|
1. Chopin, Piano Sonata No.3 In B Minor. Op.58
Marc Andre Hamelin(Pf)
I. Allegro Maestoso
II. Scherzo.molto Vivace
III. Largo
IV. Finale.presto. Ma Non Tanto
♣ 쇼팽 피아노 소나타 3번 B 단조 Op.58
쇼팽의 소나타는 모두 세 곡이 작곡됐다.
c단조 · 앞의 '장송행진곡'인 b♭단조 · 그리고 이 b단조이다.
그 중 소나타로서의 바른 형식을 갖고 있는 것은 c단조 작품4번 뿐이고 다른 두 곡은 각
악장을 모두 아무 연결 없이 만들어 후에 가서 정리한 듯 하다.
각 악장을 독립곡으로 보면 훌륭하지만 소나타의 형식에서 보면 불완전한 악곡이라는
평을 받고 있다.
그러나 제1번 c단조는 오늘날 거의 연주되지 않는다.
제3번 b단조는 가장 쇼팽의 곡답게 연주에 크나큰 기량을 요하며 쇼팽의 작품 중 최고의
것이라고 칭송받고 있다.
쇼팽이 죽기 5년 전인 1844년에 노앙에 있는 조르즈 상드의 집에서 작곡하여 페르시우스
백작부인에게 헌정하고 이듬해 1845년 5월에 출판되었다.
제1악장 알레그로 마에스토소
아침 안개가 자욱이 낀 것처럼 곡은 우수와 잿빛의 무거운 느낌으로 시작되지만 이윽고
그 안개가 개이면 아름다운 아침의 꽃밭과 같은 신선한 아름다움이 전개된다.
온실에 피는 꽃처럼 습기와 향내로 숨이 막힐 것 같다.
제2악장 스케르조-몰토 비바체
전아한 기품을 지닌 경쾌한 가락은 야산을 지나는 바람에 흔들리는 들꽃처럼 사랑스럽고
가련하다.
제3악장 라르고
이것은, 노앙에서 쇼팽과 조르즈 상드가 달콤한 사랑을 이야기하고 있는 것이라는 평을
받고 있다. 아름다운 가락은 쇼팽의 눈동자처럼 빛나고 있다.
제4악장 프레스토 마 논 탄토
론도 형식. 열정이 나타나 감정은 격렬하게 폭발하여 매우 화려하다.
마르크 앙드레 아믈랭 (Marc Andre Hamelin, 1961. 9. 5 ~ )
'수퍼 비르투오소'라 불리는 캐나다 출신의 피아니스트 아믈랭은 1961년 몬트리올에서
태어난 프랑스계 캐나다인이다.
뱅상 댕디 음악학교와 필라델피아 템플 대학에서 공부했다. 1985년 카네기홀 국제 미국
음악경연대회에서 1위를 수상했고 그 후 독일 비평가상을 여러 번 받았다.
하이페리온 레이블에 전속돼 알캉, 번스타인, 볼컴, 요제프 마르크스, 고도프스키, 리스트,
레거, 슈만, 빌라 로보스, 스크랴빈, 소랍지 등의 협주곡과 솔로곡을 녹음할 정도로 그의
레퍼토리는 방대하다.
아믈랭은 타고난 기교로 대범한 무대를 선보이는 연주자이다.
작품성은 뛰어나지만 잘 알려지지 않은 곡들을 전면에 내세우기도 하고 기존의 작품을 직접
편곡·연주하는 스타일로도 유명하다.
아믈랭은 연주여행 중에도 시간이 나면 꼭 악보를 구입해 가는 학구파로 알려졌다.
미국의 음악평론가 헨리 포겔은 아믈랭의 연주를 ‘정확성과 상상력의 변증법’으로 표현한
적이 있다.
2. Cesar Frank, Symphony In D Minor
Kryll Kondraschin(cond), Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
I. Lento
II. Allegretto
III. Allegro Non Troppo
♣ 프랑크 교향곡 D단조
프랑크의 교향곡 D단조가 1889년 2월 파리에서 초연되었을 때 사람들은 대체로 당황하거나
분개했다.
생상스가 자신의 교향곡 3번에 걸출한 오르간 파트를 집어넣은 적은 있었지만 프랑크의 경우
영적인 분위기가 훨씬 두드러졌다.
중간의 알레그레토 악장은 스케르초와 비슷한 요소들이 포함되어 있지만 마치 종교 행사
행렬을 보는 듯하다.
프랑크가 구사한 구조적 혁신에 대해서도 당황하는 청중들이 있었다. 이 교향곡은 프랑크가
죽은 후에 비로소 진가를 인정받았다.
현대의 청중은 이 작품을 들으면 안톤 브루크너의 교향곡을 연상할 것이다.
두 작곡가 모두 반복되는 주제를 사용해 통일감과 종결 분위기를 살렸으며 리스트와 바그너의
화음에 영향을 받았기 때문이다.
하지만 프랑크의 교향곡이 더 뛰어난 것은 빛과 그림자가 섬세하게 들어가 있으며 교향곡의
무게감과 프랑스적 우아함이 절묘하게 조화를 이루고 있기 때문이다.
연주를 할 때 이런 균형감을 살리기란 쉽지 않다.
■ 추천음반
피에르 몽퇴가 시카고 관현악단과 함께 보여 준 강렬한 연주는 가장 뛰어난 하모니를
들려주고 있다.
한편 빌렘 반 오테루의 해석도 피에르 몽퇴에 절대 뒤지지 않는 것이어서 명확하고 사려깊은
그의 특징을 잘 보여주고 있다. 이렇게 템포가 자주 바뀌는 곡을 연주할 때 꼭 필요한
덕목이다.
게다가 프랑크의 전설적인 오르간 즉흥곡인 것처럼 무척 자연스럽다. 암스테르담
콘서트헤바우 오케스트라가 없었더라면 그의 해석도 빛을 발하지 못했을 것이다.
음반을 듣고 있으면 촛불을 가득 밝힌 웅장한 고딕 대성당에 있는 느낌이다.
3. Dvorak, Piano Concerto in G minor, Op.33
Pierre-Laurent Aimard(Pf) / Nikolaus Harnoncourt(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. Allegro agitato
II. Andante sostenuto
III. Allegro con fuoco
♣ 드보르작 피아노 협주곡 G 단조 Op.33 B63
드보르자크는 피아노와 첼로, 바이올린 협주곡을 각각 한 곡씩 남겼다.
피아노 협주곡 G 단조 Op.33은 첼로나 바이올린 협주곡보다 먼저인 1876년에 작곡되어
드보르자크의 초기작에 속한다.
이 곡은 드레이스콕의 제자인 피아니스트 칼 폰 슬라도프스키에게 헌정되었으며 1878년
5월 24일에 초연되었다.
드보르자크는 초연 이후에도 수정과 보완을 계속했으며 1883년에야 악보를 출판했다.
이 곡은 드보르자크가 피아니스트 출신이 아니라 당대의 다른 피아노 협주곡에 비해서
또는 자신의 바이올린 및 첼로 협주곡에 비해 높은 평가는 받지 못하고 있다.
피에르 로랑 에마르 (Pierre Laurent Aimard, 1957. 9. 9 ~ )
프랑스 출신인 에마르는 5살 때부터 피아노를 배우기 시작한 뒤 16살에 메시앙 콩쿠르
우승을 시작으로 현대음악으로 자신의 존재감을 일찌감치 알려오면서 음악계에서
'현대 피아노 음악의 교과서'로 불리는 인물이다.
헝가리의 인기 있는 아방가르드 작곡가 죄르지 리게티와 15년간 함께 작업하며 대부분의
그의 피아노곡을 녹음을 한 점도 높이 평가 받는다.
하지만 에마르가 현대음악에만 정통한 것은 아니다.
그는 세계적 지휘자 니콜라우스 아르농쿠르와 베토벤 피아노협주곡 전곡을 녹음해 화제를
모았고 2008년에는 도이체 그라모폰을 통해 발표한 바흐의 '푸가의 기법'으로 빌보드
클래식 차트 정상을 차지하기도 했다.
고전과 현대를 꿰뚫는 그 같은 통찰력 있는 음악 프로그래밍으로 뉴욕 타임즈로부터는
'에마르의 세심한 프로그램은 한 편의 예술작품과도 같다'는 평을 받기도 했다.
4. Tchaikovsky, Violin Concerto in D Major, Op.35
Vadim Repin(Vn) / Valery Gergiev(cond), Kirov Orchestra, Mariinsky Theatre, St Petersburg
I. Allegro moderato
II. Canzonetta (Andante)
III. Finale (Allegro vivacissimo)
♣ 차이코프스키 바이올린 협주곡 D 장조 Op.35
1878년 봄 차이코프스키는 스위스의 제네바 호수 근교의 클라렌스에서 결혼의 상처
(1877년 여름에 차이코프스키는 동성애자라는 사실을 숨기기 위해 밀류코바라는 여성과
결혼했지만 석달 만에 파경을 맞았다)를 달래고 있었다.
3월 14일 자신의 제자였던 요시프 코테크가 찾아왔다. 그 때는 차이코프스키가 한창
피아노 소나타 G장조를 작곡하던 시기였다.
베를린에서 요제프 요아힘에게 바이올린을 배우고 있던 코테크는 랄로의 스페인
교향곡의 악보를 보여주었고, 두 사람은 이 곡을 함께 연주했다.
그리고 차이코프스키는 바이올린 협주곡을 작곡하고 싶다는 열망에 사로잡히게 된다.
코테크는 모스크바 음악원에서 차이코프스키에게 작곡을 배웠던 인연으로 그와 오랫동안
교류해왔다.
차이코프스키가 폰 메크 부인을 알게 된 것도 코테크를 통해서였고 차이코프스키는
코테크를 위해 왈츠-스케르초를 작곡할 만큼 두 사람의 관계는 깊었다.
마침내 4월 4일 모든 작업을 끝냈다. 그러나 차이코프스키는 여전히 2악장이 마음에
걸렸다. 작품의 전체적인 분위기와 어울리지 않다고 생각했다.
차이코프스키는 결국 처음 작곡했던 2악장(두 달 후 [명상곡]으로 출판된다)을 버리고
하루만에 새로운 안단테 악장을 썼다.
그리고 4월 11일에 악보의 초고가 나왔다. 차이코프스키가 4번 교향곡과 오페라
예프게니 오네긴을 막 끝냈을 때였다.
출판은 모스크바의 표트르 위르겐슨이 맡았고 바이올린과 피아노를 위한 악보가 그 해
10월에, 오케스트라 파트보는 1879년 8월에 나왔다.
초연을 향한 길은 멀고도 험했다. 차이코프스키는 이 곡을 완성하는 데 많은 도움을 준
코테크가 초연해 주기를 원했다.
그러나 프로페셔널 연주자로 경력이 많지 않았던 코테크는 이 작품의 연주를 망설였다.
게다가 그는 자신과 차이코프스키의 육체적 관계에 대한 소문을 두려워하고 있었다.
1878년 10월 차이코프스키는 상트 페테르부르그에서 당대 최고의 바이올리니스트
레오폴드 아우어에게 악보를 주면서 초연을 부탁했다.
그러나 아우어는 차이코프스키와의 약속을 지키지 못했으며 2년을 기다리다 지친
차이코프스키는 넌더리를 냈다.
그러다 마침내 구원자가 찾아왔다. 모스크바 출신으로 라이프치히 음악원의 교수였던
아돌프 브로드스키가 1881년 12월 4일 빈 필하모닉 협회의 콘서트에서 한스 리히터의
지휘로 초연하게 된 것이다.
초연은 성공하지 못했다. 당시 빈 음악계를 주름잡던 비평가 에두아르트 한슬리크는
“음악이 이토록 심한 악취를 풍길 수 있다는 사실을 차이코프스키의 바이올린 협주곡이
증명했다”고 혹평했다.
또다른 비평가들도 이구동성으로 야유했다. '거칠기 짝이 없는 러시아의 허무주의'
(테오도르 헬름), '괴이한 음악이 많은 사람들을 유혹한다'(막스 칼베크).
초연자 브로드스키는 절망하는 대신 몇 개월 후인 1882년 4월 런던에서 한스 리히터의
지휘로 다시 협연함으로써 거대한 성공의 서막을 열었다.
그리고 8월 20일 이폴리트 알타니의 지휘와 브로드스키의 협연으로 모스크바 초연을 했고
여기서도 열렬한 환영을 받았다.
이제 차이코프스키의 바이올린 협주곡에서 아돌프 브로드스키란 이름을 떼어내기는
어려운 지경에 이르렀다.
상황을 인식한 차이코프스키는 원래 예정되었던 헌정자였던 레오폴드 아우어 대신
브로드스키에게 이 작품을 헌정했다.
■ 추천음반
이 작품의 녹음에서 정경화(Decca)는 우리에게 첫 번째 대상이었다. 프레빈이 지휘하는
런던 심포니와의 연주는 그녀의 첫 출발점이었다.
우울한 서정성의 표현에 주안점을 둔 연주로 비극적인 색채의 느낌이 매우 특별하다.
하이페츠(RCA)의 연주는 질주의 미학이 뭔지를 보여준다. 속도감과 박력의 오케스트라는
파괴적인 차이코프스키 상을 그려내었다.
오이스트라흐(MELODIYA)는 내면적 우울과 열정의 상반된 요소들을 모두 표현한 훌륭한
연주다.
코간(EMI)의 연주는 테크니션 코간의 바람을 가르는 날렵한 연주가 색다른 쾌감을
던져준다.
바딤 레핀 (Vadim Viktorovich Repin, 1971. 8. 31 ~ )
바이올리니스트 예후디 메뉴인은 시베리아 출신의 바이올리니스트 바딤 레핀에게
"내가 이제까지 들어온 바이올리니스트 가운데 최고이며 가장 완벽한 연주자"라는
극찬을 남겼다.
다니엘 호프, 막심 벤게로프 등의 스승이기도 한 '자카르 브론'을 사사한 바딤 레핀은
11세의 나이에 비에냐프스키 콩쿨에서 금메달을 수상하며 세계적인 주목을 받았으며
17세에 퀸 엘리자베스 콩쿨 최연소 우승을 거머쥐었다.
바딤 레핀은 러시아에서뿐만 아니라 세계에서 장래가 가장 유망한 바이올리니스트로서
일찍부터 국제적으로 널리 알려진 그는 수많은 인재를 배출시킨 바 있는 브론의
문하생으로 현재는 러시아 국적을 유지한 채 그와 함께 독일에서 살고 있다.
특히 러시아 레퍼토리 연주에 뛰어난 연주자이다.
5. Mozart, Clarinet Concerto in A, K.622
Alfred Prinz(Cl) / Karl Bohm(cond), Vienna Philharmonic Orchestra
I. Allegro
II. Adagio
III. Rondo. Allegro
♣ 모차르트 클라리넷 협주곡 A장조 K622
모차르트의 유일한 클라리넷 협주곡으로 그의 협주곡 장르 곡들 가운데서 최후를 장식한
작품이다.
영화 '아웃 오브 아프리카' 등에 2악장의 서정적인 선율이 사용되어 대중적으로 잘
알려져 있다.
자필악보도 존재하지 않고, 정확한 작곡 날짜를 알 수 없지만 모차르트 자신이 작품
목록에 써넣은 기록을 보면 1791년 9월 28일 ~11월 15일 사이에 친한 친구이자
프리메이슨 단원으로 함께했던 안톤 파울 슈타틀러(Anton Paul Stadler, 1753~1812)를
위해 이 곡을 작곡했음을 알 수 있다.
빈 궁정 오케스트라 단원이었던 슈타틀러는 당대 최고의 클라리네티스트였다.
모차르트는 슈타틀러의 연주를 보고 큰 자극을 받아 이 '클라리넷 협주곡 A장조'와
'클라리넷 5중주 K581'을 쓰게 됐다.
가히 클라리넷 레퍼토리의 양대 산맥이라 해도 좋을 명곡들이다.
직접 듣는 클라리넷의 음색은 감동을 안겨준다.
훗날 베버나 브람스도 당시의 클라리넷 연주를 직접 접하고 자극을 받아 클라리넷 곡을
썼다고 한다.
그런데 이 곡의 1악장은 처음부터 클라리넷을 위해 씌어진 것이 아니었다.
슈타틀러를 염두에 두고 쓰기는 했지만 바셋호른 협주곡을 편곡한 것이다.
※ 바셋호른 : 클라리넷 족의 악기로 알토 클라리넷보다 5도 낮은 음역을 가졌다.
지금은 직선이지만 당대에는 초승달 모양을 하고 있었다 한다)
G장조의 원곡에 바순을 더하고 전체를 A장조로 조바꿈하여 1악장의 편곡을 마치고,
2, 3악장을 새로 써서 하나의 협주곡으로 완성시킨 것이다.
그러나 완전히 마무리된 원곡의 초고와 편곡판을 비교해보면 바셋호른 독주 파트의
내용은 거의 변하지 않고 약간의 차이만 보인다.
모차르트는 바셋호른이 지닌 수수하고 부드러운 음색을 좋아했는데, 1780년대 이후
모차르트가 오페라나 실내악에서 바셋호른을 자주 사용한 것을 보면 잘 알수 있다.
비교적 균질한 음색을 지닌 오보에에 비하면 클라리넷은 저음, 중음, 고음의 음역마다
음색이 변하며 표현의 폭과 깊이가 달라지는 점에서 그 매력을 찾을 수 있을 것이다.
모차르트는 당대의 새로운 악기였던 클라리넷의 특성을 파악하고 있었다.
자신의 작품에서도 낮은 음에 가까운 음역을 충분히 울려 고음역과의 대조 효과를
교묘하게 뽑아내고 있다.
많은 사람들이 지적하듯 모차르트의 이 작품이 낭만주의 시대 베버의 선구자적인
역할을 하고 있는 것이다.
또한 클라리넷 독주 파트는 고난도 기교로 장식되어 있지만 오케스트라의 여러 부분이
기둥처럼 곡을 떠받치고 있다.
솔로와 목관군의 콘체르탄테에 대응하여 오케스트라도 작품 전체의 예술적인 비중에
동등한 책임을 지며 참가하고 있고 독주가 때로 반주역할을 할 때도 있다.
곡을 감상해 보면 활기찬 모차르트 특유의 분위기가 지배적이지만 '클라리넷 5중주'와
마찬가지로 후기 모차르트의 맑고 투명하고 고요한 성격에 수렴하고 있음을 알 수
있다.
1791년 10월 초 빈에서 작곡된 것으로 보이는 이 작품의 초연은 알 수 없으며 어떤
특정 음악회를 위해 작곡된 곡인지도 알려져 있지 않다.
■ 추천음반
고풍스럽고 전아한 느낌의 레오폴트 블라흐(클라리넷)/아르투르 로진스키(지휘)/빈
슈타츠오퍼 관현악단(Westminster)는 꼭 들어두어야 할 빈티지로써 모차르트 만년의
우수가 깃들어 있다.
이에 비해 자크 랑슬로(클라리넷)/장 프랑수아 파야르(지휘)/파야르 체임버(Erato)의
연주는 밝고 화사한 측면을 강조했다.
찰스 나이디히(클라리넷)/오르페우스 체임버(DG)는 모차르트 특유의 유희적인 측면과
시원스런 통찰력이 투사된 연주다.
자비네 마이어/한스 퐁크(지휘)/드레스덴 슈타츠카펠레(EMI)는 숨을 멎게할 만큼
아름다운 2악장과 모차르트 당대의 장식음을 사용한 명랑한 양단악장이 멋진 조화를
이루는 음반이다.
6. Saint-Saens, Cello Concerto No.1 in A Minor Op.33
Jacqueline du Pre(Vc) / Daniel Barenboim(cond), New Philharmonia Orchestra
I. Allegro non Troppo
II. Allegretto con Moto
III. Allegro non Troppo
♣ 생상스 첼로 협주곡 1번 A 단조 Op.33
1873년 38세 때의 작품으로서 1873년 1월 19일에 초연되었으며 두 개의 첼로협주곡 중
제1곡이다.
아름다운 선율이 펼쳐지고 기품을 적당히 포함하고 있으며 또 다분히 해학미가 있고 변화가 많아
독주자가 자유로이 기교를 부릴 수 있도록 만들어져 있다.
곡은 3악장으로 이루어져 있지만 흔히 연속해서 연주된다.
생상스의 첼로 협주곡 1번은 첼리스트들이 가장 먼저 배우는 협주곡의 하나이며 십대의 열정적인
감정을 배출하는 것 같은 곡이다.
이 곡은 힘이 넘치는 수사적 표현, 솔직한 멜로디, 매혹적인 간주, 감상적인 긴장감과 현란한
기교로 특징지을 수 있는 진정한 낭만주의 작품이다.
수많은 작품을 쓴 생상스는 구노와 함께 뛰어난 작곡가로 서서히 인정받을 무렵인 37살에 이
협주곡을 작곡했다.
파리 음악원에서 초연될 당시 오래전에 죽은 거장들의 곡과 함께 연주되었다는 것만 보아도 프랑스
음악계에서 그의 위치를 짐작할 수 있다.
이 곡은 연주되자마자 폭발적인 호응을 얻었으며 훗날 파블로 카잘스의 사랑을 받았다.
첼로라는 악기가 노래하고 낮게 으르렁거리듯 연주하는 능력을 이 협주곡만큼 잘 뽐낼 수 있는
작품도 없다.
그래서 첼리스트라면 모두 이 곡을 사랑하는 것이다. 이 곡은 장인의 기량을 한눈에 보여주며
독주자의 열정적인 연주와 내림음계와 매혹적인 관현악 편성 등을 활용해 협주곡에 마법을 불어
넣을 수 있었다.
생상스는 이렇게 썼다.
"내게 예술은 형식이다. 표현과 열정에 끌리는 사람은 아마추어뿐이다"
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을 살다간
자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은 대대로
영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로 결심했다고
한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며 배움의
길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니 그
이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국 첼로계의
대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산 스트라디바리우스
첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니 오케스트라와
함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬 연주회에서도 엘가
협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이 시작되었다는 평을
받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오
작품을 녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의
묵직한 음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운
사랑만큼이나 정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는
자신의 부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아
붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도
불구하고 연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
7. Bach, Concerto No.1, BWV 1046 in F major
Trevor Pinnock(cond), The English Concert
I. (no tempo indication) - Trevor Pinnock
II. Adagio - Trevor Pinnock
III. Allegro - Trevor Pinnock
IV. Menuetto - Trio I - Polacca - Trio II -
♣ 바흐 '브란덴부르크' 협주곡 BWV 1046
'브란덴부르크 협주곡'은 바흐가 남긴 협주곡들 가운데서 최대 걸작일 뿐 아니라
'합주협주곡'이란 유형으로 분류되는 협주곡 가운데서도 최고의 경지에 오른 작품으로
평가된다.
'합주협주곡'이란 바로크 시대의 여러 협주곡들 가운데 한 가지 형태로 독주자가 여러
명 등장하기 때문에 오늘날의 음악회에서 흔히 들을 수 있는 협주곡과는 약간의 차이가
있다.
흔히 협주곡은 '독주 악기와 오케스트라가 함께 연주하는 기악곡'이라고 알려져 있으나
이런 정의는 주로 고전주의 시대 이후의 음악에 주로 통용되며 그 이전의 음악 즉
바로크 시대의 음악에 있어서는 협주곡의 종류만도 '관현악 협주곡'(orchestral
concerto), '합주 협주곡'(concerto grosso), 독주 협주곡(solo concerto) 등 다양하다.
바흐의 '브란덴부르크 협주곡'은 독주 그룹과 합주 그룹이 대비되는 '합주 협주곡'으로
분류되기는 하지만 작품 하나하나를 살펴보면 단지 합주 협주곡 유형으로 한정할 수
없는 여러 가지 특징들이 나타나고 있어 흥미롭다.
무엇보다 이 작품에 바흐 당대에 사용 가능한 거의 모든 악기편성이 다 동원되었다는
점이 놀랍다.
악상의 다양함과 화려함도 대단하지만 트럼펫과 플루트, 오보에, 바이올린이 독주 악기로
사용되는 제2번이나 바이올린 파트가 완전히 빠져 버린 제6번 등 상상을 초월하는 악기
편성법이야 말로 '브란덴부르크 협주곡'의 특별한 점이다.
이 바흐의 여섯 곡의 협주곡들이 '브란덴부르크'라는 명칭을 갖게 된 것은 1721년에
바흐가 이 작품들을 브란덴부르크 공 크리스티안 루트비히에게 바쳤기 때문이다.
음악 애호가인 브란덴부르크 공은 바흐에게 작품을 의뢰하였는데 바흐는 쾨텐 공의 궁정
악단을 위해 작곡해두었던 6곡의 협주곡을 정리해서 브란덴부르크 공에게 헌정하기로
했다.
브란덴부르크의 크리스티안 루트비히 공은 바흐의 협주곡들을 몹시 마음에 들어했다고
한다.
그러나 이 협주곡들을 연주하려면 여러 가지 악기들이 필요했기 때문에 브란덴부르크
궁정악단의 멤버들만으로 이 곡을 연주할 수 없었다.
연주에 지장을 초래할 정도라면 '브란덴부르크 협주곡'의 악기편성이 얼마나 화려한지
짐작할 수 있다.
우선 협주곡 제1번만 해도 오보에 세 대, 호른 두 대, 바이올린 한 대가 독주 그룹의
구성악기로 참여하며 다채로운 음색을 만들어낸다.
흥미로운 것은 독주악기들 중 바이올린은 일반적인 바이올린보다 단3도 높게 조율된
'피콜로 바이올린'이란 점이다.
작고 귀여운 피콜로 바이올린은 2악장에서 크게 활약하며 독특한 울림을 만들어낸다.
이 협주곡은 독주 악기들이 많이 나오기는 하지만 전체적으로 비해 독주 파트가 그다지
기교적이지는 않기 때문에 통일감과 균형미가 강조되어 있다.
반면 '브란덴부르크 협주곡' 제2번은 독주악기인 바이올린과 오보에, 리코더(혹은
플루트), 트럼펫이 화려한 기량을 뽐내고 있어 협주곡 1번과는 그 성격이 대조적이다.
특히 이 곡에서 트럼펫은 매우 높은 음역에서 고난도의 기술을 발휘해야 하기 때문에
좋은 트럼펫 연주자를 구하지 못하면 연주가 불가능한 작품이기도 하다.
트럼펫의 화려함이야말로 이 곡에서 돋보이지만 다른 세 명의 독주자들도 차례차례
돌아가면서 기량을 발휘하는 부분이 많아 각 악기의 개성을 잘 느낄 수 있다.
'브란덴부르크 협주곡' 제3번은 독주 그룹과 합주 그룹의 구별이 없기 때문에 엄밀하게는
합주협주곡이라 할 수 없으며 현악기들의 동질적인 울림이 돋보이는 작품이다.
바이올린과 비올라, 그리고 첼로가 각각 3성부로 나뉘는 다층적 성부 구조 덕분에 현악
앙상블의 풍부함을 느낄 수 있는 것이 이 곡의 매력이라 하겠다.
당당한 1악장에 이어 2악장에서 쳄발로가 짧은 카덴차를 연주하고 나면 3악장에서
현악기들이 차례차례 주제를 모방하면서 활기차게 전개된다.
'브란덴부르크 협주곡' 제4번은 겉보기에는 합주협주곡이지만 1·3악장에서 독주 파트의
활약이 대단히 두드러지기 때문에 '독주협주곡'에 더 가깝다.
두 대의 리코더와 한 대의 바이올린이 독주자로 등장하는 이 곡에서는 특히 1악장의
독주 바이올린의 기교가 매우 화려해 종종 리코더를 압도하기도 한다.
'브란덴부르크 협주곡' 제5번 독주자들 역시 바이올린과 플루트, 쳄발로의 세 명이지만
하나의 독주 악기가 다른 독주 악기들을 압도해버린다는 점에서 협주곡 4번과 비슷하다.
이 곡은 협주곡이라는 장르에서 처음으로 쳄발로가 주역을 맡는 독특한 곡으로 곡의 첫
부분은 독주 그룹과 합주 그룹이 서로 대비되면서 합주협주곡과 같은 인상을 주지만
1악장 후반부에 무려 65마디에 이르는 화려한 쳄발로 카덴차가 있어 쳄발로 주자의
뛰어난 기량을 요하는 작품이다.
'브란덴부르크 협주곡' 제6번은 현악 앙상블에서 결코 빠지는 법이 없는 바이올린이 전혀
편성되어 있지 않다는 점에서 음향적 독특함을 보여준다.
이 곡은 두 대의 비올라, 두 대의 비올라 다 감바, 첼로와 콘티누오 를 위한 작품으로
고음악기가 나오지 않기 때문에 어둡고 중후한 느낌을 준다.
■ 추천음반
바흐의 '브란덴부르크 협주곡'의 음반으로는 네빌 마리너가 지휘하는 아카데미 오브
세인트 마틴 인 더 필즈의 음반(Philips)이 추천할 만하다.
고악기 연주 단체들의 음반들 중에서는 경쾌한 리듬이 강조된 트레버 피노크와 잉글리시
콘소트의 음반(DG)과 독주자들의 기량이 매우 뛰어난 조르디 사발과 르 콩세르 드 나시옹의
음반(Astree), 존 앨리어트 가디너가 지휘하는 잉글리시 바로크 솔로이스츠의 음반(SDG)을
추천하고 싶다.
※ 콘티누오
바로크 시대(1600~1750)의 작곡가들은 음악작품의 악보에 모든 음을 표시하지 않았다.
그래서 연주자들은 베이스 선율 아래에 화성을 표시한 숫자를 보고 부족한 음들을 화성에
맞게 즉흥적으로 채워 넣었는데 이때 화음을 채우는 쳄발로 같은 악기와 베이스 선율을
강화하는 저음악기들을 '콘티누오'(continuo)라 불렀다.
바로크 협주곡에서 '콘티누오'에 해당하는 악기로는 쳄발로, 류트, 오르간 같은 건반악기와
더블베이스나 바순 같은 저음악기들이 있다.
8. Schubert, Sonata in A minor D821 'Arpeggione'
Gil Shaham(Vn) / Goran Sollscher(Gt)
I. Allegro moderato
II. Adagio
III. Allegretto
♣ 슈베르트 '아르페지오네' 소나타 A 단조 D.821
27세의 프란츠 슈베르트는 누구도 정확한 진단을 내리지 못할 만큼 건강하지 못한 상태였다.
가장 중요한 원인으로 매독으로 인한 합병증이 시작되었고 이로 인해 우울증과 같은 정신적
질환도 심해지기 시작했다.
1823년 처음으로 긴 병원생활을 했고 고통스러운 치료를 받았기 때문에 그는 머리카락도
많이 빠졌고 두통 또한 심해졌다. 1824년 일기에 그는 이렇게 쓰고 있다.
"나는 매일 밤 잠자리에 들 때 또다시 눈이 떠지지 않기를 바랍니다. 그리고 아침이 되면
전날의 슬픔만이 나에게 엄습하여 옵니다. 이렇게 환희도 친근감도 없이 하루가 지나갑니다.
또 나의 작품은 음악에의 나의 이해와 슬픔을 표현한 것입니다. 슬픔에 의해 만들어진
작품이 세계를 가장 즐겁게 하리라고 생각됩니다. 슬픔은 이해를 돕게 하고 정신을 강하게
합니다."
- 슈베르트의 일기 중
이렇듯 1824년은 그에게 있어서 고통스러운 한 해였지만 다른 한 편 음악적으로는 보다
커다란 야망을 향해 나아가게 된 계기가 되었다.
그 해 3월 '로자문데' 현악 4중주를 작곡한 이후 그는 대교향곡의 길을 개척하기 위해
실내악에 더 이상 관심을 쏟지 않겠다고 천명했기 때문이다.
그리하여 탄생한 피아노 연탄을 위한 '그랜드 듀오' D.812가 10월경 선을 보였는데 이
작품에서 슈베르트는 보다 큰 규모의 교향곡으로 넘어가기 위한 구체적인 아이디어와 구도를
완성시켰다.
여기서 파생된 '대교향곡' 즉 '9번 교향곡'은 1826년 10월 빈 악우협회에 제출되었지만
소액의 수수료 외에는 아무런 주목을 받지 못했다가 슈베르트 사후 1839년 로베르트 슈만에
의해 발견되어 멘델스존이 라이프찌히에서 초연하면서부터 비로소 세상에 알려지기 시작했다.
그 해 여름 슈베르트는 에스테르하지 일가와 함께 체레스라는 곳에 도착했다. 여기서 즐거운
날들을 보낼 수 있었다.
게다가 슈베르트는 백작의 딸과 어렴풋한 사랑이 싹텄던 동시에 헝가리의 고유한 정취를
만끽할 수 있었다.
자연스럽게 당시 그의 작품에서는 헝가리 풍의 요소가 등장했고 '아르페지오네 소나타' 역시
이러한 성격이 반영되었다.
대작을 향해 달려가기 이전 슈베르트는 잠시 숨고르기의 시간을 가질 수 있었던 것인데 이
시기에 탄생한 작품이 바로 그 유명한 '아르페지오네 소나타'이다.
슈베르트가 1824년 11월 비엔나에서 작곡한 '아르페지오네 소나타' A단조 D.821은 본래
아르페지오네(Arpeggione)라는 악기를 위해 작곡된 작품이다.
1823년 빈의 악기 제작자 요한 게오르그 슈타우퍼에 의해 만들어진 이 악기는 '기타-첼로'
혹은 '기타-다모르'라는 별칭에서 알 수 있듯이 첼로와 흡사한 크기에 기타의 형태를 가지고
있었고 첼로처럼 활을 현에 문질러 연주하는 악기였다.
이 악기는 여섯 개의 거트 현을 가지고 있어 E-A-D-G-B-E로 조율되었고 브릿지와 반음씩
나뉘어지는 금속 핑거보드를 갖추고 있는데 첼로의 중고역 소리를 냈고 콧노래를 부르는
듯한 독특한 정취를 가지고 있다고 한다.
슈베르트는 빈센초 슈스터라는 아르페지오네 주자를 위해 곡을 작곡했다. 슈스터라는 인물은
이 악기를 위한 교본을 남긴 유일한 인물이기도 하다.
아르페지오네라는 악기는 서서히 사람들의 기억 속에서 잊혀진 악기가 되어버렸고 이 악기를
위해 작곡된 작품도 슈베르트의 이 곡이 거의 유일하게 남아 있다.
아르페지오네라는 악기가 급속도로 잊혀졌기 때문에 이 작품 또한 1871년이 돼서야 비로소
출판될 수 있었다.
아르페지오네는 소형의 첼로로서 바흐 시대에 사용되었던 비올라 다 감바(Viola da gamba)와
흡사한 모양과 소리를 가지고 있었다.
현대에는 주로 첼로로 대체해 연주한다. 다만 첼로보다 피치가 높기 때문에 '아르페지오네
소타나'를 현대 첼로로 연주할 경우엔 높은 음부의 빠른 패시지를 자유롭게 연주하는 것이
매우 어려우며 리듬에 변화를 주는 것 또한 쉽지 않다.
그러한 만큼 원곡 외에도 첼리스트 가스파르 카사도의 편곡에 의한 첼로와 관현악 협주곡풍의
편곡이나 도브링거 편곡의 피아노와 바이올린 2중주 그 외에 플루트나 더블베이스, 비올라,
클라리넷, 기타 등등 여러 악기를 위한 편곡으로 연주되곤 한다.
즉흥곡 형식으로 단기간에 작곡된 이 작품은 세 개의 짧은 악장으로 구성되어 있다.
알레그로 모데라토 A단조는 2개의 주제에 의한 소나타 형식으로 씌어졌는데 이 가운데
1주제의 첫 네 개의 음은 '미완성 교향곡'의 첫 마디 음과 유사하다.
이어지는 아름다운 아다지오 E장조는 반주가 딸린 성악을 위한 슈베르트의 가곡 스타일로
시작되어 차츰 기악적인 발전을 이룬다.
마지막 알레그레토 악장은 우아한 후렴구와 무도회적인 에피소드를 갖는 론도 형식이다.
■ 추천음반
로스트로포비치가 영국의 작곡가 벤자민 브리튼의 반주로 녹음한 '아르페지오 소나타'는 이
작품에 있어서 가장 고전적인 명반(DECCA)으로 손꼽힌다. 연주도 훌륭하지만 데카 레코딩팀의
리얼한 사운드가 돋보인다.
한편 헝가리 출신의 거장 미클로시 페레니가 언드라시 쉬프의 반주로 녹음한 연주(Teldec)는
이 작품의 서정성을 극대화한 명연으로서 그의 스승인 엔리코 마이나르디의 녹음에 범접하는
명연으로 손꼽을 수 있다.
현대적인 명연으로 미샤 마이스키와 마르타 아르헤리치의 연주(Philips)를 추천하며 존
윌리엄스의 기타 편곡 연주(SONY)도 환상적이다.
길 샤함 (Gil Shaham)
1971년 2월 19일 미국에서 출생한 바이올리니스트로 1990년 애버리 피셔 커리어
그랜트 상과 1998년 제41회 그래미어워드 최우수 실내악상 등을 수상했다.
[ 앨범감상 ]
9. Febus Avant! Music at the Court of Gaston Febus
Paul Van Nevel(cond), Huelgas Ensemble
1) Le mont Aon de Thrace
2) En seumeillant
3) Febus mundo Oriens - Lanista vipereus - Cornibus
4) Tres dous compains
5) Altissonis aptatis - Hin principes
6) Fumeux fume
7) Inter densas - Imbribus irriguis
8) Se Galaas
| 
