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1. Haydn, String Quartet in G minor, Op.74, No.3 'Rider'
Alban Berg Quartett
I. Allegro
II. Largo assai
III. Menuetto Allegretto - Trio
IV. Finale Allegro con brio
♣ 하이든 현악4중주 Op.74-3 '기수'
1791년 런던의 연주회에서 비엔나로 돌아언 하이든은 1793년 자신의 후원자였던 안톤
게오르그 야포니 백작을 위해 4중주 12곡을 작곡했다.
물론 이 작품들은 자신의 두번째 런던 방문을 염두에 두고 작곡한 면도 없지 않다.
이 곡들은 1796년에야 비로소 op.71과 op.74로 출판됐다.
이 중에 G장조 4중주는 구성이 단순하나 오케스트라를 연상시키는 치밀함과 충실함이 있어
극적인 효과를 돋보이게 하고 있다.
특히 이 작품은 1악장과 4악장의 연상을 통해 기사 또는 기수라는 별명을 가지고 있다.
알반 베르크 4중주단
1970년에 빈 음악 대학의 젊은 교수들을 중심으로 조직된 현악 4중주단이다.
당초의 멤버는 제1바이올린이 귄터 피힐러(1940∼ ), 제2바 이올린이 클라우스 메츨(1941∼ ),
비올라가 하트 바이엘레(1933 ∼ ), 첼로가 바렌틴 엘벤(1945∼ )으로 4명은 알반 베르크
미망인의 동의 아래 이 작곡가의 이름을 단체명으로 내걸었다.
리더 피힐러는 빈 음악 대학에서 수학한 후 빈 교향악단, 비너 졸리 스텐의 콘서트 마스터,
1961년에는 빈 필의 콘서트 마스터가 되고 1963년 이래 모교의 교수를 지내고 있다.
메츨도 역시 빈의 음악가로 한때는 빈 교향악단의 콘서트 마스터 지위에 있었다.
바이엘레는 프라 이부르크 음악대학과 빈 음악 대학에서 수학한 뒤 비너 졸리스텐의
일원이었으며 1965년 이래 빈 음악 대학의 교수로 있다.
엘벤은 뮌헨 음악 대학, 빈 음악 대학, 그리고 파리 음악원에서 수학했으며, 1968년 뮌헨
서독방송협회의 콩쿠르에 우승, 1971년에 빈 음악 대학의 교수가 되었다.
이상 4명은 결성 후 미국의 신시내티로 유학하여 라살 4중주단을 약 1년 간에 걸쳐 사사한 뒤
1971년 가을 빈의 콘체르트하우스에서 데뷔 연주회를 열고 성공을 거두었다.
이후 빈에 본거를 둠과 동시에 해외 연주 여행과 각지의 음악제 출연 등 매우 활발한 활동을
전개하고 급속히 명성을 높이면서 오늘에 이르고 있다.
1978년에는 제2바이올린 이 메츨에서 게르하르트 슐츠(1951∼ )로 바뀌고 1981년에는 비올라가
바이엘레에서 토마스 카크슈카(1941∼ )로 바뀌었다.
슐츠도 빈 음악 대학 출신으로 잘츠부르크 현악 3중주단, 뒤셀도르프 4중주단 등의 일원으로
일찍부터 실내악 경험을 쌓은 바 있다.
알반 베르크 4중주단의 음악은 빈의 고전적 전통 위에 존재하고 감각적으로는 매우 신선하며
시대의 첨단을 가는 특유의 발랄한 감촉이 있다.
그것은 어느 시대에나 전통과 혁신이 극히 자연스레 공존하는 이 도시의 풍습 그대로라고 말할
수 있을 것이다.
그들은 모차르트와 베토벤을 레퍼토리의 중심으로 베베른·베르크에서 현대에 이르는
작품까지도 적극적으로 손대어 그 핵심을 찌른 연주를 실현하는 새로 운 타입의 연주가들이다.
레코드는 데뷔 음반인 베르크의 '서정 모음곡'이 명연주로 평가되고 있으며 이어 '하이든 세트'
전곡을 비롯한 모차르트의 여러 작품과 슈베르트의 '로자문데', 그 밖에 하이든의 '기사'와
'황제'(둘 다 텔레푼 켄) 등도 놓칠 수 없다.
베토벤의 '중기 현악 4중주곡집'(에인절)도 명연주로 평가되고 있다.
2. Bizet, Symphony in C
Thomas Beecham(cond), Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise
I. Allegro vivo
II. Adagio
III. Allegro vivace - Trio
IV. Allegro vivace
♣ 비제 교향곡 제1번 C장조
대작곡가의 중후하고 때로는 위압적인 대교향곡의 음향에 가려서 자칫하면 잊혀지기 쉬운
몇 개의 소교향곡이 있다.
그것들은 고매하거나 심원하지도 않지만 그 소박한 아름다움은 울창한 걸작의 숲을
가로지르는 미풍과도 비슷해서 상쾌하고 기분이 좋다.
슈베르트의 제5번, 프로코피예프의 고전적 교향곡, 브리튼)의 심플 심포니 등은 그 좋은
예이며 비제의 작품도 또한 더없이 아름답고 즐겁다.
카르멘의 작곡가 비제에게는 3곡의 교향곡이 있다고 하는데 현존하는 유일한 작품이
제1번이다.
이 곡은 20세 때 파리의 음악원 재학 중에 쓴 것으로 교과서적인 진지함이 보이며 아름다운
선율의 악상이나 남국적 정취는 비제의 풍부한 천분을 연상케 하는 매력적인 작품이다.
또한 이 작품은 오랫동안 파리 음악원의 도서관에 파묻혀 있다가 1935년 바인가르트너에
의해 초연되었다.
악기 편성은 전형적인 2관 편성이며 젊었을 때의 풍부한 창작력과 감각의 신선함을
드러내기에 어울리는 곡이다.
제1악장 알레그로 비보 2/2.
전형적인 소나타 형식이지만 서주 없이 곧 총주로 제1주제가 제시된다. 동기적인 성격으로
다소 어색한 느낌이 들기도 한다.
이것이 반복된 뒤 현이 피치카토로 하강하고 오보에가 제2주제를 연주한다.
남구풍으로 선율의 흐름이 아름다우며 양주제의 성격적 대비도 좋다. 갑자기 호른이 울리고
제1주제가 나타나고 또다시 호른에 의해 전개부에 들어간다.
두 주제를 소재로 하는 전개부는 극히 짧고 재현부·제1주제에 의한 코다가 형식대로
진행되면서 끝난다.
제2악장 아다지오 a단조 9/8 두도막 형식.
짧은 서주가 현과 관에 의해 몇 번 반복된 뒤 오보에가 애수를 띤 아름다운 주제를 연주한다.
비제다운 매력적인 선율로 이것이 반복되면서 화려한 중간부에 들어간다.
중간부의 후반에서는 경쾌한 선율이 카논풍으로 처리되어 고전적인 맛을 느끼게 한다.
제1부의 재현은 다소 변형되어 곡을 마친다.
제3악장 알레그로 비바체 G장조 3/4 스케르초
주제의 제1부(악보 4)는 활발하고 동기적이며 제2부는 가락스럽게 늘어나 대조적이다.
트리오는 목가적이며 바이올린과 목관부의 얽힘이 아름답다.
제4악장 알레그로 비바체 C장조 2/4 소나타 형식.
현의 트레몰로에 이끌려 제1주제(악보 5)가 성급하게 제시되고 반복된다. 행진곡풍의
부주제가 이어서 목관으로 연주되고 관현악에 의해 강조된다.
제2주제는 바이올린에 의해 제시되는 우미한 것으로 주제의 성격적인 대비는 여기서도
바람직하다.
제2주제는 관이나 현에 의해 계속 반복되고 제1주제가 재현해서 전개부에 들어간다.
양주제의 전개 뒤 제시부가 거의 변형되지 않고 재현되어 제1주제에 바탕을 둔 코다에
들어간다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.5 in E flat major, Op.73 'Emperor'
Arturo Benedetti Michelangeli(Pf) / Carlo Maria Giulini(cond), Vienna Symphony Orchestra
I. Allegro
II. Adagio un poco moto, attacca
III. Rondo - Allegro ma non troppo
♣ 베토벤 피아노 협주곡 5번 E 플랫 장조 Op.73 '황제'
1809년 초 베토벤의 생활은 비로소 든든한 반석 위에 올라선 것처럼 보였다.
일단 3월 1일부터 '평생 연금'을 받기 시작했는데 세 명의 젊은 고위 귀족, 로프코비츠 공작,
킨스키 공작, 루돌프 대공이 그에게 매년 4천 플로린이라는 거금을 지급하기로 약속했던
것이다.
다만 베토벤이 "빈(Wien) 혹은 오스트리아 황실 폐하의 다른 세습영지를 거주지로 하는 대신"
이라는 조건이 붙었다.
이로써 안정적인 재정기반을 확보한 베토벤은 들뜬 기분에 여행이나 결혼도 할 수 있으리라는
기대를 품었고 특히 친구인 글라이헨슈타인 남작에게 편지를 보내서 자신의 신붓감을 찾아봐
달라고 부탁하기까지 했다.
하지만 그러한 희망은 얼마 지나지 않아 산산이 부서지고 만다. 그 해 5월 나폴레옹 군대가
빈을 점령했기 때문이다.
오스트리아의 바이에른 침공에 대한 대응에 나선 프랑스 군이 에크뮐 전투에서 오스트리아
군을 격파한 다음 내친 김에 빈까지 진격해왔고 그러자 오스트리아의 왕족과 귀족과
부유층들은 서둘러 빈을 탈출했다.
뒤에 남은 시민들이 나름대로 도시를 수호하겠다고 나섰지만 상황은 절망적이었다.
무기가 턱없이 부족해서 극장에 있던 총과 창, 칼 등의 소품들까지 꺼내왔지만 별 도움이
되지 못했다.
결국 빈은 포위된 지 일주일 만인 5월 13일에 함락당하고 말았다.
빈에 남게 된 베토벤의 상황은 절박했다. 적군의 포탄이 쏟아지는 동안에는 약해진 청력을
보호하기 위해 책상 밑으로 들어가 베개를 머리에 두르고 있어야 했다.
또 프랑스 군이 도시를 점령한 뒤에도 한 동안 오스트리아 군의 반격으로 인한 전투가
계속되어 그는 사방을 뒤덮은 전쟁의 참화와 진군의 북소리, 군화 소리로 인해 거의 미칠
지경이었다.
게다가 후원자들이 모두 도시를 떠나면서 경제적 원조가 끊기는 바람에 생계를 꾸려나가기도
힘겨웠는데 피난하기도 여의치 않았다.
가까스로 동생의 집에 의탁한 그는 여름에 쓴 한 편지에서 당시의 상황을 이렇게 전하고
있다.
"그 동안 우리는 가장 심각한 형태의 비참함을 겪고 있었습니다. 5월 4일 이후 나는 일관성
있는 작품을 거의 하나도 쓰지 못했습니다. 기껏해야 단편 이것저것 뿐입니다. …… 바로
얼마 전에 내가 쌓아올린 생존의 기반이 불안정해 졌습니다. …… 주위에서는 온통
파괴적이고 무질서한 행태 밖에는 보이지 않습니다. 온통 북소리, 대포소리, 모든 형태의
비인간적인 처참함 뿐입니다"
그의 마지막 협주곡은 바로 이러한 경험에 기초한 것으로 보인다.
그래도 9월에 베토벤은 자선 연주회에서 '영웅 교향곡'을 지휘했고 전황이 정리되어 감에
따라 빈의 질서와 생활도 점차 정상적인 상태를 되찾아갔다.
일련의 상황은 10월 14일 쇤부른 궁전에서 프랑스와 오스트리아 사이에 강화조약이
체결되면서 일단락 되었고 베토벤도 다시금 기지개를 켰다.
그 전란의 와중에 작곡된 것으로 알려진 '피아노 협주곡 제5번 E♭장조'는 베토벤 최고의
역작 가운데 하나이다.
이 작품의 장대한 스케일, 왕성한 추진력, 찬란한 색채는 타의 추종을 불허한다.
심지어 베토벤 자신조차도 이 정도로 대담하고 격렬한 협주곡은 쓴 적이 없었다.
그는 이 곡에서 특유의 강력한 피아니즘을 그 어느 때보다 과감하게 펼쳐 보였고 그 결과
이전의 '피아노 협주곡 제4번 G장조'에 이어 다시 한 번 피아노 협주곡사에 새로운 장을
열었다.
이 협주곡은 베토벤 자신의 '바이올린 협주곡'과 더불어 훗날 슈만과 브람스가 계승하게
되는 '교향적 협주곡(Symphonic Concerto)'의 본격적인 출발점으로 간주된다.
이 곡은 분명 협주곡이지만 관현악부가 독주부 못지않은 중요성을 지니며 두 파트가
긴밀하게 어우러져 더없이 절묘하고 역동적인 음악세계를 펼쳐 보인다.
제1악장 - 알레그로
약 20분간에 걸친 장대한 규모를 자랑하는 첫 악장은 시작부터 특별하다.
관현악의 힘찬 화음에 이어 피아노가 곧바로 등장하여 화려하고 당당한 카덴차를 연주해
보이며 출발하는 것.
협주곡의 고전적인 틀에서 벗어난 이런 개시법은 이후 슈만, 그리그, 차이코프스키 등
수많은 후배 작곡가들에게 영향을 미치게 된다.
이 혁신적인 개시부에 이어 관현악이 강렬하고 박진감 넘치는 제1주제와 스타카토 리듬에
실려 등장한 후 유려하게 펼쳐지는 제2주제를 제시한다.
이후 피아노가 다시 등장하고 음악은 때로는 충만한 열기와 긴장감 속에서 강력하게
때로는 섬세하고 유연하면서도 멋스럽게 진행된다.
이 악장은 두 차례의 장쾌한 클라이맥스에 도달한 후 힘차게 마무리된다.
여기서 또 한 가지 특별한 점은 통상 재현부와 종결부 사이에 놓이는 독주자 임의의
카덴차가 허용되지 않았다는 점이다.
이 부분에 관해서 베토벤은 '카덴차는 필요 없음. 그대로 계속해서 연주할 것'이라고
지시하는 대신 카덴차에 상당하는 독주부를 직접 채어 넣었다.
즉 자신이 의도한 흐름이 독주자의 기교과시에 의해서 단절되거나 왜곡될 위험을 차단했던
것이다. 이 역시 슈만과 브람스를 비롯한 후배들에게 귀감이 되었던 부분이다.
아울러 이 악장에서는 트럼펫과 팀파니의 활약을 통해서 팡파르 풍의 울림과 행진곡풍
리듬이 유난히 부각된다. 또한 전편의 치열하고 박진감 넘치는 흐름은 다분히 전투적이다.
그래서인지 알프레트 아인슈타인은 이 협주곡을 '군대 개념의 변증론'이라고 불렀는데
혹시 베토벤은 이 곡에서 나폴레옹 군대 혹은 그로 상징되는 '적군'에 대한 자기 나름의
투쟁을 전개했던 것은 아닐까?
나폴레옹이 빈을 점령했던 시절, 베토벤은 프랑스군 장교와 마주친 자리에서 주먹을
불끈쥐며 이렇게 말한 적이 있다고 한다.
"내가 대위법만큼 병법에 정통했더라면 당신들을 가만두지 않았을 텐데….."
도처에서 포탄이 터지는 듯한 장면마저 연출하는 이 곡을 들으며 (물론 비유적인 견지에서)
관현악을 병사들로, 피아노를 그들을 이끄는 장수로 상정해보는 것도 흥미로울 듯하다.
제2악장 - 아다지오 운 포코 모소
앞선 악장과 사뭇 대조적인 완서악장이다. 차분하게 가라앉은 분위기 온화하게 이어지는
흐름 그리고 그 위에 신중하게 얹히는 독주 피아노의 선율.
이 명상적인 악장에는 숭고하고 성스러운 기운마저 서려있다. 베토벤의 제자였던 체르니에
따르면 찬미가풍의 주제는 오스트리아의 순례의 노래에서 따온 것이라고 한다.
이 악장은 그 극복의 통로가 아니었을까? 여기서 그는 반추하고, 기도하고, 음미한다.
그리고 새 희망을 꿈꾼다.
그의 후기음악에 나타나는 영적인 차원의 환상적인 음률이 이미 선명하게 모습을 드러내고
있는 이 악장은 베토벤이 남긴 가장 심오하고 감동적인 음악 가운데 하나이다.
제3악장 - 론도. 알레그로
앞선 악장의 끝부분에서 중단 없이 이어지는 이 악장에서 음악은 다시금 첫 악장의 기세와
분위기로 복귀한다.
이 '승리'를 향한 행진곡에서, 춤곡풍의 주제는 마치 곡예를 펼치는 듯하며 피아노와
관현악은 서로 앞서거니 뒤서거니 하며 술래잡기를 하는 듯하다.
협주곡 고유의 경쟁의 묘미와 돌파의 스릴을 만끽할 수 있는 박진감 만점의 멋진
피날레이다.
흔히 곡의 제목처럼 통용되는 '황제'라는 별명은 정작 베토벤 자신과는 별 관련이 없어
보인다.
무엇보다 베토벤이 한 때 존경하던 나폴레옹이 황제의 자리에 올랐다는 소식을 듣고서
격노하여 '영웅 교향곡'의 원래 표지를 찢어버렸다는 일화를 떠올리자면 베토벤의 가장
돋보이는 걸작 중 하나에 '황제'라는 별명을 붙이는 것은 심히 불경스러운 일처럼
보이기도 한다.
이런 별명을 누가 붙였는지는 확실히 밝혀지지 않았지만 일설에는 J. B. 크라머라는
영국의 출판업자가 거론된다.
그는 이 작품이야 말로 모든 피아노 협주곡들 가운데 '황제'의 자리에 놓일 만하다고
생각했다고 한다.
그런데 이것도 꽤나 그럴듯한 발상 아닌가? 더구나 젊은 시절에는 혈기왕성했던 베토벤도
나이가 들어감에 따라 점차 보수적인 성향으로 변해갔으며 한 때 '황실 악장'의 직함을
원하기도 했었다는 사실을 돌아보면 굳이 거부할 필요도 없는 일 아닌가 싶다.
■ 추천음반
다른 어떤 곡보다도 이 곡에 있어서만큼은 근래의 음반들보다 왕년의 거장들이 남긴
음반들이 먼저 떠오른다.
모노 시절의 명반으로는 역시 에트빈 피셔를 가장 먼저 거론해야 할 것이고 이후에도
빌헬름 박하우스, 빌헬름 켐프, 루돌프 세르킨, 클라우디오 아라우, 프리드리히 굴다,
알프레트 브렌델, 에밀 길렐스, 레온 플라이셔, 아르투로 베네데티 미켈란젤리 등등이
남긴 기라성 같은 명연들이 즐비하다.
아르투로 베네데티 미켈란젤리 (Arturo Benedetti Michelangeli, 1920. 1. 5 ~ 1995. 6. 12)
북 이탈리아 롬바르디의 옛도시 브레시아에서 태어난 피아니스트로서 모친은 유고슬라비아인이고
부친은 변호사였으나 피아노 교사의 자격을 가지고 있었다.
4세 무렵부터 피아노를 치기 시작해 브레시아 음악원에서 배웠다. 10세 때 밀라노 음악원에
입학하여 3년에 걸쳐 주세페안포시를사사했다.
그의 이름이 알려지게 된 것은 1939년 19세로 제 1 회 제네바 국제콩쿠르에서 우승하고부터이다.
이 때 심사원이던 코르토가 그 뛰어난 연주를 '새로운 리스트의 탄생' 이라고 격찬한 것은 지금도
유명하다.
그러나 곧 제 2차 대전이 발발했기 때문에 활동은 이탈리아와 독일에 제한되었다.
미켈란젤리의 이름이 국제적으로 퍼진 것은 전후인 1946년이 되어 영국과 프랑스에 연주 여행하여
센세이셔널한 성공을 거두면서부터였다.
그러나 약 10년 후에는 건강상의 이유로 한때 연주활동에서 떠나 보르짜노에 칩거하면서 교사로
있는 한편 시골 사람과 같은 생활을 계속 했다고 한다.
그리하여 1959년에 다시 연주 활동을 시작하여 유럽은 물론 미국에도 연주 여행하여 압도적인
성공을 거두었다.
또 교육에도 매우 열성이어서, 볼로냐, 베네치아, 토리노 등의 각 음악원에서 교편을 잡고
개인적으로도 많은 젊은 피아니스트를 육성하여 위대한 교사로서도 알려져 있다.
또 1965년부터는 출생지인 브레시아에서 그의 이름을 붙인 피아노 음악제가 열리고 있다.
베네데티-미켈란젤리는 현대의 피아노계에서 가장 고고한 피아니스트, 완전주의자로 지목되고
있다.
인간의 기교라고 생각되지 안을 만큼 명료하고 아름다운 음의 알맹이를 가졌으며, 투철한 울림과
색채를 가진 그 연주는 동시에 피아니스트라 하기 보다는 음의 사색가라고 부르고 싶은 작품에
대한 날카롭고 엄격한 안목을 느끼게 하는 아주 독자적인 스타일을 형성하고 있다.
그가 자주 연주회를 최소하고 레코딩에 대해 극히 신중한 것도 그러한 자기의 예술을 철저하게
연마하지 않고는 못배기는 자세에서 오는 것이기는 하다.
믿을 수 없을 만큼 아름다운 피아니시모에서 압도적인 포르티시모에 이르기까지 진폭이 큰 예리한
감각에 의해 놀랄 정도로 세련된 연주는 스카를라티에서 드뷔시까지 어떤 작품에 있어서도 다른
피아니스트에게서는 구할 수 없는 빛을 발휘한다.
미켈란젤리는 현대의 피아노 미학의 하나의 극치라고 할 표현을 잘 들려준다.
특히 베토벤에 있어서의 잘 연마된 표현력과 그 내적 긴장의 지속력, 드뷔시에 있어서의 음
색채의 아름다움과 음의 시라고 해도 좋을 정교하고 판타스틱한 세계 등은 참으로 놀랍다.
4. Lalo, Symphonie espagnole in D Minor Op.21
Anne Sophie Mutter(Vn) / Seiji Ozwra(cond), Orchestre National de France
I. Allegro non troppo
II. Scherzando. Allegro molto
III. Intermezzo. Allegretto non troppo
IV. Andante
V. Rondo. Allegro
♣ 랄로 스페인 교향곡 D 단조 Op.21
랄로의 '스페인 교향곡'은 종종 교향곡으로 오해되곤 한다. 그러나 실제 이 작품은 교향곡의
형식을 갖춘 작품은 아니다.
바이올린 독주와 오케스트라를 위한 작품이란 점에서는 협주곡이라 볼 수도 있으나 이 곡은
전형적인 협주곡 형식에서도 벗어나 있다.
모두 5악장으로 이루어진 이 작품은 마치 여러 춤곡들을 모아놓은 모음곡 같기도 하므로
'스페인 교향곡'은 엄밀한 의미에서 교향곡도 협주곡도 아니다.
하지만 '스페인 교향곡'이란 작품명 그대로 스페인 풍의 음악인 것만은 확실하다. 전 악장에
걸쳐 '하바네라'와 '세기디아' 등 스페인 음악의 향기가 작품 곳곳에 배어있다.
스페인 풍의 '스페인 교향곡'을 작곡한 에두아르드 랄로 역시 스페인 혈통의 음악가다.
랄로의 집안은 대대로 훌륭한 군인들을 배출한 군인 집안으로 17세기에 플랑드르 지방으로
이주해 정착했다.
랄로의 부친 역시 전쟁에서 큰 공을 세운 훌륭한 군인이었다. 그런 그가 맏아들이 음악가가
되는 것을 완강히 반대한 것도 무리는 아니다.
집안 전통을 깨고 음악가가 되겠다는 랄로의 꿈은 부친의 반대로 좌절되는 듯했다.
소년 시절의 랄로는 바이올린과 첼로 레슨을 조금 받을 수는 있었지만 그것이 그에게 허락된
음악교육의 전부였다.
그러나 직업 음악가를 향한 열망을 결코 포기할 수 없었던 랄로는 집안의 도움 없이 홀로
파리로 건너가 음악공부를 시작했다.
그곳에서 뛰어난 바이올리니스트이자 지휘자인 프랑수아 아브넥에게서 바이올린을 배운
랄로는 틈틈이 작곡도 하여 1847년에 당대 최고의 콩쿠르인 '로마 대상'에서 2위를
차지하면서 음악가로서 인정받았다.
그 후 아르맹고 4중주단에서 비올라와 제2바이올린을 연주하며 연주자로서도 활발한
연주활동을 했다.
랄로는 현악 연주자로서의 풍부한 경험을 바탕으로 '바이올린협주곡 f단조'와 '첼로협주곡
d단조', 그리고 그가 남긴 가장 유명한 작품인 '스페인 교향곡'을 작곡해 현악기에 대한
그의 탁월한 감각을 보여주었다.
오늘날 랄로의 '바이올린 협주곡 f단조'는 거의 연주되지 않지만 바이올린과 오케스트라를
위한 '스페인 교향곡'은 초연 당시부터 지금까지 큰 인기를 누리고 있다.
랄로는 이 작품을 스페인 출신의 비범한 바이올리니스트인 파블로 사라사테를 위해 작곡했다.
1875년 2월 7일 '스페인 교향곡'의 파리 초연 당시 바이올린 독주를 맡은 것도 사라사테였다.
초연 이후 이 작품은 음악 애호가들의 사랑을 받고 있으며 바이올리니스트에게는 필수적으로
공부해야하는 주요 레퍼토리로 정착되었다.
'스페인 교향곡'에는 독주 바이올린의 현란한 기교가 강조될 뿐 아니라 오케스트라 음색에
있어서도 특이한 점이 나타난다.
트라이앵글과 작은북, 하프 등 일반적인 협주곡에서는 드물게 나타나는 특수 악기들이
편성되어 이 곡에 화려한 색채를 더한다.
또한 현악 주자들이 휘파람소리와 같은 효과를 불러일으키는 하모닉스 주법까지 구사하는 등
특수한 연주기법이 사용되고 관습에서 벗어난 악기용법이 나타나 듣는 재미를 더한다.
그러나 이런 점 때문에 간혹 이 작품은 지나치게 화려한 외양에 치중하고 있다는 비판을
받기도 한다.
러시아의 작곡가 차이콥스키 역시 이 곡을 가리켜 "지극히 유쾌하고 신선한 곡이지만 진지한
것 같지 않다"고 평했다.
그러나 짧은 중간 악장들을 장식하는 랄로의 매혹적인 선율을 잘 들어보면 화려한 외양 뒤에
숨은 애수 띤 정서와 진지한 감성을 느낄 수 있다.
빠른 템포의 1악장은 교향곡이나 협주곡의 1악장이 대개 그러하듯 소나타형식을 충실히
따르고 있어 전 악장 중 형식이나 내용면에서 가장 충실하고 잘 갖추어진 느낌을 주는
음악이다.
그러나 랄로가 주제로 사용한 선율 자체는 '하바네라'를 연상시키고 있어 스페인적인 느낌을
준다.
하바네라는 쿠바의 하바나에서 유래된 것으로 추정되는 2박자의 춤곡으로 19세기 후반에
유럽에 들어와 스페인에서 크게 유행했다.
하바네라의 리듬형은 첫 박이 매우 강하며 점음표로 되어있고 곧이어 짧은 16분음표과
8분음표 2개로 이어진다.
탱고의 바탕이 되기도 하는 이 리듬은 '스페인 교향곡' 1악장의 두 번째 주제에서 암시된다.
오케스트라가 하바네라의 리듬을 연주하는 가운데, 독주 바이올린이 관능적인 스페인 풍의
선율을 선보이며 이국적인 느낌을 자아낸다.
2악장은 '스케르찬도'(Scherzando) 즉 해학적이면서도 변덕스런 느낌의 음악이다. 랄로는
2악장에서 랄로는 격식에서 벗어나 좀 더 자유분방하게 그의 매혹적인 악상을 펼쳐놓고 있어
어떤 면에서는 1악장보다도 2악장에서 그의 개성이 더 잘 드러난다.
오케스트라가 수시로 독주 바이올린의 선율을 방해하는 듯 하여 재미있다. 이 악장
도입부에서 현악기의 피치카토(pizzicato, 현악기의 줄을 손가락으로 퉁겨 연주하는 기법)와
하프가 마치 기타 소리와 같은 음향을 들려주는 것도 독특하다.
무게감 없이 가볍게 날아오르는 바이올린 선율은 그 성격으로 보면 스페인 남부에서 유행한
3박자의 음악인 '세기디아'와 유사하다.
3악장 간주곡은 초연 당시 생략된 채 연주되었을뿐 아니라 는 이유로 한동안 연주회에서
생략되곤 했다.
게다가 러시아 바이올린 악파의 대부 레오폴트 아우어가 "이 악장은 다른 악장들에 비해
연주효과가 적다"고 말하는 바람에 이러한 관습은 더욱 굳어졌다.
그러나 하바네라 풍의 3악장은 급격한 음역 변화와 관능적인 표현이 나타난 매혹적인
음악으로 이 악장을 생략한 채 연주하는 것은 매우 아쉬운 일이다.
다행히 명 바이올리니스트 예후디 메뉴인이 1933년에 3악장을 복원해 연주한 이후
오늘날에는 3악장을 생략하지 않고 전 5악장을 모두 연주하게 되었다.
4악장은 거창한 선언문처럼 시작된다. 클라리넷과 바순, 금관, 첼로, 더블베이스 등 모두
낮음 음역의 악기들이 처음부터 묵직하게 등장해 인상적이다.
이윽고 바이올린이 어둡고 진지한 테마를 연주하는데 그 느낌이 브루흐의 '콜 니드라이'와
매우 유사하다.
5악장은 바이올린의 재빠른 움직임과 날렵한 기교가 강조된 화려한 음악으로 처음에는 고음
목관악기들과 하프의 하모닉스가 반복되다가 바순이 고집스럽게 반복음형을 연주하면서
시작된다.
바순의 반복음형은 점차 전체 오케스트라로 번져갔다가 다시 잦아들면 독주자가 경쾌하고
발랄한 주제를 연주하며 재치 있는 음악을 선보인다.
전곡을 통해 바이올린의 첫 주제는 여러 번 되풀이되고 그 사이사이에 바이올린의 현란한
기교가 펼쳐진다.
■ 추천음반
랄로의 '스페인 교향곡'의 추천음반으로는 야샤 하이페츠(Naxos)와 지노 프란체스카티(SONY),
이차크 펄만(DG), 정경화(Decca), 테츨라프(EMI)의 음반을 꼽을 수 있겠다.
안네 조피 무터 (Anne Sophie Mutter, 1963. 6. 29 ~ )
스위스 바젤 근교의 라인펠덴에서 태어난 스위스의 소녀 바이올리니스트로 5세 때부터
피아노를 배웠다.
그러나 곧 바이올린으로 전향하여 플레시의 제자이던 엘나호니히베르거에게 사사하여
겨우 수 개월의 레슨을 받은 뒤 서독의 청소년을 위한 콩쿠르에서 제1위 특별상을
획득했다.
그 뒤 빈터투르 음악원에 입학하여 이 역시 플레시의 제자인 아이다 시투키의 가르침을
받았다.
13세 때인 1976년 뤼쩨른 음악제에 출연 중 카라얀의 눈에 띄어 베를린에 초청되어
연주하고 이듬해 77년에는 잘쯔부르크 음악제 및 성령 강림제 음악제에도 출연하여
센셰이션을 불러 일으켰다.
1978년에도 잘쯔부르크 음악제에 등장한 외에 베를린 필의 정기 연주회에 솔리스트로
초청되는 등 활발한 활동을 벌이고 있다.
5. Schumann, Cello Concerto in A minor, Op.129
Alban Gerhardt(Vc) / Hannu Lintu(cond), Rundfunk-Sinfonieorchester, Berlin
I. Nicht zu schnell
II. Langsam
III. Sher lebhaft
♣ 슈만 첼로 협주곡 A 단조 Op.129
슈만이 작곡한 세 곡의 협주곡 중 가장 유명한 피아노 협주곡과 바이올린 협주곡 그리고 첼로
협주곡은 대체로 외면적으로 화려한 기교를 부리지 않고 독주부와 관현악부가 일체가 되어 슈만
특유의 시적이고 상상력 넘치는 분위기를 자아내고 있다는 것이 특징이다.
특히 '첼로 협주곡 A단조' Op.129는 이러한 특질을 가장 잘 띄고 있는 작품으로서 독주악기의
존재감을 화려하게 드러내보이지 않고 관현악 속으로 자연스럽게 몰입시킨 점이 다른 첼로
협주곡들과의 다른 점이기도 하다.
외향적인 성격보다 내면적인 모습 그리고 내면으로의 침잠이 아니라 외면을 향해 용솟음치는
고양감을 그러낸 작품인 만큼 독주자로 하여금 세심하면서도 대범한 연주기법과 상상력 풍부한
표현력을 요구하는 작품이기도 하다.
슈만 역시 첼로를 위한 협주곡을 작곡하는 데 많은 고민과 시간을 거쳤음이 분명하다.
협주곡을 작곡하지 않았던 슈베르트는 예외로 치더라도 그의 선배격인 모차르트나 베토벤은
물론이려니와 동시대 동료인 리스트나 쇼팽, 멘델스죤, 브람스 등등 역시 첼로 협주곡을
작곡하지 않았다.
19세기에 들어서자 바이올린과 마찬가지로 첼로를 위한 작품 수는 점차 감소했다.
그러나 한편으로는 낭만주의 시대의 작곡가들은 당시에 유행했던 피아노를 반주로 사용함으로써
첼로라는 악기의 가능성을 독주악기로서 개성을 발휘하게끔 이끌었다.
베토벤, 브람스, 쇼팽 등이 작곡한 첼로 소나타들의 경우가 바로 그 예이다.
첼로는 독주악기로서 그리고 오케스트라에서 사용되는 가장 서정적인 악기가 되었다.
베토벤 '교향곡 9번' 4악장에서의 환상적인 레치타티보도 그러하거니와 브람스의 교향곡에서도
선율을 주도하는 악기는 바로 첼로였다.
더군다나 브람스는 '바이올린과 첼로를 위한 2중 협주곡'에서도 첼로의 역할과 비중을 높게
할애해 독주 악기로서 첼로가 가진 가능성을 열어주기도 했다.
19세기 초중반은 첼로라는 악기에 대한 비르투오소적인 관점이 팽배해지던 시기였다.
드보르작의 '첼로 협주곡' 이후 첼로에 대한 관심은 본격적으로 증폭되기 시작했다.
생상스, 랄로를 비롯하여 미요, 뒤티외, 포레, 댕디, 미요, 뿔랑, 프로코피에프, 쇼스타코비치,
브리튼 등 20세기에 이르기까지 첼로에 대한 탐구는 계속되었다.
특히 드뷔시의 '첼로 소나타'와 코다이의 '무반주 첼로 소나타', 달라피콜라와 크세나키스 등의
작품들은 첼로에 대한 풍부한 가능성과 표현력을 확장시킨 걸작으로 평가받는다.
이 가운데 슈만의 '첼로 협주곡'이야말로 그 기법과 표현력 및 형식면에 있어서 선구자적인
존재라고 말할 수 있다.
첼로라는 악기는 첼로 협주곡을 작곡하기 이전부터 슈만에게 있어서 대단히 특별한 의미를
가지고 있다.
슈만과 첼로는 대단히 극적이며 특별한 인연을 맺고 있다. 그 인연은 슈만의 마지막 작품과
관련이 있다.
지금까지 알려진 그의 마지막 작품은 피아노 작품으로 1853년 10월 15일부터 18일 사이에 작곡한
'아침의 노래 gesange der fruhe' Op.133으로 알려져 있다.
그러나 정작 슈만의 마지막 관심 대상은 바로 첼로였다.
1853년 11월 뒤셀도르프에서 작곡한 '첼로와 피아노를 위한 다섯 개의 로망스'라는 작품이 슈만의
진실된 마지막 작품인 것이다.
슈만이 세상을 뜬 뒤 40여 년이 지난 1893년에 클라라 슈만은 요하임의 권유로 이 작품을 불에
태워 파기해버렸는데 만약 이 작품이 지금까지 전해졌다면 슈만의 천재성이 최고도로 발휘된
감동적인 걸작으로 평가받았을 것임이 분명하다.
1849년에 슈만은 괴테 탄생 100주년을 맞이하여 드레스덴에서 체류하고 있었다.
슈만은 오랫동안 공을 들였던 괴테의 '파우스트'에 의한 같은 제목의 극음악을 드레스덴,
라이프치히, 바이마르에서 공연했다.
당시는 슈만에게 있어서 풍부한 결실의 해로서 수많은 합창곡과 관악기용 작품이 탄생했다.
'피아노와 호른을 위한 네 개의 행진곡' Op.76, '피아노와 클라리넷을 위한 환상 소곡집' Op.73,
'네 개의 호른과 대규모 오케스트라를 위한 콘체르트 슈튀크' Op.86 등이 이 시기에 작곡되었다.
그러나 이 시기 동안 슈만은 마음 속으로 불만을 가지고 있었다.
진정한 음악가를 만날 수 없다는 이유로 이 도시를 떠난 슈만 부부는 운 좋게도 1850년 가을
뒤셀도르프에 새로운 음악 감독으로 부임하여 융숭한 대접을 받게 되었다.
라인란트 지방의 자유롭고 친절한 분위기가 슈만 부부로 하여금 행복한 나날을 꿈꾸게 할 수
있었으며 무엇보다도 클라라는 남편이 지휘대에 오르게 된 것을 진정으로 기뻐했다.
이렇게 작곡과 연주 모두에서 로베르트는 진정한 음악적 기쁨을 맛볼 수 있게 되었다.
바로 이 시기를 대표하는 작품으로 11월과 12월에 작곡한 '라인 교향곡'과 더불어 '첼로
협주곡'을 꼽을 수 있다.
'첼로 협주곡'은 그가 라인강에 투신자살을 시도하기 4년 전 그리고 46세의 나이로 엔데니히
정신병원에서 숨져가기 6년 전인 1850년에 작곡한 작품이다.
슈만은 1850년 10월 10일부터 24일 사이, 단 2주만에 작곡을 끝냈으나 안타깝게도 슈만은 생전에
이 작품이 연주되는 것을 보지 못했다.
1851년 3월 23일 크리스티안 라이머가 솔로 파트만을 리허설했을 뿐 전곡이 온전한 형태로 대중들
앞에서 연주되진 않았기 때문이다.
이 곡의 초연은 그가 세상을 뜬 4년 뒤인 1860년 6월 9일 라이프찌히 게반트하우스에서 열린 슈만
탄생 50주년 기념행사에서 비로소 루드비히 에베르트의 독주로 이루어졌다.
이 작품은 첫 제시부의 긴 길이와 도입부의 초절기교적인 테크닉 때문에 슈만의 모든 작품들
가운데에서도 가장 대범하고 모험적인 작품으로 평가받는다.
자필 악보를 보면 슈만은 협주곡이라기보다는 콘체르트슈튀크(Konzertstuck)라고 명시해 놓고
있다.
이는 전통적 관점의 협주곡 양식과 결별해 작곡가 카를 베버로부터 비롯한 새로운 장르인
콘체르트슈튀크와 첼로의 가능성을 발전시키고 싶어했음이 분명하다.
그의 다른 협주곡들과 동일하게 이 '첼로 협주곡' 역시 환상곡풍의 스타일로 구성되어 있으며 세
악장이 쉼없이 연주되는 단악장 형식을 취하고 있다.
슈만은 악장 사이에 박수가 나오는 것을 혐오했다고 한다.
그런 이유로 협주곡에 악장 구분을 없앤 것으로 추측할 수도 있을 것이다.
짧은 오케스트라 도입부에 이어 첼로의 독주가 시작되고 이후 서정적인 멜로디를 따라 오케스트라와
첼로는 긴밀한 관계를 유지하며 3악장 론도에 이르기까지 독특한 음향과 개성적인 리듬을
만들어간다.
최근에는 마지막 코다 전에 등장하는 마지막 반주가 따르는 카덴차를 연주가 자신이 임의로 작곡한
무반주 카덴차를 등장시키기도 한다.
물론 슈만이 악보에 카덴차를 바꾸어 연주해도 된다고 지시한 사항은 아니다.
1악장 Nicht zu schnell 너무 빠르지 않게
2악장 Langsam 느리게
3악장 Sher lebhaft 매우 생생하게
■ 추천음반
슈만의 첼로 협주곡은 예로부터 훌륭한 연주가 많이 존재해왔다.
그 가운데 엔리코 마이나르디의 DG 레코딩(Spectrum)은 풍부한 서정성과 투명한 음색으로 이 작품의
목가적인 아름다움을 발견해낸 역사적인 녹음으로 손꼽을 만하다.
야노슈 슈타커의 녹음(Mercury)은 이 작품의 에너지감과 고전적 형식미를 정확히 읽어낸 호연
가운데 호연으로 그 명성이 이어져 내려왔다.
모리스 장드롱의 우아하고도 귀족적인 녹음(Testament)도 개성적인 뿐만 아니라, 나탈리 구트만과
클라우디오 아바도의 연주(DG)는 이 작품의 모든 디테일에 영혼을 불어넣은 현대적인 연주로 적극
추천한다.
6. Brahms, String Sextet No.2 in G major, Op.36
Cecil Aronowitz(Vo) / William Pleeth(Vc) / Amadeus Quartet
I. Allegro non troppo
II. Scherzo. Allegro non troppo
III. Poco Adagio
IV. Poco Allegro
♣ 브람스 현악6중주 2번 G 장조 Op.36
브람스는 진지한 곡을 작곡하는 사람으로 알려져 있지만 슈베르트처럼 밝은 면도 있다.
오케스트라 세레나데 두 곡과 슈포르의 현악 6중주에 감명을 받아 작곡한 세레나데풍의
6중주 두 곡을 들어 보면 이해가 될 것이다.
6중주 2번은 특히 감미로운데 1악장에는 왈츠 주제도 들어 있다.
브람스의 현악 6중주 2번은 1865년에 완성되었다고 기록되어 있으나 1855년부터 이 작품을
구상하기 시작했다는 사실이 작곡자가 그 해 클라라에게 보낸 편지에 이 곡의 3악장 일부가
들어있는 것을 보면 드러난다.
그 몇 년 후인 1859년 11월에 이 곡의 또 다른 부분을 클라라에게 보냈고 이 무렵 그는
괴팅엔 대학 교수의 딸인 아가테와 사랑에 빠졌다.
그러나 구속당하기 싫다는 이유로 그녀를 떠나보내고 이 작품에서 양심의 가책과 고뇌에서의
해방을 나타내려 했으며 "이 곡으로써 나는 마지막 연애에서 스스로를 해방시켰다"고
말했다.
브람스는 아가테와 헤어진 후에도 5년 이상을 잊지 못하고 연정의 불길을 태우다가 이 현악
6중주 2번 1악장에 '아가테 테마'를 사용함으로서 비로소 그녀에게 몹쓸 짓을 했다는 자책
감으로부터 해방되었다고 한다.
'아가테 테마'라고 하는 것이 그녀의 이름인 Agathe를 소리나는대로, A-G-A-[T]H-E(라-솔-라-
시-미)의 음으로(T는 생략하고, H 는 독일어로 B에 해당하며 H가 B, 시 음이 된다) 제1
바이올린과 제1 비올라가 연주하는 것인데 브람스는 이에 각각 4분 00초, 7분 45초, 13분
05초에 A-D-E(라-레-미)로 응답을 하였다.
여기에서 A-D-E는 독일어로 "안녕(farewell)"을 뜻한다.
이것이 현악6중주 2번을 일명 아가테 6 중주라고 불리우게 한 이유가 됐다.
1867년 2월 3일, 빈에서 초연이 있었고 악보는 1866년에 출판되었으며, 작곡자의 편곡으로
피아노 4손용과 키르히너의 3중주용 편곡이 1883년 출판되었다.
[ 묙요우리음악 ]
7. 이생강, 한주환流 대금산조
이생강(대금)
이생강 (1937. 3. 16 ~ )
1942년부터 1960년까지 이수덕, 지영희, 전추산, 오진석, 방태진, 이충선, 한일섭, 임동선에게
피리, 단소,퉁소, 소금, 태평소, 대금을 사사했다.
1947년부터는 5년간 한주환에게 대금산조를 사사했다.
[ 묙요우리음악 ]
8. 이세환, 한갑득류 거문고산조
이세환(거문고) / 김청만(장고)
♣ 신쾌동류 거문고 산조
신쾌동(1910-1978)은 전북 익산 출신으로 원명은 신복동이고 호는 금헌이었다.
9세때에 박생순에게 양금을 배우고 12세때에 박학순에게 가야금 정악과 산조를 배웠다.
그리고 13세 때에 정일동에게 거문고의 산조의 창시자인 백낙준을 만나 그의 문하에서 거문고
산조를 배우게 된다.
신쾌동은 거문고 산조를 배운후 고향인 익산에서 고창으로 거처를 옮기고 한동안 산조에
전념하면서 독공의 기간을 갖는다.
그러던 중 당시 명성을 떨치던 임방울 이화중선등과 함께 공연무대에 서면서 연주가로 활동하게
되는데 그야말로 거문고 산조로 무대 공연을 통해 직업을 삼은 최초의 음악가가 된 것이다.
그는 1933년 5월 10일 후진양성과 창극 운동을 목적으로 창립된 조선 성악 연구회에도 참가하여
연주활동을 하였고 부민관. 단성사. 동양극장. 조선극증 등 많은 공연 무대에서 거문고 산조를
연주하였다.
신쾌동은 거문고 산조를 백낙준에게 배웠다. 그러나 그는 많은 부분을 새로 짜넣어 더 길고 더
충실한 산조를 만들었다.
말하자면 백낙준의 가락을 바탕으로 훨씬 크고 세련된 새 거문고 산조를 작곡한 것이다.
그래서 그가 타던 산조를 신쾌동류의 거문고 산조라 한다.
신쾌동이 타던 거문고 산조는 다스름. 진양조. 중모리. 중중모리. 엇모리 자진모리로 짜여지는
것이 보통이었다.
다스름은 그야말로 즉흥으로 타는 것이어서 탈때마다 다르다고 할 정도였고 나머지는 대체로
일정한 가락을 타곤 하였다.
이세환이 이번에 연주한 신쾌동류의 거문고 산조는 다스름을 빼고 진양조부터 자진모리가지
신쾌동이 타던 가락을 전부 연주한 것이다.
이 중에서 중중모리 부분은 흔히 내드름이라고 하여 기본 장단형으로 타는 쉬운 가락이 나오기
전에 걸고가고 물고가는 애매한 가락이 몇 장단 들어가 있는 것이 특별한 점이다.
신쾌동 선생은 상식적으로 흐르는 쉬운 가락보다는 음악적으로 좀 복잡하고 다양한 짜임새를
좋아했기 때문에 다른 산조와 다르게 내드름 전에 도입부에 해당하는 가락을 타고 나서
내드름을 하는데 요즘 연주자들이 그 도입부분을 생략하고 타는 경우가 많은데 이세환은 그
부분을 살려 연주하였다.
중중모리 다음에는 엇모리가 있는데 이 부분을 신쾌동 선생이 작곡하여 넣은 부분으로서 그의
음악적 특징이 잘 반영되어 있는 부분이다.
가락은 판소리식의 가락이 많고 리듬은 엇붙임이 많아 장단치기가 어렵게 되어있다.
장단치는 사람도 합창단과 맺는 각을 분명이 쳐 주어야지만 거문고를 하는 삶도 대점은
분명하게 쳐 주어야 음악이 살아나게 되어 있다.
자진모리는 더욱 변화가 많다 다른 산조는 장단의 프레이즈와 가락의 프레이즈가 시나위 처럼
잘 맞아 떨어지는 경우가 많은데 신쾌동류의 산조는 그것들이 계속 엇갈리며 물고 물리며
나가는 경우가 많다.
또 가락이 장단의 사이사이로 들어가면서 음형을 만들기 때문에 가락이 장단을 먹고 들어가기도
하고 장단을 앞질러 나가기도 한다.
그래서 까다롭고 어렵다. 특히 장단과 거문고의 조화를 이루기가 무척 어렵다.
거문고 연주자와 장고수가 충분히 훈련된 일류들끼리여야 멋진 앙상블을 만들어 낼 수 있는
산조이다.
흔히 산조음악은 시나위에 가깝게 가깝게 짜여진 산조가 있고 판소리에 가깝게 짜여진 산조가
있다고 한다.
그런 각도에서 보면 신쾌동류의 거문고 산조는 판소리에 가깝게 짜여진 산조이다.
그래서 진양조에서의 '농현'도 깊고 굵게 극적인 효과를 내야하고 '대점'을 쳐도 대점 중점
소점으로 구분하여 쳐야 한다.
또 겉소리와 속소리를 구별하여 극적상황에 맞게 표현해야 하고 소리두께 까지 고려하여
세심한 표현을 하여야 한다.
이세환이 연주한 이 음반에 수록된 거문고 산조는 평소 신쾌동 선생이 타던 바로 그의
음악이고 신쾌동선생이 강조하던 여러가지 요소를 충분히 반영하여 연주한 음악이다.
게다가 이세환의 음악 편력이 응축된 속이 꽉 찬 소리들로 울려 나오기 때문에 현재로서 최선의
신쾌동류 거문고 산조가 될 수 있으리라 생각한다.
앞으로는 더욱 이 세환의 개인양식이 가미된 산조음악으로 발전되어 가겠지만 현재로서는
신쾌동류에 충실하면서도 이세환이 최선을 다해 연주한 좋은 음반이 되었따고 생각한다.
더구나 명고수 김청만이 장고를 잡아서 그토록 까다로운 엇모리나 자진모리를 아주 조화롭게
연주한 음반이다.
이세환
이세환은 현재 가장 성실하게 많은 활동을 하는 거문고 연주가이다.
그는 1975년 이래 국립국악원에 재직하고 있지만 한양대학을 비롯한 여러 대학에서
후진을 양성하고 있고 90년에 창단한 금율악회의 대표로서 활동하고 있다.
그는 정악뿐만 아니라 민속악에도 능하고 창작 음악의 해석과 연주에도 탁월한
기량을 가지고 있다.
특히 그가 연주하는 신쾌동류 거문고산조는 가장 권위 있는 연주로 정평이 나 있다.
음 하나하나가 충실하고 시작과 마무리가 분명하다. 그러면서 긴 선율을 다이나믹하게
만들어 가기 때문에 그의 음악을 듣고 있노라면 마치 심산유곡의 맑은 시내를 따라
여행을 하는 느낌이 난다.
잔잔하게 흐르던 음악이 급류가 되기도 하고 좁은 폭으로 흐르던 음악이 넓게 퍼지기도
한다. 부분 부분을 따지면 한없이 정교한데 전체로 보면 굉장히 큰 스케일이 펼쳐지고
있는 것이다.
음악은 음을 통하여 자기를 표현하는 표현활동의 결과물이다. 스승에게서 배운 것을
그대로 답습하는 가운데 그 음악의 '속'을 터득하고 자기의 표현기법을 확립하여
자기다운 음악을 연주할 때에 한 사람의 음악가가 되는 것이다.
더구나 산조의 경우는 음악가의 자기양식이 들어가야 하고 즉흥적인 요소까지 가미하여
항상 현재적인 음악을 연주해야 능력있는 연주자로 평가 받는다.
때문에 산조의 연주에는 그 음악가의 모든 음악체험이 농축된 그 사람다운 음악이
표출되게 마련이다.
이세환은 1952년 생으로 1971년 국악사 양성소를 11기로 졸업하였으니까 중고등학교
과정부터 거문을 전공하였다.
학교에서는 구윤국에게 거문고를 배우기 시작하여 정악을 떼었고 원영재에게 산조를 조금
배웠다.
그러나 거문고 산조를 본격적으로 배우기 시작한 것은 고1때 신쾌동의 문하생이
되면서부터이다.
국악원쪽 학생들에게 마음을 잘 열어주지 않던 신쾌동이었지만 이세환의 거문고 소리를
들어본 신쾌동은 그에게 산조를 가르쳐 주기 시작하였고 만년에는 아끼는 제자로 자기의
음악을 아낌없이 전수해주는 열성을 보이기 까지 하였다.
그래서 이세환은 신쾌동의 거문고 산조를 누구보다 완벽하게 마스터하는 연주자가 된
것이다.
이세환의 음악이 여러장르를 넘나들며 최고의 기량을 가질 수 있을만큼 폭넓게 형성된
것은 그의 음악편력이 다양하기 때문이다.
그는 고등학교를 졸업하던 71년도에 아쟁산조의 명인인 윤윤석과 함께 여성 국극단의
반주자로 일하기 시작하였다.
민속음악을 배울 욕심이 많았떤 이세환은 그 반주단 생활을 하면서 거문고 이외에 아쟁도
배우고 꽹과리와 장고 태평소도 배웠다.
하루의 일과 전체가 음악으로 짜여져 있는데다가 윤윤석 같은 훌륭한 음악가가 늘 같이
연주를 하고 또 같이 산조를 짜서 맞추어 보기도 하면서 지냈기 때문에 그는 학교에서
배울 수 없었던 민속악의 실제를 체험을 통해서 배울 수 있었다.
워낙 음악을 좋아하는 그는 그 시절을 가장 공부 많이 하고 행복했던 시절로 기억하고 있다.
남이 보기에는 꽤죄죄하고 가난해 보이는 시절이었지만 음악적으로 보면 한없이 풍부하고
많은 것을 얻을 수 있는 기간이었기 때문이다.
이세환이 국극단 생활을 끝내고 조창훈씨의 권유로 부산생활을 한 동안 하게 되었는데 그
시기도 그에게는 음악적 자양분을 한껏 공급받는 중요한 시기가 되었다.
그 당시 부산에는 많은 국악인들이 있었고 별로 바쁘지 않은 국악인들은 자주 모여 함께
음악을 하기도 하고 놀기도 하였다.
최고의 춤꾼 이매방이라던지 대금의 강백천, 가야금의 원옥화, 김춘지, 구연우 또 판소리의
안행연, 송순섭 게다가 김동준(고수), 김동식(대금), 김동표(대금) 3형제와 조창훈(대금),
이의경(피리), 박정배(해금)등이 있어 제일 어린 이세환으로서는 누구와 어울리던지 온통
배울것들이 많아서 늘 즐겁기만 하였다.
무슨 큰 행사라도 벌어지면 당시 경주에 있었던 오용환(가야금)이나 윤찬구(해금)도 부산으로
내려오고 대구의 원창현(대금)이나 유종구(가곡)도 합세하니까 그야말로 기라성 같은
국악인들이 부산에서 활동을 한 셈이다.
이세환의 음악여정에 있어서 고등학교 과정을 마친후의 4년동안은 정말 중요한 의미를 갖는
시기이다.
국악사 양성소를 다니면서 일찌기 산조에 눈을 떠 신쾌동선생에게와 한갑득 선생에게 배우기는
했지만 민속악전반에 관하여 어떤 깨닳음이 없었기 때문에 무엇이던지 자신이 없던 그였는데
이 시기를 통하여 민속악의 모체라고 할 수 있는 소리의 반주와 춤의 반주를 수도 없이
현장에서 해 봤기 때문에 민속악을 터득하게 되었다.
또 악기도 여러가지를 다룰 수 있게 되었다. 뿐만 아니라 거문고를 가지고 무슨 소리라도
시도해 볼 만큼 거문고의 메카니즘에도 자신을 가지게 되었다.
그런 멋진 음악체험과 값진 공부를 한 다음에 그는 자기의 음악적 고향이라고 할 수 있는
국립악원에 들어가게 된다.
1975년 국립국악원에 들어간 이세환은 지금까지 한 직장을 지키며 오직 음악생활 그 자체에
충실하고 있다.
그러나 그의 음악적 편력은 그동안에도 계속되었다. 가장 큰 변화는 83년도에 늦은 나이에
한양대학교 음악대학 국악과에 입학하게 되면서 부터 일어나기 시작한다.
그동안 그의 음악은 정악과 민속악에 국한되어 있었다고 해도 과언이 아니었다.
그런 이세환이 대학에 진학한 후로는 창작음악에 관심을 갖게 된다. 가야금에 비해 훨씬
열세에 있는 거문고의 창작음악 연주를 많게 해야겠다는 생각을 하게 된것이다.
1987년에 대학을 졸업하고 교육대학원에 진학하여 전과정을 마치기까지 한 이세환은 1990년에
한음회를 만들어 회장에 취임하는가 하면 자기제자를 비롯한 거문고 연주자들로 구성된
금율악회를 만들어 대표직을 맡아 활동하기도 했다.
한음회는 4대까지 회장을 하고 다른 사람에게 넘겨 주었지만 금율악회는 거문고 음악을 이끌어
가야 하는 단체이기 때문에 계속 대표작을 맡아 매년 정기연주회를 통하여 새 작품들을
소개하고 있다.
이세환은 독실한 크리스찬이고 성품이 온순하고 겸손하다 그래서 그토록 많은 일을 하면서도
늘 주위의 사람들에게 감사하고 그동안 자기에게 음악적으로 가르침을 주었던 분들을
스승으로 마음속 깊이 간직하고 있다.
대학원에서 거문고를 배웠던 성경린 선생님을 비롯해서 구윤국 원영재 신쾌동 한갑득 등이
모두 그의 거문고 스승이고, 성금련은 원옥화등은 가야금의 스승이고, 윤윤석은 아쟁 꽹과리
장고의 스승이다.
그 외에도 그의 마음속에는 많은 스승들이 있다. 그의 마음이 그토록 많은 스승을 간직하고
있기 때문에 그의 음악 역시 그 많은 스승들의 음악적 자양분을 다 받아 소화하고 있는 것이다.
그래서 그가 타는 거문고 산조의 한 음은 단순한 음이 아니다. 그많은 음악편력의 총화로서
만들어 지는 한 음이고 그 많은 스승들의 가르침이 다 무르녹아 있는 한 음이다.
특히 신쾌동 선생이 강조했던 소리로서 말을 하는 것 같이 프레이징 해야 한다는 것은 그에게
습관처럼 몸에 배게 되었다.
그러면서 장단과 묘한 조화를 이루며 같이 가기도 하고 엇갈려 가기도 하면서 음악을 만들어
가는 것도 역시 신쾌동 선생의 방법을 제대로 답습하고 있다.
또 자기가 연주하는 작품과 똑같은 수준으로 제자를 열심히 가르치는 교육방법도 신쾌동 선생의
자세를 그대로 본받고 있는 방법이다.
이세환은 이미 최고 수준에 도달한 연주가이다. 그러나 그의 거문고 소리는 계속 향상될 것이다.
그는 거문고의 이상적인 소리가 어떤 것인지를 알고 있기 때문에 끊임없이 그 목표를 향해서
정진할 것이다.
정악은 정악에 합당한 소리로 산조는 산조에 어울리는 소리로 또 창작곡은 그것에 걸맞는 소리를
찾아 나가야 할 것이다.
9. Buxtehude: O froliche Stunden
Hans-Jorg Mammel(tnr) / Jean Tubery(cond), Ensemble la Fenice
1) Lobe Den Herrn, Meine Seele
2) Ich Sprach In Meinem Herzen
3) Quemadmodum Desiderat Cervus
4) Canzon In C-Dur
5) Herr, Nun Laszt Du Deinen Diener
6) Singet Dem Herrn
7) Toccata In G
8) O Frohliche Stunden
9) Fuga In G
10) Herr, Wenn Ich Nur Dich Hab
10. J. S. Bach - Toccata and Fugue
Ton Koopman(Og)
1) Toccata und Fuge in d BWV 565: Toccata
2) Toccata und Fuge in d BWV 565: Fuga
3) Toccata und Fuge 'Dorian' BWV 538: Toccata
4) Toccata und Fuge 'Dorian' BWV 538: Fuga
5) Passacaglia in c BWV 582
6) Pastorle in F BWV 590
7) Fantasie in G BWV 572
8) Canzona in D BWV 588
9) Allabreve in D BWV 589
10) Prelude in a BWV 569
톤 쿠프만 (Ton Koopman, 1944. 10. 12 ~ )
네덜란드 출신의 톤 쿠프만은 솔리스트로서의 활동 외에 1966년에 실내악 앙상블
'무지카 다 카메라', 70년에 바로크 오케스트라 '무지카 안티콰 암스테르담',
1979년에 '암스테르담 바로크 관현악단'을 조직하여 쳄발로 주자 겸 지휘자로
활동하고 있다.
세계 각지를 연주여행하는 한편 암스테르담 음악원, 스벨링크 음악원, 헤이그의
코닝클리크 음악원 등에서 가르치고 있다.
고음악 콩쿠르의 심사원도 자주 역임하고 있다.
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