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1. Dvorak, Zypressen B.152
Emerson String Quartet
I. Ich weib, dab meiner Lieb' zu dir - Moderato
II. Tot ist's in mancher Menschenbrust - Allegro ma non troppo
III. Im suben Bann von deinem Blick - Andante con moto
IV. Wird doch die Liebe nie zu frohem Ziel uns leiten - Poco Adagio
V. Im Buch verwahrt, der alte Brief - Andante
VI. Du, Rose, stehst in Herrlickkeit - Andante moderato
VII. Ich schleich' um jenes Haus herum - Andante con moto
VIII. Im tiefen Wald steh' ich hier - Lento
IX. Du einzig Teure, nur fur dich - Moderato
X. Der alte Felsen stehet dort - Andante maestoso
XI. Rings die Natur nun im Schlummer und Traumen - Allegro scherzando
XII. Und fragst du mich, warum mein Sang - Allegro animato
♣ 드보르작 '현악4중주를 위한 측백나무' B.152
이 곡은 드보르작이 24세 때 Gustav Pfleger Morav sky의 詩에 곡을 붙인 18곡의 노래 중
12곡을 현악 4중주로 편곡한 것이다.
번호가 붙은 다른 현악 4중주에 비해 '측백나무'는 비교적 알려져 있지 않다.
이 곡은 드보르작이 사망한 후인 1921년에 사위이자 바이올리니스트인 요셉 수크에 의해
발표되었으며 드보르작의 가장 특징적이면서도 성공적인 작품이라 평가받고 있다.
드보르작은 사랑하던 연인을 잃고서 '현악 4중주를 위한 측백나무'를 작곡했다고 한다.
신비롭지만 왠지 불안하고 애절한 느낌이 드는 이 곡은 "누구나 가슴에 죽음을 생각하고
있다"는 비장한 부제가 붙어있다.
※ 고흐-사이프러스와 별이 있는 길
고흐는 렘블란트 이후 가장 위대한 네델란드 화가로 널리 인정받고 있으며 현대 미술사의
표현주의 흐름에 강한 영향을 미쳤다.
불과 10여년이라는 짧은 기간 동안 제작된 그의 작품들은 강렬한 색채, 거친 붓놀림, 뚜렷한
윤곽을 지닌 형태를 통해 그를 자살까지 몰고간 정신병의 고통을 인상깊게 전달하고 있다.
고흐가 고갱과의 불화로 그의 귀를 자르는 자해를 일으킨 후 자신의 발작까지도 자신의 삶의
일부로 받아들이고 스스로 아를과 가까운 생래미의 정신요양원에 입원했었다.
그 병원에서 몇차례씩 발작과 정상을 되풀이 하는 어려운 과정속에서 완성된 작품이다.
고흐가 1860년 6월 고갱에게 쓴 편지중에서...
"최근에는 옆으로 별 하나가 보이는 사이프러스 나무 그림을 그리고 있네.
눈에 뜨일락말락 이제 겨우
조금 차오른 초생달이 어두운 땅에서 솟아난 듯 떠 있는 밤하늘,
그 군청색 하늘 위로 구름이 흘러가고,
그 사이로 과장된 광채로 반짝이는 별 하나가 떠 있네.
분홍색과 초록의 부드러운 반짝임이지.
아래 쪽에는 키 큰 노란색 갈대들이 늘어선 길이 보이고 갈대 뒤에는 파란색의 나지막한 산
오래된 시골 여관에서는 창으로 오랜지색 불빛이 새어나오고,
키가 무척 큰 사이프러스 나무가 꼿꼿하게 서 있네.
길에는 하얀 말이 묶여 있는 노란색 마차가 서 있고,
갈 길이 저물어 서성거리는 나그네의 모습도 보인다네.
아주 낭만적이고 프로방스 냄새가 많이 나는 풍경이지"
고흐는 1882년 1월 동생 '테오'에게 사이프러스 나무에 대하여 다음과 같은 편지를 썼다.
"나는 사이프러스 나무에 푹 빠졌다.
나의 해바라기 그림처럼 지금껏 시도해 본적이 없는 새로운 방식의
새로운 그림을 창조해낼 것 같다.
사이프러스는 마치 이집트의 뽀죽탑처럼 균형이 잡힌 아름다운 나무다"
2. Berlioz, Symphonie Fantastique, Op.14
Claudio Abbado(cond), Chicago Symphony Orchestra
I. Reveries, passions
II. Un bal
III. Scene aux champs
IV. Marche au supplice
V. Songe d'une nuit du sabbat
♣ 베를리오즈 환상교향곡 Op.14
베를리오즈의 대표작인 동시에 음악사에 있어서 매우 중요한 위치를 차지하고 있는 '환상
교향곡'은 표제적 성격이 짙은 곡으로 그의 독창적인 작풍을 나타내고 있는 곡이다.
특히 ‘고정 악상’(idee fixe)이라는 ‘고정된 관념을 나타내는 선율’이라는 착상을
통해 표제음악 분야를 개척했다.
또한 베를리오즈는 이 교향곡에서 전대미문의 다채로운 관현악법으로 낭만주의의
음악어법을 혁신시켰다.
베를리오즈는 베토벤 '교향곡 9번 ‘합창’'의 ‘환희의 송가’로부터 표제적인 성격을
받아 들여 교향곡에 내러티브를 본격적으로 도입한 최초의 작곡가로 서양 음악사에
기록됐다.
꿈에서도 잊지 못하는 사랑하는 여인 스미드슨을 상징하는 일정한 가락을 만들어 각
악장마다 알맞게 배치하고 리듬과 악기를 변화시켜 사용한 베를리오즈의 작곡 기법은
후에 리스트나 바그너와 같은 작곡가들에게 큰 영향을 주었다.
관현악법에 있어서도 기본적으로는 베토벤의 시대와 같은 2관 편성이나, 표현의 필요성에
따라 기형적이거나 변칙적인 방법을 대담하게 사용하고 있다.
여기 의사의 아들로 태어나 의학을 공부하다 음악으로 진로를 바꾼 한 남자가 있다.
작곡가의 등용문인 ‘로마 대상(Prix de Rome)’을 목표로 작곡에 전념하고 있다.
'로마 대상'은 파리 음악원을 1등으로 졸업한 학생을 로마의 빌라 메디치에 3년간
국비유학 보내는 제도로 이탈리아의 풍물을 보며 작곡에만 전념할 수 있도록 배려하는
혜택이 주어지는 상이다.
그러나 1827년, 운명적 만남이 남자의 가슴을 꿰뚫는다.
영국 셰익스피어 극단의 프랑스 파리 공연에 동참한 아일랜드 출신의 여배우 해리엣
스미드슨이 그 주인공이었다.
그녀가 연기한 오필리어와 줄리엣 역에 완전히 빠져버린 남자는 그녀의 환심을 사고자
노력한다.
그러나 특별한 이유가 없는 한 인기 여배우가 무명의 작곡가를 거들떠보기나 할 것인가.
1828년 남자는 연주회를 열어 스미드슨에게 잘 보이려 했지만 그녀의 관심을 받지 못한
채 결국 실패하고 말았다. 완전히 무시당했다는 말이다.
눈물을 삼킨 이 사나이가 바로 작곡가 엑토르 베를리오즈다.
실연을 겪어본 남자라면 공감하겠지만 그 미칠 듯한 비애와 버림받은 듯한 소외감 속에서
베를리오즈가 쓴 곡이 바로 '환상 교향곡'이다.
이 작품은 '어떤 예술가의 생활 에피소드'라고 하는 2부작 중의 제1부에 해당하는 곡으로
'5부로 된 환상 대교향곡'이라는 부제가 붙어 있다.
나머지 2부에 해당하는 곡은 서정적 독백극 '렐리오, 생에의 복귀 Op. 14b'(1832년
작)이다.
'환상 교향곡'은 모두 5악장으로 이루어져 있는데 악장별로 담고 있는 내용은 다음과
같다.
1악장 - 꿈, 정열
한 저명한 작가가 상상의 나래를 편다. 상상 속에서 ‘정열의 파도’라는 마음의 병에
걸린 한 젊은 음악가가 마음 속에 그리는 이상적인 매력을 모두 갖춘 여성을 만나고 곧
무서운 사랑에 빠진다.
사랑하는 여자의 이미지가 하나의 악상과 결합되어 그의 마음 속에 파고 들어온다.
음악가는 그 악상이 가진 정열적이지만 기품있고 내성적인 특성이 여자의 성격과 같다는
것을 감지한다.
이 선율과 여인의 모습이 이중의 ‘고정 악상’으로서 등장하며 끊임없이 그를
따라다닌다.
1악장은 우울한 몽상 상태에서 환각적인 정열에 이르기까지 분노와 질투, 마음의 평안과
눈물, 종교적인 위안이 뒤섞여 있다.
2악장 - 무도회
음악가는 자신이 인생의 가장 복잡한 시절 한가운데 놓이게 되었음을 알게 된다.
축제의 소용돌이 속에 끼어들기도 하고 전원의 평안한 사색에 잠기기도 한다.
그러나 마을에서도 들에서도 어디를 가나 사랑하는 사람의 모습이 그의 앞에 나타나
끊임없이 그의 마음을 괴롭힌다.
3악장 - 들 풍경
시골의 어느 날 저녁, 멀리서 두 목동이 부는 피리 소리가 들린다. 이 목가적 이중주,
미풍으로 조용히 살랑이는 나무들의 속삭임, 최근에 발견한 희망의 싹, 이러한 모든
것이 합쳐서 그의 마음을 이상하게 평온하게 하고 마음 속의 생각을 밝게 물들인다.
그는 스스로의 고독을 다시 생각하며 이제는 고독을 면하게 될지도 모른다고 기대한다.
‘그러나 만약 그녀가 모른다고 배신한다면 어쩌지……’ 이 희망과 불안이 뒤섞인 기분,
어두운 예감으로 어지럽혀지는 이러한 행복의 사념이 아다지오 악장의 주제가 되어
나타난다.
마지막에 목동 중 한 사람이 다시 피리를 부는데 상대는 여기에 대답하지 않는다.
멀리서 천둥소리 …… 고독 …… 그리고 정적.
4악장 - 단두대로의 행진
사랑이 거절되었음을 확인한 작곡가는 마약으로 음독 자살을 기도한다. 그러나
치사량에는 이르지 못하고 무서운 환상을 수반한 깊은 잠 속으로 떨어진다.
그는 애인을 죽이고 사형을 선고 받아 단두대로 연행되고 자신의 처형 장면을 목격하는
꿈을 꾼다.
때로는 음울하고 거칠며 때로는 당당하고 밝은 행진곡 리듬에 맞추어 처형자들이
행진하고 그들의 무거운 발걸음이 엄청난 소란을 타고 계속된다.
행진 끝에 ‘고정 악상’을 나타내는 4개의 소절이 사랑의 마지막 추억처럼 다시
나타나는데 오케스트라의 결정적인 일격으로 단번에 지워져 버리고 만다.
5악장 - 마녀들의 밤의 향연과 꿈
자신을 매장하기 위해서 유령, 마술사, 마녀, 그밖에 갖가지 요괴들이 모였다.
작곡가는 그 무리의 한 가운데에 서있는 자신을 본다.
야릇한 소리, 신음, 오싹하는 웃음 그리고 멀리서 들리는 고함소리에 다른 고함소리가
서로 호응하는 듯하다.
가장 사랑하는 사람의 선율이 다시 나타나는데 그것은 고귀하고 내성적인 성격을
잃어버리고 있다.
그것은 이제 야비한 선율에 불과하고 보잘 것 없는 그로테스크한 것으로 변해 버렸다.
그녀가 이 밤의 향연에 찾아온다. 그녀가 도착하자 환희에 들뜬 요괴들……. 그녀는
악마적이고 기괴한 밤의 향연에 동참한다.
장례를 알리는 종소리는 그레고리안 성가 중 ‘분노의 날’(Dies Irae)을 익살스럽게
풍자한 것이다.
마녀들의 향연, 돌고 도는 윤무는 ‘분노의 날’과 결합한다.
베를리오즈는 드디어 로마 대상을 수상했고 우여곡절 끝에 1833년 해리엣 스미드슨과
결혼한다.
베를리오즈의 부모는 이 결혼을 결사 반대했는데 스미드슨이 10년 연상이기 때문이었다.
결혼식 날엔 프란츠 리스트가 입회인으로 참석했다.
위에 언급한 '환상 교향곡'의 속편 '렐리오, 생활로의 복귀'는 1832년 스미드슨과
재회한 해에 작곡되었다.
그토록 죽음과 맞닿은 실연의 아픔을 딛고 결합했건만 베를리오즈와 스미드슨 사이의
작은 틈은 점차 벌어진다.
결혼 10년 만에 별거에 들어가고 베를리오즈는 애인인 여가수 마리아 레치오와 지내게
된다.
4년 전부터 전신마비 상태였던 스미드슨은 1854년 숨을 거둔다. 아내의 임종을 지켰던
베를리오즈는 마리아와 재혼한다.
그 마리아도 결혼 8년만에 세상을 떠난다. 스미드슨 사후 10년, 베를리오즈는 그녀의
묘를 두 번째 부인 마리아의 묘에 이장했다.
두 아내가 잠든 묘지에서 베를리오즈는 자신의 죽음을 강하게 예감한다.
'환상 교향곡'을 낳은 남자의 사랑은 그렇게 최후를 맞았다.
■ 추천음반
샤를 뮌쉬의 연주(RCA)는 시종 흥분에 휩싸여 있다. 화끈하면서 찜찜한 연주다.
이루어지지 않는 사랑의 광기는 단두대로 갈 때까지 홍안을 띤다.
1830년대의 양식대로 두 대의 튜바 대신 세르팡과 오피클리데를 사용한 가디너와 혁명과
낭만 오케스트라(Philips)는 뻐근하게 다가오는 관악기가 원전연주의 선입견을 넘는다.
마르케비치(DG)는 가장 프랑스적인 교묘한 솜씨와 솔직한 접근으로 세련된 악몽을
연출한다.
콜린 데이비스(Philips)는 악장간 힘이 균형적으로 안배되어 있고 무도회 장면도
중용적으로 해석했다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의
'교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Mozart, Piano Concerto No.21 in C, K.467
Robert Casadesus(Pf) / George Szell(cond), Cleveland Orchestra
I. Allegro maestoso
II. Andante
III. Allegro vivace assai
♣ 모차르트 피아노 협주곡 21번 C, K.467
영화 '엘비라 마디간'. 1967년작인 이 스웨덴 영화는 '한때 가장 아름다웠던 불륜'을 다룬 영화로
유명하다.
거기엔 여주인공 피아 디거마크의 청순하면서도 강렬한 인상과 배경음악으로 쓰인 모차르트
'피아노 협주곡 21번' 2악장의 아름다움이 한 몫했음은 말할 필요가 없다.
고요한 호숫가에서 미끄러지듯 배를 타는 느낌, 풀밭에서 나비를 잡으며 뛰어다니는 엘비라
마디간의 순수한 모습은 모차르트의 이 곡에 대한 가장 큰 선입견이자 방방곡곡 유명하게 만든
성공적인 홍보 요인이기도 했다.
이제 영화가 나온지 40년이 넘었고 점차 영화 '엘비라 마디간'과의 연관성보다는 이 곡이 피아노
협주곡의 명곡이라 불리는 이유에 대해서 사람들이 주목하는 시점이 왔다고 하겠다.
모차르트가 1785년 2월~3월 완성한 이 작품은 1785년에 나온 3개의 협주곡 가운데 두 번째
작품이다.
'피아노 협주곡 20번 K466'이 나온 지 불과 한달 뒤 자신이 주최하는 예약 콘서트에서 모차르트가
직접 독주 파트를 연주할 작품으로 작곡한 것이다.
이 곡은 기존의 협주곡 영역을 탈피해 독주 악기와 오케스트라가 교향악적으로 하나가 되는
내용을 지닌 충실한 편성으로 관현악법을 전개시켰다.
그 점에서 '피아노 협주곡 20번'과의 구조상의 공통점을 어느 정도 가지고 있다.
그러나 '피아노 협주곡 21번'이 주는 우아하고 감미로운 인상은 단조에다가 어둡고 질풍노도와
같은 '피아노 협주곡 20번'의 인상과는 사뭇 다르다.
행진곡풍으로 시작하는 곡의 분위기, 끓어오르는 듯 희극적인 정서가 강한 피날레 중간부터 끝까지
계속되는 아름다운 칸타빌레를 관철시키는 안단테, 곡의 무게중심이 완연하게 피아노 독주에 잡혀
있는 점을 보면, 모차르트가 전 작품인 '피아노 협주곡 20번'에서 탈피하려 했던 사교계의 유흥
음악 영역으로 다소 후퇴하고 있는 것이 아닌가 하는 생각도 든다.
전 작품인 '피아노 협주곡 20번'의 숨 막힐 듯 어둑어둑한 격정의 D단조에서 빠져나와 C장조란
맑고 투명한 조성을 고른 모차르트의 심리는 무엇일까? 어쩌면 자신의 악기를 금방 주조한 종처럼
마음먹은 대로 한껏 울려보고 싶어 했을지도 모른다는 추측을 해볼 수도 있겠다.
분명 독주자의 기교를 과시하고 있지만 결코 극단으로 빠지지 않는 균형감각과 중용이 돋보이며
오케스트라와 독주악기가 주고받는 조화로운 모습은 협주곡의 두가지 성격 가운데 하나인 협력을
잘 보여주고 있다.
모차르트가 직접 쓴 카덴차가 없는 것이 아쉽다. 1785년 3월 9일 빈에서 완성된 것으로 알려졌으나
자필 악보에는 '1785년 2월'로 나와 있다.
1785년 3월 10일 부르크 극장에서 열린 연주회에서 초연됐는데 성황리에 개최된 이 음악회에
아버지 레오폴트 모차르트가 참석해 그 성공에 기쁨의 눈물을 흘렸다는 일화가 있다.
■ 추천음반
굳이 '엘비라 마디간'의 그 연주라 말하지 않더라도 게자 안다가 1960년대에 카메라타 아카데미카
잘츠부르크와 함께한 모차르트 피아노 협주곡 전집 중 녹음(DG)을 가장 자주 플레이어에 올리는
것은 어쩔 수 없나보다.
첫사랑의 추억은 노 젓는 배가 미끄러지듯 또다시 우리 귓가에 감겨온다. 모차르트를 꿰뚫어보는
듯한 게자 안다의 손가락은 장조 속에 숨어있는 엘비라 마디간의 비극을 언뜻언뜻 시리게 제시하는
듯하다.
다음으로 모차르트 스페셜리스트인 미츠코 우치다(Philips)의 음반을 결코 빼놓을 수 없다. 반복
감상할 때마다 우치다의 모차르트엔 뭔가 특별한 것이 있다는 생각을 하게 된다.
작품 외면의 아름다움을 좇기만 하는 것이 아니고 작곡가 모차르트와 작품을 철저히 연구해 그
각각의 맥락까지 파고드는 오랜 준비기간이 만들어낸 시간에 투입한 노력의 금자탑이라 하겠다.
제프리 테이트가 지휘하는 잉글리시 체임버는 피아노를 더욱 돋보이게 하는 앙상블을 선보이고
있다.
머레이 페라이어(Sony Music)의 연주 역시 뛰어난데 페라이어의 모차르트 협주곡 앨범 가운데
최고의 성과로 평가받기에 충분하다.
한 음의 낭비도 없이 피아노는 오케스트라와 동일한 색채로 약동한다. 나긋나긋한 건반은 유럽
체임버 오케스트라와 하나가 되고 있다.
원전 연주의 해석으로는 말콤 빌슨의 포르테피아노와 존 엘리어트 가디너가 지휘하는 잉글리시
바로크 솔로이스츠의 연주(Archiv)를 꼽고 싶다.
빌슨은 모차르트가 당대에 소유했던 안톤 발터가 제작한 포르테피아노를 복사해 만든 악기로
연주하는데 빌슨과 가디너의 민첩하면서도 우아한 연주를 들으면 모차르트가 원래 의도한
정답에는 이쪽이 더 가깝지 않을까 하는 생각이 솟구치며 설득 당하게 된다.
로베르 카자드쉬 (Robert Casadesus, 1899. 4. 7 ~ 1972. 9. 19)
로베르 카자드쥐는 프랑스의 피아니스트이자 작곡가이다.
80세에 가까운 나이에도 현역으로서 신선한 연주를 들려주었던 프랑스의 명피아니스트이다.
파리 근교의 음악의 명문가에서 태어났으며 11세때 파리 음악원에 입학하고 루이 디에메르를
사사한 뒤 1917년에 데뷔하였다.
당시 퐁텐블로에 있던 미국 음악원 피아노과 주임교수가 되었다. 제2차 세계대전 중에는
미국으로 이주해 가서 계속 살았다.
어떤 음이건 밝고 둥그스름한 맛을 지니며 템포에 흐트러짐이 없다.
신선하고 청초한 프랑스풍의 명쾌함이 매력적이지만 베토벤의 곡에서도 수준 이상의 좋은
연주 실력을 보였다.
모차르트와 라벨 작품의 레코드가 좋은 평을 얻었으며 부인 및 아들과 함께 연주하였다.
바흐의 '3대의 피아노를 위한 협주곡', 부인과 같이 친 바르토크의 '2대의 피아노와 타악기를
위한 소나타'등의 연주에도 뛰어났다.
4. Ravel, Piano Concerto in G
Arturo Benedetti Michelangeli(Pf) / Ettore Gracis(cond), Philharmonia Orchestra
I. Allegramente
II. Adagio assai
III. Presto
♣ 라벨 피아노 협주곡 5번 G 장조
미국 연주 여행에 성공한 라벨은 새롭게 피아노 협주곡을 써서 다시 도미하여 연주하려고
계획하고 있었다.
때마침 그 때 제1차 대전으로 오른손을 잃은 오스트리아의 피아니스트 파울
비트겐슈타인으로부터 '왼손을 위한 피아노 협주곡(협주곡)' 작곡 의뢰가 있었다.
이러한 경로로 때를 같이하여 2곡의 피아노 협주곡이 씌어지게 된 것이다. 이 두 곡은 어느
것이나 라벨 음악의 마지막 찬란함을 나타내는 걸작인데 고전 형식에 현대풍의 유희적
감각을 교묘하게 함께 담은 'G장조' 쪽이 보다 널리 애호되고 있다.
악기 편성은 오히려 소규모인데 캐스터네츠를 사용한 타악기군과 지휘봉의 사용이 날카로운
효과를 거두고 있다.
제1악장Allegramente(쾌활하게) G장조 2/2.
북과 첼로의 트레몰로 비올라의 피치카토가 교차하고 날카로운 지휘봉의 일격으로 피아노가
동시에 펼침 화음으로 나타나면서 곧바로 시작된다.
라벨과 어울리는 참신한 아이디어이다. 피콜로가 가볍게 제1주제를 제시하며 먼저 목관에
의해서 충실해지고 피아노는 글리산도로 화려하게 장식하고 일단 침묵한다.
주제는 다시 전개되어 고조되지만 급히 리타르단도하여 잉글리시 호른이 한 번 조용하게
회상한다.
여기서 피아노가 이국적인 음형을 새롭게 도입하고 다시 클라리넷과 트럼펫이 제2주제에의
경과구를 미리 앞서 연주하는데 심벌즈와 캐스터네츠에 의한 특이한 리듬이 효과적이며 이후
악곡 구성의 중요한 요인으로서 자주 나타난다.
이어 피아노가 제2주제를 제시하여 잠시 전개되고 코데타로 들어간다.
피아노가 특징적인 리듬을 반복하며 전개부로 들어간다. 여기는 제1주제를 중심으로 한 짧은
것인데 토카타 풍으로 현란한 악상을 잇는다.
피아노가 다시 옥타브의 경과구를 연주하며 재현부로 들어가는데 두 주제의 재현은 곡취를
돋우려고 열심이었던 것으로 새로운 효과를 거둔다. 피아노의 긴 카덴차 뒤 제1주제의 악상을
쌓아올리면서 간결하게 끝난다.
제2악장Adagio assai E장조 3/4. 세도막 형식.
피아노가 제1주제를 제시하고 이 단조로운 리듬이 악상을 일관하여 지배한다.
피아노 독주는 고음의 트릴에 의해서 끝나는데 목관군이 순서대로 이 트릴에 짧은 음표로
변주되면서 악상을 장식하여 간다. 중간부는 피아노가 고전적인 주제를 나타내는 곡이다.
피아노가 다시 음계풍으로 이것을 장식하면서 전개되고 이곳에서 이 곡은 절정을 이룬다.
또다시 잉글리시 호른이 제1주제를 노래하고 피아노가 이것을 장식하며 제3부로 들어간다. 전곡
중에서도 가장 아름다운 악장이다.
제3악장Presto G장조 2/4. 카프리치오 풍의 눈부신 피날레.
큰북의 트릴과 파곳·금관·비올라·첼로의 격렬한 스타카토에 큰북의 일격이 이어진다. 피아노가
현의 피치카토를 수반해서 주제를 제시하고 클라리넷이나 피콜로가 어지럽게 이것을 돕는다.
다음에 스타카토의 화음을 피아노가 연타하며 악상이 일단 가라앉지만 곧바로 바뀌어 경쾌한
경과구가 어지럽게 흐른다.
다시 악장 서두의 리드미컬한 악상이 재현되고 이어서 제3주제가 호른에 의해 유머러스하게
연주되고 트라이앵글이 이것을 받는다.
이후 이들 주제가 자유롭게 어우러지고 피아노가 수를 놓듯이 경과구를 나타내며 악상을
진행시키고 마지막으로 서두의 악상이 다시 나타나면서 끝난다.
아르투로 베네데티 미켈란젤리 (Arturo Benedetti Michelangeli, 1920. 1. 5 ~ 1995. 6. 12)
북 이탈리아 롬바르디의 옛도시 브레시아에서 태어난 피아니스트로서 모친은 유고슬라비아인이고
부친은 변호사였으나 피아노 교사의 자격을 가지고 있었다.
4세 무렵부터 피아노를 치기 시작해 브레시아 음악원에서 배웠다. 10세 때 밀라노 음악원에
입학하여 3년에 걸쳐 주세페안포시를사사했다.
그의 이름이 알려지게 된 것은 1939년 19세로 제 1 회 제네바 국제콩쿠르에서 우승하고부터이다.
이 때 심사원이던 코르토가 그 뛰어난 연주를 '새로운 리스트의 탄생' 이라고 격찬한 것은 지금도
유명하다.
그러나 곧 제 2차 대전이 발발했기 때문에 활동은 이탈리아와 독일에 제한되었다.
미켈란젤리의 이름이 국제적으로 퍼진 것은 전후인 1946년이 되어 영국과 프랑스에 연주 여행하여
센세이셔널한 성공을 거두면서부터였다.
그러나 약 10년 후에는 건강상의 이유로 한때 연주활동에서 떠나 보르짜노에 칩거하면서 교사로
있는 한편 시골 사람과 같은 생활을 계속 했다고 한다.
그리하여 1959년에 다시 연주 활동을 시작하여 유럽은 물론 미국에도 연주 여행하여 압도적인
성공을 거두었다.
또 교육에도 매우 열성이어서, 볼로냐, 베네치아, 토리노 등의 각 음악원에서 교편을 잡고
개인적으로도 많은 젊은 피아니스트를 육성하여 위대한 교사로서도 알려져 있다.
또 1965년부터는 출생지인 브레시아에서 그의 이름을 붙인 피아노 음악제가 열리고 있다.
베네데티-미켈란젤리는 현대의 피아노계에서 가장 고고한 피아니스트, 완전주의자로 지목되고
있다.
인간의 기교라고 생각되지 안을 만큼 명료하고 아름다운 음의 알맹이를 가졌으며, 투철한 울림과
색채를 가진 그 연주는 동시에 피아니스트라 하기 보다는 음의 사색가라고 부르고 싶은 작품에
대한 날카롭고 엄격한 안목을 느끼게 하는 아주 독자적인 스타일을 형성하고 있다.
그가 자주 연주회를 최소하고 레코딩에 대해 극히 신중한 것도 그러한 자기의 예술을 철저하게
연마하지 않고는 못배기는 자세에서 오는 것이기는 하다.
믿을 수 없을 만큼 아름다운 피아니시모에서 압도적인 포르티시모에 이르기까지 진폭이 큰 예리한
감각에 의해 놀랄 정도로 세련된 연주는 스카를라티에서 드뷔시까지 어떤 작품에 있어서도 다른
피아니스트에게서는 구할 수 없는 빛을 발휘한다.
미켈란젤리는 현대의 피아노 미학의 하나의 극치라고 할 표현을 잘 들려준다.
특히 베토벤에 있어서의 잘 연마된 표현력과 그 내적 긴장의 지속력, 드뷔시에 있어서의 음
색채의 아름다움과 음의 시라고 해도 좋을 정교하고 판타스틱한 세계 등은 참으로 놀랍다.
5. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61 (cadenza by J. Joachim)
Henryk Szeryng(Vn) / Bernard Haitink(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게
연주했다고 전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이
계속 반복되면서 피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악
사중주 '라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을
지적한 것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을
사랑하고 있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도
모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게
피할 수 없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로
전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를
배가시키는 특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터
지휘의 콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는
명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
헨릭 쉐링 (Henryk Szeryng, 1918. 9. 22 ~ 1988. 3. 8)
바르샤바에서 태어난 멕시코 국적의 바이올리니스트로서 어릴 때 부터 모친에게서 피아노와
바이올린을 배웠다.
10세경에 바이올린의 재능을 동향인 후베르만에게 인정받아 그의 권유로 베를린에 유학해서
명교사 칼 플레시에게 사사했다.
1933년에 처음으로 연주 여행에 나가 성공을 거두었다.
그 후 파리에서 티보와 알게 되어 여러가지 조언을 받음과 동시에 파리 음악원에서 부이용을
사사했으며, 이들 세 사람의 스승으로부터 얻은 바가 매우 컸다.
제 2차 세계 대전 중에는 바이올리니스트로서 군의 위문으로 활약했으나 종전 후는 멕시코에
이주하여 시민권을 얻어 연주활동보다도 오히려 대학에서 교육에 힘을 기울이게 되었다.
따라서 어떤 인물과의 만남이 없었더라면 아마 오늘날의 셰링도 없었을지도 모른다.
그 인물이란 이 역시 동향인 아르투르 루빈슈타인인데 1956년에 멕시코 연주 여행 중에 셰링과
만나 즉시 그 실력을 꿰뚫어본 그는 연주 활동에 전념하도록 열심히 설득하는 한편 유럽
음악계의 중심 인물들에게 소개하고 또 스스로 레코드에서 협연하기도 했다.
이리하여 일약 그 이름이 알려지게 된 셰링은 그 이래 활발한 솔로 활동을 전개하면서 급속히
힘을 신장하여 이제는 현대 최고의 바이올리니스트로서 명성을 확고부동하게 되었다.
셰링은 드물게 보는 깔끔한 자세의 소유자로 비길데 없는 엄격한 조형 감각과 양식관에 뒷받침
된 그 음악에는 고결한 음악미를 의연하게 드러내고 있다.
또한 거기에는 일종의 가까이 할 수 없는 분위기가 느껴지거나 인간적으로나 음악적으로도
실로 완벽한 경지에 이른 오늘날에서는 모든 것에 균형이 잡힌 나무랄 데가 없는 연주를
전개해 간다.
기교나 음색 등 표면적인 매력으로 듣는 이를 끄는 타입이 아니기 때문에 바이올리니스트로서는
결코 화려한 존재는 아니지만 그러나 그 음악의 깊이나 호소력이 강한 점에서 대항할 수 있는
이는 거의 찾아볼 수가 없다.
6. Schubert, Piano Trio No.1 B flat Major, Op.99, D.898
Artur Rubinstein(Pf) / Henryk Szeryng(Vn) / Pierre Fournier(Vc)
I. Allegro moderato
II. Andante un poco mosso
III. Scherzo (Allegro)
IV. Rondo (Allegro vivace)
♣ 슈베르트 피아노 3중주 1번 B 플랫 장조 Op.99, D.898
슈베르트가 작곡한 피아노 트리오는 1번과 2번의 두곡인데 모두 1827년경에 연속으로 쓰여진
것으로 알려져 있다. 같은 편성이지만 규모는 더 작은 곡들이 많이 남아 있다.
피아노 3중주 1번 B 플랫 장조는 첫 번째 곡으로 아름다운 선율과 디테일로 충만하다.
1악장은 경쾌하고 여유롭게 시작한다. 이 곡을 듣고 있으면 어느새 두 번째 주제의 감미로운
선율 속으로 빠져들게 된다.
느린 악장은 환희에 찬 선율로 시작하는데 첼로가 제1악기를 맡는다. 마치 '무언가' 같은데
선율에 대한 슈베르트의 재능을 잘 보여 준다.
생기 넘치는 스케르초와 소란스러운 피날레로 사랑스러운 작품이 완성되었다.
두 곡 모두 죽음을 앞두고 쓰여진 곡이지만 1번은 2번과는 약간 대조적으로 슈베르트 자신
특유의 따뜻한 악상으로 일관되어 있으며 황홀한 느낌의 멜로디와 곡의 흐름은 곡의 특징을
또한 잘 나타내주고 있다.
원래 피아노 3중주는 일반적인 실내악의 4중주에서 요구되는 화음과 합주를 통해서
음악적인 기쁨을 맛보는 것과는 약간 달리 피아노와 바이올린 그리고 첼로의 3개 악기를
통해 서로간의 특성을 살리면서 각 연주자들의 음악적인 능력을 최대한 발휘하는데 그
매력이 있다.
[ 수요성악 ]
7. Beethoven, 'Missa Solemnis' for Four Solo Voices, Chorus, Orchestra & Organ in D major, op.123
John Eliot Gardiner(cond), Orchestre Revolutionnaire Et Romantique
Charlotte Margiono (sop)
Carherine Robbin (m-sop)
William Kendall (tenor)
Alastair Miles (bass)
The Monteverdi Choir
I. Kyrie
II. Gloria
III. Credo
IV. Sanctus
V. Agnus Dei
♣ 베토벤 '장엄 미사' Op.123
'장엄 미사'라고 번역되는 '미사 솔렘니스 Missa solemmis'는 사제 외에 조제(助祭)와
부조제에 의해 행해지는 성대한 미사를 가리키고 있다.
베토벤의 이해자이며 좋은 벗이기도 했던 루돌프 대공의 올뮈츠 대사교 취임이 결정된 것은
1818년의 즉임식을 위해 쓴 것이 이 장엄 미사였다.
그러나 여전한 경제적 궁핍과 건강 상태의 악화 그리고 친자식처럼 돌봐온 조카 카를의 후견
문제에 시달려 예정대로의 작곡은 진척되지 않았다.
결국 1820년의 즉임식에는 시간에 대지를 못했고 완성된 것은 1823년, 베토벤이 52세가 되던
해였다.
대공에게 헌정함에 있어 제1곡 '키리에'의 첫머리에 '마음으로부터-또다시 마음으로 가리라'
라고 스스로 써 넣었다고 한다.
너무도 고뇌가 많은 인생을 걸어온 베토벤이 그 만년에 이르러 마음의 평화를 절실하게 기도한
종교적 고백이라고 할 만한 작품으로 고금을 통한 종교 음악의 대표적인 명작의 하나이다.
곡의 구성은 미사 통상문(p. 639)에 따라 5곡으로 이루어지고 혼성4부의 독창 및 합창 그리고
2관 편성에 바탕을 둔 관현악과 오르간에 의해 연주된다.
제1곡 '키리에 Kyrie'전례문에는 3부로 되어 있는데 제3부는 제1부의 재현이다.
제1부 Assai sostenuto, (경건하게) D장조, 4/4박자. 트롬본을 제외한 전악기의 힘찬
으뜸화음으로 곡을 시작한다.
합창이 '키리에(Kyrie)'라 부르고 테너 독창이 이것에 대답한다. 같은 악상이 합창과
소프라노 독창으로 반복되고 다시 합창과 관현악의 투티가 로 부른 뒤 알토 독창이 '주여
불쌍히 여기소서(Kyrie, eleison)'하고 경건한 감정으로 노래하기 시작한다.
이후에는 합창만이 이 악상을 이어받아 로 끝난다.
제2부 Andante assai ben marcato(명확하게 악센트를 붙여서) b단조, 3/2박자. 독창자들이
'그리스도여, 긍휼히 여기소서 (Christe, eleison)'하고 친근미를 담아 노래하고 얼마 후
합창이 참가하여 악상은 다성적으로 전개된다.
제3부에서는 제1부의 악상이 보다 장엄하고 힘차게 재현된다.
제2곡 '글로리아 Gloria'6부로 이루어진 형식.
제1부 Allegro Vivace D장조, 3/4박자. 관현악의 짧은 서주 뒤 알토 합창이 '하늘에서는
신에게 영광이 있고'라고 노래하기 시작하고 곧 다른 성부가 이어받는다.
이어서 베이스가 '땅에서는 선의의 사람들에게 평안할지어다'를 온화하게 부르고 다른
성부가 이것을 받는다.
'우리들, 주를 찬양하고' 이하는 관현악을 수반하여 힘차게 불려지고 다시 '주를 찬미하고
받들도다'부터는 베이스로 시작하는 푸가(독주곡)가 된다.
악상은 클라이맥스에 달해 제1부를 마친다.
제2부 Meno Allegro B플랫장조, 3/4박자. 클라리넷의 도입을 이어받아 테너 독창이 '주의
영광 크기에'를 부르기 시작한다.
이윽고 이것이 4중창이 되고 다시 합창이 참가한다. 계속되는 제3부는 알레그로 비바체로서
빛나는 관현악을 수반하면서 합창이 '주이신 주' 이하를 부르고 이것이 클라이맥스에
달한 뒤 독창부가 '독생자이신 주 예수 그리스도'를 친근미 있게 부른다.
합창부가 힘차게 이것을 받고 또다시 클라이맥스가 된다.
제4부 Larghetto F장조-D장조, 2/4박자. 앞 곡의 클라이맥스 뒤를 받아 목관이 조용한
악상을 전개하고 독창부의 '주는 세상의 죄를 멸하심으로'를 이끈다.
합창부가 크레셴도하여 '우리들을 불쌍히 여기소서(Miserere nobis)'를 반복하고 이어
독창부가 연주되고 다시 합창부가 '주는 세상의 죄를' 이하를 이어받아 부른다.
독창부가 '우리들의 원하는 바를 들으소서'를 부르고 합창부가 이것을 반복한 뒤 갑자기
트럼펫이 울리고 힘찬 '주는 성부의 오른편에 앉으심으로'의 합창에 들어간다.
또다시 의 기도하는 듯한 '미제레레 노비스'의 합창이 차츰 전성부에 퍼지고 조바꿈을
계속하면서 이어받아 노래해 간다.
제5부 Allegro Maestoso D장조, 3/4박자. 관현악의 높은 서주 뒤 합창이 '주 예수
그리스도, 오직 거룩하시고 유일한 주이시니' 이하를 감동적으로 부르고 마지막의
'아멘'으로 긴장을 높인다.
그 뒤 베이스의 합창에서 제6부 Allegro ma non troppoe ben Marcato D장조, 4/4박자의
웅대한 푸가에 들어가 '신이신 아버지의 영광' 이하가 높은 반월형의 구조물을 쌓아간다.
이윽고 Poco piu Allegro로 바뀌고 다시 4중창과 합창의 '아멘'의 연호 속에 최후의
프레스토로 들어가 제1부 '글로리아'의 선율이 재현하고 열광적으로 전개되면서 끝난다.
제3곡 '크레도 Credo'빠름-느림-빠름의 세도막 형식.
제1부 Allegro ma non troppo B플랫장조, 4/4박자. 관현악에 의한 화음의 강주에 이어서
베이스의 합창으로부터 '우리들은 유일한 신을 믿는다(크레도, 크레도…)'라고 하는
이른바 신앙의 동기가 각 성부로 계승되고 악상은 다시 고조된 뒤 푸가(독주곡)토로
들어간다.
이어 관현악의 조용한 악상을 끼고 '사람인 우리들을 위해서' 이하가 감동적으로 불려지고
제1부를 마친다.
제2부 Adagio d단조, 4/4박자. 여기서 곡은 바뀌어, 낮은 음현의 반주로 테너 독창이
'성령을 힘입어 동정녀 마리아에게서'를 경건하게 부르기 시작한다.
알토·소프라노 독창이 이것에 참가하며 목관이 성령의 상징인 비둘기를 연상케 하는
사랑스런 음형을 인상적으로 연주하고 합창이 '동정녀 마리아에게서'를 반복하여
노래한다.
이어 Andante D장조 3/4박자가 되고 테너 독창이 '그리고'하고 망설인 뒤 '사람이 되시고'
라고 즐거운 듯이 노래하며 합창부와 번갈아 찬미를 반복한다.
다시 Adagio espressivo로 바뀌고 '또 우리들을 위해 본디오 빌라도에게 고난을 받으사'
이하로 들어간다.
합창과 독창이 교차하여 비통한 악상을 전개한 뒤 Allegro로 다시 바뀌어 '사흘 만에
성서에 있는 것처럼 다시 살아나셨도다'라고 합창으로 높이 노래한다.
Allegro molto로 세 번째 바뀌어 '하늘에 올라가' 이하 승천의 정경이 관현악과 합창으로
장려하게 묘사되고 '성부의 오른편에 앉으시고'가 개가(凱歌)처럼 울리며 전곡의
클라이맥스가 된다.
이어 '그러나 살아 있는 사람과 죽은 사람을' 이하의 최후의 심판이 합창에 의해 엄숙히
불려지는데 지금까지 침묵을 지키고 있던 트롬본도 참가하여 '또 그 왕국은 종말이
없도다'에서 고조된다.
최후의 '논, 논, 논'이 단호히 반복되고, 제2부를 감동적으로 마친다.
제3부 Allegro ma non troppo 2/2박자. 또다시 제1부와 같은 신앙의 동기가 연주되고
'또 주님으로 인해 생명의 주이신 성령을 믿는다' 이하가 불려지고 고조된 뒤 3/2박자로
바뀌어 '미래의 생명을 기다리도다'의 장대한 푸가(독주곡)에 들어간다.
이것 또한 전곡의 압권이라 할 만한 곳으로 내세에의 끝없는 찬미를 높이 이어받아 부른다.
마지막에 Grave가 되고, 4중창의 '아멘'에 합창이 참가해서 조용히 끝난다.
제4곡 '상투스 Sanctus'두도막 형식으로 중간에 제2부에의 전주곡이 들어간다.
제1부 Adagio D장조, 2/4박자. 조용한 전주 뒤 '거룩할진저(Sanctus)'의 4중창이 알토로
시작된다.
이어 Allegro(무거운 알레그로)로 바뀌고 '주의 영광은 천지에 충만하도다'의 합창이
관현악을 수반하여 소프라노로 계승되며 다시 Presto 3/4박자로 소프라노에서 '호산나'의
푸가토가 된다.
'지극히 높은 곳까지 호산나'의 환호의 4중창으로 제1부를 마친다.
그 뒤 Sostenuto ma non troppo G장조, 3/4박자의 신비한 전주를 이어받는다.
제2부 Andante molto Cantabile e non troppo mosso G장조, 12/8박자의 'Benedictus'에
들어간다.
플루트와 독주 바이올린의 천국적인 악상을 계승하여 베이스 합창이 '주의 이름으로 오는
자는 복받을지어다'를 부른다.
독주 바이올린을 중심으로 하는 법열의 악상이 계속되는 가운데 독창과 합창이 감동적으로
'베네딕투스…'를 반복하고 이어지는 '호산나'에서 클라이맥스에 달한 뒤 조용히 끝난다.
제5곡 '아뉴스 데이 Agnus Dei'세도막 형식.
제1부 Adagio b단조, 4/4박자. 전주 뒤 베이스 독창이 '세상의 죄를 멸하시는…'하고
부르기 시작하고 이윽고 합창이 이것에 참가해서 응답한다.
이어 Allegro vivace D장조 6/8박자의 제2부에 들어가 '우리들에게 평화를(pacem)'이
반복된 뒤 Allegro assai 4/4박자로 바뀌어 관현악이 전쟁의 도래를 그린다.
알토 독창이 '세상의 죄를 멸하시는 신의 어린 양'을 부르고 테너 독창이 이것을 받아
비통한 악상이 계속된 뒤 템포는 돌아가 '우리들에게 평화를 주옵소서'의 4중창.
다시 베이스 합창으로 시작하는 푸가(독주곡)토가 된다.
잠시 관현악이 불안한 악상을 전개하고 제3부 Presto가 된다.
곧 합창이 '신의 어린 양'을 로 부른다. 관현악은 드디어 격렬함을 더하고 합창과
소프라노 독창의 기도는 더욱 절실해지고 Allegro vivace 6/8박자로 옮겨 '도나(Dona)'의
4중창과 함께 차츰 밝음을 되찾는다.
'평화를(pacem)'의 기도는 끊임없이 4중창이나 합창으로 반복되고 마침내 관현악의
스타카토로 기쁘고 쾌활한 악상을 전개하기 시작한다.
곡이 완전히 고조한 곳에서 최후의 합창 '우리들에게 평안을 주옵소서(Dona nobis
pacem)'가 고조되고, 이어지는 투티로 전곡을 마친다.
[ 앨범감상 ]
8. Harmonies du Soir, Virtuose Celloromantik
Werner Thomas(Vc) / Hans Stadlmair(cond), Munchen Chamber Orchestra
I. Jacques Offenbach, Es Larmes Du Jacqueline
II. Jean Francaix, Rondino
III. Jean Francaix, Serenade
IV. Jacques Offenbach, Harmonies Du Soir
V. Jean Francaix, Movement Perpetuel
VI. Jean Francaix, Berceuse
VII. David Popper, Tarantella
VIII. Franz Schubert, Die Biene
IX. Gabriel Faure, Apres Un Reve
X. Nicolo Paganini, Moses-fantasie.introduction Und Variationen Uber "dal Tuo Stellato" Aus Rossinis "mose"
XI. Richard Wagner, Lied An Den Abendstern Aus "tannhauser"
XII. Pablo De Sarasate, Zapateado
XIII. Jacques Offenbach, Deux Ames Au Ciel
[ 앨범감상 ]
9. David Russell 19th Century Music
1) Dionisio Aguado, Andante et Rondo
2) Napoleon Coste, Introduction et Polonaise
3) Johann Kaspar Mertz, Elegie
4) Jose Broca, Fantasia
5) Johann Kaspar Mertz, Fantaisie Hongroise
6) Gimenez Manjon, Leyenda
7) Gimenez Manjon, Aire Vasco
8) Giulio Regondi, Reverie
[ 앨범감상 ]
10. Dances, Tunes and Ballads
Fritz Feichtinger(Alto Guitar)
Thomas Robinson, 'The Schoole of Musicke'
1) Gigue (29)
2) Toy for 2 lutes
3) Bell Vedere (26)
4) Gagliarde for lute
5) Robinson's Riddle 13
6) Almaigne (18)
7) Gagliarde for lute
8) Robinson's May
9) Almaigne (18)
10) Walking in a Country Town (30)
11) Merry Melancholie (12)
12) Robin Is To the Greenwood Gone
13) Toy for 2 lutes
14) Gagliarde for lute
15) Bonny Sweet Boy (31)
Francis Cutting,
16) Packington's Pound
Anthony Holborne,
17) Fairy Rownde for lute
18) Heigh Ho Holiday
19) Piece Without Title
20) Playfellow
Robert Johnson,
21) Alman for lute
John Dowland,
22) Preludium, for lute, P 98
23) Dance and Triple for lute
24) Shoemaker's Wife, a Toy, for lute, P 58
25) Go from My Window, folk song
26) Watkin's Ale, song
27) Greensleeves To a Ground
28) Lady Laiton's Almain, for lute, P 48
29) Mr Dowland's Midnight, almain for lute, P 99
30) Fortune My Foe, song arranged for lute, P 62
31) Kemp's Jigge/The Parlement
32) Orlando Sleepeth, arrangement for lute, P 61
33) Willson's Wilde
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