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1. Beethoven, Choral Fantasie C-Moll Op.80
Pierre Laurent Aimard(Pf) / Nikolaus Harnoncourt(cond), Chamber Orchestra of Europe
I. Adagio
II. Finale
♣ 베토벤 '코랄 판타지' Op.80
베토벤의 '합창 환상곡(Choralfantasie('은 피아노 협주곡에 성악과 합창을 결합시킨 매우
독특한 작품이다.
피아노와 오케스트라가 함께 연주한다는 점에서 이 곡은 피아노 협주곡이라고 할 수 있다.
하지만 전반부에 피아노가 혼자서 상당히 긴 시간 동안 자유로운 악상을 화려하게 펼치는
것을 보면 환상곡에 가깝다는 느낌이 든다.
그런가 하면 후반부에 중창과 합창이 잇달아 등장하는 부분에서는 베토벤 '교향곡 9번
합창'을 연상시킨다.
이렇게 독주 피아노를 위한 환상곡과 피아노 협주곡, 합창교향곡이 서로 중첩되어 형식의
교집합을 이루고 있는 것이 바로 '합창 환상곡'이다.
고전음악 사상 전례가 없는 파격적인 형식이며 당대에도 이런 편성은 사실 유례가 없는
것이었다.
이 곡의 장르는 협주곡이나 교향곡 그 어느 범주에도 속하지 않는데 그래서인지 작곡가
자신도 제목을 그냥 편하게 '환상곡'이라고 붙였다.
'합창 환상곡'은 오늘날에는 그리 높은 평가를 받지 못하지만 베토벤 창작 활동 가운데서
매우 중요한 위치를 점하는 곡이다.
이 곡의 주제는 1795년 베토벤이 작곡한 가곡 '사랑의 응답 WoO118'에서 따온 것이며
'교향곡 9번 합창'(1824)의 초석을 이루고 있기 때문이다.
이 작품과 '합창 교향곡' 사이에는 조성이나 주제의 성격, 주제를 변주시키며 발전시키는
작곡기법, 행진곡풍 악구를 삽입하는 등 많은 유사점이 존재한다.
'합창 환상곡'은 1808년 12월 작곡돼 12월 22일 빈에서 초연됐다.
러나 피아노 도입부는 초연 때는 베토벤이 즉흥적으로 연주했고, 1809년 오늘날의 형태로
작곡됐다.
시는 곡이 나온 뒤에 붙여졌는데 카를 체르니에 의하면 시를 쓴 사람은 쿠프너(Christoph
Kuffner, 1780~1846)라고 하는데 확실치는 않다.
작품은 바이에른 왕 막시밀리안 요제프에게 헌정되었다.
'합창 환상곡'이 오늘날 형태로 완성된 지 14년이 지난 1823년 베토벤은 서양음악 역사상
처음으로 교향곡에 합창을 도입해서 세상 사람들을 놀라게 했다.
하지만 위에서 언급했듯이 베토벤으로서는 이런 시도가 처음이 아니었다.
그런 의미에서 '합창 환상곡'은 '합창 교향곡'과 같은 걸출한 작품의 탄생을 위한 일종의
전초전이자 실험적인 통과의례 같은 것이었다고 할 수 있다.
'합창 환상곡'은 크게 세 부분으로 구성되어 있다.
피아노 독주, 오케스트라와 피아노의 협주, 피아노와 오케스트라, 합창의 협주 이렇게 세
부분이다.
피아노 독주 부분은 환상곡이며 오케스트라와 피아노가 협주하는 부분은 변주곡 그리고
중창과 합창이 들어가는 마지막 부분은 칸타타에 가깝다.
1부. 곡은 먼저 피아노의 장중한 독주로 시작한다.
피아노 한 대가 거의 오케스트라의 몫을 해내며 자유로운 환상곡풍의 선율을 연주한다.
그러던 중 콘트라베이스가 피아니시모로 행진곡풍 선율을 연주하며 오케스트라가 살며시
들어오며 2부가 시작된다.
곧 이어 피아노와 본격적으로 주제선율을 주고받으며 악상을 전개시켜 나간다.
8개의 변주가 이어지는데 제1변주는 플루트와 피아노, 제2변주는 오보에 두 대와 피아노,
제3변주는 클라리넷 3대와 바순, 제4변주는 현악 4중주... 이처럼 악기를 늘려간다.
제5변주에서는 팀파니도 가세한다.
이어 피아노가 전면에 나서는 간주가 계속되며 제6변주에서 피아노와 오케스트라가
연주하는 하행 선율과 펼침화음에 의한 자유로운 악구를 거쳐 제7변주에서 피아노가
활약하고 제8변주는 활기찬 행진곡이다.
이후 피아노와 현악기의 피치카토에 의한 간주가 이어지며 3부로 들어간다.
전체적인 곡에서 이 중간 부분이 차지하는 비중이 제일 크다.
사람의 목소리는 곡의 후반부 3부에 이르러서야 등장한다.
처음에는 여성 솔로 3중창이 '우리 삶의 조화는 즐겁고 부드럽고 사랑스럽게 울린다'
부분의 가사를 노래하고 이어 남성 솔로 3중창이 '음의 불가사의한 힘이 지배하고
신성한 언어가 이야기될 때 영광이 만들어지며'라고 노래하는 등 독창자들이 주제선율을
받아 부른다.
그러다 잠시 후 성악과 기악이 함께 연주하며 합창이 '마음에 다가오는 위대한 것이
새롭게 꽃 피네'라고 노래하며 합류한다.
이때부터 피아노와 중창, 합창, 오케스트라가 절묘하게 조화를 이루며 '아름다운 혼이여,
예술이라는 선물을 기쁘게 받으라. 사랑과 힘이 손잡을 대 인간이 신의 은혜에 보답할
수 있으리'라는 구절을 되풀이하면서 숨 가쁘게 클라이맥스로
달려간다.
그리고 흥분이 채 가시기도 전에 곡은 장려한 피날레로 막을 내린다.
■ 추천음반
1991년 12월 31일 베를린 필 질베스터 콘서트 실황인 키신(피아노)과 아바도/베를린
필/RIAS 체임버 합창단의 연주(DG)는 단지 '합창 교향곡'의 파일럿 작품으로서가
아니라 '합창 환상곡' 자체에 결합된 피아노 협주곡과 칸타타의 요소를 생동감 넘치게
표현해 냈다.
바렌보임(피아노)/클렘페러/뉴필하모니아 오케스트라(EMI)는 거침없이 나아가는
피아니스트를 굳건하게 뒷받침하는 오케스트라가 힘이 넘친다.
이런 올드 스타일의 대척점에 있는 것이 멜빈 탄(포르테피아노)/로저 노링턴/런던
클래시컬 플레이어스의 연주(Virgin)다.
가볍고 부담없는 스타일로 곡을 있는 그대로 조망하는 소박함이 돋보인다.
끝으로 최근 녹음 중에는 로날트 브라우티함(피아노)/앤드류 패롯/노르셰핑 심포니(Bis)의
연주가 섬세함과 자연스러움을 극대화시킨 연주로 주목된다.
2. Beethoven, Symphony No.3 in E-flat Major, Op.55 'Eroica'
Karl Bohm(cond), Wiener Philharmoniker
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre Adagio assai
III. Scherzo Allegro vivace Trio
IV. Finale Allegro molto Poco andante
♣ 베토벤 교향곡 3번 E 플랫 장조 Op.55 '영웅'
베토벤의 '교향곡 3번' '영웅'은 장애를 딛고 일어선 한 예술가의 당당한 자기 확신이며
거칠 것 없는 외침과도 같은 곡이다.
베토벤은 1802년 고질적으로 앓아오던 귓병이 급속도로 악화되어 거의 들을 수 없었으며
그해 10월 6일 세상에 알려지지 않았던 '하일리겐슈타트의 유서'를 작성하여 두 동생에게
남긴다.
"…… 만일 죽음이 나의 모든 예술적 재능을 충분히 발휘할 만한 기회를 갖기도 전에
찾아온다면 아무리 내 운명이 험난한 상황에 처해 있다고 하더라도 너무 일찍 찾아왔다고
해야 할 것 같다. 죽음이 조금 더 늦게 찾아오기를 바란다. 그러나 이대로 죽는다 해도
난 행복해 할 것이다. 죽음이 나를 끝없는 고뇌에서 해방시켜 줄테니까. 죽음아 올 테면
오너라 용감하게 그대를 맞아주마……"
베토벤은 이 비장한 유서에 담긴 각오를 통해 새로운 인생을 시작했다.
음악적으로도 1801년~1803년 사이엔 하이든과 모차르트의 영향에서 완전히 벗어난 새로운
어법을 창조해내기 시작했다.
그의 특징적 작법은 매우 건축적이며 장대한 기상과 함께 강렬한 개성을 보여주고 있었다.
베토벤의 가장 유명한 교향곡들 중 하나인 '영웅 교향곡' 역시 이러한 배경 아래 탄생하게
되었다.
이 작품으로 인해 베토벤은 그의 창작 시기 중 가장 드라마틱하고 혁신적이라고 불리는
시기로 완전히 들어서게 된다.
물론 참담하고 비장한 분위기로 가득한 '하일리겐슈타트의 유서' 처럼 베토벤이 목숨을
끊지는 않았다.
그러나 유서에 담겨있는 예술가로서의 투쟁과 불굴의 의지는 당시 베토벤의 창작세계를
완전히 지배하고 있다.
이 무렵에 작곡한 작품들에서는 투쟁, 갈등, 대립이 화해되며 종결되는 양식이 드러난다.
특히 '영웅 교향곡'에서 나타나는 개별 악장들의 확장된 스케일, 50여 분에 이르는 긴
연주시간과 내용적 심화는 습작적인 면모를 보이던 이전의 작품들과는 달리 큰 변화를
보이고 있는 요소다.
'하일리겐슈타트 유서'에 나타난 비장한 각오가 '영웅 교향곡' 전 악장의 정신세계를
지배하고 있는 것이다.
이 작품은 1802년에 작곡하기 시작하여 1804년 봄에 완성되었고 1805년 오스트리아의
빈에서 초연되었다.
초연의 결과는 참담했다. 당시 대중들은 이 곡의 거친 형식미와 광폭하고 야수적인 음향
그리고 긴 연주시간에 거부반응을 보였다.
그러나 베토벤은 이때부터 자신의 내면을 담은 열광적인 작품들을 미친듯이 쏟아내기
시작했다.
'3번 교향곡'을 통해 비로소 베토벤만의 세계가 폭발하기 시작했던 것이다.
베토벤은 독일과 오스트리아의 전제 군주정치에서 비롯된 폐해를 누구보다도 깊이
실감하고 있었다.
이러한 정치적 상황은 베토벤에게 프랑스 혁명의 혼란으로부터 나라를 일으켜 세운
나폴레옹에게 강하게 이끌리게 만드는 계기를 만들어 주었다.
베토벤의 전기를 쓴 안톤 쉰들러에 따르면 당시 빈 주재의 프랑스 공사였던 베르나도트
장군이 이런 의지를 촉발시켰던 것으로 전해진다.
베토벤은 베르나도트 장군에게서 나폴레옹에 대한 이야기를 듣고 이 위대한 교향곡의 첫
걸음을 시작하게 되었다.
공화주의의 이상과 새로운 시대의 지도자 나폴레옹에 대한 존경심이 이 교향곡에 대한
최초의 발상을 제공한 셈이다.
하지만 '영웅 교향곡'의 음악적 실체는 베토벤이 이 작품의 형태를 구상하기 훨씬 전으로
거슬러 올라간다.
널리 알려진 것처럼 베토벤은 기존에 완성한 자신의 작품인 발레곡 '프로메테우스의
창조물', '시골풍 무곡 WoO 14-7', '피아노를 위한 주제와 변주 Op.35'를 '영웅 교향곡'
피날레 악장에 인용했다.
이 3개의 곡 중에서 '영웅 교향곡' 해석의 가장 중요한 열쇠를 지니고 있는 작품은
1801년에 작곡한 발레곡 '프로메테우스의 창조물'이다.
이에 관해서는 음악학자 콘스탄틴 플로로스의 주장이 다소 설득력이 지니고 있는 것처럼
느껴진다.
플로로스는 발레곡 '프로메테우스의 창조물'에서 베토벤이 나폴레옹에게 보내는 은밀한
찬사가 등장한다고 주장한다.
'프로메테우스의 창조물'의 구심점을 이루는 작품은 이탈리아의 시인이자 극작가인
빈첸초 몬티의 서사시인 '프로메테오'이다.
베토벤은 이 서사시를 통해 인류에게 불을 선물한 프로메테우스를 ‘공화주의자’에
비유하면서 나폴레옹의 혁명 정신을 찬양하고 있다는 것이다.
동시에 베토벤 자신의 새로운 예술을 불멸의 프로메테우스에 빗대고 있다.
나폴레옹에 대한 베토벤의 지대한 관심에도 불구하고 '영웅 교향곡'은 나폴레옹이라는
이름을 갖지도 못했고 헌정되지도 않았다.
베토벤은 완성된 악보에 “보나파르트 교향곡”이라고 써넣었고 그를 로마의 위대한
집정관으로 비유하곤 했다.
그러나 결국 나폴레옹이 스스로 황제의 자리에 올라섰다는 소식을 듣자 불같이 화를
냈다고 한다.
“그도 역시 평범한 인간에 지나지 않는다. 자신 이외의 모든 인간 위에 올라서서
독재자가 되고 싶은 것이다”라고 소리치며 나폴레옹의 이름이 적혀있던 악보의 표지를
찢어서 내팽개친 것으로 전해진다.
베토벤의 제자이자 전기 작가인 페르난디트 리스에 의해 전해지는 이 유명한 일화는
역사적 사실이지만 애꿎게도 당시 나폴레옹을 깎아내리고 싶어 했던 영국의 속셈을
드러내는 단편적인 사건으로 이용되기도 했다.
나폴레옹의 황제 즉위에 크게 실망한 베토벤은 작품의 제목이었던 “보나파르트
교향곡”을 빼버리고 '신포니아 에로이카 ？ 한 위대한 인물을 추념하기 위해'라고
제목을 수정했다.
이 흔적은 현재 사본 악보와 함께 오스트리아 빈에 보존되어 있다.
■ 추천음반
명성만큼 뛰어난 연주가 많아 4장 외에도 명연이 수두룩하다.
칼 뵘(DG)의 연주 중에는 베를린필과의 연주가 뛰어나다. 베를린필의 중후한 음향과
공격적인 진행이 인상적이다.
줄리니(DG)의 연주는 유려한 흐름과 서정적인 전개가 돋보이인다.
카라얀(DG)의 80년대 녹음 역시 디테일한 표현력과 특유의 화려한 색채감각, 박력으로
작품에 생기를 불어넣었다.
하이팅크와 LSO의 연주는 명확함이 빛나는 연주로 미세 현미경으로 들여다보듯이
작품을 지휘했다.
이외에도 푸르트뱅글러와 토스카니니의 명연도 빼놓을 수 없다.
카를 뵘 (Karl August Leopold Bohm, 1894. 8. 28 ~ 1981. 8. 14)
오스트리아의 명지휘자 뵘은 그라쯔에서 태어났다. 그라쯔 음악원에서 공부하고 졸업한
다음 빈에 와서 만디체프스키를 사사했다.
지휘자로서의 첫 발은 1916년 22세 때 그라쯔 가극장의 연습 지휘자로서 내디뎠다.
1920년에 주임 지휘자가 되었는데 그동안 그라쯔 대학에서 법률을 공부하여 1919년에
법학박사 학위를 땄다.
그의 지휘자로서의 수완은 왕년의 대지휘자 칼 무크의 인정을 받아 브루노 발터에게
추천되었다.
발터는 당시 독일의 중견으로서 뮌헨에 근거를 두고 화려한 활약을 하고 있었는데 1921년에
뵘을 바이에른 국립가극장의 지휘자로 맞았다.
그 후 1927년에 다름시타트 가극장의 총 감독, 1931년에 함부르크 가극장의 음악감독,
1934년에 드레스덴 국립가극장의 음악감독을 역임했다.
뵘의 이름이 널이 알려지게 된 것은 이 드레스덴 시대로서 1939년까지 이 지위에 있었다.
그리고 1942년에는 드디어 빈 국립가극장의 음악감독으로 초빙되어 금의환향했다.
빈에는 1945년까지 재임했는데 제2차대전 후에도 52년부터 56년까지 이 가극장의
총음악감독으로 근무했다.
1955년에는 재건된 새 오페라 하우스의 오프닝을 지휘해서 세계의 주목을 끌었다.
그러나 유감스럽게도 국제적으로 눈코 뜰새없이 바쁜 뵘은 종종 미국으로 가서 빈을 비울
때가 많아져 업계에서 불평이 많았다.
그러자 그는 자기는 더 자유롭게 연주 활동을 하고 싶다고 밝히면서 총감독의 지위를
카라얀에게 물려주었다.
빈의 숨막히는 사교를 싫어한 탓도 있고 카라얀파의 음모도 있었지만 그 후 그는 자유로운
몸으로 1957년에는 메트로폴리탄 가극장에 진출하였다.
1962년부터는 바이로이트 음악제에서도 활약을 계속하는 등 뵘의 가장 정력적인 음악이 전
세계에 울려퍼지게 되었다.
오케스트라에 있어서는 빈 필하모니와 가장 밀접한 관계에 있다.
이 명문 오케스트라는 1954년 이해 상임지휘자를 두지 않고 있었는데 1970년에 뵘을
상임지휘자로 초빙한다는 말이 있자 그는 모든 일에 속박되기를 싫어하여 이를 사양했기
때문에 이 악단에서는 종신 명예지휘자 칭호를 수여했다.
그의 60세, 75세, 80세의 탄생 기념 콘서트도 모두 빈 필하모니와 함께 했다.
1964년에는 지휘자에 주는 최고 칭호인 '오스트리아 음악총감독'을 받았는데 이것은 샬크
이래 처음 있는 일이며 현재는 뵘만이 이 칭호를 가지고 있다.
또한 1974년에는 빈 악우협회의 명예회원으로 추대되는 등 음악의 도시 빈과 뵘의 관계는
더욱 친밀하게 되었다.
뵘은 오스트리아 태생이며 빈 사람들에게 특히 사랑을 받고 있는데 그의 예술적인 기질은
오히려 독일풍에 가깝다.
독일과 오스트리아는 다같이 독일어를 쓰는데 그 발음은 상당히 다르다. 독일은 딱딱하고
오스트리아 특히 빈은 부드럽다.
그런데 뵘의 음악의 발음은 시종 딱딱하며 울림도 딱딱하다. 유려함, 전아함, 넘칠 듯한
매혹, 감미로움 등 빈 음악을 대표하는 특질과는 반대되는 데에 그의 표현은 확립되어 있다.
이것은 대단히 흥미로운 현상이다.
예컨대 독일에서 태어나 빈에서 활약한 발터 같은 사람이 훨씬 빈의 음악 취미에 가깝게
우리에게는 들리는데 빈 사람들 중에는 발터는 빈풍이 아니라고 저항을 나타내는 경우가
있다. 아무래도 피는 물보다도 진한가 보다.
어쨌든 뵘의 음악은 무뚝뚝하며 감미롭지 못하다. 그러나 뵘의 음악은 씹을수록 맛이 나며
칼로리가 높다.
뵘을 현역 지휘자와 비교하면 므라빈스키는 정반대의 타이프이다. 므라빈스키는 천재이며
그 감수성은 비상하고 범인은 헤아릴 수 없는 깊이를 지니고 있다.
뵘은 현장에서 갈고 닦아 정상에 이른 사람이며 물론 범재는 아니다. 음악성 만점인 오히려
우등생 타이프이다.
그 음악은 겉만 반지르하고 청중의 귀를 달콤하게 하는 무드성이나 오락성, 매력 따위는
전혀 없다.
그는 언제나 진지하게 음악의 내용과 형식을 완전히 균형있게 잘 통일시키려고 한다.
'내용과 형식의 엄격한 통일'이야말로 뵘이 일생을 걸고 추구해 온 것임에 틀림없다.
즉 연주가는 음악의 내용을 살리려면 아무래도 형식을 무너뜨리면 듣는 사람은 무슨
음악인지 잘 모르게 될 우려가 있다.
이 모순을 해결하는 일은 비단 뵘 한 사람뿐만 아니라 모든 연주가의 과제인데 뵘은 강인한
형식을 단련해 나가려는 강한 의지를 실감시키기 위해 한층 더 절박한 문제로 된다.
뵘의 전성기는 1950년대 60년대인데 그 이전은 조형의 스케일이 크지 못했고 그 이후에는
스케일만은 크지만 내용보다도 형식의 훌륭함이 지나치게 우선하고 있다.
'내용과 형식의 통일'이란 양자의 격렬한 부딛침이며 싸움이다.
처절한 싸움을 연출하면서 양자는 일촉즉발 속에서 어느 한쪽이 약간이라도 우위에 서면
형식이 무너져 긴장력이 상실된다는 아슬아슬한 가운데서 균형을 잡아 나가야 하는 것이다.
약력
1920 ~ 그라쯔 가극장 주임 지휘자
1921 ~ 바이에른 국립가극장의 지휘자
1927 ~ 다름시타트 가극장의 총감독
1931 ~ 함부르크 가극장의 음악감독
1934 ~1939 드레스덴 국립가극장의 음악감독
1942 ~1945 빈 국립가극장의 음악감독으로 초빙
1952 ~1956 빈 국립가극장의 총음악감독으로 근무
1957 ~ 메트로폴리탄 가극장에 진출
1962 ~ 바이로이트 음악제에서 활약
3. Chopin, Piano Concerto No.2 in F minor Op.21
Martha Argerich(pf) / Charles Dutoit (Conductor), Orchestre Symphonique de Montreal
I. Maestoso
II. Larghetto
III. Allegro vivace
♣ 쇼팽 피아노 협주곡 2번 F 단조 Op.21
스무 살의 쇼팽이 살던 폴란드 바르샤바는 독립을 위한 민중 봉기가 일어나기 직전이었다.
혼란스러움을 벗어나고자 조국을 떠나기로 결심한 그는 가족과 마지막 휴가를 보낸 뒤
1830년 10월 11일 폴란드에서 마지막 연주회를 열었고 바로 이 자리에서 '피아노 협주곡
1번' e단조를 초연했다.
환송식이 열린 자리에서 폴란드의 흙이 담긴 은잔이 그에게 수여되었다.
11월 2일, 쇼팽은 “죽기 위해 떠나는 것 같은 기분이다”라는 느낌을 뒤로 한 채 다시는
밟아보지 못할 폴란드의 땅에게 영원한 작별을 고한다.
1829년 8월 빈에서 성공적인 연주회를 마치고 바르샤바로 돌아온 쇼팽은 피아노 협주곡을
작곡하기 시작했다.
바르샤바 음악원 졸업과 빈에서의 성공은 쇼팽이 본격적으로 피아니스트이자 작곡가로서의
미래를 계획하고자 하는 계기가 되었고 이에 자신을 알리기 위한 수단으로 피아노
협주곡을 작곡하지 않을 수 없었다.
이 무렵 열 아홉 살의 쇼팽은 처음으로 여인에게 사랑의 감정을 느끼게 된다.
쇼팽의 일방적인 짝사랑으로 끝이 났지만 처음 느끼는 강렬한 기분과 뜨거운 가슴이
고스란히 음악으로 녹아들어 바르샤바 시대의 절정을 장식하는 두 개의 피아노 협주곡이
탄생할 수 있었던 것이다.
그의 친한 친구인 티투스 보이체코프스키(Tytus Woyciechowski)에게 1829년 10월 3일에 쓴
편지에 '피아노 협주곡 2번'에 대한 내용이 적혀있다.
“나는 내가 진심으로 숭배할 수 있는 이상형을 찾았다네. 매일 밤 그녀 꿈을 꿀 정도야.
그러나 그녀를 처음 본 지 6개월이 지나도록 나는 한 마디 말도 건네지 못하고 있네.
협주곡 f단조의 느린 악장을 작곡하면서 그녀를 떠올리곤 하지.”
그 상대는 폴란드 음악원의 학생이었던 성악가 콘스탄치아 글라드코프스카(Konstancja
Gladkowska)였다.
그녀는 자신을 짝사랑한 쇼팽의 마음을 눈치채지 못했고 쇼팽이 세상을 뜨고 난 뒤 모리츠
카라소프스키가 쓴 쇼팽 전기를 접하고서야 비로소 진실을 알게 되었다고 한다.
곧 잊어버리게 된 이 풋사랑에 대한 감정이 '피아노 협주곡 2번' f단조의 라르게토 악장과
'피아노 협주곡 1번' e단조의 로망스 악장에 충분히 표현되어 있음을 쇼팽 생전에 알고
있었던 사람은 오직 친구 티투스 보이체호프스키뿐이었다.
그의 소심한 마음 때문인지 이 '2번 협주곡'은 글라드코프스카에게 헌정되지 않고, 몇 해
뒤 파리 시절 친교를 맺은 미모의 백작 부인 델핀 포토카에게 헌정되었다는 아이러니한
사연을 가지고 있다.
아름다움에 대한 새로운 차원을 제시한 쇼팽의 피아노 협주곡은 낭만주의 협주곡 양식의
새로운 전기를 마련한 작품으로 평가받았음에도 불구하고, 피아노와 오케스트라 사이의
불균형이 단점으로 오랫동안 지적받아 왔다.
쇼팽 스스로도 오케스트라 반주 없이 솔로 파트만 연주했던 것을 미루어본다면 그가
오케스트라 부분을 그다지 중요하게 생각하지 않았음을 알 수 있다.
파리 시절에도 주위에서 폴란드 고유의 양식을 대변할 만한 오페라를 작곡하라고
부추겼지만 자신의 미숙한 관현악 기법을 알고 있었던 쇼팽은 솔로 피아노를 위한 작품에
더욱 집착했다.
그러나 이를 안타깝게 여겼던 많은 작곡가들이 그 관현악 파트를 보강하고자 했다.
그 대표적인 개정판으로 쇼팽의 친구이자 후원자였던 리스트의 제자 칼 타우지히가 교정한
'1번 협주곡'과 카를 클린트보르트(Karl Klindworth)의 '2번 협주곡'을 꼽을 수 있다.
쇼팽은 피아니스트로서 단 30여 회의 대중 연주회를 가졌다. 이 가운데 절반 정도는
협주곡을 연주했는데 특히 1번을 자주 연주했다.
1830년 11월 폴란드를 떠난 그는 빈, 브레슬라우, 뮌헨, 파리를 경유하며 개최한
연주회에서 '1번 협주곡'을 연주했지만 그 이전에 작곡한 '2번 협주곡'만큼 뜨거운 반응을
얻지는 못했다고 한다.
1832년 2월에 가진 정식 파리 데뷔 연주회에서야 비로소 '1번 협주곡'은 그가 기대했던
수준의 찬사를 이끌어내게 되었다.
이후 성공적인 평가를 받은 '1번 협주곡'은 파리에서의 쇼팽의 위상을 확고하게 하는데 큰
기여를 하게 된다.
'2번 협주곡'은 1830년 3월 17일 바르샤바 국립극장에서 초연되었는데 이 공연은 쇼팽의
바르샤바 정식 데뷔 무대이기도 했다.
당시 관습에 따라 1악장 연주를 마치고 난 뒤 호른과 현악기를 위한 즉흥곡을 한 곡
연주하고 2, 3악장을 연주했다.
초연 당시의 여러 신문들은 이 협주곡의 아름다운 멜로디와 쇼팽의 뛰어난 연주에 대해
아낌없는 찬사를 보냈다.
특히 당시 비평 중에 오케스트라 튜티 부분이 피아노와 잘 어우러지며 협주곡의 정신을
완벽하게 전달했다는 비평이 이채롭다.
현재 작품번호는 제1번 e단조가 Op.11로 앞서 있지만 사실은 제2번 f단조 Op.21이 한 해
먼저 작곡되었다.
이렇게 작곡 순서와 출판번호가 뒤바뀐 이유는 쇼팽이 먼저 작곡한 2번에 비해 나중에
쓴 1번을 더 만족스러워했기 때문에 이를 먼저 출판했던 것으로 추측된다.
■ 추천음반
가장 고전적 명반이자 건강한 생명력이 돋보이는 루빈스타인의 녹음(RCA)은 자의적이거나
도취적인 스타일을 배재하고 폴란드 고유 정서와 때묻지 않은 순수함을 강조한 연주다.
상송 프랑수아의 연주(EMI)는 즉흥성 넘치고 자유분방한 스타일이 감각적으로 다가오는
해석이며, 마르타 아르헤리치가 지휘자 뒤투아와 함께 한 연주(EMI) 또한 쇼팽의 찬연한
아름다움과 서정성을 잘 살려낸 명연이다.
침메르만의 두 번째 녹음(DG)은 작품에 대한 가장 완벽주의적이면서도 폴란드적인 해석의
표본으로 쇼팽 해석에 대한 새로운 정의라고 말할 수 있다.
마르타 아르헤리치 (Martha Argerich, 1941.6.5 ~ )
부에노스아이레스에서 태어난 아르헨티나의 여류 피아니스트로서 일찍부터 재능을 나타내어
수많은 준재를 키운 명교사 스카라무짜에게 배웠다.
8세 때에 남미의 대표적인 연주회장인 콜론 극장에서 모짜르트 협주곡 제 20번과 베토벤의
협주곡 제 1번을 쳐서 데뷔를 장식하여 절찬을 받았다고 한다.
그 뒤 1955년 외교관이던 부친과 함께 유럽으로 건너가 스위스에서 니키타 마갈로프와
리파티 부인을 사사하고 또 빈에서 프리드리히 굴다의 가르침을 받은 뒤 폴란드 출신의
스테판 아스케나제와 이탈리아의 명인베네데티-미켈란젤리를 사사했다.
이 사이에 이미 1956년부터 유럽 각지에서 연주회를 열고 이듬해인 1957년에는 이탈리아의
보르짜노에서 열린 부조니 국제 콩쿠르에서 우승햇다.
또 제네바 국제 콩쿠르에서도 폴리니(제2위)를 누르고 우승하여 널리 유럽악단의 주목을
끌었다.
그리고 이듬해 1960년에는 이 젊은 재능의 장래를 재빨리 인정한 독일 그라모폰과 계약을 맺어
레코딩을 하였다.
그러나 무어라 해도 아르헤리치의 이름이 일약 세계적으로 클로즈업된 것은 1965년의 제7회
쇼팽 콩쿠르에 우승과 (동시에 '마주르카 상'도 수상)했을 때부터이다.
유럽 각지에서 연주회를 개최함과 동시에 이듬해인 1966년에는 미국에서도 데뷔하고 또
1967년에는 에든버러 음악제에 출연하는 등 눈부신 활동을 가져, 항상 압도적인 호평을 받고
있다.
여성이라고 느껴지지 않을 만큼 날카로운 터치와 다이내믹한 표현, 풍부한 음을 가진 그녀의
연주는 또한 남다른 예민한 감각을 갖추고 있다.
더구나 그 예민하고 날카로운 감각이 단순히 그것에만 크치지 않고 항상 샘솟는 듯한 음악에의
감흥과 정열을 수반한 것에 아르헤리치의 남다른 매력이 있다고 할 수 있다.
그리고 그러한 그녀의 특질은 쇼팽과 리스트를 중심으로 한 낭만파로부터 근대 작품에 있어서
특히 훌륭한 성과를 거두고 있는데 근년에는 분방한 정열에 작품에 대한 보다 원숙하며 지적인
어프로우치를 가해서 한층 부드럽고 내면적인 깊이를 더한 잘 연마된 표현을 들려 주고 있다.
또 실내악에 있어서도 타고난 날카로운 감각을 발휘하여 뛰어난 녹음을 남기고 있다.
4. Mendelssohn, Violin Concerto In E Minor, Op.64
Anne-Sophie Mutter(Vn) / Kurt Masur(cond), Gewandhausorchester Leipzig
I. Allegro Molto Appassionato
II. Andante
III. Allegretto Non Troppo - Allegro Molto Vivace
♣ 멘델스존 바이올린 협주곡 E단조
펠릭스 멘델스존이 자신의 두 번째 바이올린 협주곡을 완성하게 된 1844년 여름에는 그
자신도 이 작품의 성공을 확신할 수 없었다.
멘델스존은 당시 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 콘서트마스터로 활약하고 있던
페르디난트 다비트의 연주에 영감을 얻어 E단조의 협주곡을 작곡하게 된다.
1838년부터 이 작품의 작곡을 시작했지만 완성(1844)까지 무려 6년의 시간이 소요될 만큼
심혈을 기울여 작곡했다.
음악적으로 세 개의 악장이 이어져 있고 시작하자마자 독주 바이올린이 음악적 방향타를
제시하는 새로운 방식은 동시대 청중에게 강렬한 인상을 남겼다.
1845년 3월 13일 닐스 가데가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스와 다비트의 협연으로
초연이 이루어졌다.
그리고 2년 후에 멘델스존이 사망하면서 이 작품은 그의 음악적 초상으로 기억된다.
지난 160여년 동안 멘델스존의 바이올린 협주곡은 연주자들에게나 음악애호가들에게나
엄청난 사랑을 받고 있다.
한 번 들으면 머리에 쏙 기억되는 멜로디와 로맨틱한 분위기 등 이 작품은 19세기 전체를
통틀어서도 최고의 명작으로 인정받고 있다.
낭만주의 시기에 작곡된 바이올린 협주곡은 수없이 많지만 그중에서도 멘델스존의 작품은
차이코프스키의 작품과 더불어 언제나 최고의 찬사를 받고 있다.
이 협주곡에는 멘델스존의 온화하고 따뜻한 성품이 고스란히 드러난다.
어린 천재로서 세상의 주목을 받으며 괴테로부터 축복의 키스를 받으며 성장한 아이가
청년 작곡가로서 세계를 향해 던지는 메시지이기도 하다.
멘델스존에 대한 한 가지 오해는 그가 어려움 없이 성장했기 때문에 인생의 여러 가지
단계를 거치지 못했고 따라서 그의 음악도 심오한 철학을 담아낼 수 없다는 것이다.
음악가로서 멘델스존의 작품이 지닌 가장 중요한 요소는 많은 사람들이 엄숙한 얼굴을
하고서 음악의 한 가지 측면만을 이야기 할 때 그는 다채로운 언어로 음악을 만들었다는
데 있다.
이 바이올린 협주곡에는 한 사람이 태어나고 성장해서 사랑하는 삶의 계단들이 일종의
순환형식으로 되어 있다.
우리는 이를 통해서 '운명의 수레바퀴'를 느끼게 된다. 소위 낭만주의적 감수성이라고 할
수 있는 먼 곳에 대한 동경과 잡힐듯 잡히지 않는 대상의 그리움 같은 것이 음악의
전체적인 분위기를 만들고 있다.
제1악장 (Allegro molto appassionato)
우아하게 시작되는 서주는 멘델스존 특유의 것이다. 바람결에 나부끼는 코스모스의
느낌처럼 은은하게 피어오르는 멜로디는 그 자체로 매혹되는 선율이다. 현악기의 화음과
함께 독주 바이올린이 주제를 연주하는데 이 부분에서 안개에 휩싸인 듯한 분위기의 연출은
필수적이다.
오보에와 바이올린의 화음 그리고 클라리넷과 플루트의 앙상블이 바이올린의 주제를 이어
받아 부서질 듯 말 듯한 여운을 남기는 것 또한 매우 중요하다. 독주 바이올린이
아르페지오와 목관 악기들의 연이은 주제와 코다의 순간적인 폭발은 기교도 기교지만 리듬을
자연스럽게 타는 것에 주안점을 두어야 한다.
사실 1악장의 아름다움을 제대로 살려내지 못한다면 전체의 핵심적인 모티프를 잃어버리기
마련이다.
제2악장(Andante allegro non troppo)
명상적인 선율은 잔잔한 호수의 물결처럼 전개되는데 선율의 투명함은 이 악장의 가장
중요한 부분이며, 따라서 모든 것을 초월한 듯한 느낌을 만들어야 한다.
수도원에서 기도하는 신부의 손 끝에 비친 아침 햇살 같은 투명함 말이다. 유려한 멜로디의
흐름은 1악장이나 3악장에서도 중요하지만 2악장의 수줍은 듯한 미소를 표현하는 데 있어
선율 감각은 대단히 중요하다.
우아함의 경지란 바로 이런 것을 두고 말하는 것일텐데 오케스트라의 은근한 반주 위에서
독주 바이올린은 세속의 경계에서 노래한다.
제3악장(Allegro non troppo - Allegro molto vivace)
리드미컬한 3악장은 기교로 빛나고 있다. 특히 마지막 코다 부분에서 화려하게 폭발하는
테크닉은 모든 것을 삼킬 듯하다.
오케스트라와 독주 바이올린의 대화는 '콘체르토(Concerto)'의 어원인 '경쟁하다'의 의미를
다시 한번 생각하게 한다.
3악장에는 사춘기 소녀의 웃음소리 같은 발랄함과 아이들의 재잘거림이 동시에 느껴진다.
멘델스존은 엷디 엷은 감수성의 바다 위를 미끄러져 가는 듯한 효과를 창출하면서 테크닉의
화려한 비상을 꿈꾸고 있다.
■ 추천음반
밀슈타인이 발터의 뉴욕필(Sony/Naxos)과 협연한 연주는 히스토리컬 녹음으로 만화경처럼
변화는 다채로운 접근 방식과 함께 질주감이 짜릿하다.
뒤트와와 함께한 정경화(DECCA)의 연주는 섬세한 감수성과 날렵한 보잉이 눈부신 연주로
'펭귄 가이드'의 Key Recording 음반이다.
사라 장의 연주(EMI)는 농염하고 따뜻한 감성에 꽉 차 있으며 시적인 연출이 돋보인다.
카바코스가 카메라타 잘츠부르크(Sony)와 협연한 앨범은 따뜻하고 은은하면서도 순간적인
폭발력이 인상적이다.
안네 조피 무터 (Anne Sophie Mutter, 1963. 6. 29 ~ )
스위스 바젤 근교의 라인펠덴에서 태어난 스위스의 소녀 바이올리니스트로 5세 때부터
피아노를 배웠다.
그러나 곧 바이올린으로 전향하여 플레시의 제자이던 엘나호니히베르거에게 사사하여
겨우 수 개월의 레슨을 받은 뒤 서독의 청소년을 위한 콩쿠르에서 제1위 특별상을
획득했다.
그 뒤 빈터투르 음악원에 입학하여 이 역시 플레시의 제자인 아이다 시투키의 가르침을
받았다.
13세 때인 1976년 뤼쩨른 음악제에 출연 중 카라얀의 눈에 띄어 베를린에 초청되어
연주하고 이듬해 77년에는 잘쯔부르크 음악제 및 성령 강림제 음악제에도 출연하여
센셰이션을 불러 일으켰다.
1978년에도 잘쯔부르크 음악제에 등장한 외에 베를린 필의 정기 연주회에 솔리스트로
초청되는 등 활발한 활동을 벌이고 있다.
5. Haydn, Cello Concerto in D Hob. VIIb2
Jacqueline du Pre(Vc) / Sir John Barbirolli(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro Moderato
II. Adagio
III. Rondo - Allegro
♣ 하이든 첼로 협주곡 2번 D 장조 Op.101
하이든은 6곡의 첼로 협주곡을 썼는데 그것들은 모두 에스테르하지가에서 일하고 있던 무렵의
작품이며 따라서 곡은 궁정내의 연주에 어울리게 소규모이고 내용도 아담하고 깨끗하다. 간소함
속의 아름다움과 같은 것에서 하이든 특유의 밝은 유머가 엿보인다.
이 첼로 협주곡은 1772년 이전에 만든 것으로 되어 있는데 에스테르하지가의 전속 관현악단원으로
당시 첼로 주자의 제1인자라고 일컬어졌던 안톤 크라프트를 대상으로 작곡한 것이라 생각되고
있다.
당시로서는 제법 연주 기교를 필요로 하는 내용으로 너무도 뛰어난 독자적인 경지를 나타내고
있기 때문에 하이든의 작품이라는 것이 의문시될 정도였다.
하이든의 자필 원고가 없는 점과 하이든답지 않은 곡 때문에 의심받고 있던 이 곡도 1954년 하이든
협회에 의해 자필 원고가 발견됨으로써 진짜 작품에 틀림없다고 인정되어 얼마 안 되는 첼로
협주곡 중에서 대표적 작품으로 꼽히고 있다.
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도
불구하고 연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
[ 목요우리음악 ]
6. 서공철류 가야금산조
가야금-박준호 / 장구-김청만
I. 진양조
II. 중모리
III. 중중모리
IV. 자진모리
V. 휘모리
7. 서용석류 대금산조
대금-이재익 / 장구-김기철
I. 진양조
II. 중모리
II. 중중모리
IV. 자진모리
♣ 서용석류 대금산조
서용석의 대금산조가락은 한주환의 산조가락에 자신의 독창적인 가락을 더한 것으로
박종기, 환주환으로 이어지는 대금산조의 맥을 잇고 있다.
그는 음악의 가장 중요한 속성을 누구보다도 잘 터득하고 있는 연주자로서 화려하지도
않고 기교적이지도 않다.
얼핏보면 평범해 보이는 그의 음악 속에는 그러나 누구도 흉내낼 수 없는 그만의
광활한 음악세계가 펼쳐져 있다.
세상의 모든 것을 포용하고도 남을 만큼의 큰 스케일 속에 남도 음악 특유의 정서를
하나 하나 쌓아 올라간다.
그는 결코 서두르는 법이 없다. 그러나 어느새 그의 음악은 인간세상을 떠나 무아의
경지를 넘나든다.
그의 음악은 어떠한 구속도 받지 아니하고 자유롭게 시공을 초월한다.
그의 음악은 선이 굵은 것이 특징이다. 그 굵은 선에 힘이 들어가 있다. 그 힘은 그의
음악을 이끌어 가는 원동력이다.
그의 음악을 듣다보면 텁텁하면서도 구수한 우리의 숭늉을 연상하게 된다. 그의 음악
속에는 인간적이 따스함이 깃들어 있다.
인자한 이웃집 아저씨 같은 그의 모습처럼 그의 음악은 사람들을 편안하게 해준다.
8. Brahms, Cello Sonata No.2 in F major Op.99
Daniil Shafran(Vc) / Felix Gottlieb(Pf)
I. Allegro vivace
II. Adagio affettuoso
III. Allegro passionato
IV. Allegro molto
♣ 브람스 첼로 소나타 2번 F 장조 Op.99
브람스의 첼로 소나타는 두 곡이 있는데 이 제2번은 1886년에 완성되어 제1번과의 사이에
약 20여 년이 지났다.
즉, 제1번은 브람스의 장년 시대의 작품으로 아직 시작(試作) 시대의 소산이라는 느낌이
강하다.
그러나 제2번은 브람스의 53세 때인 노련한 원숙 시대의 작품이기 때문에 그 높은 기품과
완벽한 수법은 도저히 제1번이 미치지 못한다.
원래 브람스는 실내악곡에 정력의 대부분을 기울여 거기에 충분한 확신을 얻었을 때 비로소
교향곡에 손을 댄 형편이어서 '제1교향곡'같은 것도 43세가 되어 겨우 발표했는데 이 곡도
그러한 신중성을 가지고 겨우 완성한 것으로 생각된다.
따라서 여기에 제시되는 첼로와 피아노의 세계는 예술의 향기가 훨씬 높고 표현의 유현함과
악상의 고매함에 있어서 다른 첼로 소나타가 도저히 따르지 못한다.
아름다운 가락과 탁월한 기교의 경지는 없지만 종합된 극적 효과와 투명한 미의 극치는
차츰 구축되어 간다.
다닐 샤프란 (Daniil Shafran, 1923 ~ 1997)
소비에트가 낳은 위대한 첼리스트인 다닐 샤프란은 음악집안에서 태어난 연주자였다.
레닌그라드 필하모닉 오케스트라의 수석 첼리스트였던 아버지와 피아니스트 어머니
사이에서 태어난 샤프란은 엄격한 스승이었던 아버지에게 처음으로 첼로를 배우며
성실한 첼리스트의 자세를 배운다.
14세의 나이에 '젊은 음악가를 위한 전 소련 바이올린, 첼로 콩쿨'에서 1등상을 수상한
샤프란은 10대의 어린 나이에 일찍이 주목 받았지만 제2차 세계대전으로 러시아에서의
음악 활동이 중단된다.
1945년 세계대전이 종식되면서 샤프란이 활동을 재개할 수 있게 되었지만 젊은 첼리스트
로스트로포비치의 등장으로 샤프란의 명성은 가리워지게 된다.
샤프란보다 4살이 어렸던 로스트로포비치는 그 이후에도 콩쿨에 함께 참가해 우승을
겨루는 경쟁상대가 되었으며 두 사람은 러시아를 대표하는 첼리스트로 많은 주목을
받았다.
다양한 레퍼토리를 연주했던 샤프란은 녹음 작업에도 활발한 활동을 보였지만 세계적인
레이블의 음반 작업에는 참여하지 않아 국제적인 명성을 얻지는 못했다는 점이 안타깝다.
진지한 태도로 연주하는 시적인 톤을 지닌 첼리스트로 기억되고 있다.
[ 엘범감상 ]
9. Cantorial Voice Of The Cello
Coenraad Bloemendal(Vc) / Valerie Tryon(Pf)
1) Jacques Offenbach - Andante from Grand Duo Concertant Op.43 No.1
2) David Popper - Requiem Op.66 (Three Cellos and Piano)
3) Wie Einst in Schoner'N Tagen Op.64
4) Max Bruch - Kol Nidrai Op.47
5) Leib Glantz - Tal(Cellol Solo) (Arr.By C.Bloemendal)
6) Ernest Bloch - Prayer No.1 from Jewish Life
7) Maurice Ravel - Kaddisch No.1 from Deux Melodies Hebraiques
8) Paul Ben-Haim
I. Three Songs without Words : Arioso
II. Three Songs without Words : Ballad
III. Three Songs without Words : Sephardic Melody
9) Srul Irving Glick - Prayer and Dance
[ 엘범감상 ]
10. Romantic Piano - Nina Postolovskaya
Nina Postolovskaya(Pf)
1) Waltz (A flat, Op. 39, No. 15)
2) Nocturne (E flat, Op. 9, No. 2)
3) Waltz (C sharp, Op. 64, No. 2)
4) Pathetique (Sonata, Op. 13, Adagio)
5) Nocturne (D flat, Op. 27, No. 2)
6) Moment Musicale (F minor, Op. 94, No. 3)
7) Clair de Lune
8) Arabesque (Op. 18)
9) Nocturne (A flat, Op. 32, No. 2)
10) Carnaval (Op. 9, Promenade)
11) Pavane For a Dead Princess
12) Mazurka (C major, Op. 33, No. 3)
13) Notturno (Lyric Pieces, Op. 54)
14) Andaluza (Op. 37, No. 5)
15) Intermezzo (Op. 118, No. 2)
[ 엘범감상 ]
11. Mario Brunello - Alone [ XRCD ]
Mario Brunello(Vc)
1) Giovanni Sollima, Alone
2) Gyorgy Ligeti, Sonata for Cello Solo : Dialogo
3) Gyorgy Ligeti, Sonata for Cello Solo : Capriccio
4) SUITE : Gaspar Cassado, Preludio-Fantasia
5) SUITE : Gaspar Cassado, Sardana
6) SUITE : Gaspar Cassado, Intermezzo e Danza Finale
7) Luigi Dallapiccola, Ciaconna
8) Luigi Dallapiccola, Intermezzo
9) Luigi Dallapiccola, Adagio
10) Eugene Yasy, Sonata for Cello : Lento e Sempre Sostenuto
11) Eugene Yasye, Sonata for Cello : Poco Allegretto e Grazioso
12) Eugene Yasye, Sonata for Cello : Adagio
13) Eugene Yasye, Sonata for Cello : Allegro Tempo Fermo
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