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1. Shostakovich, Jazz Suite No.2 (Suite for Promenade Orchestra)
Riccardo Chailly(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. March
II. Lyric Waltz
III. Dance 1
IV. Waltz 1
V. Little Polka
VI. Waltz 2
VII. Dance 2
VIII. Finale
♣ 쇼스타코비치 프롬나드 오케스트라를 위한 재즈 모음곡 2번
쇼스타코비치는 1934년 구소련의 재즈를 대중적 카페음악에서 전문 음악 장르로 업그레이드
시키기 위한 재즈경연대회에 참가하기로 결정하고 재즈모음곡 1번을 작곡하였다.
그리고 이어서 1938년 새로 구성된 크누셰비치키(Victor Knushevitsky)가 지휘하는 재즈
국립악단을 위해 재즈 모음곡 2번을 작곡하였다.
두 개의 작품 모두 쇼스타코비치의 오케스트레이션에서만 볼 수 있는 명석함과 위트가
돋보이고 있는 반면, 작품 자체는 재즈에 대한 이해라는 차원에서는 부족한 것이 사실이며 그가
영화나 극장용 음악을 작곡할 때 사용한 경음악 어법에 가깝다고 할 수 있다.
1번 모음곡이 1920년대의 화려함과 퇴폐를 반영하고 있다면 2번 모음곡은 빈의 요한 스트라우스
풍에 가까운 동시에 구소련의 붉은 군대를 연상하게 한다.
쇼스타코비치의 '재즈 모음곡'들은 재즈라기보다는 경음악적이다. 사실 미국의 팝 음악이나 댄스
음악은 유럽에서 모두 '재즈'로 불렸다.
쇼스타코비치가 접했던 서방과 소련의 재즈 뮤지션들이 연주하는 곡들은 사실 정통 재즈가
아니라 경음악이었다.
쇼스타코비치의 '재즈 모음곡'에 정통 재즈가 없는 이유도 거기에 있다.
빈 왈츠풍의 '왈츠 2번'은 스탈린의 철권통치 아래서 예술가로서 끊임없이 고뇌해야 했던 그의
모든 음악에는 비애나 고통이 녹아 있는데 이 왈츠 곡에도 그런 느낌이 다분하다.
쇼스타코비치는 슬픔을 띤 주제 선율을 경쾌한 왈츠에 담아냄으로서 그 슬픔의 감정을 더
배가시키고 있다.
2. Bruckner, Symphony No.7 in E major (R. Haas Version 1885)
Claudio Abbado(cond), Wiener Philharmoniker
I. Allegro moderato
II. Adagio. Sehr feierlich und sehr langsam
III. Scherzo. Sehr schnell
IV. Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell
♣ 브루크너 교향곡 7번 E 장조
브루크너의 '교향곡 7번'은 브루크너에게 진정한 성공을 가져다 준 의미 있는 작품이다.
브루크너의 교향곡들은 뛰어난 작품성에도 불구하고 오랜 세월 동안 청중의 이해를 받지
못했으나 '교향곡 7번'이 1884년 초연 당시 대성공을 거두면서 그 동안 외면당했던 다른
교향곡들도 대중의 주목 받기 시작했다.
그 때 작곡가의 나이가 60세였으니 브루크너의 성공은 지나치게 늦은 감이 있다.
브루크너에게 찬란한 영광을 가져다 준 '교향곡 7번'은 언뜻 보기에 음악양식이나 구성
방식에 있어 브루크너의 다른 교향곡들과 크게 달라 보이지는 않는다.
하지만 이 교향곡을 잘 들어보면 귀에 쏙 들어오는 아름다운 선율이 많고 노래하는 현악기와
서정적인 목관악기가 부각된 데다 금관악기의 강한 음색이 절제되어 있어 듣기에 무리가
없다.
아마도 이런 점들이 초연의 성공요인으로 작용한 듯하다.
오늘날에도 '교향곡 7번'은 브루크너의 교향곡들 가운데 가장 인기가 있으며 특히 2악장은
바그너의 죽음과 관련된 있는 음악으로 전 악장 가운데서 가장 유명하다.
브루크너는 '교향곡 7번'을 작곡할 당시 존경하던 바그너의 죽음을 예감하고 영감에 휩싸여
2악장을 작곡했다고 전해진다.
브루크너가 2악장을 작곡하던 1883년에 펠릭스 모틀에게 쓴 편지를 보면 "머지않아 그분이
돌아가실 거라는 생각이 내 머리를 스쳤을 때 아다지오의 단조 주제가 떠올랐다"는 구절이
나온다.
그때 브루크너가 떠올린 2악장의 주제 선율은 바그너가 그의 음악극 '니벨룽의 반지'에서
사용했던 '바그너 튜바'의 어두운 음색으로 표현되고 있어 바그너를 향한 애도의 느낌은
더욱 강조된다.
'바그너 튜바'라는 낯선 악기는 일반적으로 사용되는 악기는 아니다.
그 모양이 작은 튜바처럼 생겼으나 소리는 호른과 튜바의 중간 정도 되므로 부드럽고 풍부한
튜바 소리를 들려주는 악기다.
브루크너는 '교향곡 7번'에 처음으로 바그너 튜바를 편성한 이후 '교향곡 8'번과 '9번'에
이 악기를 사용했으나 다른 관현악곡에 바그너 튜바가 나오는 일은 거의 없기 때문에 악기와
연주자들을 구하기가 쉽지 않다는 문제가 있다.
그래서 '교향곡 7번'의 초연 당시 이 곡의 바그너 튜바 파트는 호른 주자들이 연주했고
오늘날에도 브루크너 '교향곡 7번'의 바그너 튜바를 호른으로 대신하는 경우가 종종 있다.
브루크너의 '교향곡 7번' 2악장은 브루크너의 종교합창곡인 '테 데움'과 관련되어 더욱
의미심장하다.
본래 '테 데움'이란 "주님을 찬양하라"는 뜻을 지닌 교회 합창음악으로 브루크너는 '교향곡
7번'의 작곡에 착수하기 직전까지 '테 데움'의 작곡에 매달리고 있었다.
그러다 1881년에 작곡을 잠시 중단하고 9월 23일부터 '교향곡 7번'의 작곡을 시작해 바그너가
세상을 떠나던 1883년에 2악장을 완성했다.
브루크너는 존경하던 바그너를 잃은 슬픔을 가톨릭 신앙으로 이겨내려 했던 것일까? 바그너의
죽음을 애도하는 2악장에는 브루크너가 잠시 작곡을 미뤄두었던 '테 데움'의 선율이 나와서
더욱 종교적이고 신성한 느낌을 준다.
브루크너가 교향곡 7번 전 악장의 작곡을 모두 마친 것은 1883년 9월 5일의 일로 브루크너는
약 2년여의 시간을 '교향곡 7번'의 작곡에 바친 셈이다.
이는 브루크너의 다른 교향곡에 비해 비교적 빠른 편이다. 또한 '교향곡 7번'의 악보는 몇
군데만 수정됐을 뿐 대대적인 개정이 이루어지지 않았다.
그럼에도 불구하고 이 교향곡은 브루크너에게 최초의 성공을 가져다 주었으니 '교향곡 7번'은
브루크너의 교향곡들 가운데서도 여러 모로 이례적인 작품이다.
브루크너의 이 특별한 교향곡은 1884년 12월 30일 아르투르 니키슈가 지휘하는 라이프치히
게반트하우스 오케스트라에 의해 대중에게 소개됐고 어마어마한 성공을 거두었다.
이후 브루크너는 그의 '교향곡 7번'을 "바이에른의 루트비히 2세에게 깊은 존경을 담아
헌정"했다.
1악장은 브루크너 교향곡의 전형적인 방식이라고 할 수 있는 현악기의 잔잔한 트레몰로로
시작해 서서히 해가 떠오르듯이 주제 전개된다.
전형적인 '브루크너의 개시'를 보여주는 도입이다. 이윽고 호른과 첼로가 연주하는 제1주제는
호른과 첼로가 합해진 독특한 음색으로 3마디에 걸쳐 무려 2옥타브나 상승하는 급격한
움직임으로 깊은 인상을 심어준다.
브루크너가 꿈속에서 들었다는 이 주제는 추진력 있고 대담한 후반부 선율로 인해 더욱
드라마틱하게 전해된다.
1악장에서 시작된 장대한 드라마는 바그너의 죽음을 슬퍼하는 2악장 아다지오의 탄식으로
이어진다.
2악장은 연주시간이 20분이 넘는 느리고 긴 음악이지만 브루크너가 남긴 아다지오 악장
가운데서도 매우 뛰어난 작품으로 손꼽힌다.
바그너 튜바와 비올라로 장엄하게 연주되는 2악장의 제1주제는 복잡 미묘한 느낌을
자아내는데 이는 이 선율이 상당히 넓은 음역에 걸쳐있을 뿐 아니라 단조와 장조가 끊임없이
교차하고 있는 까닭이다.
복잡한 감정의 음영을 암시하는 이 선율은 신비한 황홀경마저 느끼게 한다. 특히 이 주제의
후반부는 브루크너의 '테 데움' 중 제5곡 중 "저희가 주님께 바라오니 영원히 부끄럼이
없으리이다"의 선율에서 온 것으로 종교적인 분위기를 강하게 풍긴다.
2악장 후반에 이르면 한차례의 클라이맥스에 다다르게 되는데 이때 브루크너 교향곡에서는
드물게 나오는 심벌즈와 트라이앵글과 같은 타악기가 등장해 듣는 이들에게 강렬한 인상을
남긴다.
3악장 스케르초는 2악장의 장송 음악과는 대조적으로 간결하고 명쾌하다. 3박자로 이루어져
있는 이 악장에는 독특한 기본 리듬이 깔려있다.
현악기들이 연주하는 이 음형은 첫 박이 8분 음표 2개로 이루어졌고 그 다음 두 박은 각각
4분 음표 하나로 구성된다.
이 리듬은 강박인 첫 박이 짧은 음표로 돼있고 약박인 2째 박과 3째 박이 긴 음표로 되어
있기에 3박자 음악의 자연스런 강세구조에 반하고 있다.
따라서 음악에 강한 추진력을 부여하는 것이 특징이지만 잘못 연주하면 자칫 급해지거나
부정확해질 위험이 있어 연주자들에게는 매우 까다로운 리듬이다.
이 까다롭고 끈질긴 반복 음형을 배경으로 트럼펫이 마치 질문을 던지듯 연주하면 클라리넷과
바이올린이 이에 답한다.
그 중 트럼펫이 연주하는 부분은 브루크너가 수탉의 울음소리에 영감을 받아 작곡한
선율이라고 전해진다.
빠르고 역동적인 스케르초 부분에 비해 3악장 중간에 등장하는 트리오 부분에는 좀 더
부드러운 선율이 나타나 추진력 있는 스케르초 주제와 대비된다.
4악장에 이르면, 1 · 2 · 3악장을 거치는 동안 상승되어온 긴장과 이완의 드라마가 마침내
종합된다.
4악장에서 브루크너는 1악장과의 통일성을 위해서 1악장 제1주제의 우아한 아치형 선율을
좀 더 활기찬 리듬으로 표현해 강렬한 인상을 준다.
리드미컬하게 변형된 아치형 주제는 4악장 마지막 종결부에서 웅장한 결말에 도달하는데
결정적인 역할을 하게 된다.
4악장 종결부에서 처음의 주제가 점진적인 상승을 통해 확신에 찬 음악으로 변모하는 과정은
경이롭다.
그것은 마치 '신'에 대한 완전한 긍정과 환희 그 자체를 표현하는 것 같다.
일찍이 지휘자 브루노 발터는 브루크너와 말러의 음악을 비교하면서 "브루크너는 이미 신을
찾았고 말러는 끊임없이 신을 찾고 있다"고 말하기도 했는데, 아마도 브루크너 '교향곡 7번'
4악장 종결부야말로 신을 찾은 브루크너의 음악적 특성을 가장 잘 보여주는 음악이 아닐까
싶다.
■ 추천음반
브루크너 '교향곡 7번'의 추천음반으로는 귄터 반트와 베를린 필하모닉(RCA), 귄터 반트와
쾰른 라디오 심포니, 세르주 첼리비케다케와 뮌헨 필하모닉(EMI), 클라우스 텐슈테트와
런던 필하모닉(BBC), 프란츠 벨저-뫼스트와 런던 필하모닉(EMI)의 음반이 있다.
※ 브루크너의 개시
브루크너의 거의 모든 교향곡의 도입부는 고요하게 시작해 점차 해가 떠오르듯 더 큰 소리로
발전해가는 특징이 있기에 이런 식의 도입 방식을 '브루크너의 개시'라 부른다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의
'교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.4 in G Major Op.58
Emil Gilels(Pf) / George Szell(cond), Cleveland Orchestra
I. Allegro moderato
II. Andante con moto
III. Rondo vivace
♣ 베토벤 피아노 협주곡 4번 G 장조 Op.58
베토벤의 '피아노 협주곡 4번'은 1808년 12월 22일 목요일 저녁 안 데어 빈 극장에서 열린
무려 4시간에 걸친 마라톤 콘서트를 통해 '합창 환상곡 Op.80'과 함께 초연되었다.
이 두 작품에서 베토벤은 피아노 솔로를 맡았고 5번과 6번 교향곡을 비롯하여 'C장조
미사곡'에서 발췌한 연주회용 아리아 'Ah, perfido!' 즉석에서 작곡한 듯한 피아노 독주를
위한 환상곡 등이 함께 초연되었다.
이 날의 연주회 프로그램은 후일 사람들이 생각해 보았을 때 인간이 본질에 대한 베토벤의
이상적인 신념을 뒷받침해 주는 기념비적인 것이었지만 막상 당시 청중들의 반응은
냉담했다.
오케스트라는 충분한 연습을 하지 못했고 소프라노는 아마추어 수준에 지나지 않았음과
동시에 무대에 공포감을 가지고 있었다.
베토벤이 남긴 다섯 개의 피아노 협주곡 가운데 형식적으로나 내용적으로 가장 독창적인
작품으로 평가받는 '피아노 협주곡 4번'은 당시 청중들이 외면했다기보다는 제대로
연주되지 못해 인정을 받지 못했을 것이다.
베토벤 사후 1836년까지 이 작품은 계속 묻혀있다가 멘델스존이 게반트하우스
오케스트라와 함께 적극 연주하며 이 작품을 널리 알리는데 앞장선 이후에야 비로소
청중들은 이 작품의 위대함을 진정으로 이해할 수 있었기 때문이다.
실제로 이 곡은 베토벤의 개성이 너무 강했을 뿐더러 당시의 수준 이상의 테크닉을 필요로
했다.
그만큼 이 작품은 초연 당시 베토벤의 연주와는 상관없이 19세기 초반 빈의 청중들로서는
이해하기 어려운 내용을 담은 협주곡으로 간주되었던 것이다.
아마도 베토벤은 1804년 2월경 이 작품의 작곡을 시작하여 그의 형인 칼이 출판업자에게
악보를 넘긴 1806년 3월경에 작품을 완성한 것으로 알려져 있다.
아마도 1808년 역사적인 연주회보다 1807년 3월 베토벤의 적극적인 후원자 가운데 한
명이었던 로브코비츠 왕자의 궁에서 열린 사설 연주회에서의 '4번 협주곡' 연주가 더욱
의미 있을 듯하다.
당시에는 '4번 교향곡'과 '코리올란 서곡'이 함께 초연되었는데 아무래도 궁정 연주자들의
기량도 훨씬 높았을 뿐만 아니라 참석했던 청중들의 이해수준 또한 한결 높았을 것으로
추측할 수 있기 때문이다.
이 '4번 협주곡'은 베토벤의 다섯 개의 피아노 협주곡 가운데 가장 시적이고 장엄하며
자유로운 느낌을 준다.
비록 5번 '황제' 협주곡의 그 위풍당당한 스케일에 밀리는 듯한 느낌이 없지 않지만 이
작품이 가지고 있는 비르투오시티와 시적 고양감의 절묘한 조화만큼은 베토벤의 협주곡들
가운데 단연 압도적이다.
그러한 만큼 모차르트가 꿈꾸었던 피아노와 오케스트라의 상상력 풍부한 대화 즉 협주곡에
있어서의 이상향을 계승한 최초의 작품으로 이 작품을 꼽는다 하더라도 무리는 아닐
것이다.
그런 까닭에 마지막 악장이 모차르트에 의해 완성된 형식을 고스란히 답습하고 있다는 점
또한 결코 우연은 아니다.
이러한 형식의 차용에도 불구하고 이 협주곡은 여러 면에 있어서 혁신적인 모습을 보여주고
있다.
독특한 개성과 형식적인 독창성은 무반주로 피아노 솔로가 등장하는 1악장 도입부의
모습에서 찾아볼 수 있을 뿐만 아니라 그 안에 담긴 부드럽고 온화한 주제가 주는
귀족스러운 동시에 서정적인 분위기 이를 반복하는 오케스트라의 위엄 있는 제시부 전개와
보다 교향악적으로 발전한 전개부의 다채로움 등등이 그러하다.
더 나아가 이전 협주곡들과는 달리 독주자와 오케스트라가 지속적으로 교체해 대화하며
절묘한 균형을 유지하는 모습은 독주자의 화려함을 강조하곤 했던 동시대의 다른 작곡가의
작품에서는 결코 찾아볼 수 없는 모습이다.
또한 2악장에서 이질적인 주제들의 사용 또한 낯설음을 던져준다.
체르니는 이 중간 악장에 대해 "아주 오래된 고전 비극"이라고 표현하며 존경을 표한 바
있는데 19세기의 많은 음악 학자들 또한 이 곡이 마치 오르페우스가 에우리디체를 구하기
위해 지옥의 문을 지키는 퓨리에스에게 애원하는 것을 표현하고 있다고 추측하기도 했다.
마지막 악장은 앞선 두 개의 악장과는 전혀 달리 에서 이전과는 전혀 다른 세계로 뛰어드는
듯한 쾌속질주 또한 이 작품만의 특징이다.
1악장 알레그로 모데라토
상상력 풍부한 독주 피아노의 조용한 출발로 시작한다. 이 주제를 받은 오케스트라가
가세하며 강렬한 튜티로 발전해나간다.
강렬한 초반 클라이맥스 이후 갑자기 음향은 여려지며 목관악기들이 서정적인 동기를
제시한다.
그리고 1바이올린이 새로운 2주제를 가져오고 다채로운 오케스트라는 풍요로운 콘텍스트의
토대를 다진다.
고전적인 균형미와 서사적인 비장미를 더하는 솔로 피아노의 카덴차가 등장한 뒤 화려하게
이 악장은 끝을 맺는다.
2악장 안단테 콘 모토
피아노 솔로와 오케스트라의 주고 받는 대화가 인상적인 느린 악장. 어떻게 본다면 3악장을
위한 긴 서주의 성격 또한 가지고 있다.
음산한 느낌을 주는 주제를 피아노와 오케스트라가 서로 주고받으며 칸타빌레적인
아름다움을 최대한 강조한다.
3악장 론도 : 비바체
지금까지 내면에 존재하는 자아들의 대화를 밖으로 이끌어내어 환희를 향해 돌진하는 듯한
강인한 힘을 가지고 있는 론도 악장이다.
지금까지 발휘되었던 피아노의 눈부신 기교가 다시 한 번 빛을 발하는 대목으로서 피아노의
리듬과 이를 수반하는 오케스트라의 기민한 움직임이 시너지 효과를 일으키며 수직적인
상승감을 더한다.
독주 피아노의 카덴차는 베토벤 자신의 것으로서 마지막 절정을 고조시키는 역할을 하며
마지막 피날레로의 완벽한 이행을 유도한다.
■ 추천음반
이 작품에 있어서 루돌프 제르킨의 역할이 가장 두드러진다. 알렉산더 슈나이더-말보로
페스티벌과의 실황과 유진 오먼디-필라델피아 오케스트라와의 CBS 녹음 그리고 아르투로
토스카니니가 이끄는 NBC 심포니와의 모노럴 레코딩(RCA), 오자와 세이지와 보스턴 심포니
오케스타라와의 녹음(Telarc) 등등 많은 명연을 남긴 장본으로서 이 가운데 오먼디와의
녹음이 녹음과 연주 모두에서 가장 완성도가 높다.
빌헬름 켐프는 페르디난트 라이트너-베를린 필하모닉과 남긴 스테레오 녹음(DG)이 파울
반 켐펜과의 모노럴 녹음(DG)보다 훌륭하다.
이 작품에 있어서 최고의 해석가로 손꼽히는 클라우디오 아라우 또한 다섯 종 이상의
음반을 남긴 바 있는데 이 가운데 콜린 데이비스-드레스덴 슈타츠카펠레와의 디지털
레코딩(Philips)이 가장 훌륭하다.
한편 다니엘 바렌보임이 베를린 슈타츠카펠레와 함께 지휘와 솔로를 맡은 영상물은
21세기에 녹음된 최상위급의 베토벤 4번 협주곡으로서 들어보기를 권한다.
에밀 길렐스 (Emil Grigoryevich Gilels, 1916. 10. 19 ~ 1985. 10. 14)
에밀 길렐스가 오데사에서 태어난 1916년 10월 19일은 피아노 역사에 있어서 문화적 용광로와 같은
날이었다.
당시 이 도시에서 체코 음악가들은 오랜 동안 중요한 역할을 해왔는데 이 가운데 70여개가 넘는
광범위한 유대교 모임이 예술 분야에 종사하고 있었고 길렐스의 가족 또한 이 모임의 일원이었다.
다섯 살 때 길렐스는 처음으로 이모 손에 이끌려 야코프 트카흐라는 선생으로부터 피아노 레슨을
받았고 여섯 살 때 그랜드 피아노를 치면서부터 본격적으로 레슨을 받으며 베르티니와 헤르츠의
연습곡을 연습했다.
이렇듯 그는 전적으로 독일식 훈련을 받았지만 감성의 기저에는 프랑스 음악에 대한 이해가 짙게
깔리게 되었다.
왜냐하면 스승인 트카흐는 프랑스 피아니스트인 라울 푸뇨의 제자이자 알렉산더 빌로잉을 사사한
정통 프랑스 피아니스트였기 때문이다.
스승의 후원 하에 길렐스는 13세에 데뷔 무대를 가지며 베토벤의 '비창 소나타'와 슈만의 '로망스',
세 개의 스카를라티 소나타, 멘델스존의 'B단조 스케르초', 쇼팽와 리스트의 연습곡 등을 연주했다.
1930년 오데사 콘서바토리에 입학한 길렐스는 베르타 라인발트 문하로 들어가며 한층 넓은
레퍼토리를 익힐 수 있게 되었음은 물론이려니와 음악적 깊이와 실내악에 대한 사랑을 배웠다.
그리하여 바이올리니스트로서 촉망받는 그의 여동생인 예리사베타와 함께 집에서 실내악을 자주
연주하며 길렐스는 앞으로의 인생에서 실내악이라는 소중한 장르에 대한 식견을 넓혀나갔다.
한편 1935년 오데사 콘서바토리를 졸업한 그는 모스코바 콘서바토리로 옮겨 전설적인 하인리히
네이가우스를 사사하게 된다.
네이가우스는 쇼팽의 제자인 칼 미쿨리로부터 가르침을 받은 알렉산더 미차일로프스키의 제자로서
길렐스는 쇼팽의 폴란드적인 심장과 시인으로서의 영혼을 전수받았다.
1937년 네이가우스의 클래스에서 졸업을 한 길렐스는 이듬 해 브뤼셀에서 열린 이자이 국제
경연대회에서 아르투르 루빈스타인, 사무엘 파인베르크, 에밀 폰 자우어, 이그나츠 프리드만, 발터
기제킹, 로베르 카자드쥐 등의 기라성 같은 심사위원들로부터 극찬을 받으며 당당히 1등상을
거머쥐었다.
당시 모우라 림파니가 2등상, 아르투로 베네데티 미켈란젤리는 7등을 했다.
1939년 미국 데뷔 무대를 가지면서 국제적으로 도약을 할 발판을 마련했던 그는 2차세계대전의
발발과 냉전의 시작으로 인해 그 기회를 조금 뒤로 미룰 수밖에 없었다.
전쟁시 그는 동료 피아니스트인 야코프 자크와 듀오 리사이틀을 가진 한편 1944년에는
프로코피에프의 '8번 소나타'를, 45년에는 바인베르크의 '피아노 5중주'를 초연하기도 했다.
1948년부터 그는 서유럽으로 여행을 갈 수 있었고 1949년부터는 여동생 예리사베타와 결혼을 한
탁월한 바이올리니스트인 레오니드 코간과 첼리스트 므스티슬라프 로스트로포비치와 함께 피아노
트리오를 결성하여 많은 연주회를 가지기도 했다.
소비에트 시절 다비드 오이스트라흐와 더불어 최고의 소비에트 음악가였던 그는 1985년 10월 14일
모스크바에서 마지막 연주회를 가질 때까지 서유럽과 미국을 오가며 정력적인 연주 여행을 가지며
러시아 피아니즘의 살아있는 전설로 찬사를 받았다.
길렐스는 기본적으로 낭만주의 피아니스트라고 말할 수 있다.
그의 레퍼토리에는 최근 연주자들이 기피하곤 하는 하이폰이 드리워진 작곡가들(원곡자-편곡자)로
가득 차 있기 때문이다.
그러나 그는 근본적으로 '진지한' 고전주의 피아니스트이기도 하다.
그의 음악은 나이가 들수록 점점 더 경건해지고 심오해졌을 뿐만 아니라 아이러니에 대한 확고한
이해와 그 안에 숨어 있는 따뜻한 유머를 생각해본다면 더욱 그러하다.
그러나 무엇보다도 그의 음악의 중심을 이루는 것으로 강철 같은 타건과 경탄할 만한 힘, 남다른
지구력과 구조에 대한 엄격함을 빼놓을 수 없을 것이다.
마지막 클라이맥스까지 다다르기 위해 점점 고조되는 엄청난 다이내믹 레인지를 구현하기 위해
그는 솜털 같은 피아니시모로부터 천둥과 같은 포르티시모를 구사했을 뿐만 아니라 예각적인
스타카토와 장대한 옥타브로부터 영롱한 칸타빌레와 건반이 사라진 듯한 환상적인 레가토를
만들어냈다.
그가 항상 마음 속에 지니고 있었던 음향은 바로 1930년대에 연주회에서 들었던 발터 기제킹의
'페달 없는 레가토'로서 길렐스는 자신 또한 이러한 효과를 만들어내고자 했다.
길렐스는 에트빈 피셔의 색채의 팔레트를 동경했고 클라우디오 아라우의 그 신비로운 해석을
존경했다고 한다.
물론 길렐스의 연주는 이들의 연주 전통과는 많이 달랐는데 그의 연주의 기저에는 음악에 대한
진지함과 러시아적인 음향에 대한 강인한 믿음이 깔려 있었다.
1955년 철의 장막을 뚫고 그가 서방 세계에 모습을 내보였을 당시 러시아 피아니즘에 대한 환상을
가지고 있던 기자들을 향해 "리히테르의 연주를 들어볼 때까지 기다려달라"고 외쳤다.
스비아토슬라프 리히테르와 에밀 길렐스 이 두 명은 당시 소비에트를 대표하는 피아니스트이자
러시아 피아노 전통과 모더니즘을 잇는 가교로서 장대한 스케일을 토대로 한 현대적 의미의
러시아 피아니즘이라는 단어가 보편화될 수 있는 토대를 완성한 장본인이자 존경과 우정을
공유했던 동료이기도 했다.
리히테르는 라흐마니노프의 '협주곡 1번'과 '2번'을 연주하면 길렐스는 '3번'을 연주했고
리히테르가 생상스의 '4번'을 연주하면 길렐스는 '2번'을 리히테르가 프로코피에프의 '5번'을
연주하면 길렐스는 '3번'을 연주하는 식으로 서로의 레퍼토리를 존중하며 존경을 표시했다.
한 번은 친구가 리히테르에게 왜 베토벤의 '황제 협주곡'을 녹음하지 않느냐 물었더니 "길렐스가
이미 녹음을 했기 때문에"라고 대답했다.
물론 슈베르트의 '방랑자 환상곡'이나 슈만의 '유모레스크', 베토벤의 다른 많은 부제 달린
소나타들과 같은 많은 레퍼토리는 서로 거리낌 없이 연주하기도 했다.
다만 자신이 생각했을 때 상대가 최고 수준이라고 판단한 영역만큼은 침범하지 않았던 것이다.
이렇게, 이 두 연주자는 고전주의적 피아니즘을 현대적으로 수용한 새로운 시대의 러시아
피아니즘을 대표하는 쌍두마차였던 것이다.
교육보다는 독주자로서, 그리고 실내악 연주자로서 헌신하며 고전주의와 낭만주의의 화해를
꿈꾸었던 그는 아직 할 일을 많이 남겨놓은 채 1985년 10월 14일 69세 생일을 앞두고
모스코바에서 심장마비로 갑작스럽게 세상을 떴다.
위대한 해석가이자 탁월한 비르투오소요 전형적인 러시아 피아니스트이자 바로크로부터 독일,
프랑스 음악과 현대음악에 이르는 방대한 레파토리를 완벽하게 소화해낸 강철의 피아니스트로서
그는 비교적 적지 않은 양의 녹음을 남길 수 있었다.
구 소련의 국영 레코드 회사인 멜로디야에서의 녹음도 제법 그 양이 되는 편으로서 Brilliant
Classics를 통해 10장짜리 박스물이 발매가 되어 있다.
그리고 Doremi 레이블과 BBC Legend를 통해 그의 뛰어난 라이브 음원들이 속속 발매되고 있기도
하다.
그러나 메이져 음반사에서의 녹음들이야말로 길렐스의 진가를 담고 있다고 말할 수 있다.
특히 미국 데뷔 초기 RCA에서의 녹음들은 훌륭한 음질과 치열한 러시아적인 에너지로 인해
지금까지도 명반으로 높은 평가를 받고 있다.
한편 그의 중심적인 디스코그래피를 보유하고 있는 DG에서 남긴 그리그의 '서정 소곡집'과
오이겐 요훔과의 브람스 '피아노 협주곡 1, 2번', 칼 뵘의 지휘로 자신의 딸과 함께 녹음한
모차르트의 '두 대의 피아노를 위한 협주곡' 또한 시대를 뛰어넘은 명반으로 존경을 받고 있으며
아마데우스 4중주단과의 슈베르트와 브람스 실내악 작품집 또한 빼놓을 수 없다.
강철과 같은 타건 때문에 연주회에서 자주 피아노현을 끊었다고 하는 길렐스에게 있어서
차이코프스키의 '피아노 협주곡 1번'은 그의 피아니즘을 상징하는 이모티콘과도 같은 작품이었다.
이 가운데 프리츠 라이너와의 50년대 스테레오 녹음(RCA)과 1970년 로린 마젤과의 녹음(EMI),
그의 마지막 차이콥스키 협주곡 레코딩으로서 1979년 주빈 메타와의 뉴욕 라이브(SONY)가 가장
눈에 띈다.
세 녹음 모두 길렐스의 불을 뿜는 듯한 맹렬함이 인상적이지만 시기별로 해석에 있어서의 차이를
보이며 독립적인 개성을 보여준다.
이 가운데 1972년부터 85년까지 베토벤 '피아노 소나타와 변주곡'(DG)을 레코딩한 업적이야말로
후대인들에게는 커다란 축복이 아닐 수 없을 것이다.
소나타 다섯 곡을 미처 녹음하지 못하고 세상을 뜬 까닭에 전집을 남기지 못했지만 그가 보여준
그 남성적인 광휘와 영화로운 피아니즘의 세계는 항상 숭배의 대상이 되곤 한다.
무엇보다도 카오스의 상태에 던져진 피투성(被投性/Geworfenheit)적인 음표들에 대한
기투(企投/Entwurf)적인 의지를 보여주는 '32번 소나타'를 녹음하지 못한 것이 가장 안타깝지만
가공할 만한 '29번 '함머클라비어''를 통해 그는 삶을 뛰어넘는 베토벤의 초월 의지를 충분히
보여주었다고 안위할 수 있을 것이다.
'미스터 베토벤'이라는 별명이 생겼을 정도로 베토벤이라는 작곡가를 극복해야 할 투쟁의
대상으로 삼아온 길렐스.
무쇠와도 같은 터치와 알루미늄과 같은 색채, 바벨탑 같은 구조, 논리적이지만 자연스러운 전개를
특징으로 하는 그의 베토벤은 지금 이 순간에도 전세계의 많은 애호가들의 오디오 시스템을 통해
울려퍼지고 있다.
한편 베토벤 피아노 협주곡은 비교적 많은 스튜디오 및 라이브 음원들이 음반으로 발매되었는데
이 가운데 조지 셀과의 고전적 형식미가 돋보이는 베토벤 피아노 협주곡 전집(EMI)과
비르투오시티가 작열하는 50년대 모노럴 전집(Testament)이 추천할 만하다.
약력
1930 러시아 오데사 콘서바토리 입학
1933 제1회 소비에트 음악연맹 콘테스트 1등
1938 브뤼셀 이자이 국제 콩쿨 1등
1944 프로코피에프 '피아노 소나타 8번' 초연
1954 소련 인민예술가 칭호
1954 파리 데뷔를 시작으로 서유럽 연주 여행
1955 미국 데뷔 공연
1972-1985 베토벤, 피아노 소나타 & 변주곡 레코딩
1985 모스크바에서 마지막 연주회
4. Bruch, Violin Concerto No.1 in G minor, Op.26
Kyunghwa Chung(Vn) / Klaus Tennstedt(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. Vorspiel: Allegro moderato
II. Adagio
III. Finale: Allegro energico
♣ 브루흐 바이올린 협주곡 1번 G 단조 Op.26
브람스보다 5년 늦게 태어난 막스 브루흐는 자신이 독일 낭만주의의 전통 위에 서 있다는
강력한 믿음을 가지고 있었다.
슈만과 브람스가 바라본 음악적 지평선 따라가고 싶다는 열망은 브루흐의 작곡 스타일을
결정지었다.
멘델스존은 브루흐의 역할모델로서 작용했고 그는 자신이 멘델스존과 같은 천재가 아니라는
열등감에 시달렸다.
그가 1864년부터 2년 동안 작곡한 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐가 바라보는 음악적
색깔을 확실하게 보여준다.
로맨틱한 정서는 곡 전체를 끈적끈적하게 맴도는데 바로 이 멜랑콜리함은 브루흐의
음악이가지고 있는 특성이다.
그는 음악의 친화력이 멜로디의 아름다움에서 시작된다고 보았고 '바이올린 협주곡 1번'은
이러한 특성이 더욱 두드러진 작품이다.
더구나 멘델스존의 강력한 영향 아래 있던 브루흐는 선배 작곡가의 로맨틱한 스타일을
따르고 있다.
당대의 명바이올리니스트 요제프 요아힘의 연주에서 영감은 얻은 브루흐는 이 헝가리 출신의
바이올리니스트를 위해 자신이 가지고 있는 재능을 쏟아부을 수 있는 작품을 쓰기로
결심한다.
그렇게 탄생한 이 협주곡은 1866년 4월 24일 브루흐 자신의 지휘와 오토 폰 쾨니히 슬뢰프의
독주 바이올린으로 독일 코블렌츠에서 초연했다.
그러나 결과에 만족하지 못한 작곡가가 요아힘의 조언을 받아들여 수정판을 만들었다.
이러한 작업을 거쳐 탄생한 개정판은 1868년 1월 5일 카를 마르틴 라인탈러의 지휘와 요아힘의
독주 바이올린으로 브레멘에서 초연되었다.
현재 우리가 알고 있는 브루흐의 '바이올린 협주곡 1번'의 형태가 이 때 결정된 것이다.
사실 그때까지만 해도 고만고만한 작곡가의 대열에서 아직 벗어나지 못했던 브루흐는
요아힘처럼 지명도 있는 바이올리니스트가 필요했다.
아마도 브루흐가 이 작품을 작곡하지 않았다면 그의 명성은 지금의 절반에도 미치지 못했을
것이다.
그가 남긴 세 곡의 교향곡은 대부분 그 존재 자체도 모를 정도며 나머지 두 개의 바이올린
협주곡은 가끔씩만 녹음될 뿐이다.
두 개의 현악 사중주나 '오딧세이' 같은 오라토리오 작품 또한 같은 운명에 놓여져 있다.
따라서 '바이올린 협주곡 1번'은 브루흐라는 작곡가를 이해하기 위한 거대한 출발점이다.
대부분의 사람들에게 협주곡 1번을 제외한다면 '스코티시 환상곡'이나 첼로 작품인 '콜
니드라이' 정도가 알려져 있을 뿐이다.
작품에 작곡가가 가려진 현상은 그다지 보기 좋은 것은 아닐 것이다.
평생 동안 브루흐는 '바이올린 협주곡 1번'과 비슷한 작품을 써달라는 요청에 시달려야 했다.
이 협주곡이 초연된 지 반세기 가까이 흐른 20세기 초에 브루흐가 친구에게 보낸 편지를 확인해
보자.
"저기 저들은 이곳 구석구석에서 내게 '바이올린 협주곡 1번'을 외치고 있어. 마치 내가 작곡한
바이올린 협주곡이 1번 하나만 있다고들 생각하는 것 같아. 난 그 따위 인간들의 지긋지긋한
타령에 미칠 지경이야. 내 생각엔 2번이나 3번 협주곡도 1번만큼이나 훌륭한데 말이지. 제발
이제들 그만해줬음 좋겠어!"
브루흐에겐 좀 안된 얘기지만 여전히 우리는 그만 멈출수가 없다. 사실 브루흐가 존더샤우젠의
궁정악단 지휘자에서 베를린 예술아카데미 교수로 자리를 옮길 수 있었던 가장 결정적인 계기도
'협주곡 1번'의 성공에 힘입었다는 사실을 부인할 수 없다.
죽는 그 순간까지 브루흐는 '협주곡 1번'의 그늘에서 벗어나려고 발버둥 쳤지만 결국 성공하지
못했다.
그는 제1차 세계대전에서 조국이 패전하는 것과 새로운 조류의 음악인 R. 슈트라우스의 '알프스
교향곡'이 초연되는 것을 지켜보며 자신의 시대가 저물었다는 것을 실감했다.
둘 중에 어떤 것이 브루흐의 마음을 더욱 아프게 했는지는 잘 모르겠지만 확실한 건 두 가지
모두 그를 상심에 빠지게 했다는 것이다.
1악장 - 알레그로 모데라토
자유로운 형식의 1악장은 대단히 화려하며 독주자에게 엄청난 기교를 요구한다.
목관악기가 오래도록 기억될 만큼 아름다우며 오케스트라의 역동적인 음악이 무척이나
인상적이다.
마치 독립된 1악장이 아닌 2악장의 서주 같아 보이는데 발전부가 대단히 짧다는 사실과
오케스트라와 독주 바이올린이 하나의 동기를 교대로 연주하기 때문이다.
브루흐는 자유분방한 형식의 1악장 때문에 이 작품을 환상곡의 범주에 넣으려 했었다.
2악장 - 아다지오
서정적인 세 개의 주제로 전개되는 아다지오 악장은 물안개가 자욱한 호숫가를 은은하게
흘러가는 배의 움직임의 부드럽고 서정적이다.
전체적으로 갈망하는 듯한 분위기가 뒤덮고 있으며 약음의 섬세한 활쓰기가 요구된다.
감수성 어린 2악장은 명상적이면서 어떤 애틋함의 기운이 느껴진다.
3악장 - 알레그로 에네르지코
행진곡 스타일의 활기찬 리듬이 인상적인 이 악장은 제2주제는 독주 바이올린에 의해 G현으로
연주된다.
제1주제는 3도의 기교적인 더블 스톱으로 화려하게 펼쳐지고 곳곳에서 집시의 기운이
느껴질만큼 흥겨움과 떠들썩함이 코다의 장엄함으로 이끌며 스피디하게 진행되는 오케스트라와
독주 바이올린의 치열한 경합이 대미를 장식한다.
■ 추천음반
수십 종의 브루흐 바이올린 협주곡 1번의 녹음이 있지만 하이페츠(RCA) 연주를 첫손에 꼽고
싶다. 말콤 사전트가 지휘하는 뉴 심포니와의 협연은 빠른 템포의 질주감이 찬란한 슬픔을
안겨준다.
정경화의 첫 번째 녹음으로 루돌프 켐페와 협연(Decca)한 음반은 오랫동안 추억하게 만들며
2번째 녹음인 래틀과의 협연(EMI) 보다 풍부한 감성의 진폭을 느낄수 있다.
사라 장과 쿠르트 마주아(EMI)는 환상적인 호흡이 돋보이는 연주를 선보이고 있다. 이 음반은
국내에서도 인기가 대단했었으며, 사라 장의 열연이 돋보이는 대한민국의 명반이다.
카라얀과 협연한 무터의 연주(DG)는 달콤하고 감각적인 선율로 가득 차 있다.
브루흐 바이올린 협주곡 2번, 3번을 모두 수록한 아카르도의 연주도 분명 가치있는 선택이다.
정경화
음악가정에서 태어난 정경화는 뉴욕 줄리어드 음악원에서 전설적인 스승 이반 갈리미언을 사사한
이후 예술과 문학의 세계로 이끌어 준 조셉 시게티에게서 지도를 받았다.
1967년 정경화는 리벤트리트 콩쿨에서 우승함으로 국제적인 명성을 쌓아가는데 70년 런던에서
자신의 유럽 데뷔 무대를 가진 이후, 앙드레 프레빈, 게오르그 솔티, 리카르도 무티, 다니엘
바렌보임과 같은 최고의 지휘자들이 이끄는 정상급 오케스트라들과 세계적인 콘서트 무대들에서
연주회를 가졌다.
정경화는 1988년 EMI와 전속계약을 맺은후 Deca, RCA 도이치 그라모폰 등과의 30개의 레코딩들
가운데 크리스티안 짐머만과 녹음한 슈트라우스와 레스피기 바이올린 소나타 음반과 사이먼 래틀
지휘로 녹음한 바르톡 바이올린 협주곡 2번과 랩소디는 그라모폰 상을 수상하기도 했다.
지난 95년 '아시아위크'가 뽑은 '위대한 아시아인 20인' 가운데 클래식 연주자로 유일하게
선정됐던 정경화는 영국 선데이 타임스 선정 '최근 20년간 가장 위대한 기악 연주자'에 오르기도
했다.
현재 이화여대 석좌교수로 근무하고 있다.
5. Brahms, Cello Sonata No.1 In E Minor, Op.38
Mstislav Rostropovich(Vc) / Rudolf Serkin(Pf)
1. Allegro Non Troppo
2. Allegretto Quasi Menuetto
3. Allegro
♣ 브람스 첼로 소나타 1번 E 단조 Op.38
브람스의 첼로 소나타는 e단조 작품38번과 F장조 작품99번의 두 곡이 있다.
이 e단조는 1862~65년에 작곡되어 같은 해에 출판되었는데 4년의 세월이 소요되었다.
이 무렵의 브람스는 드디어 빈 악단에도 알려지게 되었고 그의 피아노 협주곡도 연주를
거듭함에 따라 차츰 호평을 받게 되었다.
또 그가 사랑하는 어머니를 갑자기 잃은 슬픔도 커서 어머니의 죽음을 동기로 하여
레퀴엠을 쓰겠다는 결심이 굳어져 착수했다.
브람스의 음악은 중후하고 내성적이기 때문에 그것을 애호하고 감상하여 이해하는 사람은
매우 적었다.
브람스를 이해하고 그 친구이며 찬미자인 유명한 뷜로도 '나는 이미 12년이나 브람스를
연구하고 있지만 아직도 참된 맛을 느끼지 못한 기분이 든다'라고 말할 정도였다.
이 첼로 소나타도 맛을 보면 볼수록 점차 흥미가 생기는 그런 작품으로 브람스의 로맨틱한
환상이 넘치는 명작이다.
므스티스라브 로스트로포비치 (Mstislav Rostropovich, 1927. 3. 27 ~ 2007. 4. 27)
20세기에는 수많은 첼리스트가 활동했지만 일명 '슬라바'라는 애칭으로 많이 불리는
므스티슬라프 레오폴도비치 로스트로포비치만큼 커다란 예술적 영향력과 뜨거운 열정을
가진 사람은 파블로 카잘스 외에는 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다.
로스트로포비치는 첼로 리사이틀은 물론 오케스트라, 실내악, 성악, 오페라까지 섭렵하며
자신의 음악적 재능을 발산했을 뿐만 아니라 후학을 위해 자신의 모든 것을 바칠 수 있는
겸허함도 갖고 있었다.
더군다나 70세 때 떠난 휴가지에서 따분함을 느낀 뒤 죽을 때까지 휴가를 가지 않겠다고
다짐했다는 일화에서 찾아볼 수 있듯이 그는 성실함이라는 미덕을 갖춘 음악가의
표상이었다.
로스트로포비치는 1927년 당시 소련의 일부였던 아제르바이젠의 바쿠에서 러시아인 부모
(아버지는 벨라루스-폴란드계) 사이에서 태어났다.
어린 시절 이슬람권 도시인 바쿠에서 자란 로스트로포비치는 네 살 부터 유능한
피아니스트인 어머니에게 피아노를 배우기 시작했고 열 살 무렵에는 파블로 카잘스의
제자이자 저명한 첼리스트인 아버지로부터 첼로를 배울 수 있었다.
이후 2차대전이 발발하면서 그의 가족은 오렌부르크로 이사한 뒤 1943년에는 모스크바에
정착하게 되었다.
모스크바에 도착한 16세의 로스트로포비치는 모스크바 콘서바토리에 입학하여 첼로와
피아노, 지휘와 작곡을 공부했다.
3년 뒤인 1945년 그는 소련 정부가 개최한 젊은 음악가들을 위한 콩쿠르에서 처음으로
금메달을 수상하는 영광을 안으며 자신의 존재를 알리기 시작했다.
1948년 콘서바토리를 졸업한 그는 1956년까지 이 학교에서 첼로과 교수로 재직하며 교육에
헌신했다.
학교에서 교육자로 활동을 하는 한편 연주자 활동 영역 또한 서서히 넓혀나갔다.
1942년 첫 리사이틀을 연 그는 프라하와 부다페스트에서 개최된 국제 음악제에서 1등상을
수상하며 당시 소련에서 가장 촉망받는 첼리스트로 급부상하고 있었다.
1950년 23세의 나이로 그는 스탈린상을 받으며 명실상부한 소련 최고의 첼리스트로
인정받게 되었다.
레닌그라드 콘서바토리에서도 교수직을 맡게 되며 자국 내에서 최고의 인지도를 얻게 된
그는 1955년 볼쇼이 극장의 성악가인 갈리나 비슈네브스카야와 결혼하며 20대의 마지막을
화려하게 장식했다.
명성에 걸맞게 그는 소련 작곡가들로부터 많은 작품을 헌정 받았다.
1949년 22세의 나이에 프로코피에프로부터 '첼로 소나타 C장조 Op.119'를 헌정 받았고
이듬해 동료인 리히테르와 함께 이 작품을 초연했다.
이를 계기로 프로코피에프는 '첼로를 위한 신포니아 콘체르탄테'를 또다시 그를 위해
작곡하여 1952년에 초연할 수 있었고 작곡가의 서거로 완성을 하지 못한 첼로를 위한
콘체르티노는 이후 작곡가 카발레프스키의 도움으로 마무리 지을 수 있었다.
한편 쇼스타코비치는 두 개의 첼로 협주곡 모두를 그를 위해 작곡했다. 초연 또한 그의
손으로 이루어졌다.
그 외에 슈니트케, 패르트, 루토스와프스키, 메시앙, 뒤티외, 불레즈, 구바이둘리나
그리고 많은 영국 작곡가들로부터 작품을 헌정받은 만큼 그가 헌정 받은 작품들로 20세기
첼로를 위한 현대곡 목록을 완성할 수 있을 정도였다.
1963년 리에쥬 콘서바토리에서 키릴 콘드라신과의 협연을 시작으로 그는 서방 세계에서도
경력을 쌓을 수 있는 기회가 주어졌다.
특히 영국에서 벤자민 브리튼을 만나 전폭적 지지를 얻게 된 그는 이후 첼로 소나타와 세
개의 셀로 모음곡, 첼로 교향곡 등을 헌정받아 초연했다.
1976년 브리튼의 때 이른 서거로 그들의 파트너십은 지속될 수 없었지만 병상에서
브리튼은 하늘에서 언젠가 다시 만나 재결합할 수 있기에 죽음이 두렵지 않다고 말했을
정도로 그들의 음악적 신뢰는 대단히 높았다.
작품을 헌정하는 것에 끝나지 않고 브리튼은 직접 피아노를 맡아 로스트로포비치와 함께
앙상블을 만드는 것을 즐겼고 DECCA 레이블에서 발매된 슈베르트의 '아르페지오 소나타'와
같은 명반을 남길 수 있었다.
이 음반은 브리튼이 좋아했는데 그는 서거하기 직전까지 침대에서 이 음반을 들으며 기쁨의
눈물을 흘렸다고 그의 딸이 전한 바 있다.
그의 엄청난 음악성과 음악에 대한 열정은 첼로라는 악기에만 국한되지 않았다.
그는 1962년 11월 고리키시에서 '므첸스크의 멕베스 부인' 관현악 발췌와 쇼스타코비치
편곡의 무소르그스키의 '가곡과 죽음의 무도'를 지휘하며 처음으로 지휘봉을 들었다.
이후 1967년에는 볼쇼이 극장의 초청을 받아 차이콥스키 '예프게니 오네긴'을 지휘했고
이후 많은 곳에서 콘서트와 오페라를 지휘하며 제2의 음악인생을 시작했다.
그리고 1968년 8월 21일에는 영국 프롬스에서 소비에스 국립 심포니 오케스트라를 이끌고
지휘자로 서방 데뷔 무대를 가졌다.
한편 이 시기에 그는 카라얀과 만나 드보르자크의 '첼로 협주곡'(DG)을 함께 레코딩하여
희대의 명반을 탄생시길 수 있었고 이후 R.슈트라우스의 '돈 키호테'(EMI)와 베토벤의
'3중 협주곡'(EMI)을 카라얀과 함께 녹음하며 최고의 협연을 선보였다.
로스트로포비치는 예술의 뮤즈로서의 역할 뿐만 아니라 자유의 대변자로서의 역할 또한
열정적이었다.
특히 그는 민주주의적 가치와 자유에 대한 소신을 바탕으로 안락한 예술가로서의 삶을
포기했다.
1948년 모스크바 콘서바토리에 재학할 당시 21세의 그는 당시 형식주의 작곡가들이라고
비난 받던 자신의 스승 쇼스타코비치를 옹호하여 학교를 그만두기도 했다.
한편 1968년에는 그의 친구인 소련의 소설가 알렉산드르 솔제니친이 '수용소 군도'를
집필할 당시 그에게 은신처를 제공해 주기도 했다.
공산당 서기장인 브레즈네프에게 솔제니친을 옹호하는 편지를 각 신문사에 보내기도 할
만큼 용감했다.
그 결과 그와 그의 부인은 해외 연주회를 금지당한 채 감시 속에 모진 시간을 견뎌내야만
했다.
그런 까닭에 그는 1974년 스위스를 거쳐 미국으로 망명을 감행했다.
미국에서 새로운 삶을 시작해야 했던 그는 1977년부터 1994년까지 워싱턴 국립 심포니
오케스트라의 상임 지휘자를 맡았다.
런던 심포니 오케스트라와 같은 유수의 영국 오케스트라들을 지휘하며 활발한 지휘 활동을
펼쳐나갔다.
이후 1978년 반애국적 활동으로 국가의 위신을 손상시켰다는 이유로 소련 시민권까지
빼앗겼던 그는 1980년 파리에서 소련의 반체제 물리학자 사하로프의 석방을 요구하는 항의
콘서트를 열었다.
조국 러시아의 정치적 현실에 강하게 반발했던 그는 1990년이 되어서야 비로소 조국으로
돌아갈 수 있었다.
그리고 1989년 베를린 장벽이 무너지던 날 그가 서베를린 측 장벽 아래서 바흐의 '무반주
첼로 모음곡'을 연주하는 모습은 전세계 TV로 퍼져나가 커다란 감동을 안겨주었다.
1991년에는 러시아의 군부 쿠데타 시도를 막기 위해 크렘린 광장에 모인 시위대에 기꺼이
가담하기도 했다.
옐친과 두터운 친분을 나누기도 했던 그는 음악가라는 직업인 이전에 현대 러시아의 역사를
거론할 때 빼놓을 수 없는 중요한 러시아인이기도 하다.
이렇듯 바쁜 삶 속에서도 그는 여전히 첼리스트로서의 본분을 충실히 수행해 나갔다.
미국와 유럽을 오가며 지휘 활동을 하는 와중에 솔리스트로서의 활동 뿐만 아니라 동료
음악가들 및 젊은 음악가들과 함께 앙상블리스트로서도 많은 실내악 활동을 병행했다.
망명 전에는 에밀 길렐스와 스비아토슬라프 리히테르, 다비드 오이스트라흐, 레오니드 코간
등과 트리오 및 듀오를 이루어 러시아 음악가로서의 자긍심을 높이는데 앞장섰다.
망명 후에는 서방의 다양한 음악가들과 기꺼이 앙상블을 맞추어 음악의 본질적인 목적을
추구하는 데에 자신의 재능을 아끼지 않았다.
이러한 까닭에 그는 수많은 음악상과 훈장이 그에게 수여되며 20세기 세계 음악사에서 가장
영예로운 첼리스트이자 진정한 음악가로서의 지위를 누릴 수 있었다.
이후 그는 부인과 함께 로스트로포비치-비슈네브스카야 재단을 워싱턴에 설립하여 구 소련
어린이들의 건강과 교육을 향상시키는 사업을 벌였다.
2002년에는 자신의 고향인 바쿠에 로스트로포비치 박물관을 설립하였으며 아제르바이젠
국립 콘서바토리에서 첼로 마스터 클래스를 열며 후학을 양성하기도 했다.
특히 자신이 세운 로스트로포비치 국제 콩쿨에서 우승한 한국의 젊은 첼리스트인 장한나를
발굴하여 평생토록 그녀가 올바른 길로 나아가는 데에 정신적, 예술적 지도를 아끼지
않았다. 준엄함과 따스함을 동시에 갖춘 스승으로서의 참모습을 보여준 것이다.
그는 주로 1711년산 듀포르 스트라디바리우스와 스토리오니, 과르네리 이렇게 세 대의
악기로 많은 연주회와 녹음을 병행했다.
1950년대 이후 수많은 녹음을 남겼고 이들 어느 하나 빼놓을 수 없는 명반으로 남아 있다.
앞서 언급한 브리튼과 카라얀과의 명반 외에도 리히테르와의 베토벤 '첼로 협주곡 전곡'
(Philips), 루돌프 제르킨의 반주로 녹음한 브람스 '첼로 소나타집'(DG), 유진 오먼디
지휘로 녹음한 쇼스타코비치 '첼로 협주곡 1번'(SONY), 네빌 마리너와 녹음한 하이든 '첼로
협주곡 1, 2번'(EMI), 파울 자허와 휴 볼프의 지휘로 녹음한 바로크 '첼로 협주곡집'(DG,
Teldec) 등이 그를 언급하는 데 있어서 가장 보편적으로 거론되는 첼로 명반이다.
그 무엇보다도 생에 단 한 번 녹음한 바흐의 '무반주 첼로 모음곡'(EMI)은 그의 필생의
예술혼을 담아낸 역작으로 높은 평가를 받고 있다.
한편 에머슨 4중주단과 슈베르트 현악 5중주(DG) 및 안네-소피 무터와의 베토벤
트리오(DG)와 같은 실내악 앨범도 다수 남겼다.
지휘자로서의 명연 또한 솔리스트로서의 기량 못지 않다. 가장 먼저 쇼스타코비치의
'므첸스크의 멕베드 부인' 전곡 녹음(EMI)과 림스키-코르사코프의 '셰헤라자데'(EMI),
차이콥스키의 3대 발레 모음곡집(DG), 세 개의 오케스트라를 동원하여 제작한 쇼스타코비치
'교향곡 전집'(Teldec)이 가장 유명하다.
특히 쇼스타코비치를 존경했던 그는 소련을 떠나기 직전 작곡가에게 반드시 교향곡 전곡을
녹음하겠다는 약속을 작곡가 사후 20년 만에 지켰다는 점에서 그 의미가 크다.
그는 2006년 뉴욕 타임스와의 인터뷰에서 쇼스타코비치에 대한 그리움을 토로한 바 있다.
"가끔 지휘하는 도중에 스승의 얼굴이 나타난다. 종종 그의 표정은 행복해 보이지 않는다.
난 느린 템포를 좀 더 빨리 몰고 간다. 그러면 이내 그 얼굴이 사라지곤 했다."
한편 막심 벤게로프와 함께 한 쇼스타코비치와 프로코피에프 '바이올린 협주곡집'(Teldec)과
베토벤 '바이올린 협주곡'(EM) 또한 그 가치가 높고 13세의 장한나를 후원한 차이콥스키와
생상스 앨범(EMI) 또한 훌륭하다.
한편 피아니스트로서 아내인 비슈네브스카야를 반주한 러시아 가곡집(DG) 또한 빼놓을 수
없다.
1996년 6월 서울에서의 두 번째 내한 공연 때 앙코르 첫 곡을 연주할 때 갑자기 뒤로 돌아
연주하여 합창석 청중들에게 잊을 수 없는 배려를 보여줄 정도로 휴머니즘 넘치는 모습을
보여 준 로스트로포비치에게도 기어이 죽음이 찾아왔다.
2007년 3월 27일 80세 생일을 맞이하여 당시 러시아 대통령인 블라디미르 푸틴은 그를
크레믈링 궁으로 초청하여 성대한 파티를 열어주었다.
그러나 그의 건강은 암으로 점점 악화되어 4월 7일 병원에 입원했고 그 달 27일 세상을
떠났다.
4월 28일 로스트로포비치의 유해가 모스크바 콘서바토리로 이송되어 많은 사람들의 참배를
받았고 그 가운데에는 푸틴 대통령도 참석해 있었다.
그리고 그가 1990년 오랜 망명 생활을 접고 26년만에 고국 땅을 밟은 그가 가장 먼저 달려간
노보데비치 수도원 묘역에 안장되었다.
그 곳에서 비로소 먼저 떠난 정든 친구들과 함께 보드카 잔을 오랜 만에 나눌 수 있게 된
것이다.
약력
1945 소비에트연방 음악콩쿠르 우승
1948 모스크바 음악원 졸업
1950 스탈린상 수상
1962 소련에서 지휘자 데뷔
1968 영국에서 지휘자로 서방 데뷔 무대
1974 스위스를 거쳐 미국으로 망명
1977~1994 워싱턴 국립 심포니 오케스트라의 상임 지휘자 역임
1978 소련 시민권 박탈
1987 영국 명예 KBE훈장(외국인대상 명예훈장)
1995 폴라음악상 수상
루돌프 제르킨 (Rudolf Serkin, 1903. 3. 28 ~ 1991.5.8)
보히미아의 에겔에서 유태계의 러시아인의 가정에서 태어난 미국의 거장 피아니스트이다.
4세 때부터 전에 성악가였던 부친에게서 피아노의 초보를 배우고 9세 때 빈으로 나가
피아노를 리햐르트 로베르트, 작곡을 요제프 마르크스와 쇤베르크 에게 사사했다.
그리고 일찌기도 12세로 빈 필의 독주자로서 기용되어 멘델스존의 피아노 협주곡 G단조를
연주해 성공을 거두었으나 더욱 공부를 계속하여 1920년이 되어서 본격적인 연주 활동에
들어갔다.
제르킨이 친구의 집에서 후에 그의 장인이 된 명 바이올리니스트인 아돌프 부시와 만난 것도
마침 이 해여서 그의 연주를 들은 부시는 곧 자기와 연주 여행을 제의하여 그를 베를린
자택으로 초대했다.
그래서 그 초청에 응해서 베를린의 부시 가를 방문한 제르킨은 거기서 부시의 외동딸
일레네와 만났는데 당시 4세였던 그녀야말로 14년 후에 제르킨의 아내가 된 그 여성이었다.
또 베를린에서의 데뷔에서 부시의 지휘로 바하의 '브란데부르크 협주곡 제 5번'을 연주한
제르킨이 열렬한 앙코르에 응해서 놀랍게도 연주 시간이 50분이 넘는 '골드베르크 변주곡'을
연주해 버렸다는 에피소드도 널리 알려져 있다.
이리하여 피아니스트로서 순조로운 걸음을 계속하여 명성을 날린 제르킨이었지만
유태인이었기 때문에 나찌 정권 성립 후는 독일 국내에서 활동이 불가능하게 되어 마침내
1939년에 부시와 함께 유럽을 떠나서 미국으로 건너갔다.
그는 이미 1933년에 부시와 함께 워싱턴의 쿨리시 음악제에 초청되고 1936년에는 토스카니니
지휘의 뉴욕 필과 공연하여 호평을 얻었다.
미국에 건너가서는 독주자로서 한층 적극적인 활동을 하게 되어 세계 각지를 연주 여행해서
압도적인 명성을 얻었다.
또 다망한 연주의 틈을 내어 1939년부터는 커티스 음악원의 교수를 맡고 1950년 부터는
버몬트 주의 말보로에서 매년 여름 음악제와 음악학교를 주재하여 후진 지도에도 정열을
기울였다.
반 세기를 넘은 충실한 경험을 지닌 제르킨은 바하에서 바르토크에 이르는 넓은 레퍼터리를
자랑했다.
그러나 그러한 그의 음악의 중심을 이루는 것은 무어라 해도 베토벤으로부터 브람스까지의
독일 음악이라해도 좋을 것이다.
드물게 보는 긴장감이 넘친 힘찬 조형속에 작품의 본질과 그 정신성을 훌륭히 구현하고 있다.
또 A. 부시나 카잘스와 함께 실내악 연주에도 극히 충실된 연주를 들려준다.
1960년에 내한 공연을 가진 바 있다.
6. Mendelssohn, Octuor E flat Major, Op.20
Roel Dieltiens(Vc) / Frank Braley(Pf) / Ensemble Explorations
I. Allegro moderato ma con fuoco
II. Andante
III. Scherzo
IV. Presto
♣ 멘델스존 현악8중주 E 플랫 장조 Op.20
펠릭스 멘델스존은 음악사상 모차르트 다음으로 유명한 신동이다.
비록 궁극적인 경지라는 면에서는 모차르트에게 견주기 어렵겠지만 적어도 소년 시절까지의
재능과 성취는 모차르트를 능가하고도 남음이 있었다.
음악사에서 그만큼 급속도로 발전하면서 많은 작품을 남긴 소년 작곡가는 달리 찾아보기
어려운데 그는 열두 살 무렵에 이미 능숙한 작곡 실력을 갖추고서 약 70곡의 작품을 써내고
있었던 것이다.
그런 소년 멘델스존의 천재성을 대변하는 작품이 둘 있는데 하나는 1826년의 '한여름 밤의
꿈 서곡'이고 다른 하나는 그보다 한 해 앞서 탄생한 '8중주 E♭장조'이다.
이 가운데 후자는 소나타 악장 형식을 기반으로 한 고전적인 실내악 양식을 온전히 체득한
16세 소년 작곡가의 조숙한 재능을 가장 선명하게 드러냈을 뿐 아니라 나아가 실내악 역사상
굴지의 명작 가운데 하나로 손꼽히는 눈부신 작품이다.
조지 그로브 경이 '성숙기를 향한 경이적인 도약'이라고 평가한 이 '8중주'는 1825년 10월
15일 베를린에서 완성되었다.
그 해 3월에 멘델스존은 아버지와 함께 파리로 가서 7주 이상 머물렀는데 거기서 그는 파리
음악원의 원장이었던 루이지 케루비니로부터 '천재 인증'을 받았다.
그의 앞에서 'f단조 4중주'를 연주하여 이례적인 칭찬을 받았던 것이다.
당대 최고의 음악가 중 한 사람으로 존경받고 있었던 케루비니는 호평에 인색한 것으로
유명했기에 그의 찬사는 멘델스존이 음악가의 길을 걷는 데 결정적인 기여를 했다.
아들의 앞날을 걱정하던 아버지 아브라함이 가슴에 품고 있던 노파심을 떨쳐주었기 때문이다.
부자는 바이마르에 들러 괴테를 만난 후 5월 말에 베를린으로 돌아왔고 그 해 여름 멘델스존
일가는 라이프치히슈트라세 3번지에 새로 마련한 궁전 같은 저택으로 이사했다.
그로부터 몇 해 동안이 그들 가족에게 있어서 가장 행복했던 시절이었다.
훗날 멘델스존의 누이 파니는 그 나날들이 '환상적인, 꿈결 같은 삶'이었다고 회상했다.
그 해 가을에 작곡된 '8중주'에 행복의 기운이 넘쳐흐르는 것은 지극히 당연한 일이리라.
소년 멘델스존은 이 곡을 쓰면서 선배 작곡가 루이 슈포어(Louis Spohr, 1784-1859)의 현악
8중주를 참고한 것으로 보인다.
다만 슈포어가 두 개의 현악 4중주단을 안티폰(antiphon, 교창) 형태로 배치하여 그 대화와
경쟁을 통해서 음악을 진행시키는 '2중 현악 4중주'를 썼던 것과는 달리 멘델스존은 보다
교향악적인 조직과 울림을 내세움으로써 실내악의 표현영역을 확장하는 데 중점을 두었던
것으로 보인다.
실제로 그는 "이 8중주는 모든 악기에 의해 교향곡 스타일로 연주되어야 한다"라고 했으며
자신이 표시한 강약 지시들에 대해서도 정확하게 준수되어야 함은 물론이고 "이런 류의
곡들에서 통상적으로 요구되는 수준보다 더 예리하게 강조될 것"을 주문했다.
아울러 그처럼 장대한 스케일의 울림을 빚어내는 곡인데도 여덟 대의 악기가 각자 충분한
독립성을 가지고 움직인다는 점도 주목할 필요가 있다.
역시 주도권은 제1바이올린에 주어져 있지만, 앙상블 전체를 아우르는 기술적 완성도와
세부 처리의 교묘함 그리고 확고한 밸런스는 소년 작곡가의 탁월한 역량에 다시금 감탄하게
만든다.
제1악장 : 알레그로 모데라토 마 콘 푸오코
이 경이로운 첫 악장에서 우리는 기백으로 충만한 천재소년의 확신에 찬 얼굴을 대하게
된다.
제1바이올린에서 나타나는 분산 3화음에 의한 제1주제와 부드러운 2도 진행을 바탕으로
한 제2주제가 이루어내는 절묘한 대비감 그것들을 뒷받침하고 확장시키는 다채로운
리듬과 폭넓은 스케일 그리고 장장 14분여에 걸친 장대한 악장 전체를 시원스럽게
관통하는 번뜩이는 영감과 왕성한 추진력은 그야말로 경탄스럽다.
끊임없이 샘솟는 아이디어와 풍부한 독창성이 최고 수준의 장인적 기교로 마무리된 진정한
예술작품이다.
제2악장 : 안단테
사뭇 사색적인 표정을 띤 완서악장으로 코렐리를 연상시키는 고풍스러운 기분이 가미되어
있다.
앞선 악장에서 혈기왕성한 청춘다운 활력과 생동감이 분출되었다면 이 악장에서는 십대
소년의 것이라고는 믿기 어려운 깊이 있는 감수성과 긴밀한 내적 흐름이 두드러진다.
제3악장 : 스케르초
유명한 g단조의 스케르초 악장으로, 멘델스존 고유의 서명이 각인된 전곡의 심장이라 할
만하다.
멘델스존의 누이 파니는 이 악장이 괴테의 '파우스트'제1부에 나오는 '발푸르기스의 밤'의
한 장면에서 얻은 영감에 기초한 것이라고 증언했다.
그것은 '오베론과 타티아나의 금혼식'이라는 부제가 달려있는 장면으로 멘델스존은 그
마지막 연을 음악으로 옮겼다고 누이에게 말했다고 한다.
흘러가는 구름과 자욱한 안개가
위로부터 걷히기 시작하는구나.
나뭇잎 사이에 이는 미풍과 갈대 사이로 부는 바람,
모든 것이 자취 없이 흩어졌구나.
제4악장 : 프레스토
이 강력한 피날레는 푸가토가 딸린 자유로운 형식을 취하고 있다.
8성부 푸가로 출발하는 이 악장에서 소년 멘델스존은 스승 첼터에게서 받은 엄격한 대위법
수업의 견실한 성과를 유감없이 발휘하고 있으며 헨델의 '메시아'에서 가져온 주제를
위시하여 서로 이질적인 요소들을 전혀 어색하지 않게 융화시켰다.
또한 종결부에 등장하는 푸가토는 모차르트의 '주피터 교향곡'에 바치는 헌사라고 할 수
있다.
그 기술적 완성도와 강렬하고 복잡한 흐름에 대한 빈틈없는 장악력 그리고 거침없이
연소되는 영감� | 
