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1. J.S. Bach, Sonate No.3 g-moll BWV 1029
Daniel Muller-Schott(Vc) / Angel Hewitt(Pf)
I. Vivace
II. Adagio
III. Allegro
2. Tchaikovsky, Symphony No.6 in B minor, Op.74 'Pathique'
Evgeni Svetlanov(cond), The USSR Symphony Orchestra
I. Adagio - Allegro non troppo
II. Allegro con grazia
III. Allegro molto vivace
IV. Finale. Adagio lamentoso
♣ 차이코프스키 교향곡 6번 '비창'
차이코프스키는 1840년에 태어나 1893년에 사망한 러시아 작곡가이다. 그가 살았던 시대는
재정 러시아의 말기로 극심한 혼란기이다.
1850년대 러시아는 크림전쟁에서 패한 후, 군사적, 사회적 후진성이 만천하에 드러났다.
그를 극복하려고 농노 해방 등 근대화가 시작하였으나 이는 순조롭게 진행되지 못하였다.
해방된 농도들이 경제적으로 성장하지 못하였고 각지에서 소수민족의 소요가 일어났으며
경제 공황 속에 노동 운동이 과격화 되어 혁명의 싹이 커져가고 있었다.
차이코프스키가 사망한지 불과 8년 후인 1905년에 1차 러시아 혁명이 일어날 정도였으니
그 시기의 러시아의 상황을 짐작할 수 있다.
차이코프스키 그는 평생 우울증을 앓았다. 그는 콜레라로 어머니를 14세 때 여의었는데
그의 우울증의 원인을 거기서 찾는 사람들도 있다.
또한 그는 자신의 성적 정체성에 대하여 항상 고민하였다. 1877년 제자였던 안토니나
밀류코바와 갑작스럽게 결혼했으나 그 결혼 생활은 파탄이나 오히려 그의 우울증은 극도로
악화되어 자살기도까지 하게 된다.
결국 차이코프스키가 유럽으로 요양을 떠나면서 그들은 헤어져 살게 된다. 이혼을 하지
않아 법적으로 부부관계는 그의 부인이 먼저 죽을 때까지 계속된다.
우울한 차이코프스키의 인생이었지만 그를 지켜준 것은 폰 메크 부인과의 관계였다.
폰 메크 부인은 그보다 9살 연상이고 많은 자녀를 가진 부유한 미망인이었다. 폰 메크
부인은 차이코프스키의 예술을 사랑하여 그에게 작품을 의뢰하여 후원하기 시작했다.
차이코프스키는 폰 메크 부인에게 수많은 편지를 보냈는데 그 중에는 결혼 생활에 고민을
토로하는 것도 있었다.
그 후 폰 메크 부인은 작품 의뢰 형식을 벗어나 아예 6000루불을 매년 연금으로 지불하는
형식으로 그에게 거액을 후원하게 된다.
그 조건은 서로 대면하지는 않는다는 것이었다. 6000루불은 음악원 교수 초임의 10배에
해당되는 정도로 풍족한 금액이었다.
차이코프스키는 이후 경제적인 걱정은 하지 않게 되며 정신적으로도 폰 메크 부인에게 크게
의지하게 된다.
약 15년 동안 폰 메크 부인에게 보낸 편지가 총 1200통이 넘을 정도였으나 부인과의 관계가
1890년에 갑작스레 끝나게 된다.
부인은 파산하게 되어 더 이상 후원금을 주지 못하게 되었다고 했는데 부인의 경제 사정이
나빠진 것은 사실인 것 같으나 파산할 정도는 아니였다.
그 관계를 끊어야 할 만한 이유가 부인에게 있었던 것으로 추정된다. 차이코프스키는 그
이유를 알 수 없었다.
그러나 이미 그는 국제적 명성이 있는 작곡가로 더 이상 부인의 후원금이 꼭 필요한 정도는
아니지만 그러나 그에게는 부인이 주는 정신적 지원은 대체할 수 없는 그 무엇이었다.
부인의 편지가 끊긴 후 그는 큰 절망에 빠지게 된다. 그 후 차이코프스키는 절망을 떨치고
작곡에 매진하게 되는데 그 마지막 작품이 교향곡 6번이다.
초연은 1893년 10월 28일 페트르부르크에서 자신의 지휘로 이루어지는데 특이한 곡 형식과
절망적인 느낌으로 인해 평판이 별로 좋지 않았다고 한다.
초연 다음 날 차이코프스키는 작품이 청중들에게 잘 전달되지 않았다는 것을 느끼고 작품에
표제를 넣을까 고민하였다.
그때 동생이 비창(Pathethique)이라는 라는 이름을 제안하여 즉석에서 악보에 써 넣었다고
한다.
그 때부터 이 교향곡이 '비창'이 된 것이다. '비창' 초연 후 차이코프스키는 9일 후에
갑작스레 죽게 된다.
그의 죽음의 원인은 콜레라라는 것이 그의 전기에 쓰여져 있다. 죽기 며칠 전에 끓이지 않은
물을 먹고 콜레라에 점염되었다는 것이다.
당시에 러시아는 콜레라가 만연되어 있어 그가 아주 위험한 행동을 한 것이다.
그러나 당시에도 자살설이 파다하였고 20세기의 연구가들도 그가 자살했다고 주장하는
사람들이 있다.
심지어 동성애의 추문을 피하고자 누군가가 그를 독살했다는 설도 있다. 그러나 반대로
그가 죽기 직전까지 여러 가지 계획을 세웠으니 병사가 맞다고 하는 이들도 여전히 있다.
이제 진실은 누구도 알 수 없지만 그는 그렇게 비극적으로 떠났다. 죽음에 앞서 폰 매크
부인의 이름을 여러 차례 불렀다고 한다.
그렇게 차이코프스키가 죽고 나서 '비창'이 다시 연주되었을 때 이제는 관객들도 그의 뜻을
알았는지그의 죽음에 감명되었는지 연주회장이 울음 바다가 되었다고 한다.
앞서 언급했다시피 '비창'은 특이한 부분이 많다. 보통 교향곡은 2악장은 조용하고 느리고
마지막 4악장은 웅장하고 빠르다.
그러나 '비창'은 2악장도 빠르고 4악장은 조용하고 아주 음울하다. 또한 3악장의 마지막
부분이 마치 전곡이 끝나는 느낌을 주어 듣는 이를 어리둥절하게 만든다.
실연에서는 3악장이 끝나고 박수가 나오는 경우가 많아 박수가 나오지 않으면 그날의 관객
수준이 높다고 이야기 될 정도다.
1악장부터 음울한 1주제와 아름다운 2주제가 대조되고 2악장도 밝은 앞부분과 어두운
뒷부분으로 나누어지며 삶의 절정에 이른 듯이 쾌활한 3악장과 죽음을 앞둔 듯한 절망적인
4악장이 이어져 연주된다.
희열과 절망이 교차한 차이코프스키의 삶이 이 곡에 모두 들어있다.
■ 추천음반
레닌그라드필과 므라빈스키(1960, DG)의 음반은 이 곡의 전설적인 녹음으로 회자된다.
찬란하게 울려퍼지는 금관의 카리스마 한치의 오차도 없이 철옹성을 구축하는 냉철한 지휘가
만들어낸 명연이다.
카라얀(1984, DG)의 녹음은 비극적인 감수성을 매끈하고 유려한 선율로 그려냈다.
스베틀라노프(1967, AULOS) 의 지휘는 강하게 밀어부치는 해석의 정수로 약동하는 힘이
넘친다.
번스타인(1968, DG)의 녹음은 슬픔의 감정을 주관적으로 강하게 이입해 감정적 울림을
강조한 독특한 연주로 평가되고 있다.
3. Liszt, Piano Concerto No.2 in A major
Sviatoslav Richter(pf) / Kyrill Kondrashin(cond), London Symphony Orchestra
I. Adagio sostenuto assai -- Allegro agitato assai
II. Allegro moderato --
III. Allegro deciso -- Marziale un poco meno allegro --
IV. Allegro animato
♣ 리스트 피아노 협주곡 2번 A장조
리스트의 피아노 협주곡 2번은 '교향적 협주곡'이라는 단서가 붙어 있으며 표제가 주어지지
않은 교향시적 성격을 지닌 곡이다.
리스트는 1839년에 작곡했으나 후에 네 번이나 고쳐 썼으며 세 개로 나눈 악장을 갖지 않고
여섯 개의 다른 형으로 구성되어 있다.
제1부 Adagio sostenuto assai
제2부 Allegro agitato assai
제3부 Allegro moderato
제4부 Allegro deciso
제5부 Marciale un poco meno allegro
제6부 Allegro animato이다.
기본적 주제는 곡머리의 클라리넷으로 나타난다. 그러나 이에 관현악기의 아름다운 화성이
이어져 곡은 시작된다.
이 기본 주제에 부주제가 덧붙여져 서로 관련을 유지하면서 혹은 주장하고 혹은 설명을
펼치며 현란한 피아노의 기교를 나타낸 변주를 행하여 가락을 한없이 변화시켜 리스트 독자적
세계를 표현해 간다.
그리고 마지막에 불꽃과 같은 피아노의 호화 찬란한 연주가 나타나 이 곡을 끝맺는다.
이 곡의 완성은 바이마르에서 초연한다는 것이 결정되고 나서도 리스트가 아직 계속해서
가필했기 때문에 악보가 출판되는 1853년까지 걸렸다.
'피아노 협주곡 2번'은 1번보다 훨씬 더 성공적인 작품이다.
이 곡은 1839년에 처음 작곡되었고 그로부터 1861년에 이르는 시기에 지속적으로 개정되었다.
초연은 1857년 역시 바이마르에서 열렸고 출판은 1863년이 되어서야 이루어졌다.
초연에는 리스트가 관현악을 지휘하고 피아노는 제자인 한스 폰 브론스알트가 맡았다.
주제들은 1번 협주곡보다 훨씬 흥미로우며 발전적이다.
특히 첫 도입부 주제는 이상스러울 정도로 음향 효과가 전혀 없는 것이었다.
이와 똑같은 형태는 그 이후 전혀 등장하지 않고 언제나 아르페지오 혹은 분산코드 형태가
되거나 아니면 어떤 식으로든 장식적인 모습으로 나온다.
이러한 처리 수법에서 리스트의 대가적인 면모가 확연하게 드러나는데 이는 이전에는 결코 볼
수 없었던 개성적인 발전 방식이다.
느린 도입부에서 그 다음 알레그로의 전환 역시 탁월하다고 밖에 말할 수 없다.
언제 넘어갔는지 인식할 수도 없는 사이에 재빨리 빠른 템포가 펼쳐지기 때문이다.
물론 이후 펼쳐지는 군악대 리듬은 저속하긴 하지만 리스트의 최대 걸작 가운데 하나인 이
아름다운 협주곡의 명성을 떨어뜨리진 않는다.
눈에 띄는 점은 그 주제의 변용에 따른 피아노 테크닉의 변화무쌍함이다.
바그너의 라이트모티브를 연상시키는 듯 하나의 주제가 계속 다른 모습으로 펼쳐지면서
피아노의 신답게 그 변용에 따라 그 누구도 생각지 못했던 새로운 피아노 테크닉을 선보이며
전적으로 듣는 이로 하여금 그 음향의 효과에 몰입하게끔 만든다.
이러한 최면적인 효과 덕분에 리스트는 낭만주의 음악사의 획기적인 발전을 이끌어냈다고
평가받았지만 이후 거의 맥이 끊기다시피했다.
다만 그가 피아노 협주곡 양식에서 새롭게 완성해낸 순환주제적 성격(자신의 교향시 장르에서
전형적일 정도로 사용했던)은 20세기 중반 아르놀트 쇤베르크에 의해 온전히 계승되었다.
리스트의 피아노 협주곡은 장식적인 측면에서도 전무후무한 업적으로 평가받을 만하다.
그러나 그가 사용한 장식의 의미는 쇼팽이 사용한 장식의 의미와는 전적으로 달랐다.
쇼팽에게 음악적 장식은 음악의 선율과 프레이즈를 그 신비함 속에 가두어버리려는 구심점이다.
그러나 리스트에게 있어서는 선율과 영감을 힘있게 밀어내는 원심점이다.
또한 장식적인 고음부는 리스트에게 있어서 연약하고 상처받기 쉬운 표현 구역이 아니라
신비적인 전율과 번득임 속에서 자신만의 역동성을 발산할 수 있는 창조적인 장소였다.
이러한 측면에서 리스트는 단순히 장식적인 것만을 추구하는 2류 작곡가가 아니었다고 단언할
수 있다.
그는 실제로 과거의 거장인 팔레스트리나, 랏수스, 그레고리오 성가 등의 연구에 기초해
음악적 간결함, 의고성, 비장식성을 발전시켜 나갔는데 여기에는 항상 불안한 감성이 내재되어
있다.
그래서 그의 피아노 협주곡을 듣노라면 느린 악장에서의 아름답고 처연한 멜로디에 배어있는
불안함이 빠른 악장의 난폭할 정도로 씩씩한 멜로디에 의해 정복되는 느낌을 받곤 한다.
그 과정에서 우리는 1인칭적인 관점에서 펼쳐지는 내면 독백으로서의 피아노 협주곡이 제임스
조이스의 '율리시스'와 같은 의식의 흐름으로 확장되는 점을 감지할 수 있다.
당시로서는 터무니없이 급진적이라고 말할 수 밖에 없을 것이다.
19세기를 박차고 20세기의 격동을 향한 창문을 제시한 프란츠 리스트.
그는 고급과 저급, 낭만과 현대, 세속과 종교를 오가는 영원한 오딧세이와 같은 존재임이
분명하다.
■ 추천음반
스비아토슬라프 리히테르가 키릴 콘드라신의 엄청난 서포트를 받으며 녹음한 앨범(Philips)은
피아노 역사상 가장 흥미로운 앨범 가운데 하나로 손꼽힌다.
엄청난 다이내믹과 투철한 고전주의적 무게감을 수반한 리히테르의 연주는 그 누구도 범접할
수 없는 권위로 가득 차 있다.
한편 리스트의 두 제자인 피아니스트 에밀 폰 자우어와 지휘자 펠릭스 바인가르트너가
리스트가 협연한 적이 있는 파리 콘서바토리 오케스트라와 녹음한 히스토리컬 레코딩(Opus
Kura)은 진정한 의미에 있어서 그 역사적인 의미가 높을뿐더러 19세기 낭만주의의 원형을
담고 있다는 점에서 반드시 거론되어야 한다.
크리스티안 침메르만과 세이지 오자와의 현대적이면서도 감각적인 연주 또한 대단히 수준 높은
명연(DG)이고, 엘다 네볼신의 최신 연주(Naxos) 또한 근래 보기 드문 호연이다.
4. Wieniawski, Violin Concerto No.1 in F-sharp minor, Op.14
Michael Rabin(Vn) / Sir Adrian Boult(cond), Philharmonia Orchestra
I. Allegro Moderato
II. Preghiera. Larghetto
III. Rondo. Allegro giocoso
♣ 비에냐프스키 바이올린 협주곡 1번 F-sharp minor, op.14
1850년 빠리 음악원을 마친 비에니아브스키는 1851년부터 독일, 러시아, 네델란드, 그리고 런던
등지로 연주 여행을 시작하였다.
이 여행중에 여느 비루투오조 처럼 비에니아브스키도 자신의 연주회에 사용할 목적으로 많은 작품을
남겼는데 바이올린 협주곡 1번도 그중 하나로 1953년에 완성되었다.
1953년 10월 라이프찌히에 있었던 전곡의 초연에 앞서 마지막 론도 악장이 1852년 8월 오데싸에서
있었던 연주회에서 초연된 것으로 보아 앞의 두 악장이 나중에 작곡된 것으로 짐작되고 있다.
출판은 1853년에 있었으며 러시아의 황제 프레데릭 빌헤름 4세에게 헌정되었다.
2번 협주곡에 비하여 대중들의 선호도는 떨어지지만 최고의 비루투오조가 자신의 능력을 보여주기
위한 곡의 속성을 지녀 이곡도 연주에 높은 연주 기교를 요구한다고 한다.
그러나 화려함에 치우치지 않고 서정성에서도 강한 면모를 보이며 울리는 듯이 연주되는 낮은 음역의
현이 바이올린의 높은 음에서 파생되는 날카로움을 상쇄하여 오래 들어도 귀의 피로감을 주지 않는다.
비에냐프스키 (Henryk Wieniawski, 1835 ~ 1880)
사라사테 · 파가니니 · 요아힘 등과 함께 19세기의 악단을 장식한 바이올린의 명수로서 위대한
공적을 작곡과 연주 분야에 남겼다.
1835년 7월 10일 폴란드의 바르샤바 동남쪽 르브링에서 태어났다.
어머니의 오빠 에드왈드 볼프는 피아노 연주가 . 작곡가로서 명성을 얻었으며 동생 요제프도 역시
피아노 연주가로서 저명했다.
즉, 그의 음악적인 특성은 모계에서 이어받은 것인데 어려서 음악적 재능을 나타낸 그는 어머니에게
이끌려 파리에 나가 1843년 크라펠에게 바이올린을 배웠다.
1845년에는 겨우 10세로 파리 음악원의 마사르 학급에 입학이 허가될 만큼 능력이 향상되었고
더구나 다음 해에는 졸업증서를 받으면서 바이올린과 졸업생의 1등상을 받았다.
잠시 고향 폴란드에 돌아가 화성학과 작곡 등을 연구하다가 1872년 유명한 루빈시타인과 함께
미국에 가서 신대륙에 그 이름을 떨쳤다.
1875년에는 벨기에 브뤼셀 음악원의 바이올린과 교수로 임명되어 비외탕을 대신해서 교육에 힘써
작곡가 이자이 등을 육성했다.
그러나 만년에는 도박에 빠져 아깝게도 천재적인 성격도 이러한 탐닉의 결과 걸인이나 다름없는
처지로 전락했다.
그러나 후에 차이코프스키의 후원자이기도 한 메크 부인의 도움을 받아 그의 모스크바 저택에서
얹혀 살다가 결국 1880년 3월 31일 45세를 일기로 기구한 생애를 마쳤다.
마이클 래빈 (Michael Rabin, 1936. 5. 2 ~ 1972. 1. 19)
마이클 래빈은 미국의 바이올리니스트로서 뉴욕 필하모닉의 바이올린 주자인 아버지와 줄리어드
스쿨에서 피아노를 가르치는 어머니 사이에서 태어났다.
어려서 처음에는 피아노를 배웠지만 바이올린에 흥미를 보여 아버지에게 바이올린을 배웠다.
9세 때 줄리어드 스쿨에서 이반 갈라미안을 사사했다.
래빈은 12살 때 니콜로 파가니니의 '24개의 카프리치오'를 녹음했는데 이 연주는 루기에로 리치의
연주에 비할 정도고 오히려 더 표현이 풍부한 면도 있다.
그는 야샤 하이페츠에 비할 정도의 흠잡을 데 없는 기교를 지녔다. 1950년에는 무대에 데뷔해
호주와 유럽으로 연주 여행을 다녔다.
래빈은 35살에 요절했다. 마약 때문에 죽었다는 소문이 있지만 최근에 있었던 앤서니 파인스타인의
연구 조사에 따르면 머리의 상처를 치료하지 않아서 죽었다고 한다.
5. Schumann, Cello Concerto in A minor, Op.129
Mstislav Rostropovich(Vc) / Benjamin Britten(cond), London Symphony Orchestra
I. Nicht zu schnell
II. Langsam
III. Sher lebhaft
♣ 슈만 첼로 협주곡 A 단조 Op.129
슈만이 작곡한 세 곡의 협주곡 중 가장 유명한 피아노 협주곡과 바이올린 협주곡 그리고 첼로
협주곡은 대체로 외면적으로 화려한 기교를 부리지 않고 독주부와 관현악부가 일체가 되어 슈만
특유의 시적이고 상상력 넘치는 분위기를 자아내고 있다는 것이 특징이다.
특히 '첼로 협주곡 A단조' Op.129는 이러한 특질을 가장 잘 띄고 있는 작품으로서 독주악기의
존재감을 화려하게 드러내보이지 않고 관현악 속으로 자연스럽게 몰입시킨 점이 다른 첼로
협주곡들과의 다른 점이기도 하다.
외향적인 성격보다 내면적인 모습 그리고 내면으로의 침잠이 아니라 외면을 향해 용솟음치는
고양감을 그러낸 작품인 만큼 독주자로 하여금 세심하면서도 대범한 연주기법과 상상력 풍부한
표현력을 요구하는 작품이기도 하다.
슈만 역시 첼로를 위한 협주곡을 작곡하는 데 많은 고민과 시간을 거쳤음이 분명하다.
협주곡을 작곡하지 않았던 슈베르트는 예외로 치더라도 그의 선배격인 모차르트나 베토벤은
물론이려니와 동시대 동료인 리스트나 쇼팽, 멘델스죤, 브람스 등등 역시 첼로 협주곡을
작곡하지 않았다.
19세기에 들어서자 바이올린과 마찬가지로 첼로를 위한 작품 수는 점차 감소했다.
그러나 한편으로는 낭만주의 시대의 작곡가들은 당시에 유행했던 피아노를 반주로 사용함으로써
첼로라는 악기의 가능성을 독주악기로서 개성을 발휘하게끔 이끌었다.
베토벤, 브람스, 쇼팽 등이 작곡한 첼로 소나타들의 경우가 바로 그 예이다.
첼로는 독주악기로서 그리고 오케스트라에서 사용되는 가장 서정적인 악기가 되었다.
베토벤 '교향곡 9번' 4악장에서의 환상적인 레치타티보도 그러하거니와 브람스의 교향곡에서도
선율을 주도하는 악기는 바로 첼로였다.
더군다나 브람스는 '바이올린과 첼로를 위한 2중 협주곡'에서도 첼로의 역할과 비중을 높게
할애해 독주 악기로서 첼로가 가진 가능성을 열어주기도 했다.
19세기 초중반은 첼로라는 악기에 대한 비르투오소적인 관점이 팽배해지던 시기였다.
드보르작의 '첼로 협주곡' 이후 첼로에 대한 관심은 본격적으로 증폭되기 시작했다.
생상스, 랄로를 비롯하여 미요, 뒤티외, 포레, 댕디, 미요, 뿔랑, 프로코피에프, 쇼스타코비치,
브리튼 등 20세기에 이르기까지 첼로에 대한 탐구는 계속되었다.
특히 드뷔시의 '첼로 소나타'와 코다이의 '무반주 첼로 소나타', 달라피콜라와 크세나키스 등의
작품들은 첼로에 대한 풍부한 가능성과 표현력을 확장시킨 걸작으로 평가받는다.
이 가운데 슈만의 '첼로 협주곡'이야말로 그 기법과 표현력 및 형식면에 있어서 선구자적인
존재라고 말할 수 있다.
첼로라는 악기는 첼로 협주곡을 작곡하기 이전부터 슈만에게 있어서 대단히 특별한 의미를
가지고 있다.
슈만과 첼로는 대단히 극적이며 특별한 인연을 맺고 있다. 그 인연은 슈만의 마지막 작품과
관련이 있다.
지금까지 알려진 그의 마지막 작품은 피아노 작품으로 1853년 10월 15일부터 18일 사이에 작곡한
'아침의 노래 gesange der fruhe' Op.133으로 알려져 있다.
그러나 정작 슈만의 마지막 관심 대상은 바로 첼로였다.
1853년 11월 뒤셀도르프에서 작곡한 '첼로와 피아노를 위한 다섯 개의 로망스'라는 작품이 슈만의
진실된 마지막 작품인 것이다.
슈만이 세상을 뜬 뒤 40여 년이 지난 1893년에 클라라 슈만은 요하임의 권유로 이 작품을 불에
태워 파기해버렸는데 만약 이 작품이 지금까지 전해졌다면 슈만의 천재성이 최고도로 발휘된
감동적인 걸작으로 평가받았을 것임이 분명하다.
1849년에 슈만은 괴테 탄생 100주년을 맞이하여 드레스덴에서 체류하고 있었다.
슈만은 오랫동안 공을 들였던 괴테의 '파우스트'에 의한 같은 제목의 극음악을 드레스덴,
라이프치히, 바이마르에서 공연했다.
당시는 슈만에게 있어서 풍부한 결실의 해로서 수많은 합창곡과 관악기용 작품이 탄생했다.
'피아노와 호른을 위한 네 개의 행진곡' Op.76, '피아노와 클라리넷을 위한 환상 소곡집' Op.73,
'네 개의 호른과 대규모 오케스트라를 위한 콘체르트 슈튀크' Op.86 등이 이 시기에 작곡되었다.
그러나 이 시기 동안 슈만은 마음 속으로 불만을 가지고 있었다.
진정한 음악가를 만날 수 없다는 이유로 이 도시를 떠난 슈만 부부는 운 좋게도 1850년 가을
뒤셀도르프에 새로운 음악 감독으로 부임하여 융숭한 대접을 받게 되었다.
라인란트 지방의 자유롭고 친절한 분위기가 슈만 부부로 하여금 행복한 나날을 꿈꾸게 할 수
있었으며 무엇보다도 클라라는 남편이 지휘대에 오르게 된 것을 진정으로 기뻐했다.
이렇게 작곡과 연주 모두에서 로베르트는 진정한 음악적 기쁨을 맛볼 수 있게 되었다.
바로 이 시기를 대표하는 작품으로 11월과 12월에 작곡한 '라인 교향곡'과 더불어 '첼로
협주곡'을 꼽을 수 있다.
'첼로 협주곡'은 그가 라인강에 투신자살을 시도하기 4년 전 그리고 46세의 나이로 엔데니히
정신병원에서 숨져가기 6년 전인 1850년에 작곡한 작품이다.
슈만은 1850년 10월 10일부터 24일 사이, 단 2주만에 작곡을 끝냈으나 안타깝게도 슈만은 생전에
이 작품이 연주되는 것을 보지 못했다.
1851년 3월 23일 크리스티안 라이머가 솔로 파트만을 리허설했을 뿐 전곡이 온전한 형태로 대중들
앞에서 연주되진 않았기 때문이다.
이 곡의 초연은 그가 세상을 뜬 4년 뒤인 1860년 6월 9일 라이프찌히 게반트하우스에서 열린 슈만
탄생 50주년 기념행사에서 비로소 루드비히 에베르트의 독주로 이루어졌다.
이 작품은 첫 제시부의 긴 길이와 도입부의 초절기교적인 테크닉 때문에 슈만의 모든 작품들
가운데에서도 가장 대범하고 모험적인 작품으로 평가받는다.
자필 악보를 보면 슈만은 협주곡이라기보다는 콘체르트슈튀크(Konzertstuck)라고 명시해 놓고
있다.
이는 전통적 관점의 협주곡 양식과 결별해 작곡가 카를 베버로부터 비롯한 새로운 장르인
콘체르트슈튀크와 첼로의 가능성을 발전시키고 싶어했음이 분명하다.
그의 다른 협주곡들과 동일하게 이 '첼로 협주곡' 역시 환상곡풍의 스타일로 구성되어 있으며 세
악장이 쉼없이 연주되는 단악장 형식을 취하고 있다.
슈만은 악장 사이에 박수가 나오는 것을 혐오했다고 한다.
그런 이유로 협주곡에 악장 구분을 없앤 것으로 추측할 수도 있을 것이다.
짧은 오케스트라 도입부에 이어 첼로의 독주가 시작되고 이후 서정적인 멜로디를 따라 오케스트라와
첼로는 긴밀한 관계를 유지하며 3악장 론도에 이르기까지 독특한 음향과 개성적인 리듬을
만들어간다.
최근에는 마지막 코다 전에 등장하는 마지막 반주가 따르는 카덴차를 연주가 자신이 임의로 작곡한
무반주 카덴차를 등장시키기도 한다.
물론 슈만이 악보에 카덴차를 바꾸어 연주해도 된다고 지시한 사항은 아니다.
1악장 Nicht zu schnell 너무 빠르지 않게
2악장 Langsam 느리게
3악장 Sher lebhaft 매우 생생하게
■ 추천음반
슈만의 첼로 협주곡은 예로부터 훌륭한 연주가 많이 존재해왔다.
그 가운데 엔리코 마이나르디의 DG 레코딩(Spectrum)은 풍부한 서정성과 투명한 음색으로 이 작품의
목가적인 아름다움을 발견해낸 역사적인 녹음으로 손꼽을 만하다.
야노슈 슈타커의 녹음(Mercury)은 이 작품의 에너지감과 고전적 형식미를 정확히 읽어낸 호연
가운데 호연으로 그 명성이 이어져 내려왔다.
모리스 장드롱의 우아하고도 귀족적인 녹음(Testament)도 개성적인 뿐만 아니라, 나탈리 구트만과
클라우디오 아바도의 연주(DG)는 이 작품의 모든 디테일에 영혼을 불어넣은 현대적인 연주로 적극
추천한다.
6. Dvorak, String Quartet No.1 in A major, Op.2 B.8
Prager Streichquartett
I Andante - Allegro
II Adagio affetuoso ed appassionato
III Allegro scherzando - Trio
IV Finale Allegro animato
♣ 드보르작 현악4중주 13번 op.106
3년간의 미국에서의 생활을 마치고 체코로 돌아온 드보르작은 현악사중주 13번을 작곡하게
된다.
현악사중주 14번을 미국에서 작곡하기 시작하였지만 완성시키지 못하였고 체코로 돌아온
후 새로운 곡을 완성시켜 13번이 탄생하게 되었다.
그래서 작품번호에 하나씩 차이가 있다. 13번은 op.106, 14번이 op.105가 된 이유이다.
미국에서의 생활과 성공이 기억나서일까 아니면 이제 드보르작만의 색깔이 된 것일까 곡
전반적으로 그의 미국풍의 작품들과 상당히 유사한 느낌이 든다.
처음 시작부분은 마치 그의 고향으로의 귀환을 멀리서부터 알리는 듯 조용하지만 강렬하게
시작된다.
악장 전체를 지배하는 셋잇단음표들은 네 악기마다 매우 활발하게 움직이며 긴장감을
늦추지 못하게 한다.
조금은 과하다 할 정도의 반복적인 선율은 어쩌면 곡에 대해 지루함을 느끼게 할 수도 있지만
셋잇단음표들과의 조화를 통해 지루함보다 긴장감과 순박하면서도 화려한 멋을 뽑아낸다.
브람스의 곡들이 드라마틱한 선율과 웅장함을 갖고 있다면 바로 이런 면들이 드보르작의
곡들에서 느낄 수 있는 그의 음악적 특색이라고 말할 수 있겠다.
같은 형태의 리듬과 선율이지만 때로는 부드럽고 우아하게 때로는 숨을 멎게할 정도의
긴박감을 주는데 그 두 가지의 연결이 너무나 자연스럽고 급격히 변화하는 것을 느끼는 것도
이 곡의 깊은 맛을 아는데 많은 역할을 하는 것이다.
이렇게 화려하게 끝나는 1악장을 뒤로하고 시작되는 2악장은 장조와 단조의 오묘한 조화로
서주부분을 맞이한다 걸작을 만들어 내었다.
이런 분위기는 그의 첼로 협주곡 2악장 혹은 스메타나의 '나의 생애' 3악장에서 이루어 낸
그것에 절대 뒤지지 않는다.
어찌보면 장송곡의 분위기를 느낄지도 모르겠지만 그런 무거움보다는 백발의 한 노인이
석양을 바라보며 그동안의 자신의 인생을 돌아보면서 회고하는 그런 이미지가 더 어울린다고
생각한다.
유난히 장,단조의 변화가 심하게 나오는데 그런것들이 인생에서 희비교차가 종이 한 장
차이라는 것을 말해주는 듯 굉장히 심한 전조와 리듬의 변화를 느낄 수 있을 것이다.
아마도 짐작하건대 드보르작도 곡을 쓸 때 프라하의 석양을 바라보며 자신의 인생을
돌아보지 않았을까하는 생각이 든다.
이렇듯 곡의 전체적인 분위기에 맞게 처절하고 강렬하고 인상적인 클라이막스를 지나
마무리도 언제 그랬냐는 듯 처음 시작부분과 비슷한 후주로 조용하고 차분히 악장을
마무리한다.
연주자의 입장에서 생각할 때 힘과 열정을 모두 쏟아내기에 부족함이 없을 정도의 아름답고
긴장감 넘치는 최고의 느린 악장 중 하나이지 않을까?
3악장은 예상대로 강하고 빠르게 시작된다. 어쩌면 그의 스케르쵸들 중 가장 강렬할지
모른다.
민요풍적인 그의 성향에 맞게 여지없이 그만의 색깔을 드러내기에 충분하면서도
폭발적이다.
두 대의 바이올린이 돌림노래로 음악을 이끌어갈 때 비올라와 첼로의 리듬이 아주
인상적이다.
두 악기가 맞물리지 않고 번갈아 나오는데 연주자로 하여금 조금은 헷갈리게 하지만 그에
따른 효과도 그 이상으로 듣는 이로 하여금 긴장감을 늦추지 않게 만든다.
이어 나오는 트리오 부분은 마치 관객과 연주자 모두 한 박자 쉬었다 가는 부분처럼 리듬을
늘여놓는다.
그렇다고 연주가 지루하거나 간단하거나 그런 의미는 아니다. 그만큼 다시 처음 주제를
이끌어내고 진행시키는데 전혀 문제가 되지 않을 만큼 자연스러움과 긴장감을 갖고 있다.
마지막 4악장은 느린게 시작하지만 곧 이어 드보르작의 위트를 느낄 수 있는 흥겨운
론도이다.
신나는 선율과 화려한 반주는 마치 이전 세 악장과의 관계에서 조금 동떨어지게 느낄 수도
있겠지만 이 엄청난 곡의 마지막을 장식하기에 이 정도로 화려하고 신나지 않고서야
어찌하겠는가.
생각하면 당연한 결과이고 필연적이라 할 수 있겠다.
드보르작의 곡들에서 특히 내성파트들은 계속해서 나오는 16분음표들을 생각하지 않을 수
없을 것이다.
거의 모든 반주에서 나온다고 해도 틀린 말이 아닐 것이다. 3도와 5도를 넘나들며 계속되는
음표들로 애로점을 느낀적이 많을 것이다.
여기에선 한층 더 고문기술이 업그레이드된 반주음형이 모든 파트를 괴롭히지만 그만큼
더 훌륭하고 멋진 분위기가 연출된다.
역시 이쯤 와선 1악장의 테마들이 다시 나온다. 물론 조금씩의 변화가 있지만 아주 조금
느린 박자로 진행되는 멋진 에피소드까지 보여준다.
[ 목요우리음악 ]
7. 최옥산류 가야금산조
가야금(김해숙) / 북(김명환)
1) 다스름
2) 진 양
3) 중모리
4) 중중모리
5) 늦은자진모리
6) 자진모리
7) 휘모리
♣ 최옥산류 가야금산조
함동정월(咸洞庭月:본명 咸金德)이 이어받고 있어 함동정월산조라고도 한다.
장단은 진양조·중모리·중중모리·늦은자진모리·자진모리·휘모리로 짜여 있다.
조는 진양에서는 우조·봉황조·계면조, 중모리는 우조·계면조·경드름, 중중모리는
우조, 늦은 자진모리는 우조·계면조 ·변조(변음), 자진모리와 휘모리는 계면조로
이루어져 있다.
진양에서의 봉황조는 다른 유의 평조의 선율과 비슷하나 함동정월은 이를 평조라 쓰지
않고 봉황조라고 한다.
또한 진양의 끝부분도 생삼청(계면조의 변청)이라 하고 계면조도 진계면·단계면·
평계면으로 세분하기도 한다.
무거운 농현을 주로 하며 중중모리에서의 우조로 일관되는 점과 자진모리 중간에 나오는
도섭(자유리듬)부분이 다른 유에 비하여 다채롭다.
특히 선율전개가 분명하고 짜임새가 좋아 뛰어난 형식미를 가지고 있는 것으로
평가되고 있다.
최옥산류는 가야금산조의 시조라고 할수 있는 김창조에게 사사를 받아 짜여진 가락이다.
최옥산은 전남 병영 출신이며, 체구가 크고 기품이 있었다고 하니 가락에 그대로
묻어나는 듯 하다.
최옥산의 유일한 제자인 함동정월에게 사사받은 김해숙의 가야금연주이며 말년의
함동정월의 동반자이기도 한 고수 김명환 명인이 북으로 장단을 잡아주고 있다.
8. Beethoven, String Qartet No.14 in C sharp minor Op.131
Busch Quartet
I. Adagio, ma non troppo e molto espressivo
II. Allegro molto vivace
III. Allegro moderato
IV. Andante ma non troppo e molto cantabile - Adagio
V. Presto - Molto poco adagio
VI. Adagio quasi un poco andante
VII. Allegro
♣ 베토벤 현악4중주 14번 C# 단조 Op.131
베토벤은 이 곡을 자신의 현악 4중주 가운데 최고의 작품으로 꼽았다.
1828년 10월 죽음을 앞둔 슈베르트가 연주회장에서 이 곡을 듣고 너무나 흥분해 함께
갔던 친구가 걱정을 했다는 기록이 있다.
이 곡은 우선 형식 면에서 새로운 시도를 하고 있다.
통산 15번째(작곡은 현악 4중주 15번 a단조보다 나중에 완성됐다) 현악 4중주를 작곡하며
베토벤은 이 형식에서 뭔가를 보여주려고 별렀음이 감지된다.
그러면 어떤 점이 새로웠을까.
기존의 틀을 깼다. 모두 7악장으로 구성됐으며 전곡 연주 시간이 40분 내외인 이 작품은
악장간 박수가 나올 걱정이 없다.
베토벤이 모든 악장을 쉬지 않고 연주하게 했기 때문이다.
주제와 내용이 전체적으로 일관되어 있으며 복잡한 대위법으로 짜여진 구성은 입체적인
바로크풍이라 할 만하다.
1악장이 느린 악장인 것도 일반적인 현악 4중주의 모습에서 벗어난다.
고전적인 형식미의 가로수 길을 지나가면서도 악장간의 흐름은 물 흐르듯 자연스럽다.
베토벤 만년의 깊이 있는 사색이 있고 부드러운 서정과 엄격한 정신이 두드러져 보인다는
면에서 작곡가가 도달한 하나의 극치이자 기념비적인 작품으로 평가할 만하다.
갈리친 후작을 위해 작곡한 세 곡에 이어지는 작품으로 1825년 말에 이 곡의 작곡을
시작해 1826년 여름에 완성했다.
특별한 의뢰를 받지 않고 스스로 곡을 쓴 것은 이례적인 일이었다.
아마도 이 당시 현악 4중주에 대한 아이디어가 넘쳐 즐거운 마음으로 작곡을 했으리라
생각된다.
친구인 요한 네포무크 볼프마이어에게 헌정할 예정이었지만 나중에 생각이 바뀌었는지
요제프 폰 슈터트하임 남작에게 헌정했다.
조카인 카를의 일로 신세를 진 것에 대한 감사의 표시였다 한다. 슈베르트가 참석했던
1828년 10월의 연주회가 초연일 가능성이 높다.
베토벤 생전에는 연주된 기록이 없다.
1악장 아다지오 마 논 트로포 에 몰토 에스프레시보
느리고 자유로운 푸가 형식으로, 3개 부분으로 되어 있다. 일반적인 현악 4중주의 룰을
깨고 있다.
첫머리에 제1바이올린으로 주요 주제가 제시되고 제2바이올린이 5도 낮게 응답한다.
이것이 비올라와 첼로로 옮겨가면서 푸가가 시작된다.
두 번째 부분은 제1바이올린이 최초 주제에서 나온 선율을 연주하며 두 번째 동기를
제시한다.
이 주제들이 전개된 후 세 번째 부분으로 들어간다. 최초 푸가 주제를 비올라부터
제2바이올린, 제1바이올린, 첼로의 순서로 연주한다.
첫머리와는 달리 다른 성부는 연속된 8분음표 선율로 장식한다. 짧은 코다 후 조성과
박자, 빠르기를 달리하며 그대로 2악장으로 이어진다.
2악장 알레그로 몰토 비바체
생기있고 경쾌한 론도의 테마를 제1바이올린이 제시한다.
이 악장에 나오는 모든 선율은 모두 이 뚜렷한 주제에 인도되어 발전한다.
이 악장에서는 그에 따른 부주제라고 할 만한 것이 전혀 없는 것이 특징이다. 주제는
대위법적으로 전개되는데 E장조로 다시 주제가 나타난 뒤 계속 전개된다.
이윽고 주제가 D장조로 각 악기 사이에서 교대로 연주된다. 다시 전개 부분이 끼어들어
마지막에는 론도 주제가 첼로와 바이올린에 나타나며 짤막한 코다로 끝난다.
3악장 알레그로 모데라토
완전히 자유로운 형식의 짧은 악장으로 겨우 11마디에 불과하다.
뒤에 오는 변주곡의 서주라 할 수 있다. 이것을 하나의 악장으로 보는 것은 적절치 않다는
지적도 있으나 기존의 관습에 따라 악장으로 분류한다.
6마디의 알레그로 모데라토와 이어지는 5마디의 아다지오에서는 제1바이올린으로 연주되는
카덴차풍 빠른 악구가 있다.
4악장 안단테 마 논 트로포 에 몰토 칸타빌레
주제와 6개의 변주곡, 그리고 코다로 구성됐다.
명랑하고 환희가 가득한 느낌이다. 주제는 제1바이올린과 제2바이올린으로 연주된다.
8마디 주제의 반복과 다음 8마디의 반복으로 이루어진 두도막 형식이 32마디의 주제를
만든다.
이어지는 제1변주는 같은 템포이지만 깨끗하고 정밀하며 화려한 느낌을 준다.
제2변주는 리듬이 명쾌한 피우 모소(보다 빠르게)로 연주한다. 제3변주는 첼로로 시작하는
주제의 변주가 비올라에서 제1바이올린으로 다시 제2바이올린으로 옮겨지면 카논풍의
아름다운 대화가 전개된다.
제4변주는 느린 템포인데 제1바이올린이 연주하는 주제의 자유로운 변주로 아름답고
매력적이며 우아하고 정교하다.
제5변주는 짧은 알레그레토로 빠른 템포의 싱커페이션이 대위법적인 수법으로 진행된다.
제6변주는 아다지오 마 논 트로포로 느린 템포인데 내성적이고 명상적인 주제가 진행되는
가운데 첼로가 연주하는 특이한 동기가 아름다운 효과를 만들어낸다.
제1바이올린의 긴 트릴을 거쳐 코다로 들어가며 주제의 원형에 가까운 알레그레토와
아다지오 부분이 교대로 되풀이된 후 5악장으로 돌입한다.
5악장 프레스토
스케르초 부분이다. 첼로가 힘있게 주제 동기를 제시하며 한 마디 동안 모든 악기가 쉰
후 제1바이올린이 경쾌하게 스케르초의 주요 주제를 연주한다.
제2선율의 발전으로 두 번째 스케르초 형태가 만들어지고 곡은 트리오로 들어간다.
트리오는 두 개의 선율로 구성돼 있다.
6악장 아다지오 콰지 운 포코 안단테
3악장과 마찬가지로 하나의 악장으로 보기 힘들며 피날레의 서주부로 간주된다.
두도막 형식의 풍부한 선율을 지닌 악장이다.
7악장 알레그로
이 곡에서 유일한 소나타 형식이다. 유니즌으로 연주되는 네 마디의 강력한 도입부
후에 제1바이올린이 경쾌한 제1주제를 제시한다.
제1주제에 이어 나타나는 또 다른 주제는 1악장 푸가 주제와 관계가 있음이 분명해
보인다. 다시 제1주제가 나타난 뒤에 제2주제가 제시된다.
발전부에 들어가서 도입부와 제1주제에 의한 전개가 힘차게 시작되고 새롭게 여유
있는 선율을 더해간다.
재현부는 도입부에서 확실히 재현되며 제2주제 재현 후에 이 주제에 의해 자연스럽게
코다로 들어가 화려하게 끝마친다.
■ 추천음반
바릴리 4중주단(Westminster, 1952)은 한없이 밝고 부드러운 꿈꾸는 듯한 몽환적인
음색을 들려준다.
부다페스트 4중주단은 1940년대(Sony Masterworks Heritage), 1951~1952년 모노럴
전집(United Archives), 1958~1961년 스테레오 전집(Sony Music) 중 어느 것을 골라도
좋으나 모노럴 쪽이 좀더 웅숭깊은 음색을 들려준다.
그러나 최근 Masters 박스 세트로 등장한 스테레오 전집은 구하기가 용이해졌다.
알반 베르크 4중주단은 레드라인 시리즈로 발매된 1984년 스테레오 발매반(EMI)과
1989년 빈 콘체르트하우스 모차르트잘 실황(EMI) 모두 후회 없는 선택이다.
최근 연주 중에 눈에 띈 것으로는 아르테미스 4중주단의 녹음(Virgin, 2010)과
도쿄 4중주단의 후기 현악 4중주집(HMF)이 있다.
전자는 강렬한 색채감과 정교한 음색을 들려주었고 후자는 따스한 휴머니티를 느낄 수
있다.
9. The Chopin Ballade & Scherzos
Artur Rubinstein(Pf)
1) No.1, Op.23 in G Minor
2) No.2, Op.38 in F
3) No.3, Op.47 in A-Flat
4) No.4, Op.52 in F Minor
5) No.1, Op.20 in B Minor
6) No.2, Op.31 in B-Flat Minor
7) No.3, Op.39 in C-Sharp Minor
8) No.4, Op.54 in E
아르투르 루빈스타인 (Arthur Rubinstein, 1887. 1. 28 ~ 1982. 12. 20)
80여년 동안 전세계의 청중 앞에서 태양처럼 군림해왔던 아르투르 루빈스타인의 영토에서는 밤의
세계를 지배했던 블라디미르 호로비츠와 세상을 양분한 듯 그 어떠한 비르투오소도 마음껏
활개를 치지 못했다.
그와 같은 시대에 활동했던 그 어떤 피아니스트도 "마음에서 마음으로(베토벤이 '미사 솔렘니스'의
악보에 적어놓은)" 전달되는 직접적인 음향을 만들어낼 수 없었기 때문이다.
그의 음악이 갖는 우월함은 곡예에 가까운 개인기 때문이 아니라 획기적인 전달력에서 기인한
것이다.
이러한 완벽한 전달력은 물론 완벽한 테크닉에서 비롯된다.
힘차면서도 서정적인 그의 톤은 화려한 생명력을 머금고 높은 표현력을 발산한다. 감성은 그의
예술세계의 또 다른 측면이다.
19세기가 끝날 무렵인 1894년 폴란드에서 가진 데뷔 리사이틀로부터 그가 마지막 연주회를 가진
1976년 런던 위그모어 홀까지 루빈스타인은 항상 열정과 유쾌함, 부드러움을 갖고 연주회에
임했다.
무엇보다도 그의 성공의 이면에는 심오한 통찰력이 깃들어 있다.
놀라운 테크닉은 거대한 음악적 지성을 바탕으로 하는 한편 어떤 작품이라도 구조와 논리에 대한
이해를 우선시하여 극도의 명료함을 통해 그 음악의 정수를 청중들에게 전달해 준다.
그의 레파토리는 대단히 넓다. 바흐, 베토벤, 브람스, 슈베르트, 슈만, 리스트에서부터
시마노프스키와 프로코피에프, 빌라-로보스, 파야, 스트라빈스키('페트르슈카' 피아노 버전은
루빈스타인을 위해 편곡한 것이다)에 이르는 현대에 이르기까지 모든 작품을 자신의 스타일과
관점으로 용해시켰다.
특히 그의 터치에서 기인하는 남성적인 강인함과 아폴로와 같은 광채, 엄청난 크기의 손이 건반
위의 먹이를 낚아채듯 수직하강하는 다이빙 포즈, 거인과도 같은 스케일과 테크닉으로 청중을
압도해버리는 옛 시대 특유의 카리스마 등 그의 피아니즘은 음영이라고는 찾아볼 수 없는 밝음
그 자체를 대변했다.
낙천적인 음악성을 가지고 있었던 그는 연주회와 레코딩을 통해 자연스러우면서도 강제하지 않은
사운드가 주는 온화함을 만들어냈다. 그리고 이 모든 것의 중심에는 '쇼팽'이 있었다.
루빈스타인의 쇼팽 연주는 어떠한 특정 유파에 속하지 않는다.
굳이 수식을 하자면 정통 폴란드 스타일이라고나 할까? 요제프 호프만처럼 가장 개성적이고
초인적인 동시에 폴란드의 음악임을 상기해낼 수 있는 분위기를 그는 창조해냈다.
분명 루빈스타인의 쇼팽은 알프레드 코르토의 쇼팽보다는 덜 귀족적이었지만 그만큼 더 폴란드에
가까운 훨씬 인간적인 연주였다.
그가 특별히 특정 유파를 계승하지 않고 거의 독학으로 자수성가했던 것을 생각해본다면 이러한
배경이 그를 더욱 독창적인 음악 세계로 이끌 수 있었던 원동력이 되었던 것이다.
루빈스타인은 선천적 재능과 천재적인 기억력 덕분에 평소 연습을 잘 하지 않았던 것으로도
유명하다.
그 덕분에 젋은 시절에는 비판도 많이 받았지만 1920년대 무렵 명피아니스트 요제프 호프만의
연주를 들은 이후 쇼팽 연주의 새로운 경지를 깨닫고 연습에 매진하게 된다.
이후 지나치게 감상적이거나 무미건조한 것 고상하거나 의미없는 것을 배격하면서 테크닉을
넘어선 테크닉의 참된 경지를 탐구했다.
가장 자연스럽고 아름다운 음악이 흘러나올 때까지 자신의 음악관과 기술을 연마했다.
그 결과 힘차면서도 맑은 음향으로 가득 찬 그의 새로운 쇼팽 연주는 많은 사람들로 하여금
바로 이것이 현대적인 쇼팽의 출발점임을 수긍케 했다.
그는 쇼팽을 제외하고는 호로비츠와 레퍼토리에 있어서 거의 겹치지 않았다.
루빈스타인은 필생의 라이벌이었던 호로비츠와는 전혀 다른 세계에 살았던 피아니스트이다.
물론 호로비츠의 경이로운 테크닉에 놀라움을 감추지 못한 채 "최고의 피아니스트"라고 인정함과
동시에 자신은 “더 나은 음악가”라고 언급한 적이 있다.
한편으로는 타당한 이야기로 들린다. 왜냐하면 그는 평생토록 협주자이자 앙상블리스트,
솔리스트로서 음악의 모든 것을 즐겼음은 물론이거니와 유쾌한 동료이자 친근한 돈키호테로서
술과 음식, 여자와 시가, 투우와 여행 등등 삶의 모든 것을 사랑하고 실천한 전인적인 인물이었기
때문이다.
1887년 1월 28일 폴란드에서 두 번째로 큰 도시인 로지(Lodz)에서 태어난 루빈스타인은 부유한
공장주의 일곱 번째 아이었다.
두 살 때 이미 피아노를 가지고 완벽한 피치를 내려고 부단히 연습했던 그는 네 살 무렵에는
이미 신동으로서 명성을 떨쳤다.
네 살 배기 루빈스타인의 연주를 듣고 그 재능을 확신한 요제프 요하임은 로츠에서 평범한
소년으로 자라도록 충고하는 한편 베를린에서 칼 하인리히 바르트 교수(리스트의 제자로서 빌헬름
켐프의 스승으로도 유명함)를 소개하여 체계적인 교육을 받을 수 있도록 주선해 주었다.
이렇게 위대한 학습 전통을 물려받을 수 있었던 그는 베를린 필하모닉과 아르투르 니키쉬 지휘로
모차르트 피아노 협주곡을 연주하여 데뷔 무대를 갖게 되었고 프리츠 크라이슬러, 페루치오 부조니,
오이겐 달베르, 외젠느 이자이 등등 베를린에 거주하던 당대 최고의 음악가들과 교류할 수 있었다.
1904년 12월 파리에서 데뷔 무대를 가진 루빈스타인은 쇼팽과 생상스의 피아노 협주곡을 연주하여
커다란 반향을 일으켰고 생상스를 포함하여 모리스 라벨과 폴 듀카, 자크 티보, 페도르 샬리아핀
등과 교분을 쌓았다.
유럽 연주 여행을 마친 뒤 1906년 1월에는 뉴욕에서 미국 데뷔 무대를 가졌을 뿐만 아니라
러시아와 동유럽에서도 엄청난 성공을 거두었고 1912년에는 런던 데뷔 무대와 2년 뒤에는 스페인
데뷔 무대 또한 성공적으로 마쳤다.
파리에서 거주하는 동안 그는 이고르 스트라빈스키, 세르게이 프로코피에프, 드미트리 쇼스타코비치,
엑토르 빌라-로보스, 다리우스 미요, 에르네스트 블로흐, 마누엘 드 파야, 피에르 몽퇴, 파블로
카잘스를 비롯한 많은 작곡가들과 우정을 나누게 된다.
특히 1차대전 동안 런던에서 반주자로서 이자이와의 연주여행을 다녔던 것은 그의 특별한
경험이라고 말할 수 있다.
젊은 시절 그의 성공과 환대는 한 천재 피아니스트의 재능과 타고난 인간성 덕분이었다.
1920년대부터 30년대 사이는 루빈스타인에게 대단히 바쁜 시기였다.
새로운 피아노 스타로서 진정으로 각광받기 시작함과 동시에 파리와 런던을 오가며 웨일스의
왕자와 러를랜드의 공작부인, 로쉴드 남작, 폴리냑 왕비, 그라몽의 공작, 세르게이 디아길레프,
코코 샤넬 등과 절친한 관계를 맺었다.
그리고 그의 여행은 유럽과 아메리카에 국한되지 않고 아프리카와 터키, 이집트, 이스라엘, 일본,
상하이, 베이징, 싱가폴, 홍콩, 마닐라, 자바에 이르기까지 전세계를 돌아다녔다.
1932년에는 6년에 걸친 연애 끝에 폴란드의 명지휘자 에밀 밀나르스키의 딸인 아니에라
밀라르스키와 결혼에 이르게 되었고 1928년에는 런던에서 브람스의 카프리스와 쇼팽의 왈츠를
최초로 전기 녹음하기에 이른다.
이후 1930년대에는 HMV의 대표 피아니스트로서 각종 협주곡들과 쇼팽의 작품들을 전곡녹음하며
뭇 기존 대가들을 제치고 음반 산업계의 다크호스로 자리매김하게 된다.
1934년 여름부터 프랑스의 한 산골 마을인 성 니콜라 드 베로체에 은둔하면서 그는 자신의 음악에
변화를 주며 새롭게 태어난다.
1958년 루빈스타인은 한 인터뷰에서 다음과 같이 고백한 바 있다. "나는 음악으로부터 새로운
의미와 새로운 가치, 새로운 가능성을 찾기 시작했죠. 지난 30여년 동안 지속적으로 연주해온
바로 그 음악들로부터 말입니다. 그 동안은 내가 연주하는 방식에 만족해왔죠. 그러나 더 이상
만족해서는 안되었죠. 이전보다 아주 조금이라도 더 나은 방식과 관점을 찾기 시작했지만
아직까지도 충분히 만족하지는 못하고 있습니다"
1937년 50세의 나이로 미국으로 돌아온 새로운 루빈스타인은 다시 한 번 청중들로부터 열광적인
환대를 받기 시작했고 당연히 그의 개런티는 몇 배 이상으로 뛰었다.
이와 동시에 그는 RCA와 전격 계약을 맺으며 피아노가 할 수 있는 모든 레파토리에 도전하기
시작했다.
그는 전례가 없을 정도로 엄청난 밀리언 셀러로서 수많은 음반을 녹음했다.
쇼팽을 포함한 거의 모든 낭만주의 레파토리를 포함해 고전과 현대에 이르는 넓은 스펙트럼을
자랑했다.
쇼팽의 전작품과 피아노 협주곡, 베토벤의 피아노 협주곡과 소나타들, 바이올린과 첼로 소나타,
슈만, 리스트, 브람스의 협주곡들과 독주곡, 실내악, 생상과 드뷔시를 비롯한 프랑스 작곡가들,
라흐마니노프와 차이콥스키와 같은 러시아 작곡가들, 스페인 작곡가들과 남미 작곡가들이
포함되었다.
더군다나 바이올리니스트 야사 하이페츠와 첼리스트 엠마누엘 포이어만(그의 이른 서거 이후에는
그레고르 피아티고르스키)으로 구성된 저 전설적인 '백만불 트리오'를 결성하여 실내악
세계에서도 감히 대적할 만한 상대가 없었을 정도의 업적을 남겼다.
녹음 작업을 좋아했던 그는 특히 후대에게 자신의 연주를 들려줄 수 있다는 것에 일종의 의무감을
가지고 있었다.
"처음에는 내 레코드를 듣고 열광했죠. 그러나 몇 개월 뒤 레코드를 통해 내 자신은 변할 수
있었습니다. 이를 통해 새로운 무엇인가를 배울 수 있었기 때문이죠"
총 82권에 달하는 그의 컴플리트 레코딩 박스(RCA)를 일별해 보면 그의 엄청난 레파토리와
더불어 음악에 대한 놀라운 애정과 관심에 감탄하지 않을 수 없을 것이다.
1956년 미국 데뷔 50주년 연주회를 가진 뒤 1976년 은퇴할 때까지 그는 매년 100회가 넘는
연주회를 소화했을 뿐만 아니라 100여개가 넘는 도시를 방문(66년에는 서울에서 리사이틀을
열기도 했다)하여 연주회를 열었다.
머리 위까지 올라갔다가 내려찍는 듯한 그의 손 동작은 여전히 그의 트레이드 마크였고 어떤
작품이든지 유려하고 낭만적인 감수성을 자아냄과 동시에 짜릿한 흥분을 선사했다.
특히 본령이라고 말할 수 있는 쇼팽 해석은 대단히 극적으로 변화해갔다. 30년대에는
비르투오소로서의 진면목을 과시하려는 듯 숨막힐 정도의 과열된 열기를 뿜어냈고 50년대에는
형식과 내용이 완벽한 균형을 자랑하는 견고한 음악 구조물로서의 위엄을 뽐냈는가 하면 60년대
이후에는 정신이 이끄는 대로 따라가며 보다 폴란드적인 정서와 행간의 숨어 있는 의미를
드러내는데 치중했다.
그가 시대별로 세 차례에 걸쳐 남긴 마주르카, 녹턴, 스케르초, 왈츠, 폴로네이즈 전곡, 그
이상 녹음한 피아노 소나타와 피아노 협주곡(연습곡 전곡은 녹음하지 않았다는 것은
의미심장하다)은 정체를 거부하고 끊임없는 변화를 모색했던 한 예술가의 위대한 초상이라고
말할 수 있다.
지난 시대에 일명 ‘협주곡의 왕’이라고 일컬어졌던 그의 엄청난 크기의 손과 다부진 팔은
크고 강력한 사운드만을 위한 것이 아니다.
초인적인 포르티시시모가 터진 뒤 펼쳐지는 서정적인 패시지에서는 그 누구도 비할 바 없는
명료함과 다채로움을 구사했다.
진정한 비르투오소는 나이를 먹어감에 따라 더욱 강인한 정신력과 음향을 보여주듯이 루빈스타인
역시 70세, 75세, 80세, 85세를 거치면서도 생명력과 힘이 점점 더 배가되어갔다.
피아니스트 루돌프 제르킨은 그의 연주에 대해 다음과 같이 표현한 바 있다.
"그의 마음은 너무나도 젊기에 음악 또한 젊은 것은 어쩌면 당연한 일이죠. 마치 모든 음악을
처음 연주하듯이 연주한답니다"
바로 이 젊음이야말로 그의 연주에서만 느낄 수 있는 환희이자 연주자 자신이 평생에 걸쳐
찾고자 한 인식의 샘이었던 것이다.
그의 손이 높이 올라가면 올라갈 수록 더 부드럽고 영롱한 음향을 들려주었던 루빈스타인은 더
아름다운 음향을 찾고자 1982년 12월 20일 96세 생일을 한 달 앞두고 스위스 제네바에서 숨을
거두었다.
대표음반
쇼팽 '피아노 협주곡 1, 2번'(RCA), 쇼팽 '녹턴'(RCA), 쇼팽 '마주르카'(RCA), 쇼팽
'폴로네이즈'(RCA), 쇼팽 '왈츠' (RCA), 베토벤 '피아노 협주곡 전집'(RCA), 브람스 '피아노
협주곡 전집'(RCA), 그리그, 슈만 '피아노 협주곡'(RCA), 생상스, 프랑크, 리스트 '피아노
협주곡'(RCA), 카네기 홀 리사이틀 (RCA)
약력
1892 멘델스죤, 모차르트, 슈베르트 음악으로 12월 14일 첫 공개 연주회를 가짐
1897 요제프 요하임의 도움으로 베를린 음악 아카데미의 하인리히 바르트 교수를 사사
1899 요하임 지휘로 모차르트의 피아노 협주곡 A장조 협연
1911~20 유럽전역, 러시아, 영국, 스페인, 남아메리카, 멕시코 등지에서 연주회를 가짐
1934 발칸 반도와 이집트 등지에서 연주회를 가짐
1938 무솔리니로부터 받은 메달에 “아르투르 루빈스타인-유태인 피아니스트”라는 서명을 써서
돌려보냄
1941~48 캘리포니아에 정착하며 바비롤리, 비첨, 클렘페러, 오먼디, 라이너, 로진스키,
스타인버그, 스토코프스키, 셸, 토스카니니, 발터, 발렌스타인 등과 협연함
1966 호주, 뉴 질랜드, 홍콩, 인디아, 일본, 한국 등 극동 아시아에서 연주회를 가짐
1976 미국과 유럽 전역에서 마지막 공개 연주회를 가짐
1982 제네바에서 서거한 뒤 화장하여 예루살렘에 안장됨
10. Antonio Vivaldi-Sonatas for Violoncello
Anner Bylsma(Vc)
1) Sonata No. 1 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 47/I. Largo
2) Sonata No. 1 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 47/II. Allegro
3) Sonata No. 1 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 47/III. Largo
4) Sonata No. 1 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 47/IV. Allegro
5) Sonata No. 2 in F Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 41/I. Largo
6) Sonata No. 2 in F Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 41/II. Allegro
7) Sonata No. 2 in F Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 41/III. Largo
8) Sonata No. 2 in F Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 41/IV. Allegro
9) Sonata No. 3 in A minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 43/I. Largo
10) Sonata No. 3 in A minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 43/II. Allegro
11) Sonata No. 3 in A minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 43/III. Largo
12) Sonata No. 3 in A minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 43/IV. Allegro
13) Sonata No. 4 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 45/I. Largo
14) Sonata No. 4 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 45/II. Allegro
15) Sonata No. 4 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 45/III. Largo
16) Sonata No. 4 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 45/IV. Allegro
17) Sonata No. 5 in E minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 40/I. Largo
18) Sonata No. 5 in E minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 40/II. Allegro
19) Sonata No. 5 in E minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 40/III. Largo
20) Sonata No. 5 in E minor for Violoncello and Basso Continuo, RV 40/IV. Allegro
21) Sonata No. 6 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 46/I. Largo
22) Sonata No. 6 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 46/II. Allegro
23) Sonata No. 6 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 46/III. Largo
24) Sonata No. 6 in B-flat Major for Violoncello and Basso Continuo, RV 46/IV. Allegro
안너 빌스마 (Anner Bylsma. 1934 ~ )
네덜란드 출신 첼리스트로서 지난 1998년 영국의 권위 있는 음악지 클래식CD가 선정해
발표한 '역사상 가장 위대한 첼리스트 6인'에 뽑힌 첼로의 거장이다．
클래식 음악계에서는 드물게 원전악기와 현대악기 모두에 재능을 가진 연주자로 특히
'바흐의 무반주 첼로 모음곡'이 일품으로 꼽힌다
1993년에는 '누벨 아카데미 음반상', 1994년에 '오스카 클래식'에 선정된 바 있다.
안너 빌스마는 트롬본 연주자였던 아버지로부터 세 살 때 바이올린을 배우면서 처음 음악을
접하게 되고 헤이그의 왕립음악원에 들어가 첼로를 배우기 시작했다.
연주에 뛰어난 재능을 보여준 그는 1957년 왕립 음악원에서 수여하는 '프리 덱셀랑스'를
수상했으며 1959년 '파블로 카잘스 콩쿨' 우승자이다.
1982년 이후 그는 하버드 대학에서 특별 연구원으로 활동하며 헤이그의 왕립 음악원과
암스테르담 스벨링크 음악원에서도 교수로 재직하고 있다.
안너 빌스마는 지금까지 유럽을 비롯해 세계 각지를 돌며 수많은 오케스트라와의 협연과
독주회를 열고 있다.
실내악 활동에도 꾸준히 연주활동을 하는 한편 오르페우스 챔버 오케스트라와 타펠 무지크,
계몽주의 오케스트라 그리고 20세기 음악에 강세를 보이는 실내악단 론돔 등 다양한
음악그룹과 정기적인 협연을 갖고 있다.
바로크와 현대 첼로 양쪽 모두에 재능을 가진 빌스마는 파리 음악원, 베를린 음악원, 뉴욕
줄리어드에서 마스터 클래스를 열고 후진 양성에도 힘쓰고 있다.
또한 빌스마는 그의 연륜 만큼이나 다양한 디스코그라피를 갖고 있다.
빌스마의 독주, 실내악 음반들은 에디슨상, 디아파종상, 리스트상을 비롯한 많은 수상
경력을 자랑하고 있고 그의 브람스 소나타음반은 1995년 그래미상 후보에 오르기도 했다.
1999년, 2000년, 2002년 내한공연을 가졌다.
11. Musical Imagination of the Renaissance
Huelgas Ensemble / Paul van Nevel
1) Italia mia
2) Agnus Dei 'Italia mia'
3) Fortuna desperata
4) Canto degli Ebrei battezzati
5) Il piu leggiadro viso
6) Calami sonum ferentes
7) De lamentatione Hieremiae feria 6 In Parasceve: Lectio prima
8) De lamentatione Hieremiae feria 6 In Parasceve: Lectio secunda
9) De lamentatione Hieremiae feria 6 In Parasceve: Lectio tertia
10) Io piango
11) Ingrata pastorella
12). Ancide sol la morte
13) La mia doglia s'avanza
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