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1. Tchaikovsky, The Seasons, Op.37b(arranged Gauk)
Neeme Jarvi(cond), Detroit Symphony Orchestra
I. January ; By the Fireplace - Moderato semplice ma espressivo
II. February ; Shrovetide Festival - Allegro giusto
III. March ; Song of the Lark - Andantino espressivo
IV. April ; Snowdrop - Allegretto con moto e un poco rubato
V. May ; May Nights - Andantino
VI. June ; Barcarolle - Andante cantabile
VII. July ; Song of the Mower - Allegro moderato con moto
VIII. August ; Harvest - Allegro vivace
IX. September ; The Hunt - Allegro non troppo
X. October ; Autumn Song - Andante doloroso e molto cantabile
XI. November ; Troika - Allegro moderato
XII. December ; Yuletide - Tempo di valse
♣ 차이코프스키 '사계' Op.37b
차이코프스키의 피아노 연작인 사계는 이 작곡가의 또 다른 면을 보여주는 매우 중요한
작품이다.
교향곡이나 다른 협주곡에 가려져 있지만 그 음악적 가치는 재발견되고 있는데 계절의 변화와
시 그리고 음악이 매우 색다른 방식으로 어울리고 있다.
사계는 출판업자이자 잡지 발행인이었던 니콜라이 베르나르드가 상트 페테르부르크에서 매달
1일에 발행되던 음악잡지 누벨리스트에 싣기 위해 차이코프스키에게 위촉한 작품이다.
현재 이 작품의 기원과 관련하여 문서로 남아 있는 정보는 극히 드물다.
베르나르드와 차이코프스키가 이 위촉과 관련하여 주고받은 서신 날짜는 1875년 말로 되어
있다.
1875년 11월 24일 차이코프스키는 출판업자인 니콜라이 베르나르드의 제안을 받아들여 사계
연작을 쓰겠다는 답장을 보낸다.
이 연작에 속한 나머지 곡들은 1876년 1월 23일과 2월 4일 차이코프스키가 베르나르드에게 쓴
편지에도 나타나 있듯이 아마도 1876년에 작곡되었을 것이다.
작품 '3월'(3번)이 실려 있는 잡지 누벨리스트 3호는 2월 17일에 검열을 통과했다.
'4월'(4번)이 소개된 4호는 1876년 3월 22일에, '5월'(5번)이 실린 5호는 4월 20일에
통과됐다.
뒤의 일곱 곡('뱃노래'부터 '크리스마스'까지)은 하나의 카피북에서 모두 찾을 수 있고
따로 떨어져 있지 않은 것으로 보아 같은 시기에 작곡한 것으로 추정되고 있다.
출판업자는 각각의 곡마다 다양하게 메모를 해두었다(예를 들어 11월에는 'Nuvellist No.11'
이라고 적혀 있다).
'뱃노래'(6월)는 1876년 5월 18일에 검열을 통과한 이 잡지 6호에 출판된 것으로 보아
차이코프스키가 발레곡 백조의 호수을 완성(4월 10일에 완성)한 뒤 4월부터 이 곡들을
작곡하기 시작해서 늦어도 1876년 5월 15일에는 완성한 것으로 결론짓는게 자연스러워 보인다.
확실히 차이코프스키는 5월 말에 우크라이나와 해외로 여행을 떠나기 전에 이 곡들을 서둘러
완성했다.
1876년 10월 23일에 이 시리즈는 각각 출판하기 위한 검열을 통과했다.
앞서 언급한 증거를 감안해 볼 때 차이코프스키가 매달 앉아서 한 곡만 쓰고 있었다는 것을
입증하기는 어렵다.
언급했던 편지 중 1875년 11월 24일 차이코프스키가 니콜라이 베르나르드에게 보낸 편지에서
각 작품의 제목과 그에 따르는 시어들은 이 출판업자가 작곡가에게 제안했었다는 점을 짐작할
수 있다.
누벨리스트에 출판될 때 각 달의 명칭이 제목 앞에 주어지지는 않았었다.
필사본 악보를 보면 8번과 12번에 부제가 달려 있는데 각각 '추수'(The Harvest, Scherzo)와
'크리스마스 무렵'(Christmas-Tide, Waltz)이라 되어 있다.
다음은 러시아판에 실려 있는 싯구들 중 일부를 번역해 놓은 것인데 모든 싯구들은 출판인인
니콜라이 베르나르드가 직접 골랐다.
다만 사회주의 혁명 이전의 러시아는 구력을 사용했기 때문에 달력에서 약 12일 정도가
빠르다.
1월 난롯가에서(Au coin du feu)
더없이 행복한 시간 한편에서 / 밤은 여명으로 옷을 갈아입네 / 작은 불씨 벽난로에서
타들어가고 / 양초는 모두 타버렸네 - 알렉산데르 푸시킨
2월 축제(Carnaval)
활기 넘치는 참회의 화요일 / 머지않아 큰 축제가 벌어지리니 - 표트르 비야젬스키
3월 종달새의 노래(Chant de l'alouette)
꽃들이 흐드러진 들판 / 하늘에는 별들이 소용돌이 치고 /
종달새 노랫소리 푸른 심연을 채우네 - 아폴론 마이코프
4월 아네모네(Perce-neige)
푸르고 순결한 아네모네―꽃, / 아마도 마지막이리. / 지나간 고통 위로 떨구는 마지막
눈물방울들 / 그리고 또 다른 행복을 향한 첫 희망 - A. 마이코프
5월 별이 빛나는 밤(Les nuits de mai)
밤이도다! / 세상천지에 축복을! / 내 고향 북쪽 나라를 떠올린다 / 얼음의
왕국으로부터 / 몰아치는 눈보라와 눈송이들, / 5월은 얼마나 상쾌하고 산뜻하게
날아드는가! - 아파나시 페트
6월 뱃노래(Barcarolle)
바다로 가자 / 신비로운 슬픔을 머금은 파도가 / 우리의 다리에 키스를 보낸다. /
별들이 우리 머리 위에서 반짝인다. - 알렉세이 플레시에프
7월 농부의 노래(Chant du faucheur)
어깨를 들썩이고, / 팔을 흔들어라! / 한낮의 바람이 얼굴을 감싼다! - 알렉세이
콜트소프
8월 추수(La moisson)
곡식은 모두 익고, / 식구들은 다 자란 호밀을 베어낸다! / 낟가리를 한데 모아 / 한
짐 가득 실은 마차의 노랫소리, 밤새 끊이질 않네 - 알렉세이 콜트소프
9월 사냥(La chasse)
시간이 됐다! / 뿔나팔 소리 드높도다! / 사냥복을 입은 사냥꾼들, 말을 몰아 달린다.
/ 이른 새벽 보로조이 뛰어다닌다. / - 알렉산데르 푸시킨, 그라프 눌린
10월 가을의 노래(Chant d'automne)
가을, 가련한 난초 위로 내려앉고, / 낙엽은 바람에 흩날린다. - 알렉세이 니콜라예비치
톨스토이
11월 삼두마차(Troika)
외로울 땐 길을 돌아보지 마라, / 삼두마차를 따라 달려 나가지도 마라. / 곧장 마음을
억누르면 열망의 두려움이 마음속에 영원하리니 - 니콜라이 네크라소프
12월 크리스마스(Noel)
옛날 어느 크리스마스 밤 소녀들이 운명을 점치고 있었네 / 슬리퍼를 벗어 들고 문을 향해
던졌다네 - 코르네프 주코프스키
■ 추천음반
대부분이 러시아 계통의 피아니스트들이 주로 연주했지만 얼 와일드 같은 미국 피아니스트도
녹음을 남겼다.
만약 스비아토슬라프 리히테르가 전곡을 레코딩 했다면 첫 번째 선택이 되겠지만, 그는 몇
곡만을 녹음했다. 사실 전곡이라고 해도 음반 한 장에 고스란히 들어간다.
미하일 플레트뇨프가 멜로디아와 버진에서 남긴 두 번의 녹음은 각자 독특한 개성이 있다.
차이코프스키의 '사계' 연주에서 플레트뇨프는 첫 번째로 통과해야할 문이다.
예핌 브론프만(Sony)이 펼쳐보인 감각의 제국은 대단히 특별한 감동을 준다. '사계'를
이토록 섬세하게 연주할 수 있다는 점이 놀랍다.
블라디미르 아쉬케나지(Decca)의 세련되고 서정적인 연주 그리고 데니스 마추예프(Sony)의
미묘한 울림의 터치는 만화경처럼 다양한 차이코프스키의 '사계'의 새로운 면을 보여준다.
예프게니 스베틀라노프(Melodiya)가 가우크의 편곡판을 사용해서 소비에트 국립 심포니
오케스트라를 지휘한 녹음은 작곡가 자신도 미처 생각하지 못한 효과를 창출하고 있다.
2. Schubert, Symphonie Nr.9 C-dur Die grosse Op.posth D 944
Herbert Blomstedt(cond), Staatskapelle Dresden
I. Andante - Allegro ma non troppo
II. Andante con moto
III. Scherzo. Allegro vivace
IV. Finale. Allegro vivace
♣ 슈베르트 교향곡 9번 C 장조 'The Great' D944
이 작품은 스케치만 남아있는 '교향곡 D장조'(D936A, 1828년)를 제외하고는 슈베르트
최후이자 최대의 교향곡이다.
이 작품은 출판 당시인 1849년 시점에서는 '교향곡 7번'으로 알려져 있었다.
당시까지 슈베르트 교향곡은 1~6번까지만 알려져 있었기 때문에 이 작품은 7번째 교향곡
번호를 받았던 것이다.
1884~1885년 구 전집이 출판됐을 때에도 이 사실은 그대로 적용되었다.
그 후 단순한 스케치 상태였던 'E장조 교향곡'(D729, 1821년)을 어떻게 슈베르트의 작품
목록 속에 위치시킬 것인가의 문제가 불거졌다.
그래서 다시 작품의 성립 연대순으로 번호가 재배치 되었다.
따라서 성립 연대순에 따라 'E장조 교향곡'을 7번, '미완성 교향곡'을 8번, '그레이트
교향곡'을 9번으로 부르게 되었고, 이것이 오늘날 보편적으로 일컬어지는 슈베르트의
교향곡 번호로 정착되었다.
그러나 오토 에리히 도이치의 신작품 목록에는 'E장조 교향곡'이 실제로 연주가 불가능한
작품인 것을 고려해 번호를 삭제하고 '미완성 교향곡'과 '그레이트'에 각각 이전의 7번과
8번 번호가 부여되어 있다.
가끔씩 '교향곡 8번'과 '9번'을 '7번'과 '8번'으로 표기하는 경우를 볼 수 있는 것은
7번이었던 '교향곡 E장조'가 사라졌기 때문이라고 생각하면 되겠다.
여행 중 체재하고 있던 곳에서 슈베르트는 그동안 신세를 졌던 친구들이나 주변
사람들에게 편지를 보냈다.
그 내용을 보면 당시 작곡한 '그레이트'에 대해서 조금씩 언급하고 있는 것이 보인다.
따라서 이 긴 여행의 시기 전후에 '그레이트'가 작곡된 것이 아닐까 하는 추측이 가능하다.
이 대규모의 교향곡은 그 실체가 분명히 알려지지 않은 채 슈베르트가 당시 휴가를 떠난
장소의 지명을 본떠서 '그문덴 가스타인 교향곡' D849으로 통칭되어 왔다.
이후 음악학자들의 연구로 이 시기에 작곡된 교향곡은 D849가 아니라 C장조 '그레이트'
D944임이 판명 났다.
이 곡의 슈베르트 자필 스코어는 빈 악우협회에 보존돼 있으며 같은 시대 필사 악보도
존재한다.
초연은 멘델스존의 지휘로 1839년 이루어졌다. 그러나 슈베르트 생전에 빈 악우협회에서
단독으로 주최한 음악회에서 초연됐을 가능성도 제기되고 있다.
■ 추천음반
푸르트뱅글러/베를린 필(DG)의 음반은 이 곡에 관한 한 초이스의 상위권에서 오래도록
내려오지 않을 것이다.
푸르트뱅글러의 가장 빼어난 스튜디오 레코딩이다. 이 1951년 녹음은 슈베르트의 명곡을
따스하면서도 노래가 끊이지 않고 아름답게 형상화시켰다.
요제프 크립스/빈 필(Decca)의 연주는 슈베르트의 숨결이 생생한 빈의 분위기를 가장 잘
나타내준 명연이다.
1958년 녹음이면서 이상적으로 관현악의 밸런스를 구현해 LP시절부터 명성이 자자했다.
시종일관 구름 위에 떠서 연주하는 듯한 천상의 음악다운 숭고함을 감동적으로 표현하는
크립스의 지휘가 일품이다.
카를로 마리아 줄리니/시카고 심포니(DG, 1977)는 느린 템포 가운데서도 스코어 그 자체의
비경을 있는 그대로 드러내준다.
줄리니 특유의 유려한 노래와 신사적인 기풍이 결합된 독보적인 해석이다.
귄터 반트/베를린 필(RCA)는 거장 브루크네리안 반트가 그 조상격인 슈베르트 해석에서도
진면목을 보여주는 음반이다.
15년 만에 베를린 필과 재회한 1995년 3월 실황으로 생동감이 넘치며 꿈틀거리는 펄스가
전곡을 관통하고 있다.
헤르베르트 블롬슈테트 ( Herbert Blomstedt, 1927. 7. 11 ~ )
미국 매사추세츠주 스프링필드에서 태어났다. 스웨덴계 출신으로 스톡홀름 왕립음악학교와
스웨덴 우프살라 대학을 졸업햇다.
그 뒤 잘츠부르크에서 마르케비치를 사사하고 또 탱글우드에서도 배웠다.
1954년 스톡홀름 필에서 지휘자로 데뷔하고 1956년 잘츠부르크의 지휘자 콩쿠르에서 1위를
획득했다.
1962년부터 1968년까지 오슬로 필의 수석 지휘자를 지내고 1968년부터 1977년까지는
코펜하겐 방송교향악단의 수석 지휘자로 취임했다.
그동안 1961년에는 스톡홀름 음악학교의 강사로 초빙되고 1965년에는 교수가 되어
1970년까지 재직했다.
1969년에는 드레스덴 슈타츠카펠레 연주회를 객원지휘한 이후 이 오케스트라를 지휘하는
기회가 많아졌다.
1975년에는 이 오케스트라 및 드레스덴 국립 오페라 극장 수석 지휘자에 취임했다.
이 오페라 극장에는 '피델리오'로 데뷔했다. 물론 이 슈타츠카필레를 이끌고 다니거나 혹은
단신으로 여러 음악제와 각지에의 객원 지휘도 많았다.
레코드는 슈타츠카펠레를 지휘한 것이 대부분이며 베토벤의 '교향곡 제2번'(독일 샬프라텐)이
대표적이다.
지적으로 정리가 잘된 음악을 만드는 타입의 사람으로 그 속에는 어렴풋한 낭만성도 깃들어
있다.
3. Schumann, Piano Concerto in A minor, Op.54
Rudolf Serkin(pf) / Eugene Ormandy(cond), Philadelphia Orchestra
I. Allegro affettuoso
II. Intermezzo (Andantino grazioso)
III. Allegro vivace
※ Recorded at Town Hall, Philadelphia, 1964
♣ 슈만 피아노 협주곡 A 단조 Op.54
피아니스트로서 그리고 피아노를 사랑하는 작곡가로서 로베르트 슈만은 젊은 시절부터 피아노와
오케스트라를 위한 작품을 작곡하려는 꿈을 가지고 있었다.
그러나 오케스트레이션 작업에 보다 많은 훈련과 노련함을 필요로 했던 슈만은 자신의 꿈을
구체화하는 데에는 꽤 많은 시간을 필요로 했다.
그러한 만큼 결혼 무렵까지 슈만은 피아노 솔로 혹은 피아노를 수반한 가곡을 중심으로 작곡을
했다.
다양한 경험과 모진 시련 및 사랑의 결실을 체험한 다음인 1841년 라이프치히에서 자신의 모든
것을 쏟아붓기를 작정한 듯 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡을 작곡했다.
1839년 12월 11일 그는 슈베르트의 '9번 교향곡 더 그레이트'의 리허설을 보고난 뒤 친구인
베커에게 "나의 모든 이상이 그 안에서 구현현되어 있다"며 흥분을 감추지 못했다.
자신이 작곡하고자 하는 작품에 대해 "교향곡과 협주곡, 그랜드 소나타의 중간 형태"라고
설명하고 있다.
1840년 결혼과 더불어 엄청난 가곡을 쏟아냈던 슈만은 멘델스존이 지휘한 슈베르트의 '더
그레이트' 초연을 들은 뒤 자신의 '1번 교향곡'에 대한 영감을 받았음과 동시에 1악장의 저
장대한 호른의 등장을 자신이 작곡하고 있는 피아노 협주곡의 첫 부분에 차용하기로
마음먹었다.
그리고 그는 모차르트와 베토벤 이후 피아노와 오케스트라의 유기적인 통합이 배재된 채
독주자의 비르투오시티만을 강조하는 과시형 협주곡들이 나타나는 것에 대해 극도의 불쾌감을
피력한 바 있다.
그의 목표는 고전적 이상에 의거한 피아노와 오케스트라의 일체화된 서사시를 작곡하는
것이었다.
이렇게 탄생하게 된 것이 바로 단악장의 피아노와 오케스트라를 위한 환상곡이다.
이후 슈만은 이와 같은 단악장 형태의 콘체르트슈튀크 작품을 1849년 드레스덴에서
인트로덕션과 알레그로 아파쇼나토 Op.92를 작곡했고 1853년 뒤셀도르프에서 인트로덕션과
알레그로 콘체르탄테 Op.134를 작곡했다.
1841년은 슈만에게 있어서 '교향곡의 해'에 해당한다.
'교향곡 1번'과 후일 '교향곡 4번'이 된 두 번째 교향곡을 작곡하는 시기에 탄생한 피아노
협주곡은 당시 슈만의 의도대로 오케스트라의 효과와 구성에 많은 힘을 쏟은 모습을 곳곳에서
찾아볼 수 있다.
그러나 '4번 교향곡' 또한 원래는 '교향적 환상곡'이라는 타이틀로 출판하고자 했었다.
아마도 전통적인 교향곡에 있어서의 소나타 형식보다는 낭만주의자로서 자신의 기질이 보다
자유분방하고 발전적인 양식을 도입한 환상곡 형식에 슈만은 많은 애착을 갖고 있었음을
미루어 짐작할 수 있다.
이러한 맥락에서 자신의 피아노 협주곡 또한 전통적인 협주곡의 형식에서는 많이 벗어나 있는
오히려 그 변화하는 주제의 모습들은 어딘지 변주곡을 떠올리는 까닭에 환상곡이라는 제목을
붙이고자 했다는 가정에 높은 개연성을 부여할 수 있을 것이다.
실제로 1841년 5월 13일에서 20일 사이에 쓴 일기에 따르면 슈만은 피아노와 오케스트라를
위한 환상곡을 독립된 작품으로 출판할 생각이었지만 마땅한 출판사를 찾을 수가 없었다.
이후 4년이라는 시간을 더 투자하여 2악장과 3악장을 작곡하여 1845년 여름에 이르러
정식적인 피아노 협주곡이라는 제목을 붙인 작품으로 완성했다.
그 해 12월 4일 드레스덴에서 페르디난트 힐러의 지휘와 슈만의 아내인 클라라 슈만의 피아노
연주로 초연되었다.
이어 1846년 1월에는 라이프치히에서 멘델스존의 지휘와 클라라의 협연으로 연주되어 커다란
성공을 거두었다.
슈만은 비르투오소들을 위한 협주곡에 담긴 자기과시적인 요소를 배재하고 순수 음악적인
효과와 구조적인 맥락을 추구하기 위해 피아노와 오케스트라에 동등한 지위를 부여하는 것을
가장 중요시했다.
이를 위해 그는 비엔나의 고전주의 작곡가들의 작품을 의식적으로 계승하고자 노력했다.
특히 피아니스트와 오케스트라가 대화를 주고받는 형식을 강조했다는 점에서 이를 뒷받침할
수 있다.
그러나 슈만은 단순히 전통을 답습한 것이 아니라 자신만의 음악언어 즉 낭만주의적 상상력을
강력하게 발휘하여 새로운 드라마를 만들어냈다.
특히 1악장은 '환상곡'이라는 제목으로 발표하고자 했던 것을 생각해 본다면 그는 피아노와
오케스트라라는 양자의 대화보다는 통합이라는 관점에서 이를 다루고자 했음을 짐작할 수
있다.
바로 이 점이 동시대에 발표된 비르투오소용 협주곡 혹은 형식 파괴에 앞장선 리스트의
피아노 협주곡 등과 전적으로 구분되는 슈만만의 개성이라고 말할 수 있다.
우선 제시부에서 독주와 관현악의 구분이 희미해졌다.
강력한 하행 옥타브로 시작하는 피아노의 다이내믹한 등장으로 시작한 뒤 제시부가 끝날
무렵에야 비로소 잠깐 피아노가 수반되지 않는 오케스트라 총주가 등장할 뿐이다.
주제가 끊임없이 변형함에 따라 독주는 물론이려니와 오케스트라 또한 서정적인 모습을 잃지
않으며 변화해나가는 모습이 특히 그러하다.
게다가 오케스트라는 피아노와 대립하지 않고 종속하지도 않으며 가곡에 있어서 성악가와
피아노의 진실된 관계처럼 서로 조화를 이루며 동반자의 관계를 유지한다.
그 가운데 클라리넷이나 오보에 솔로가 가끔씩 시그널적인 멜로디를 노래 부를 뿐 두드러지는
것은 찾아보기 힘들다.
이것은 어떤 경우에는 실내악적인 정교함을 또 어떤 경우에는 보다 두터운 텍스추어로
음악에 질감과 힘을 더하는데 외형상의 이러한 효과는 후일 브람스가 오케스트라 작품에서
즐겨 사용했던 것이라고 말할 수 있다.
어찌되었던 이 1악장은 환상곡풍을 견지하는 작품임이 분명한데 이러한 모습은 리스트가
자유로운 방식으로 작곡한 헝가리 광시곡과 베토벤이 투철한 계산과 논리적인 발전을
전개시켰던 피아노 소나타의 중간 형태라고 말할 수 있을 것이다.
게다가 여기에는 바흐에 대한 슈만의 동경 또한 등장한다.
1악장 카덴차 부분에서 등장하는 다성부적인 패시지가 그것으로서 슈만은 바흐로부터 많은
아이디어의 자양분과 대위법적 상상력을 얻어왔다.
슈만은 같은 시대의 리스트나 바그너처럼 기교주의나 화려한 외면을 꾸미는 방향에는 공감을
갖지 못했고 오히려 바흐나 베토벤, 슈베르트 등으로 이어 내려온 전통에 입각한 자기
나름의 방향에서 창작하는 것을 사명으로 생각했다.
그렇기 때문에 그는 멘델스존을 높이 평가하고 브람스에게 호감을 가졌다.
이러한 슈만은 멘델스존처럼 바흐의 음악을 끝없이 연구하였으며 젊은 음악가들에게도
그렇게 할 것을 끊임없이 권했다.
이 작품은 슈만의 '교향곡 4번'처럼 쉼 없는 유기체적인 흐름을 내세운 작품은 아니지만 이에
못지 않은 콘텍스트의 연속성과 일관된 흐름을 가지고 있다.
독립된 환상곡에 후일 덧붙인 2악장과 3악장을 보면 이러한 특성을 더욱 강하게 이해할 수
있는데 무엇보다도 첫 악장과 뒤의 두 개의 악장 사이에 일체의 이질감과 소외감을 찾을 수
없다는 것이 그러하다.
오히려 1악장에서의 주제에 정당성과 정합성을 부여하기 위해 나머지 악장들 또한 이 주제와
끊임없이 관련을 맺어 나가며 환상곡 본래의 단일주제적 접근에 충실하고자 했다.
2악장은 나긋나긋하고 차분한 톤의 인터메초 악장이다.
단순한 ABA 구성으로서 피아노와 오케스트라가 주도 멜로디에 대해 끊임없이 대화를 나눈다.
특히 첼로와 피아노가 대화를 나누는 모습은 대단히 인상적으로서 이렇듯 느린 악장에서
첼로를 사용하는 기법은 이후 브람스 또한 자신의 '피아노 협주곡 2번'에서 보다 특징적이고
발전적인 모습으로 계승된다.
피아노는 첫 주제로 돌아온 뒤 다음 알레그로 악장을 향한 힘찬 약진을 준비한다.
피날레는 규모가 큰 소나타 형식에 있어서의 론도 악장으로서 소나타 전체의 주제를 새로운
방식으로 변형한 것이다.
특히 피아니스트로 하여금 고난도의 아르페지오와 8분음표 패시지를 대단히 바쁘게
연주하게끔 하는 부분이 등장하여 비르투오시티를 자랑하지 않으면서도 음악에 적절한
긴장감과 화려한 효과를 부여하는 모습으로부터 슈만의 작곡의도를 파악할 수 있다.
2주제는 미묘한 교차 리듬으로 확장하며 길거나 짧은 단위로 등장한다.
이후 론도 주제가 다시 등장하고 정통적인 방식에 따라 약간의 푸가토가 포함된 숨가쁜
발전부를 거친 뒤 오보에와 피아노의 대화에서 새로운 선율이 제시된다.
재현부 이후에 눈부신 시성과 우아한 지적 고양감이 충만한 코다에 이르러 환상곡풍임을
강조하기 위해 슈만이 그토록 집요하게 사용한 협주곡의 첫 주제가 녹아있다는 사실을 거의
깨닫지 못한 채 낭만주의의 상상력과 고전주의의 엄격함을 결합하여 19세기 피아노 협주곡
장르의 모범으로 일컬어지는 이 작품은 비로소 끝을 맺는다.
■ 추천음반
환상곡풍의 협주적 완결체로서 이 작품을 가장 정확하게 이해하고 표현한 역사적인
녹음으로는 빌헬름 푸르트벵글러와 발터 기제킹의 전시녹음(DG)을 예로 들 수 있다.
이들은 전체가 하나가 된 것처럼 강력한 에너지를 발산하며 그 광기어린 시성에 모든 것을
녹여버리는 듯하다.
음질을 포함한 여러 음악적 완성도에 있어서 그 시들지 않는 청초함과 결벽증적인
완벽주의가 빛을 발하는 녹음으로 디누 리파티와 헤르베르트 폰 카라얀의 녹음(EMI)이 슈만
협주곡의 결정반이라고 감히 말할 수 있다.
카라얀의 템포를 리파티가 받아들이지 않아 녹음이 탄생할 수 없었던 위험한 순간도
있었지만 결국 리파티는 카라얀의 완벽주의적 성격에 존경을 표하며 카덴차 부분 외에는
모든 템포를 카라얀의 스타일에 맞추었다.
머레이 페라이어와 클라우디오 아바도의 녹음(SONY) 또한 두터운 음향을 바탕으로
진취적이고 단일적이며 독특한 시성을 발산하는 연주로 그 명성이 높다.
마르타 아르헤리치와 니콜라우스 아르농쿠르의 녹음(Teldec)은 즉흥성과 광기, 숨 쉴 틈
없는 추진력이 빛을 발하는 현대적 해석의 표본이라고 말할 수 있다.
루돌프 제르킨 (Rudolf Serkin, 1903. 3. 28 ~ 1991.5.8)
보히미아의 에겔에서 유태계의 러시아인의 가정에서 태어난 미국의 거장 피아니스트이다.
4세 때부터 전에 성악가였던 부친에게서 피아노의 초보를 배우고 9세 때 빈으로 나가
피아노를 리햐르트 로베르트, 작곡을 요제프 마르크스와 쇤베르크 에게 사사했다.
그리고 일찌기도 12세로 빈 필의 독주자로서 기용되어 멘델스존의 피아노 협주곡 G단조를
연주해 성공을 거두었으나 더욱 공부를 계속하여 1920년이 되어서 본격적인 연주 활동에
들어갔다.
제르킨이 친구의 집에서 후에 그의 장인이 된 명 바이올리니스트인 아돌프 부시와 만난 것도
마침 이 해여서 그의 연주를 들은 부시는 곧 자기와 연주 여행을 제의하여 그를 베를린
자택으로 초대했다.
그래서 그 초청에 응해서 베를린의 부시 가를 방문한 제르킨은 거기서 부시의 외동딸
일레네와 만났는데 당시 4세였던 그녀야말로 14년 후에 제르킨의 아내가 된 그 여성이었다.
또 베를린에서의 데뷔에서 부시의 지휘로 바하의 '브란데부르크 협주곡 제 5번'을 연주한
제르킨이 열렬한 앙코르에 응해서 놀랍게도 연주 시간이 50분이 넘는 '골드베르크 변주곡'을
연주해 버렸다는 에피소드도 널리 알려져 있다.
이리하여 피아니스트로서 순조로운 걸음을 계속하여 명성을 날린 제르킨이었지만
유태인이었기 때문에 나찌 정권 성립 후는 독일 국내에서 활동이 불가능하게 되어 마침내
1939년에 부시와 함께 유럽을 떠나서 미국으로 건너갔다.
그는 이미 1933년에 부시와 함께 워싱턴의 쿨리시 음악제에 초청되고 1936년에는 토스카니니
지휘의 뉴욕 필과 공연하여 호평을 얻었다.
미국에 건너가서는 독주자로서 한층 적극적인 활동을 하게 되어 세계 각지를 연주 여행해서
압도적인 명성을 얻었다.
또 다망한 연주의 틈을 내어 1939년부터는 커티스 음악원의 교수를 맡고 1950년 부터는
버몬트 주의 말보로에서 매년 여름 음악제와 음악학교를 주재하여 후진 지도에도 정열을
기울였다.
반 세기를 넘은 충실한 경험을 지닌 제르킨은 바하에서 바르토크에 이르는 넓은 레퍼터리를
자랑했다.
그러나 그러한 그의 음악의 중심을 이루는 것은 무어라 해도 베토벤으로부터 브람스까지의
독일 음악이라해도 좋을 것이다.
드물게 보는 긴장감이 넘친 힘찬 조형속에 작품의 본질과 그 정신성을 훌륭히 구현하고 있다.
또 A. 부시나 카잘스와 함께 실내악 연주에도 극히 충실된 연주를 들려준다.
1960년에 내한 공연을 가진 바 있다.
4. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61
Thomas Zehetmair(Vn) / Frans Bruggen(cond), Orchestra of the 18th Century
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게 연주했다고
전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이 계속 반복되면서
피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악 사중주
'라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을 지적한
것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을 사랑하고
있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도 모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게 피할 수
없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로 전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를 배가시키는
특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터 지휘의
콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는 명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
토마스 체트마이어 (Thomas Zehetmair, 1961. 11. 23 ~ )
오스트리아 잘츠부르크 출생의 토마스 체트마이어는 1990년 카잘스 흘 4중주단의 한
사람으로서 제1바이올린을 맡아 뛰어난 음악성을 보여 주었다.
비올라의 T. 치머만과 녹음한 '2중주곡집'에서는 정확한 음정과 신장감 있는 음색을 들려준다.
CD로는 홀리거가 지휘하는 유럽 실내관현악단와 공연한 '베르크/실내협주곡' 등이 있다.
5. Lalo, Cello Concerto in D minor Op.37
Janos Starker(Vc) / Stanislaw Skrowaczewski(cond), London Symphony Orchestra
I. Prelude: Lento - Allegro maestoso - Tempo I
II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro Presto - Andantino (Tempo I) - Allegro Presto
III. Introduction: Andante - Allegro Vivace
♣ 랄로 첼로 협주곡 D 단조 Op.37
에두와르 랄로의 이름을 널리 알려준 곡이 바이올린 협주곡(스페인교향곡)과 오직 하나
뿐인 첼로 협주곡 D단조이다.
이 두 작품은 스페인 정취가 깊이 배어있고 독주 악기와 관현악기의 조화가 잘 처리되어
있다는 것과 작곡시기도 비슷하다는 공통점 을 가지고 있다.
특히 첼로 협주곡은 탄탄한 구조와 이국 풍의 색채가 풍부한 선율로 근대 첼로 협주곡
가운데 백미로 평가되는 곡이다.
특히 랄로는 바이올린과 비올라, 첼로 등의 연주에 상당한 실력을 가지고 있을 정도로
악기에 모두 능통했던 작곡가로 알려져 있다.
그의 이름을 알려준 계기가 된 스페인 교향곡이나 첼로협주곡 같은 작품이 독주 악기의
역할을 적절히 살렸다고 좋게 평가 받고 있는 이유가 여기에 있다.
보통 현악기는 피아노와는 달리 대편성의 관현악의 위용에 눌려 자칫하면 소리가 들리지
않게 되는데 이 곡은 독주 첼로소리가 가려지는 경우가 없도록 배려가 되어 있는 것을
느낄 수 있다.
20대에 작곡을 시작한 랄로는 초기에는 인정을 받지 못하다가 51세가 되었을 때 '바이올린
협주곡 F 장조'를 발표하고 이듬해 스페인 교향곡을 발표하면서 이름이 알려지게 되었다.
첼로 협주곡은 1876년 53세 때 작곡되어 다음해 작품을 헌정 받은 첼리스트에 의해
파리에서 초연 되어진 곡이다.
랄로 음악의 특징은 강한 이국적 취향과 귀족적인 단아함에 있다.
그의 모든 작품은 잘 빚어진 조각품처럼 우아하고 섬세한 맛을 풍기며 이런 성향이
스페인적 정취와 어울려 독특하고 세련된 음악을 빚어내고 있다고 평가 받고 있다.
랄로는 역량에 비해 무척 운이 없었던 음악가로 알려졌었다.
그는 프랑스 릴의 스페인 가계 출신으로 부친은 나폴레옹에게 직접 훈장을 받은 군인이었다.
유년시절 릴 음악원에서 베토벤 지휘로 연주한 바 있다는 첼리스트 보만을 사사했다.
대를 잇기를 원했던 부친의 희망을 저버리고 16세에 집을 떠나 파리 국립음악원에
입학했지만 고루한 교육방법과 어려운 생활로 고달픈 학창시절을 보낸다.
1847년에 로마대상에 도전하여 2등에 머물자 작곡을 포기하고 아르맹고 4중주단의 비올라
주자로 들어간다.
1865년에 결혼하고 다시 작곡을 시작해 오페라 공모에 도전하지만 3등에 그쳤다.
그러나 당시 그를 주목했던 파리 오페라극장 단장이 작품의뢰를 해오나 그것도 전쟁과 화재,
파산 등으로 결국 불발하게 된다.
결국 관현악을 위한 디베르티멘토가 발표되면서 비로소 조그마한 성공을 거두는데 그것은
바로 그의 50회 생일 전날이었다.
그 후 1873년 사라사테가 연주한 바이올린 협주곡이 대성공을 거두고 스페인교향곡에 이어
1878년 첼로 협주곡이 발표되자 작곡가로서 랄로의 위치는 확고해지며 정부로부터 훈장까지
받게 된다.
그러나 곧 중풍증세가 시작되고 그의 유일한 오페라가 성공했음에도 불구하고 그토록 원했던
예술원에 뽑히지 못한 채 일생을 마친다.
D단조 협주곡은 1877년에 작곡되어 그 다음해 파리에서 피셔에 의해 초연되었고 헌정되었다.
제 1악장 프렐류드 : Lento Allegro maestoso
8분의 12박자의 소나타 형식.
향수를 불러 일으키는 감미로운 주제 선율 을 들을 수 있으며 전 관현악이 연주하는
스페인풍의 악구로 도입부가 시작된다.
광대하고 느린 서주가 첼로의 남성적 레치타티보를 선행한다.
1악장의 주주제는 리듬과 음정이 팡파레 같은 열정을 기초로 하는데 서주의 인상을 그대로
간직하고 있어 엄숙한 분위기가 조성된다.
이에 비해 종속 주제는 '돌체시모 에스프레시보'가 지시하듯이 매우 서정적이며, 2분박과
3분박의 배합으로 스페인풍을 자아낸다.
카르멘 행진곡 같은 삽입절이 잠깐 스치고 오스티나토적 리듬과 1주제의 팡파레적 요소가
합쳐져 극도로 발전된다.
재현은 삽입절 없이 1, 2주제를 등장시킨 다음 화려한 결론부로 직행한다.
제 2악장 인터메초 : Intermezzo Andante con moto
8분의 9박자의 세도막 형식.
슬픔에 넘친 가락은 제 1 바이얼린이 담당하고 그대로 독주 첼로에 이어진다.
선이 굵고 아름다우며 우수에 찬 가락이 이어지며 현과 플륫트가 피치 카토와 스타카토를
번갈아 연주하면서 긴장을 주는 장면이 귀를 즐겁게 한다.
카잘스는 이 악장을 설명하면서 "여기에는 격렬함이란 존재하지 않는다. 너무나 우아하고
스페인적이어서 고아함과 시적인 미를 담아서 연주해야 한다"고 했다.
단순한 2부 형식으로 1주제는 고상하고 몽상적인 느린 멜로디이고 2주제는 현의 피치카토와
플루트의 스타카토로 된 오스티나토 리듬에 맞춰 솔로가 싱코페이션의 가볍고 경쾌한
노래를 부른다.
약간 변형된 1, 2주제가 반복되고 나서 피치카토로 가볍게 끝을 내는데 이를 듣노라면
너무나 사랑스러워 항상 미소가 저절로 나온다.
제 3악장 Introduzione Allegro vivace
관현악이 가장 여린 음으로 하바네라 리듬의 변형을 연주하기 시작하고 곧 가장 센 연주로
고조되면 독주 첼로가 론도의 제1주제를 힘차게 연주한다.
첼로가 론도의 제1주제를 힘차게 연주한 뒤 제2주제로 스페인 민속 춤곡인 하바네라의
율동적 선율이 이어지는데 이것은 유명한 사라사데의 바이올린곡(하바네라)의 주제와 같은
것이다.
스페인적 무드가 고조에 달하면서 3악장은 첼로 독주가 하바네라 선율을 느리게 두 번
반복하며 서주를 장식한다.
이어 스페인 춤곡의 1주제가 비바체로 힘차게 연주되자마자 쉬지 않고 빠른 하바네라의
2주제가 나타난다.
론도 형식의 피날레는 마지막 코다에 가서 첼로는 a"의 고음까지 치닫고 여기에 금관과
팀파니가 가담하고 4개의 호른의 강주로 장대하게 곡을 마친다.
전체적으로 관현악과 독주첼로가 마치 잘 맛물린 톱니바퀴처럼 한치의 오차도 없이 조화를
이루어 내고 있는 곡이다.
드보르자크의 위대함이나 생상의 정교함 같은 것은 부족하지만 랄로의 협주곡은 우선
신나고 즐겁다.
스페인 음악이 가지고 잇는 발랄함과 유희성, 유머감각과 프랑스 음악의 특징인 합리성과
멋스러움이 교묘하게 조화를 이룬다.
오랜 동안 작곡으로 성공하기 위해 공들인 연구와 노력을 모두 담아 내려는 욕구에 너무
많은 것을 일시에 표현하려는 의도가 보여지는데 이것은 낭만주의 음악의 한 측면이기도
하다.
그는 어려서 스승이던 보만의 가르침인 "평범하다 혹은 관용적이다 함을 경계하라,
그렇다고 괴상하면 더욱 않된다. 남이 하기 때문에 행하기보다는 자신이 하고 싶다고 느낀
것만을 행하라"고 한 말을 늘 잊지 않았다고 회고한다.
비록 50세가 될 때까지 기다림이 있었지만 랄로는 확실히 남이 흉내 낼 수 없는 것과
자신이 하고픈 것 만을 이루었다고 생각되는 대기만성 형의 작곡가라고 할 수 있다.
야노스 스타커 (Janos Starker, 1924. 7. 5 ~ )
야노스 스타커는 헝가리의 부다페스트에서 태어난 미국의 첼로 주자이다.
7세 때부터 첼로를 배우고 부다페스트 음악원에 입학하여 12세의 나이로 부카레스트에서
리사이틀을 가졌다.
헝가리 동란 후는 미국에 이주하여 1958년까지 댈라스 교향악단, 메트로폴리탄 가극장
관현악단, 시카코 교향악단의 차례로 각각 수석 첼로 주자를 맡았다.
그후는 인디애나 음악대학의 교수로 취임하는 한편 솔리스트로서 독립하여 성대한 연주
활동을 계속해서 오늘에 이르고 있다.
1970년 이후 수차 내한한 바 있다.
야노스 스타커의 특징은 무엇보다도 먼저 어떠한 어려운 패시지라도 쉽게 켜내는 놀라운
메카닉에 있으며 또 그 기교를 남김 없이 구사함으로써 생기는 커다란 스케일과 생생한
생명감에 있다.
또 최근의 그의 기교는 너무나 뛰어나기 때문에 일종의 직인 기예로 빠져버리는 듯한 위험이
있는 것도 사실이다. 코다이의 무반주 소나타를 특히 중의 특기로 하고 있다.
왼손의 독립성과 강화를 꾀하는 '첼로 메소드'의 저자로도 이름이 높다.
약력
1958 미국 인디애나대학교 제이콥스 음악학교 교수
1952 시카고 심포니 오케스트라 첼로연주가
1949 메트로폴리탄 오페라 첼로연주가
1948 댈러스 심포니 오케스트라 첼로연주가
6. Haydn, 'The Seven Last Words of Jesus Christ', Op.51
Kodaly Quartet
I. L'Introduzione: Maestoso ed adagio
II. Sonata I: Pater, dimitte illis, non enim sciunt, quid faciunt (Largo)
III. Sonata II: Amen dico tibi: hodie mecum eris in paradiso (Grave e cantabile)
IV. Sonata III: Mulier, ecce fulius tuus, et tu, ecce mater tua! (Grave)
V. Sonata IV: Eli, Eli, lama asabthani? (Largo)
VI. Sonata V: Sitio (Adagio)
VII. Sonata VI: Consummatum est! (Lento)
VIII. Sonata VII: Pater! in manus tuas commendo spiritum meum (Largo)
IX. Il terremoto (Presto e con tutta la forza)
♣ 하이든 '십자가 위의 일곱 말씀' Op.51
'십자가 위의 일곱 가지 말씀'은 생략해서 '일곱 가지 말씀'이라 불리고 있다.
하이든은 1785년에 에스파냐 남부 카디스의 성당으로부터 성금요일 예배에 연주할 '십자가
위의 일곱 말씀'에 관한 곡을 의뢰받았다.
하이든은 이 곡의 제작에 대해 다음과 같이 적고 있다.
"약 15년 전에 나는 카디스의 한 승정(僧正)으로부터 '일곱 가지 말씀'을 기악곡으로 만들어
달라는 부탁을 받았다. 사순절(부활절 전 40일간) 동안 카디스의 대본산(大本山)에서는 매년
오라토리오를 하는 것이 습관인데 다음의 준비가 그 효과를 높였다. 교회의 벽 · 기둥 · 문에는
검은 베가 드리워지고, 커다란 등불이 중앙에 단 하나 켜져서 장엄하고 종교적인 어둠을 밝게
한다. 낮에 문이라는 문은 모두 닫히고 음악이 시작된다. 그 자리에 어울리는 전주곡이
연주되었을 때 승정이 강단에 올라가 일곱 가지 말씀 중의 하나를 외며 이에 관한 설교를 한다.
이것이 끝나면 그는 강단에 내려와 재단 앞에 무릎 끓는다. 이 동안 음악이 연주되는데 승정이
두세 번씩 강단을 오르내리고, 그때마다 관현악이 연주된다. 나의 작곡은 이러한 광경에 맞추어야
했다."
이러한 기악곡에 가사를 붙이고 다소 고쳐서 이 오라토리오가 완성되었다.
1787년 초연된 후에 가사 등을 수정하여 제2의 개작이 실시되었다. 종교적인 깊은 신앙의 뜻과
경건한 기분이 가득 찬 명곡이다.
이 곡은 일곱 개의 아디지오 악장으로 구성되어 있으며 각 악장은 일곱 말씀의 낭독으로
시작된다.
곡은 장엄한 서곡으로 시작해서 그리스도의 죽음 후에 발생한 지진을 묘사하는 격렬한 선율로
끝맺는다.
하이든은 "10분 길이의 아다지오 일곱 곡을 만드는 것도 곡이 이어지는 내내 청중들이
지루해하지 않도록 하는 것도 쉽지 않았다"라고 말했다.
이런 노력의 결과 탄생한 감동적인 작품은 하이든 최대의 걸작으로 손꼽힌다. 그는 1803년에
가진 마지막 대중 공연에서 이 곡을 연주했다.
그로부터 몇 년 후 하이든은 합창 부분을 추가해서 오라토리오 형식으로 편곡했지만 1787년에
4중주곡으로 편곡한 곡이 작품의 성격에 더 맞는다.
이것과 같은 제재는 쉬쯔 · 젠폴 · 구노 등에 의해 각각 작곡되고 있지만 하이든의 것이 가장
알려져 있다.
복잡한 관현악보다 현악 4중주가 곡의 평온한 분위기와 함께 개인적이고 친밀한 느낌을 더 잘
전달한다.
[ 앨범감상 ]
7. Arthur Rubinstein - Chopin
Arthur Rubinstein(Pf)
1) Chopin, Impromptus No.1 in A-Flat, Op.29
2) Chopin, Impromptus No.2 in F-Sharp, Op.36
3) Chopin, Impromptus No.3 in G-Flat, Op.51
4) Chopin, Impromptus No.4 in C-Sharp Minor, Op.66 (Posth.) 'Fantaisie-Impromptu'
5) Chopin, Barcarolle, Op.60
6) Chopin, Trois Nouvelles etudes, Op.Posth. No.1 in F Minor
7) Chopin, Trois Nouvelles etudes, Op.Posth. No.2 in A-Flat
8) Chopin, Trois Nouvelles etudes, Op.Posth. No.3 in D-Flat
9) Chopin, Bolero in A, Op.19
10) Chopin, Berceuse in D-flat, Op.57
11) Chopin, Tarantelle in A-flat, Op.43
12) Chopin, Andante Spianato and Grande Polonaise Brillante in E-flat, Op.22 - And...
13) Chopin, Andante Spianato and Grande Polonaise Brillante in E-flat, Op.22 - Gra...
[ 앨범감상 ]
8. Sarah Chang - Sweet Sorrow
1) Chaconne in G minor : Sarah Chang/Jun Markl/English Chamber Orchestra
2) Melodie : Sarah Chang/Charles Abramovic
3) 21 Hungarian Dances: No. 1 in G minor : Sarah Chang/Jonathan Feldman
4) Symphonie espagnole Op. 21: IV. Andante :
Sarah Chang/Charles Dutoit/Royal Concertgebouw Orchestra
5) Concerto for Violin and Orchestra No. 5 in A minor Op. 37: Adagio :
Sarah Chang/Charles Dutoit/Philharmonia Orchestra
6) Concerto for Violin and Orchestra No. 5 in A minor Op. 37: Allegro con fuoco :
Sarah Chang/Charles Dutoit/Philharmonia Orchestra
7) Sonata No. 12 in E minor, Op. 3 : Sarah Chang/Charles Abramovic
8) Cantabile in D Major : Sarah Chang/Charles Abramovic
9) Nocturne, Op. 51, No. 3 : Sarah Chang/Charles Abramovic
10) Nocturne No. 20 in C sharp minor. Op. post. : Sarah Chang/Sandra Rivers
11) Consolation No. 3 in D flat : Sarah Chang/Sandra Rivers
12) Violin Concerto in D Op. 35: II. Canzonetta (Andante) :
Sarah Chang/London Symphony Orchestra/Sir Colin Davis
13) Introduction and Rondo capriccioso in A minor Op. 28 :
Sarah Chang/Philadelphia Orchestra/Wolfgang Sawallisch
[ 앨범감상 ]
9. Salut D'Amour - Romantic Cello Melodies
Ofra Harnoy(Vc) / Michael Dussek(Pf)
1) Faure, Apres un Reve
2) Popper, Hungarian Rhapsody
3) Liszt, Elegie
4) Bloch, Prayer
5) Granados, Orientale
6) Elgar, Salut d'amour
7) Faure, Elegie
8) Saint-Saens, The Swan
9) Dinicu, Hora Staccato
10) Tchaikovsky, Valse Sentimentale
11) Debussy, La fille aux cheveux de lin
12) Sarasate, Zapateado; Spanish Dance, Op.23, No.2
13) Popper, Dance of the Elves, Op.39
14) Casals, Song of the Birds
15) Chopin, Introduction and Polonaise Brillante
16) Martini, Plaisir d'amour
17) Paganini, Caprice, Op.1, No.24
18) Falla, Spanish Dance (from 'La Vida Breve')
19) Gershwin, Summertime (from 'Porgy and bess')
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