이르기까지 모든 것을 완벽하게 장악해 처음부터 끝까지 긴장으로 일관된 지휘봉이
조그마한 타협도 허락하지 않고 생명력이 충만한 연주로 이끌어 압도적인 설득력을 가지고
감동으로 유도한다.
또한 정신성이 깊고 장대한 브루크너의 '교향곡 제9번', 펄먼과 협연한 브람스의 '바이올린
협주곡'(모두 에인절)도 다른 것과 비교할 수 없는 명연주라 하겠다.
3. Mendelssohn, Piano Concerto No.2 in D minor, Op.40
Rudolf Serkin(Pf) / Eugene Ormandy(cond), Columbia Symphony Orchestra
I. Allegro appasionato
II. Adagio. Molto sostenuto
III. Finale. Presto scherzando
♣ 멘델스존 피아노 협주곡 2번 D 단조 Op.40
펠릭스 멘델스존(Felix Mendelssohn). 정식 이름은 야콥 루트비히 펠릭스 멘델스존 바르톨디
(Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy)이다.
19세기 고전주의의 마지막과 낭만주의의 시작을 잇는 가교로 평가받는 그는 탄생 200주년을
맞은 지금까지도 뜨거운 사랑을 받고 있는 작곡가다.
유명한 '바이올린 협주곡'을 비롯하여 제목으로도 시적 상상력을 불러일으키는 '무언가',
지중해의 아름다움을 느낄 수 있는 교향곡 4번 '이탈리아', 몰아치는 폭풍을 수채화톤으로
담아낸 '핑갈의 동굴' 서곡과 천재성으로 가득 차 있는 '한 여름밤의 꿈' 서곡과 '결혼 행진곡'
따스한 온기가 충만해 있는 가곡 '노래의 날개 위에' 등 멘델스존이 남긴 아름다운 멜로디는
앞으로도 우리의 귓가를 맴돌며 영원한 생명력을 가질 것이 분명하다.
유명한 멜로디와 간결하면서도 함축적인 내용, 풍부한 상상력과 재기넘치는 유머로 두 세기
동안 음악 대중들을 매료시켜 왔던 멘델스존의 음악은 그 위상이 떨어진 적은 한 번도 없었다.
태어날 때부터 천재였고 10대에 이미 거장으로 숭배 받았으며 요절한 이후에는 전설로
평가받았던 작곡가였던 만큼 모차르트에 비견할 수 있을만한 유일무이한 신동이었다.
사춘기 무렵에 이미 천사로부터 엿들은 선율을 옮겨놓은 듯한 음악을 작곡했던 멘델스존은
20세기 초반 명지휘자들과 명작곡가들로부터 거의 신적인 존재로 대접받았다.
지휘자 펠릭스 바인가르트너가 저서 '베토벤 이후의 교향곡 작곡가들'에서 멘델스존에게 보낸
찬사를 본다면 쉽게 이해할 수 있을 것이다.
음악 외에도 승마를 비롯한 모든 스포츠, 언어, 역사, 수학, 천문학, 건축, 미술 등 다양한
분야에서 동일한 천재성과 통찰력을 가지고 있었다.
멘델스존의 핵심은 과연 무엇인지 생각해 보지 않을 수 없을 것이다.
대해로 흐르는 강도 근원지가 있듯이 그의 넘쳐나는 천재성에도 분명 출발점이 존재한다.
라이프치히 게반트하우스 오케스트라를 이끌며 바흐를 재발견한 지휘자 역할도 분명 무시할
수 없겠지만, 피아니스트이자 피아노 음악 작곡가로서의 멘델스존은 가치는 지금까지도 덜
조명받고 있다.
물론 누이인 파니 멘델스존이 펠릭스보다 피아니스트로서 좀 더 뛰어난 재능을 보여주었다는
기록이 남아있긴 하지만 말이다.
그의 최초의 음악적 스승은 풍부한 음악가적 기질을 가지고 있었던 어머니였다.
이후 7살 때부터 파리로 옮겨오면서 베토벤이 선호했던 피아니스트 마리 비고로부터 레슨을
받았다.
이후 베를린으로 돌아온 뒤 각 분야의 탁월한 스승들로부터 작곡, 화성, 바이올린, 그리스어,
피아노를 배워나갔다.
1818년 10월 28일 9살의 멘델스존은 피아니스트로서 최초 공개 연주회를 가졌고 1819년에는
아카데미에 입학했다.
이후 1821년 작곡가 칼 마리아 폰 베버와의 만남과 바이마르에서 괴테와의 만남을 가진
멘델스존은 일종의 내적 성숙을 경험할 수 있었고 자신의 집에서 열었던 일요 음악회에서
보다 풍부한 감수성과 정교해진 테크닉으로 교향곡과 모테트, 피아노 작품, 가곡 등을 작곡,
연주, 지휘하며 독일 내의 모든 예술가들로부터 주목을 받기 시작했다.
멘델스존은 이 무렵부터 자신의 악기였던 피아노를 위해 많은 수의 협주곡을 작곡했지만
이러한 사실조차 우리에게는 잘 알려지지 않았다.
그의 바이올린 협주곡은 베토벤의 것과 견줄 수 있을 만큼 자주 연주되고 널리 사랑받은
작품으로 자리잡았지만 유독 그의 피아노 협주곡들은 멘델스존의 신격화가 극도에 달했던
20세기 초반에도 전혀 주목받지 못했다.
이는 참 아이러니가 아닐 수 없다.
탁월한 기법과 혁신적인 내용을 담고 있는 이들 협주곡에 멘델스존의 음악정신이 담겨
있음에도 불구하고 연주 레퍼토리는 물론 레코딩에서도 환영받지 못했기 때문이다.
멘델스존은 출판된 버전으로 두 곡의 피아노 협주곡을 남겼다. 1830년부터 31년 사이 작곡한
'1번 협주곡 g단조 Op.25'와 1837년에 작곡한 '2번 협주곡 d단조 Op.40'이 그것이다.
멘델스존의 짧은 생애 가운데 중기에 속하는 작품들이다. 그런데 이 외에도 피아노 협주곡이
더 존재한다.
10대 무렵인 1823년과 24년, 누이인 파니와 함께 연주하고자 작곡한 '2대의 피아노를 위한
협주곡 E장조'와 'Ab장조' 두 곡을 작곡했고 1822년에 '피아노와 현악을 위한 협주곡
a단조'가 뒤늦게 악보가 발견되었다.
이들 작품은 마이너 레이블들을 중심으로 조금씩 레코딩되어 비로소 알려지게 되었는데 다들
화려한 로코코풍의 어딘지 모차르트 초기 피아노 작품을 연상시키는 듯한 느낌을 준다.
앞서 언급한 바대로 멘델스존이 이끌어나갔던 일요일 음악회를 위해 작곡한 피아노 협주곡이
최소 두 개 이상 더 작곡되었을 것이라 추측하지만 정식 출판을 염두에 둔 것이 아닌 만큼
그 존재 여부를 확인할 수 없다는 것이 안타깝다.
여기에 1838년에 작곡된 '피아노와 오케스트라를 위한 세레나데'와 '알레그로 지오코소 b단조
Op43', '피아노, 바이올린, 현악을 위한 협주곡 d단조'까지 넓은 의미의 피아노 협주곡
범주에 포함시킨다면 멘델스존의 피아노 협주곡 작품수는 기존에 알려진 것에서 2배 이상
늘어나게 된다.
이 정도면 멘델스존이 피아노 협주곡에 쏟아부은 노력 아니 피아노 협주곡이 그에게 있어서
얼마나 중요한 장르였는지 수치적으로 확인할 수 있을 것이다.
그렇다면 왜 이토록 그의 피아노 협주곡들은 낮은 평가를 받으며 그 적합한 권리를 얻지
못하고 있는가에 대한 생각도 짚고 넘어가야 할 듯하다.
그의 피아노 협주곡은 낭만주의 피아노 협주곡의 원형을 창시했다고 해도 과언이 아닐
것이다.
슈만이나 리스트의 협주곡이 보다 낭만주의적이라고 말할 수 있지만 엄밀한 관점에서 이들은
협주곡, 즉 Concerto라는 고전형식에 가깝다기보다는 랩소디 혹은 콘체르트슈툭
(Konzertstuck)이라는 새로운 형식을 연상시키곤 한다.
이에 비하면 멘델스존의 협주곡은 고전적 협주곡 양식을 바탕으로 낭만파 특유의 서정, 이
시대에 만개하게 된 피아노 비르투오시티를 완벽하게 결합했으며 베버에 의해 제창된 낭만파
정신을 반영한 새로운 피아노 협주곡 양식을 완성했다고 말할 수 있다.
이 정신은 후일 프랑스의 카미유 생상스에 의해 고스란히 계승되었다.
한편 멘델스존의 피아노 솔로 작품들 또한 '무언가', '론도 카프리치오소', '엄격 변주곡'
외에는 크게 주목받지 못하고 있는 것도 사실이다.
그의 작품 목록 가운데 교회음악만큼이나 많은 분량을 차지하고 있는 피아노 작품들의 음악적
위상은 대단히 높다.
그의 '세 개의 전주곡'과 '세 개의 연습곡 Op.104'나 여러 변주곡들 전주곡과 푸가와 같은
바로크 양식에 의한 작품들, '무언가'에 필적하는 새로운 형식인 '어린이를 위한 소품
Kinderstucke'이나 '음악노트 Albumblatt' 등은 대단히 혁신적인 동시에 지극히 낭만적인
작품이다.
그럼에도 불구하고 그의 피아노 작품이 아직까지도 교육적 측면만이 강조되고 있는 현상은
그의 피아노 협주곡 장르에서도 여전히 반복되고 있다.
'2번 협주곡'은 '1번 협주곡'이 발표된 지 6년 후에 완성되었다.
결혼한 직후인 만큼 한층 성숙한 책임감이나 정신력을 반영하는 듯 시종 어둡고 사색적인
느낌을 지니고 있다.
이 작품을 작곡하게 된 것은 영국의 버밍험 음악제에 초청되어 오라토리오 '성 바울'을
지휘할 때였다.
제의를 받은 멘델스존은 즉시 작곡에 착수하여 빠른 속도로 전곡을 마무리했고 1937년 9월
21일 영국 버밍험 음악제의 일환으로 초연까지 이루어졌다.
이 때도 멘델스존이 직접 연주, 지휘하여 초연에 임했다.
한층 유기적으로 통합을 이룬 구조를 보여주고 있는 이 작품은 '1번 협주곡'과 비슷한
형식을 취하고 있는데 주제가 다시 반복된다거나 끊없는 비르투오시티가 넘실거리는 것과
같은 느낌은 사라졌다.
오히려 악장의 독립성과 관현악 파트의 역할이 강조되며 2악장에 아다지오 템포의 론도
형식을 도입하는 등 한층 신선한 특색을 보이고 있다.
■ 추천음반
이 작품에 있어서 가장 고전적인 명연은 루돌프 제르킨이 유진 오먼디가 이끄는 콜럼비아
심포니 오케스트라와 필라델피아 오케스트라의 연주(SONY)를 가장 먼저 언급하지 않을 수
없을 것이다.
명쾌한 터치와 낭만적인 상상력, 고전적인 형식미를 고루 갖춘 제르킨의 손끝으로부터 울리는
사운드는 멘델스존 피아노 작품 해석의 기준이라고 감히 말할 수 있다.
현대적 해석으로는 한편 스테판 허프가 로렌스 포스터가 이끄는 버밍햄 심포니 오케스트라와
협연한 앨범(Hyperion)을 추천한다.
투명한 터치감과 신선한 아고긱 및 프레이징 처리를 통해 오케스트라와 혼열일치를 이루는
허프의 명연은 결코 잊을 수 없을 것이다.
감각적인 터치가 눈부신 장-이브 티보데의 피아노 연주와 헤르베르트 블롬슈테트가 이끄는
라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 연주(DECCA), 순수하면서도 즉흥성 높은 언드라시 쉬프의
피아노와 샤를르 뒤투아가 이끄는 바이에른 방송 교향악단의 연주(DECCA) 또한 중요하다.
루돌프 제르킨 (Rudolf Serkin, 1903. 3. 28 ~ 1991.5.8)
보히미아의 에겔에서 유태계의 러시아인의 가정에서 태어난 미국의 거장 피아니스트이다.
4세 때부터 전에 성악가였던 부친에게서 피아노의 초보를 배우고 9세 때 빈으로 나가
피아노를 리햐르트 로베르트, 작곡을 요제프 마르크스와 쇤베르크 에게 사사했다.
그리고 일찌기도 12세로 빈 필의 독주자로서 기용되어 멘델스존의 피아노 협주곡 G단조를
연주해 성공을 거두었으나 더욱 공부를 계속하여 1920년이 되어서 본격적인 연주 활동에
들어갔다.
제르킨이 친구의 집에서 후에 그의 장인이 된 명 바이올리니스트인 아돌프 부시와 만난 것도
마침 이 해여서 그의 연주를 들은 부시는 곧 자기와 연주 여행을 제의하여 그를 베를린
자택으로 초대했다.
그래서 그 초청에 응해서 베를린의 부시 가를 방문한 제르킨은 거기서 부시의 외동딸
일레네와 만났는데 당시 4세였던 그녀야말로 14년 후에 제르킨의 아내가 된 그 여성이었다.
또 베를린에서의 데뷔에서 부시의 지휘로 바하의 '브란데부르크 협주곡 제 5번'을 연주한
제르킨이 열렬한 앙코르에 응해서 놀랍게도 연주 시간이 50분이 넘는 '골드베르크 변주곡'을
연주해 버렸다는 에피소드도 널리 알려져 있다.
이리하여 피아니스트로서 순조로운 걸음을 계속하여 명성을 날린 제르킨이었지만
유태인이었기 때문에 나찌 정권 성립 후는 독일 국내에서 활동이 불가능하게 되어 마침내
1939년에 부시와 함께 유럽을 떠나서 미국으로 건너갔다.
그는 이미 1933년에 부시와 함께 워싱턴의 쿨리시 음악제에 초청되고 1936년에는 토스카니니
지휘의 뉴욕 필과 공연하여 호평을 얻었다.
미국에 건너가서는 독주자로서 한층 적극적인 활동을 하게 되어 세계 각지를 연주 여행해서
압도적인 명성을 얻었다.
또 다망한 연주의 틈을 내어 1939년부터는 커티스 음악원의 교수를 맡고 1950년 부터는
버몬트 주의 말보로에서 매년 여름 음악제와 음악학교를 주재하여 후진 지도에도 정열을
기울였다.
반 세기를 넘은 충실한 경험을 지닌 제르킨은 바하에서 바르토크에 이르는 넓은 레퍼터리를
자랑했다.
그러나 그러한 그의 음악의 중심을 이루는 것은 무어라 해도 베토벤으로부터 브람스까지의
독일 음악이라해도 좋을 것이다.
드물게 보는 긴장감이 넘친 힘찬 조형속에 작품의 본질과 그 정신성을 훌륭히 구현하고 있다.
또 A. 부시나 카잘스와 함께 실내악 연주에도 극히 충실된 연주를 들려준다.
1960년에 내한 공연을 가진 바 있다.
4. Dvorak, Violin Concerto in A minor, Op.53
Josef Suk(Vn) / Vaclav Neumann(cond), Czech Philharmonic Orchestra
I. Allegro, ma non troppo (attacca)
II. Adagio, ma non troppo
III. Finale. Allegro giocoso, ma non troppo
♣ 드보르작 바이올린 협주곡 A 단조 Op.53
많은 작품을 남긴 드보르작이 동시에 누구보다 의욕적으로 자신의 작품을 개작하는데
힘썼다는 사실은 놀라운 일이다.
그의 바이올린 협주곡의 특징은 개작의 결과로 잉태된 작품이라는 것이다.
작곡가로서 원숙의 경지에 올랐을 때에도 드보르작은 한편으로 출판업자들의 요청에
의해 그리고 다른 한편으로는 음악의 풍부함을 더하기 위해 젊은 시절에 작업한
작품의 개작에 적극적이었다.
드보르작은 이 곡을 슬라브 무곡의 첫번째 세트의 엄청난 성공으로 국제적인 명성을
빠르게 얻고 있을 때인 1879년 여름에 작곡했다.
그는 브람스의 우정어린 소개로 국제적인 명성을 얻던 독일의 출판업자를 소개
받았으며 아울러 광범위한 음악계의 영향력 있는 친구들을 소개받았다.
이들 가운데 한명이 유명한 바이올리니스트이자 브람스의 친구인 요제프 요아힘이었다.
드보르작은 1879년 7월말 요제프 요아힘을 방문하는 동안 협주곡에 대해 논의했고 이
당시 요아힘은 드보르작이 꼼꼼하게 작업했던 무수한 개작품을 추천했다.
심지어 작곡가가 협주곡의 음악적인 구조의 모든 양상을 다듬은 이런 광범위한
변경조차도 출판업자인 프란츠 심록의 조언자인 로버트 켈러에게는 불충분했다.
그는 느린 악장으로 바로 진행되는 것보다는 첫번째 악장에 새로운 종지부를 원했다.
드보르작이 조정할 수 있는 시간적인 여유는 이미 지나갔고 변화를 꽤하기를
거부했는데 적어도 첫번째 악장과 두번째 악장을 이어주는 패시지가 이 협주곡의 가장
아름다운 부분 가운데 하나라는 점이 아마도 작용하였으라 짐작된다.
프리츠 심록은 작곡가의 판단을 받아들였고 1883년 그 작품은 최종적으로 출판되었다.
아마도 요제프 요아힘은 로버트 켈러와 모종의 합의를 했으리라 짐작되는데 그가
협주곡의 헌정자였음에도 결코 대중 앞에서 이 작품을 연주하지 않았다는 사실이 이를
뒷받침한다.
이 작품은 1883년 드보르작의 친구인 체코의 바이올리니스트 프란티섹 온드리첵이
초연했다.
드보르작의 기준에 따르더라도 이 작품은 풍부한 서정성으로 가득한 작품이다.
첫번째 악장은 오케스트라의 힘찬 합주에 화답하는 바이올린의 씁쓸하면서 달콤한
선율로 대담하게 시작한다.
독주자와 오케스트라간의 주고 받음은 이 악장의 주요부분으로 이끌어 가는데
이곳에서 바이올린은 이례적으로 침묵을 지킨다.
작은 카덴챠는 느린 악장으로 절묘하게 이어지기 시작하고 이 부분의 절묘한 선율은
폭풍우 같이 몰아치는 단조의 중심부를 이루는 에피소드가 등장하며 중단된다.
16년 뒤에 작곡 될 첼로 협주곡의 느린 악장이 바로 예견되는 부분이다.
결말부는 한해 전에 작곡된 슬라브 무곡의 세계와 유사하다.
체코의 퓨리언트(furiant)의 교차선율로 수놓아진 주제부를 가진 매력적인 선율은
상쾌한 종결을 짓기 전 다채로운 에피소드의 틀을 제공한다.
요세프 수크 (Josef Suk, 1929. 8. 8 ~ 2011. 7. 7)
프라하 태생의 체코슬로바키아의 바이올리니스트로서 드보르작의 딸과 결혼한 동성 동명의
작곡가 겸 바이올니스트인 수크는 조부이며 따라서 그는 드보르작의 증손이 된다.
풍부한 음악적 환경 속에서 어릴 때부터 발군의 재능을 보인 그는 프라하 음악원에 입학해서
야로슬라프 코치안에게 사사했다.
코치안은 얀 쿠벨릭이나 짐발리스트 등과 함께 명교사 오타카르 셰프체크에게 배운 인재로
수크는 그에게서 보히미아 악파의 전통을 이어받았다.
프라하 음악원을 졸업한 후 프라하 현악 4 중주단의 제 1바이올린 주자가 되었고 1952년에는
피아노의 파넨카 및 첼로의 푸프로와 함께 수크 트리오를 결성하여 실내악 주자로서 높은
영성을 쌓아올렸다.
수크의 바이올린은 무엇보다도 어디까지나 맑은 순수 무구라고밖에 말할 수 없는 음색의
아름다움에 특징이 있다.
그것은 전혀 타의 추종을 불허하는 독특한 것으로 거기에 이 바이올리니스트의 무섭게 세련된
귀의 감각 혹은 원만하고 인간미 넘치는 감정이 반영되고 있다.
더구나 그는 잘 연마된 테크닉의 소유자이기도 하지만 그러나 그것을 과시해서 보이려는
방식과는 전혀 정반대 입장에 수크는 서 있있으며 고결하기 그지없는 자세로 일관하면서
오로지 음악의 내면적 충실에 마음을 기울인다.
허식이냐 과장, 혹은 자랑이라는 것과는 전혀 인연이 없는 바이올리니스트도 드물다.
그렇다고는 하나 그의 음악은 결코 냉엄한 것은 아니고 단정하면서도 잘 노래하며 잘 흐르고
더구나 그 속에 섬세한 시정과 음영을 담으면서 한없이 델리킷한 뉘앙스를 떠돌게 한다.
그리고 거기에 고아한 기품과 포용력을 느끼게 하는 풍격이 가해져서 듣는 이를 깊은 감동으로
이끄는 것이다.
현악기 왕국인 체코에서도 솔리스트로서는 걸출한 존재이며 현재의 바이올린계에서는 셰링과
으뜸을 다투는 실력자로 평가받고 있다.
5. Chopin, Cello Sonata in G minor Op.65
Alban Gerhardt(Vc) / Steven Osborne(Pf)
I. Allegro Moderato
I. Scherzo - Allegro Con Brio
III. Largo
IV. Finale - Allegro
♣ 쇼팽 첼로 소나타 g단조 Op.65
첼로 소나타 g단조 Op.65는 쇼팽의 유일한 첼로 소나타이며 파리 근교의 노앙에 있던
조르주 상드의 별장에서 1847년에 작곡했다.
애수에 젖은 1악장부터 론도풍의 화려한 4악장에 이르기까지 쇼팽다운 감상이 잘
나타나고 있으며 녹턴풍의 3악장에서는 첼로의 매력을 충분히 맛볼 수 있다.
3악장은 아름다운 선율로 인해 따로 연주되기도 하며, 장한나의 연주를 들은
로스트로포비치가 감동해 눈물을 흘렸다는 일화도 있다.
쇼팽은 이 곡을 오귀스트 프랑숌에게 헌정했으며 1849년에 그와 함께 초연했다.
첼로 소나타 g단조 Op. 65를 초연한 무대는 쇼팽이 대중앞에서 연주한 마지막 연주회가
됐다.
자유로운 리듬에 피아노와 첼로의 짜임새 있는 구성과 풍부한 감성의 앙상블, 그리고
서정적이면서 노래하는 듯한 아름다운 멜로디 라인 등이 이 작품의 매력으로 평가되고
있다.
6. Grieg, Peer Gynt Suite
Herbert von Karajan(cond), Berliner Philharmoniker
Suite No.1, Op.46
I. Morgenstemning (Morning Mood)
II. Ases død (The Death of Aase)
III. Anitras dans (Anitra's Dance)
IV. I Dovregubbens hall (In the Hall of the Mountain King)
Suite No.2, Op.55
I. Bruderovet. Ingrids Klage (The Abduction of the Bride and Ingrid's Lament)
II. Arabisk dans (Arabian Dance)
III. Peer Gynts hjemfart (Peer Gynt's Homecoming)
IV. Solveigs Sang (Solveig's Song)
♣ 그리그 페르귄트 모음곡
노르웨이 국민주의 음악의 대가 그리그(Edvard Hagerup Grieg, 1843~1907)는 1843년
노르웨이의 항구도시 베르겐에서 태어났다.
아버지는 북해로 새우잡이를 왔다가 노르웨이에 정착한 스코틀랜드 사람이었고 어머니는
노르웨이 여성이었다.
그리그가 태어났을 당시 노르웨이는 1536년에 덴마크에 병합되어 약 300여 년간의
지배를 받았고 1814년부터는 나폴레옹의 군대를 격파한 스웨덴의 지배를 받았다.
노르웨이가 독립국이 된 것은 1905년의 일이었다고 하니 그리그가 태어난 1843년은
노르웨이가 스웨덴의 지배를 받고 있을 때였다.
그리그는 피아니스트였던 어머니의 영향으로 어릴 적부터 피아노를 배웠다.
같은 베르겐 출신의 유명한 피아니스트 올레 불의 인정을 받아 그의 권유로 15세때인
1858년 독일 라이프치히 음악원에 유학한다.
이 시절 클라라 슈만이 연주하는 슈만의 '피아노 협주곡'도 들었고 바그너의
'탄호이저'도 여러 번 보았다 전해진다.
귀국 후 21세 때, 같은 노르웨이 출신의 젊은 작곡가였던 노르드라크와 깊은 우정을
맺었다.
이듬해 코펜하겐으로 옮긴 그리그는 덴마크 음악계의 대가인 닐스 가데와 교류했다.
그리그는 1865년에 로마를 여행했고 1870년에 리스트의 초대로 재차 로마를 방문하게
된다.
이때 그리그의 '피아노 협주곡'(1868)을 연주한 리스트는 그리그를 극찬했다고 한다.
노르웨이로 돌아온 그리그는 오슬로 음악원 부원장과 필하모니아 협회의 지휘자 등을
겸하면서 작곡에 몰두했다.
1867년에 오슬로 음악 협회를 조직하여 7년간 지휘자로 활약했고 1874년 31세 때부터
고향인 베르겐이나 오슬로에서 주로 생활하면서 노르웨이 정부로부터 국가의 종신
연금을 얻어 작곡에 전념했다.
그리그가 '페르귄트'를 작곡한 것은 이 시절이었다.
작곡가들의 작품을 작곡 분위기에 따라 두 종류로 나눠볼 수 있다.
확신에 의해서 감전된 듯 써나가는 작품이 있고 반신반의하며 회의 속에서 작곡하는
곡이 있다고 할 때 '페르귄트'는 명백히 후자에 속할 것이다.
전해지는 바에 의하면 그리그는 평소 자신의 음악 스타일이 서정적이라 극음악에는
적합하지 않다고 생각했다고 한다.
'페르귄트'를 처음 의뢰 받았을 때도 반신반의했었다고 한다.
돈 때문도 아니었고 단지 주제가 음악적이지 않아 아무런 영감도 느낄 수 없었기
때문이다.
그러나 노르웨이가 낳은 위대한 극작가 헨릭 입센의 위촉을 받고 힘을 내 작곡에 임한
결과 그리그의 최고 명곡일 뿐만 아니라 클래식 음악의 역사에서도 결코 빼놓을 수 없는
걸작 '페르귄트'가 탄생했다.
그리그는 의뢰를 받은 31세 때 이 곡을 쓰기 시작했고, 다음 해 여름에 완성했다.
처음에는 피아노 2중주 형식으로 출판했다가 뒤에 오케스트라로 편곡했다.
이 극음악은 5곡의 전주곡을 비롯하여 행진곡, 춤곡, 독창곡, 합창곡 등 모두 23곡으로
이루어져 있다.
헨릭 입센이 노르웨이 민속설화를 소재로 해서 쓴 '페르귄트'의 환상적인 내용은 다음과
같다.
주인공 페르귄트는 부농의 외아들로 태어났다. 그러나 아버지가 재산을 낭비하고 몰락해
버렸기 때문에 아버지가 세상을 떠난 후 과부가 된 어머니 오제와 함께 가난한 생활을
하고 있었다.
페르귄트는 대단히 게으른 사람이었다.
그러면서도 미래에는 자신이 잘 될 것이라 큰소리 치며 꿈을 꾸는 몽상가이자 방탕한
성격의 소유자였다.
돈과 모험을 찾아 세계를 여행하면서 기적적인 모험을 겪는 페르귄트는 남의 부인을
앗기도 하고, 험준한 산에서 마왕의 딸과 같이 지내기도 한다.
농부의 딸인 솔베이그가 나타나 서로 사랑을 맹세하지만 페르귄트는 애인인 솔베이그를
두고 늙은 어머니에게 돌아간다.
그리고 어머니의 죽음을 겪는다. 페르귄트는 다시 먼 바다로 떠난다.
아프리카에서는 추장의 딸과 사랑을 나누기도 하는 등 부와 모험을 좇아 고뇌와 유랑의
모험을 하던 페르귄트는 끝내 몰락한다.
그는 노쇠하고 비참한 모습으로 마침내 고향에 돌아온다.
고향 산중의 오막살이에는 솔베이그가 백발이 된 채 페르귄트의 귀향을 기다리고 있었다.
그리하여 페르귄트는 그를 사랑하던 여인의 품에 안겨 죽음을 맞이한다.
그리그는 후에 이 극음악 가운데 가장 뛰어난 4개의 작품을 뽑아 '제1모음곡'으로 하고
그 후에 다시 4곡을 선정하여 '제2모음곡'으로 삼았다.
제1모음곡 Op.46
1. 아침의 기분 (Morgenstimmung)
원래 4막의 전주곡으로 경쾌한 목가다. 조용한 새벽빛이 떠오르는 모로코 해안의 아침
기분을 목가풍으로 묘사했다. 이 아름다운 아침의 정경은 한 폭의 그림같이 전개된다.
2. 오제의 죽음 (Ases Tod)
느리고 비통하게 연주된다. 어머니 오제는 산에서 돌아온 페르귄트를 맞아 병상에서
아들의 공상 이야기를 들으며 임종을 맞는다.
여기서 나오는 간명한 슬픈 노래가 고독했던 늙은 어머니의 죽음을 잘 그려놓았다.
전곡을 통해 슬픔을 가장 잘 대변해 놓은 곡이고 유유한 구상에 높고 풍부한 감정과 어두운
측면이 사람의 마음을 흔들어 놓는 만가이다.
3. 아니트라의 춤 (Anitras Tanz)
4막에 나오는 아라비아 추장의 천막에서 추장의 딸 아니트라가 추는 춤곡이다.
매력적이고 깔끔한 작품으로 현악기와 트라이앵글로 연주하는 동양풍의 요염함이 돋보인다.
4. 산속 마왕의 전당에서 (In der Halle des Bergkonigs)
2막 산 속 마왕의 전당 장면이다. 개막 전부터 연주되는 행진곡풍의 곡으로 동굴에 사는
마왕의 부하들이 춤을 추면서 마왕의 딸을 페르 귄트에게 빼앗기지 않기 위해 그 주위를
돌아다닌다.
클라이막스에 이르러 멀리서 들려오는 종소리에 큰 폭음이 폭발해 악마들이 뿔뿔이
흩어져버리는 광경이 잘 묘사되어 있다.
그리그는 이 부분에 대해 "소똥 냄새가 나는 너무도 노르웨이적인 작품이다"라고 코멘트했다.
제2모음곡 Op.55
1. 신부의 약탈과 잉그리드의 탄식 (Der Bruderovet Ingrids Klage)
원곡에서는 2막의 전주곡이다. 신부의 약탈이라는 짧은 테마가 관현악을 통해 격렬하고
야성적인 절규를 하게 된다.
페르귄트는 신부를 약탈해 산으로 가지만 곧 그 여자에게 권태를 느껴 새로운 꿈을 그리며
깊은 산으로 도망치게 된다. 처음에는 약탈을 묘사한 음악이 나오지만 나중에는 의지할 데
없는 탄식을 묘사하고 있다.
2. 아라비아의 춤 (Arabischer Tanz)
4막에 나오는 아라비아 추장의 장면이다. 경쾌한 활기를 띤 춤곡으로 동양의 이국적인
매력에 반해버린 페르귄트의 심리 상태를 묘사했다.
페르귄트는 마치 예언자처럼 가장하고 춤을 구경한다. 아라비아의 아름다운 소녀들은
"예언자가 나타났으니 플루트와 탬버린이여 기뻐 소리를 외쳐라" 하면서 합장하며 춤을
춘다.
3. 페르귄트의 귀향 (Peer Gynts Heimkehr)
5막에 나오는 폭풍이 휘몰아치는 해안의 저녁이다. 페르귄트는 미국에서 금광을 하여 많은
돈을 벌었다.
돌아가는 길에 폭풍을 만나 배가 부딪혀 재산을 다 잃어버리고 알몸뚱이가 된다. 그리그는
천지를 뒤엎는 큰 폭풍우의 정경을 실감나게 표현했다.
4. 솔베이그의 노래 (Solveigs Lied)
페르귄트의 귀향을 애타게 고대하는 솔베이그의 심정을 노래한 너무나 유명한 멜로디는
이 극에서 세 번 나온다.
꿈을 그리면서 헤매던 몽상가 페르귄트는 기쁨과 슬픔이 얽힌 오랜 여정을 마치고 지친
늙은 몸으로 고향의 오막살이로 돌아오게 된다.
백발이 된 솔베이그는 페르귄트와 만나게 되는데 그는 자기를 위해 기다려준 솔베이그의
무릎에 엎드려 평화스런 죽음을 맞게 되는 것이다.
이 곡은 마쓰모토 레이지의 애니메이션 '은하철도 999'에서 메텔의 테마 음악으로도
변용되었는데 아내의 영원한 순정을 노래한 이 명곡의 내용은 이렇다.
"그 겨울이 지나 또 봄은 가고 또 봄은 가고 그 여름날이 가면 더 세월이 간다 세월이
간다. 아! 그러나 그대는 내 님일세 내 님일세. 내 정성을 다하여 늘 고대하노라 늘
고대하노라. 아! 그 풍성한 복을 참 많이 받고 참 많이 받고 오! 우리 하느님 늘
보호하소서 늘 보호하소서. 쓸쓸하게 홀로 늘 고대함 그 몇 해인가. 아! 나는 그리워라
널 찾아가노라. 널 찾아가노라"
■ 추천음반
명곡이기에 1970년대 이전에도 훌륭한 연주들이 많이 존재하는 데다가 전곡연주가
가능하게 된 1980년대 이후부터는 원어 연주와 많은 곡들을 담은 음반들이 등장하고
있는 실정이다.
가장 먼저 꼽고 싶은 연주는 북유럽의 피가 흐르는 두 지휘자인 외이빈 피엘스타트와
헤르베르트 블롬슈테트의 음반이다.
노르웨이 출신 피엘스타트의 연주에서는 넓은 폭에 꽉찬 관현악이 묵직하면서도 북유럽
특유의 그늘진 우수가 느껴진다.
스웨덴계 미국인 지휘자 블롬슈테트는 원어판을 사용해서 20곡을 발췌했는데 북유럽
가수진을 동원해 소박하고도 진지한 연주를 펼치고 있다.
에스토니아 국립교향악단과 음악감독 파보 예르비의 녹음은 2005년 이 곡의 다크호스로
등장했다.
예르비는 성악 파트를 통찰력있게 취급하여 기존의 명연이던 아버지(네메 예르비)의
연주를 넘어서고 있다.
얼마 전 세상을 떠난 주이트너의 젊은 시절 해석(1952~1953년)은 훗날 독일/오스트리아
작품들에서 보여준 풋풋하고 싱그러운 해석의 예고편처럼 들려온다.
어쩐지 소슬하게 다가오는 극적이고 회화적인 분위기도 충실하게 재현하고 있는
밤베르크 교향악단의 기량도 주목할 만하다.
[ TGIF JazZ ]
7. Jacques Loussier - The Bach Book - 40th Anniversary Album
1) Bach, Prelude No.1 in C major from The Well-Tempered Clavier, BWV 846
2) Bach, Brandenburg Concerto No.5 in D major: I. Allegro
3) Bach, Brandenburg Concerto No.5 in D major: II. Affettuoso
4) Bach, Brandenburg Concerto No.5 in D major: III. Allegro
5) Bach, Jesu, Joy of Man's Desiring
6) Bach, Gavotte in B minor from Suite in D major, BWV 1068
7) Bach, Concerto in D major for harpsichord, BWV 1054: I. Allegro
8) Bach, Concerto in D major for harpsichord, BWV 1054: II. Andante
9) Bach, Concerto in D major for harpsichord, BWV 1054: III. Allegro
자크 루시에 (Jacques Loussier, 1934 ~ )
프랑스 앙제 출생으로 파리 콩세르바투아르에서 클래식 음악공부를 하였다.
재학 중 아르바이트로 재즈와 대중음악을 연주하였는데 우연히 프랑스 데카 레코드의
스튜디오에서 J.S.바흐 작품을 재즈풍으로 연주한 것이 프로듀서의 인정을 받아 바흐의
작품을 다룬 ‘프레 바흐 시리즈’를 취입해 세계의 주목을 끌었다.
1963년 이후에는 그의 피아노를 중심으로 P.미쉬로(베이스), C.갸로(드럼)로 이루어진
트리오로 활약하였다.
교향악단을 지휘하여 '브란덴부르크협주곡'을 취입하였고 이 밖에 많은 영화음악도
작곡하였다.
[ 앨범감상 ]
8. Alison Balsom - Caprice
Alison Balsom(Tp)
1) Mozart, Rondo alla turca
2) Piazzolla, Libertango
3) Oscar Lindberg, Andante
4) Arban, Variations on Casta Diva
5) Paganini, Caprice No.24
6) Falla, El pano moruno
7) Falla, Seguidilla murciana
8) Falla, Asturiana
9) Falla, Jota
10) Falla, Nana
11) Falla, Cancion
12) Falla, Polo
13) Rachmaninov, Vocalise
14) Mozart, Der Holle Rache
15) Bach, Violin Concerto No.1 : Andante
16) Debussy, Syrinx
17) Tomasi, Trumpet concerto ; Nocturne
18) Piazzola, Escualo
앨리슨 발솜 (Alison Balsom, 1978. 10. 7 ~ )
영국 출신의 트럼펫 연주자로서 2001년도에 데뷔하였고 2002년 EMI 클래식에서 데뷔 앨범을
발표했다.
2006년 브릿 어워드(Classical BRIT Awards)에서 '올해의 젊은 클래식 음악가상'을 수상했고
2009년과 2011년 브릿 어워드에서 '올해의 여성 예술가상'을 수상하였다.
런던 챔버 오케스트라의 수석 트럼펫 주자였고 현재 길드홀 음악학교의 트럼펫 초빙교수이다.
[ 앨범감상 ]
9. Gary Karr - Audiophile Selections [XRCD]
Gary Karr(Cb/arr)
1) Londonderry Air
2) Rimsky-Korsakov/Fritz Dreisler, Song Of India
3) Benjamin Godard, Berceuse (Aus Der Oper 'Jocelyn')
4) Adolphe Charles Adam, O Holy Night
5) Leigh Harline, When You Wish Upon A Star
6) Nobody Knows De Trouble I've Seen
7) Tomaso Albinoni, Adagio In G Minor
8) George Gershwin, Summertime
9) Gabriel Urbain Faure, Apres Un Reve
10) W.Green, Playful Rondo
11) Air (From 'Orchestral Suite No.3 In D Major' - BWV 1068)
12) Minuet (From 'Notenbuh Der Anna Magdalena Bach' - BWV Anh 114)
13) Jesu Joy Of Mans Desiring (BWV 147)
게리 카 (Gary Karr, 1941. 11. 20 ~ )
게리 카는 1941년 11월 20일 미국 로스앤젤레스에서 태어났으며 러시아계(系)로서 할아버지도
아버지도 모두 콘트라베이스 연주자였다.
9세에 어린이용 콘트라베이스를 연주하기 시작하여 뉴욕 필의 수석주자이던 라인스하겐을
사사했다.
이어 줄리어드 음악학교에 진학해 재학 시절인 1962년에 번스타인이 지휘하던 뉴욕 필과
공연했다.
그 후 많지 않은 콘트라베이스의 솔리스트로서 왕성하게 활약하고 있으며 쿠세비츠키가
소유하고 있었다는 아마티의 명기를 소유하고 세계적인 연주자로 인기가 높다.
[ 앨범감상 ]
10. Astor Piazzolla - Adios Nonino [SACD]
Salvatore Accardo(Vn/cond), Orchestra da Camera Italiana
1) VARDARITO
Versione per violino e archi di Salvatore Accardo e Francesco Fiore
2) ADIOS NONINO
Versione per violino e archi di Salvatore Accardo e Francesco Fiore
Pianista: Laura Manzini
3) MILONGA DEL ANGEL
Versione per violino e archi di Salvatore Accardo e Francesco Fiore
4) JEANNE Y PAUL
Versione per violino e archi di Salvatore Accardo e Francesco Fiore
5) VERANO PORTENO
Versione per violino e archi di Salvatore Accardo e Francesco Fiore
6) TANTI ANNI PRIMA
Versione per solista e orchestra d’archi di Jose Bragato
Revisione violinistica di Salvatore Accardo
7) PRELUDIO
8) FUGA
9) DIVERTIMENTO
아스토르 피아졸라 (Astor Piazola, 1921. 3. 11 ~ 1992. 7. 4)
이미 1950년대에 본격적인 활동을 시작한 아스토르 피아졸라는 탱고의 침체기를 벗어나
새로운 혁신을 시도하고 세계적으로 탱고를 전파하는 데 지대한 공을 세운 천재적인 탱고
음악가이다.
아스토르 피아졸라와 같은 선구자들에 의해 작은 그룹의 오케스트라가 대형 오케스트라로
대체되고 탱고 연주만을 위한 콘서트도 열렸다.
이들의 음악은 춤추기 위한 음악이라기보다는 연주를 위한 곡으로 '누에보 탱고(Nuevo Tango:
최신의 탱고)'라고 한다. 누에보(nuevo)는 새롭다는 뜻의 스페인어 형용사이다.
드디어 탱고가 춤과 독립하여 콘서트장에서 단독으로 연주되는 독립된 장르로 개척된 것이다.
반도네온 연주가이면서 클래식을 공부한 피아졸라는 기존의 탱고 음악과는 전혀 다른 새로운
탱고 음악 장르를 개척함으로써 탱고 음악사에 있어 중요한 획을 긋는 인물이 되었다.
그의 '누에보 탱고'는 아르헨티나 전통 탱고의 뿌리에 클래식 특히 피아졸라가 숭배하던
스트라빈스키와 바르토크의 음악과 미국 재즈의 접목을 시도한 것이 특징이다.
가르델에 이어 탱고가 낳은 천재적인 음악가인 피아졸라는 탱고 속에 아르헨티나인의 정서가
담겨 있음을 깊이 인식하고 탱고를 보편성을 지닌 세계적인 예술로 승화시키는 것을 일생의
목표로 삼았다.
그는 무대 위에 올려지는 스테이지 탱고를 개척하고 옹호했으며 탱고에 클래식 음악과 재즈를
접목시키고 악단을 피아노, 반도네온, 바이올린, 베이스, 기타의 다섯 악기로 구성하는 실험을
하였다.
처음에는 가르델처럼 전통적인 탱고를 불순하게 타락시킨다는 비난을 받아 보수적인 고국
아르헨티나를 떠나 유럽이나 미국 등지에서 활동을 했지만 오히려 그것이 탱고를 세계적으로
전파시키는 계기가 되었다.
그 결과 오늘날 피아졸라는 전 세계적으로 가장 많은 음반이 팔린 탱고인이 되었다.
그의 음악은 우리나라에서도 이미 1970년대 기돈 크레머의 연주 음반을 통해 소개되어
오늘날에도 많은 마니아가 있다.
살바토레 아카르도 ( Salvatore Accardo, 1941.9.26 ~ )
이탈리아의 토리노에서 태어난 바이올리니스트로서 나폴리의 산 피에트로 음악원에 입학해
루이지 담브로지오에게 사사했다.
이어서 시에나의 키지아나음악원에서 프랑스의 이본느 아스트뤽여사 및 나탄 밀슈타인를
사사했다.
1955년의 베르쩨크 콩쿠르를 시작으로 이듬해 1956년에 제네바 국제 콩쿠르와 1957년에는
이탈리아 방송의 각 콩쿠르에서 잇달아 눈부신 성적을 올렸다.
1958년에는 17세로 제노바의 파가니니 국제 바이올린 콩쿠르를 제패하여 일약 명성을 날렸다.
그 이후 독주자로서 세계적인 활약을 계속하는 한편 토리노에서 실내 관현악단을 조직하여
스스로 그 리더가 되고 또 아르헤리치 및 가쩰로니 등과 실내악 연주를 정기적으로 하는 등
그 활동은 매우 다방면에 걸치고 있다.
또 이 무지치 합주단과 관계도 깊어서 그 3대째의 리더를 맡기도 했다.
빛나는 콩쿠르 경력과 더우기 오늘날에 와서는 세계적으로 손꼽는 파가니니 연주자로 알려진
것처럼 아카르도의 최대의 무기는 그 초절적인 메카닉에 있다.
그것은 두드러진 날카로움과 흔들림이 없는 정확성을 겸비하고 있으며 그는 필요한 국면
이외에는 그것을 드러내려고 하지 않는 지성의 소유자이다.
또한 자신이 태어난 고장에 어울리도록 아름답고 낭랑한 노래를 연주하는 것도 아카르도의
장점의 하나이며 그 결과 바이올린이라는 악기의 본래의 매력을 남김 없이 보여주고 있다.
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