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1. Bach, Concerto in D minor, BWV 1052
Andras Schiff(Pf&cond), Chamber Orchestra of Europe
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro
♣ 바흐 클라비어 협주곡 제1번 d단조 BWV 1052
원곡은 클라비어를 위한 협주곡이지만 바이올린 협주곡용으로 개작되었다고 전해진다.
원보는 바흐의 아들 프리데만이 소장하고 있었으나 그 후 잃어버리고 말았다는 문제의 클라비어
협주곡이다.
라이프찌히 시대(1723-50)의 바흐는 대학 관계자나 라이프찌히의 음악 애호가들과 함께
연주하면서 음악을 감상하는 모임을 만들고 바흐와 그 두 아들도 가담하여 매주 1회씩 연주회를
열고 있었는데 그 연주용으로 이들 곡이 만들어졌던 것이다.
이 곡은 독주부와 전합주부의 명쾌한 교체, 정확한 악곡 구성, 화려한 카덴짜 등 비발디의
바이올린 협주곡 형식에 따른 것이 많으므로 근대 협주곡 형식의 발달에 중요한 역할을 하는
명작이다.
라이프찌히 시대 작곡된 7개 협주곡 가운데 하나로서 가장 자주 연주되는 불후의 명작이다.
제1악장 Allegro
원기 넘치는 선율로 시작된 곡은 아름다운 서정풍의 긴 중간부에 이어 제2악장으로 들어간다.
제2악장 Adagio
장중하고 힘찬 현의 제주(？奏)로 시작하여, 피아노의 소박한 멜로디가 조용히 노래한다.
제3악장 Allegro
발랄한 푸가로서 대범함 가운데 화려하게 반짝이는 바흐의 진가가 나타난다.
2. Mahler, Symphony No.5 in C sharp minor
Giuseppe Sinopoli(cond), Philharmonia Orchestra
I. Trauermarsch : In Gemessenem
II. Sturmisch Bewegt : Mit Grosster Hemenz
III. Scherzo : Kraftig,Nicht Zu Schnell
IV. Adagietto : Sehr Langsam
V. Rondo-Finale : Allegro
♣ 말러 교향곡 5번
말러에게 있어 '교향곡 5번'은 새로운 출발이다. 불혹을 넘긴 그는 새로운 기악 교향곡의
첫 작품인 '교향곡 5번'에서 고도로 세련된 작곡기법을 구사함과 동시에 전통적인 교향곡의
구성을 살짝 비틀어 특유의 음악적 풍자와 냉소를 좀 더 세련된 방식으로 드러냈다.
자신의 삶과 음악을 밀접하게 관련시키곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서도 그가 경험한 두
가지 중요한 사건을 은근히 암시하고 있다.
'교향곡 5번'에 착수하던 1901년에 말러는 심각한 장출혈로 위기를 겪은데 이어 교향곡을
완성하던 1902년에는 미모의 알마 신틀러와 결혼하면서 지옥과 천국을 오갔다.
비록 그 자신은 '교향곡 5번'에 어떠한 표제도 붙이지 않았지만 비극적인 장송행진곡으로
시작해 유난히 밝고 경쾌한 5악장으로 마무리되는 '교향곡 5번'은 죽음의 위기와 결혼의
행복이라는 두 가지 사건을 나타내는 듯하다.
비극적인 음악에서 환희의 음악으로 마무리되는 전개 방식은 '어둠에서 광명으로' 향하는
전통적인 독일 교향곡의 구성과 닮았지만 말러는 이 교향곡 곳곳에 자신의 가곡에서 따온
선율을 암시하며 수수께끼 같은 메시지를 전하고 있다.
무엇보다 말러가 '교향곡 5번'에서 이뤄낸 가장 놀라운 업적은 작곡기법적 성취가 아닐까
싶다.
말러의 '교향곡 5번'에선 그 어떤 선율도 단순하게 등장하는 법이 없다. 하나의 주제가 또
다른 주제와 동시에 제시되는가 하면 조그만 반주 음형이 거대하게 자라나 전체 음악을
압도하기도 한다.
1, 3악장에선 트럼펫과 호른이 마치 협주곡의 솔리스트인양 전면에 드러나고 3, 5악장에선
여러 악기들이 매우 정교한 '폴리포니'(polyphony)를 만들어내며 2, 5악장 마지막 부분에선
금관악기들이 통쾌한 코랄(choral)을 연주한다.
물론 '교향곡 5번'에서 가장 유명한 악장인 4악장 '아다지에토'의 아름다운 음악은
영화음악으로 사용될 정도로 로맨틱한 감성으로 가득하다.
말러가 '교향곡 5번'에서 그토록 다양하고 세련된 작곡기법을 구사할 수 있었던 것은 그
당시 말러가 J.S. 바흐의 작품을 깊이 연구한 것과 무관하지 않을 것이다.
1901년 3월 경, 말러는 바흐의 악보 전집을 들여놓고 틈날 때마다 들여다봤으며 여름 휴가
때도 바흐가 사용했던 코랄에 다양하게 화성을 붙이며 하루 일과를 보내곤 했다.
바흐 음악을 통해 새로운 작곡 기법에 눈을 뜬 말러는 '교향곡 5번'을 작곡하면서
"초보자처럼 새롭게 곡을 썼다"고 증언하기도 했는데 실제로 교향곡 5번은 그의 초기
교향곡들과는 근본적으로 다른 음악이다.
말러의 '교향곡 5번'은 교향곡 5, 6, 7번으로 구성된 '중기 3부작'의 새 시대를 연
작품이다.
이 세 교향곡은 순수 기악곡으로 일종의 '교향악적 칸타타'라고 할 수 있는 교향곡 2, 3,
4번과는 완전히 다른 노선을 걷고 있다.
새로운 3부작은 가사도 가수도 합창도 없이 진행된다. 또한 교향곡에 자신의 가곡을
인용하곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서는 단지 암시만 할 뿐 노골적으로 드러내지 않는다.
새로운 3부작을 여는 '교향곡 5번'은 악장 구조 역시 독특하다.
모두 5악장으로 이루어졌으나 1악장은 마치 2악장의 서주와 같은 역할을 하며 제1부를
구성하고 3악장은 제2부, 그리고 4, 5악장이 연결되어 제3부를 구성한다.
제1부는 인상적인 트럼펫 팡파르로 시작한다. 곧 이어 마치 고통스러운 발걸음처럼 무겁고
침통한 장송행진곡이 울려 퍼진다.
팡파르와 행진곡으로 이루어진 두 가지 악상은 곧이어 폭발적인 슬픔으로 중단되며 극단적인
대비를 이룬다.
팡파르와 행진곡, 슬픔의 폭발이 교대되는 동안 이 음악을 듣는 이들 역시 감정적인 고양을
경험하게 될 것이다.
그리고 1악장 말미에 터져 나오는 탄식의 울부짖음에서 절정에 달할 것이다.
이어지는 2악장은 1악장과 몇 가지 악상을 공유하고 있어 사실상 1악장에 연결되는 음악이라
할 수 있다.
소나타 형식으로 구성된 이 악장은 격렬한 분노를 담은 제1주제와 평화를 갈망하는 듯한
제2주제로 중심으로 전개된다.
2악장의 핵심은 이 악장 말미에 금관악기들이 연주하는 통쾌한 '코랄'이지만 이는 오래지
않아 불협화음과 반음계적인 추락 모티브들로 좌절되면서 쓸쓸한 결말에 이른다.
제1부가 장송행진곡과 분노의 폭발이라면 스케르초로 된 제2부는 일종의 춤곡이다.
시골풍의 거친 '랜틀러'와 도시 풍의 세련된 '왈츠'가 교대되는 이 스케르초는 말러 자신이
표현대로 "우리는 삶의 한 가운데서도 죽음 속에 존재한다"(media vita in morte sumus)는
이중성을 드러낸다.
겉으로는 행복한 삶을 누리는 듯하지만 시시각각으로 우리를 위협하는 집요한 시간의 추적이
'♪♪♩♩'의 반복되는 리듬과 광포한 춤곡으로 묘사된다.
이것은 결코 삶에 대한 확신이 아니다. 온갖 모티브들이 여기저기서 튀어나와 거대한
폴리포니를 이루고 있는 이 음악은 죽음의 추격에 쫓기며 우왕좌왕하는 인간의 혼란스러운
삶의 단면을 보여주는 듯하다.
3악장의 난폭한 죽음의 춤을 거쳐 제3부의 첫 악장인 '아다지에토'에 이르면 지극히
낭만적이고 감성적인 음악이 현악기만으로 연주된다.
어떤 이들은 이 음악을 "알마에 대한 사랑의 고백"이라 말하기도 하지만 이 악장의 마지막
부분의 베이스 파트에 암시된 음악은 말러의 뤼케르트 시에 의한 가곡 '나는 세상에서
잊혀지고'라는 가곡이다.
이 곡은 말러가 "이 곡은 바로 나 자신이다"라고 말할 정도로 각별한 애정을 갖고 있던
가곡이긴 하지만 사랑을 노래한 음악에 왜 이런 쓸쓸한 노래를 인용했는지는 여전히 미스터리로
남는다.
4악장에 곧바로 이어지는 5악장은 지나치게 밝고 경쾌한 음악이다. 5악장에서는 2악장 말미에
잠시 등장했던 코랄이 완전한 승리로 끝나고 있어 "삶에 대한 강한 긍정"을 보여주는 음악으로
해석되기도 한다.
그러나 5악장 도입부에서 목관악기들이 연주하는 선율의 단편들 중에 클라리넷이 연주하는
멜로디를 잘 분석해보면 놀랍게도 그 성스럽고 장엄한 코랄 선율임이 드러난다.
5악장 도입부에서 툭 내던져지듯이 연주되는 선율의 단편이 교향곡 5번의 결론을 이끌어내는
성스러운 코랄의 단편이라는 사실은 어쩐지 신성모독 같이 느껴지기도 한다.
게다가 5악장 도입부에서 연주되는 바순의 상행 모티브는 말러의 뿔피리 가곡집 중에서 '높은
지성의 찬가'(Lob des hohen verstands)에서 따온 것으로 그 내용은 우스꽝스럽기 짝이 없다.
이 가곡에서 당나귀는 귀가 크다는 이유로 뻐꾸기와 나이팅게일의 노래 경연대회의 심사위원으로
초청된다.
그는 단순하게 두 음만 반복하는 뻐꾸기의 노래가 더 훌륭하다고 판정한다. 이는 나이팅게일의
멋진 노래와도 같은 말러의 훌륭한 작품이 당나귀와 같은 당대 비평가들에 의해 인정받지 못하고
있다는 사실에 대한 말러의 자조인 듯 느껴진다.
말러의 냉소적인 풍자는 계속된다. 말러는 4악장에서 그토록 간절하고 안타깝게 표현했던 아름다운
사랑의 주제를 5악장의 제2주제로 가져와 지나치게 가볍고 경쾌한 음악으로 바꿔놓으면서 진실한
사랑을 회피하려는 듯하다.
이것 역시 코랄의 신성모독 못지않은 충격을 전해준다.
과연 말러가 '교향곡 5번'에서 표현하고자 했던 메시지는 무엇이었을까? 그것은 여전히 수수께끼로
남지만 말러가 이 교향곡에서 표현한 그 현란한 폴리포니와 화려한 기교는 오늘날의 음악애호가들을
사로잡기에 충분하다.
■ 추천음반
말러 '교향곡 5번'의 추천 음반으로는 풍부한 감성을 담은 텐슈테트/런던 필하모닉의 음반(EMI)과
명쾌한 해석이 돋보이는 샤이/RCO(Decca)의 음반을 추천한다.
각 성부의 생동감 있는 움직임이 돋보이는 래틀/베를린 필하모닉(EMI)의 음반도 좋다.
또한 시노폴리/필하모니아 오케스트라(DG)의 음반 등을 꼽을 수 있겠다.
주세페 시노폴리 (Giuseppe Sinopoli, 1946. 11. 2 ~ 2001. 4. 20)
이탈리아의 베네치아에서 태어났다. 1958년에서 메시나에서 개인적으로 화성과 오르간을 배우고
1965년에 파도바 대학에서 의학을 전공하면서 베네치아의 B.마르첼로 음악원에서도 배웠다.
이 동안의 1968년부터 마데르나에게 인정을 받고 다름슈타트에서 마데르나와 슈토크를
사사하였다.
1971년에 파도바 대학을 졸업하고 다음해부터 빈에서 지휘를 스바로프스키에게 배웠다.
모교 마르첼로 음악원의 현대 음악과 전자 음악의 교수로 1974년까지 근무했으며 그 후 빈을
중심으로 분석과 화성을 빈 음악원에서 가르쳤다.
1975년에는 베네치아에서 마데르나 앙상블을 결성하고 현대 음악의 지휘자로서도 활약했다.
작곡가로서는 1970년부터 작품을 발표하고, 루아이안과 도나우에싱겐 음악제에서 위촉 작품을
썼고 근년에는 지휘자로서도 오페라에 진출하였다.
빈 국립 오페라 극장의 1980년부터 1981년의 시즌에 지휘한 베르디의 '아이다'에서 대성공을
거두어 오페라 지휘자로서 리카르도 샤이 다음 가는 큰 그릇으로 평가되었다.
또 1981년 5월에는 뮌헨에서 자작의 오페라 '살로메'의 초연을 지휘하여 큰 화제를 불러일으켰다.
레코드는 아직 부소티의 '베르크크리스탈'과 '로렌자초 교향곡'(그라모폰)의 한장만이지만 매우
뛰어나다.
1988년에는 필하모니아 관현악단의 상임으로 있었으며 1990년에는 베를린 도이치 오페라의 음악
감독으로 취임하였다.
3. Mozart, Piano Concerto No.24 in C minor K.491
Alicia de Larrocha(Pf) / Sir Colin Davis(cond), English Chamber Orchestra
I. (Allegro)
II. Larghetto
III. (Allegretto)
♣ 모차르트 피아노 협주곡 24번 C 단조 K.491
피아노 협주곡 24번 다단조 K 491는 모차르트가 1785년 겨울과 1786년 사이에 작곡해
1786년 3월 24일에 완성한 피아노 협주곡이다.
모차르트가 작곡한 피아노 협주곡 24번은 그해 4월 7일에 빈의 한 극장에서 초연되었다.
또한 24번은 다단조로 작곡되어 현재 모차르트가 작곡한 27개의 피아노 협주곡 중 피아노
협주곡 20번과 함께 단조로 되어있는 두 곡 중 하나에 속한다.
24번은 플루트, 오보에 2대, 클라리넷 2대, 바순 2대, 트럼펫 2대, 팀파니와 많은
현악기로 구성되어 모차르트의 피아노 협주곡 중 가장 많은 악기로 구성되어있다.
이 중 1악장은 4분의 3박자로 되어 모차르트의 피아노 협주곡 11번과 14번과 동시에
1악장이 4분의 3박자로 되어있는 세 곡에 속한다.
24번도 모차르트가 작곡한 유수한 곡 중 가장 널리 알려져 있는 곡에 속하며 베토벤 또한
이 곡에서 영감을 받아 자신의 곡인 피아노 협주곡 3번에 선율을 사용하기도 했고
리하르트 슈트라우스도 1885년에 그가 연주할 당시 자신이 작곡한 카덴차를 이용해
연주했다.
모차르트 학자들에 따르면 피아노 협주곡 24번 C단조는 그의 가장 훌륭한 협주곡으로
평가받고 있다.
길고 달콤한 선율로 시작하는 현악 주제는 먼저 나온 협주곡 A장조 K488과 달리 이전과는
확연히 다른 세계로 우리를 인도한다.
곡이 시작되면서 영적인 여행도 함께 시작된다. 그러나 곧 익숙하지 않은 혼란이 느껴지고
위를 향해 도약했다가 다시 아래로 미끄러지는 모습에서 방향을 잃은 건 아닌지 의심하게
된다. 그러다 잠시 한 숨 돌리게 된다.
진동하는 현악의 16분 음표는 새로운 장면이 펼쳐질 것을 예고한다.
첫 악장에서 이어지는 악장까지 피아노는 엄숙한 분위기를 유지하다가 단조로 엄숙함을
완성한다.
곡에서는 전반적인 오페라의 분위기가 느껴지지만 다른 협주곡들과 달리 연극적 분위기는
강하지 않다.
그런 점에서 모호한 장조로 엔딩을 처리해 희가극 엔딩을 연출한 20번과 확연한 대조를
이룬다. 오히려 이 곡은 모차르트가 말년에 보여준 분위기가 비슷하다.
쉼 없이 변화하는 음색, 자연스럽게 표현하는 뉘앙스, 흠잡을 데 없이 완벽한 힘, 과도한
감정의 억제가 가능한 피아니스트만이 이 곡을 연주할 수 있다.
4. Brahms, Violinenkonzert D-dur, Op.77
Joshua Bell(Vn) / Christoph von Dohnanyi(cond), The Cleveland Orchestra
I. Allegro non Troppo
II. Adagio
III. Allegro Giocoso Ma Non Troppo Vivace
♣ 브람스 바이올린 협주곡 D 장조 Op.77
1870년대는 브람스에게 매우 생산적인 시기였다. '하이든 주제의 의한 변주곡', '교향곡
1번'과 '2번' 같은 대작들이 이 10년의 기간 동안 작곡되었기 때문이다.
1878년의 여름, 오스트리아의 휴양지 푀르트샤흐(Poertschach)에서 그의 오랜 친구이자
바이올리니스트 요제프 요아힘이 연주한 베토벤의 바이올린 협주곡을 떠올리고 있었다.
처음부터 브람스가 요아힘의 연주에서 영감을 얻은 것은 아니었다.
1877년 여름 바덴바덴에서 파블로 데 사라사테가 연주하는 막스 브루흐의 '바이올린
협주곡 2번'의 초연 현장에 있던 브람스는 이 스페인 출신의 비르투오조에게 완전히 넋이
나갔다.
물론 그는 브루흐의 협주곡에 대해서는 그다지 훌륭하다고 생각하지는 않았지만 독주자의
화려한 바이올린 연주에는 감탄을 표시했다.
브람스는 결국 장엄한 양식의 바이올린 협주곡을 쓰고 싶다는 생각을 더욱 굳히게 되었다.
브람스가 그의 바이올린 협주곡의 모델로 생각했던 것은 베토벤의 협주곡이었지만 조반니
비오티의 '바이올린 협주곡 22번'에서 첫 번째 씨앗을 발견했다.
브람스가 이 협주곡을 작곡하던 바로 그 해에도 요아힘과 함께 비오티의 협주곡을
연주했고 클라라 슈만에게 보낸 편지에서도 칭찬을 아끼지 않고 있다.
“나를 완전히 사로잡은 것은 비오티의 '협주곡 22번'입니다. 대단히 독창적인 상상력이
인상적이었고 요아힘의 연주도 끝내줬죠. 어떻게 이처럼 훌륭한 작품이 제대로 된 평가를
받지 못하고 있는지 이해할 수 없군요.”
브람스가 바이올린 협주곡을 작곡하는 과정에서 요아힘의 역할은 논쟁의 여지는 있지만
많은 부분에서 과장된 것도 사실이다.
실제로 브람스와 요아힘이 교환한 편지를 보면, 이 두 사람은 활발하게 의견을 주고 받았다.
그러나 브람스가 요아힘의 기술적인 조언을 곧이곧대로 받아들인 것은 아니었다.
요아힘은 너무 어려운 기교적인 부분을 수정해달라고 요구했지만 결국 완성된 판본은
브람스의 굳은 의지가 반영된 결과였다.
그럼에도 불구하고 요아힘의 역할은 비록 한정된 부분이지만 분명 브람스의 바이올린 협주곡
탄생에 하나의 역할을 한 것도 사실이다.
1878년 10월 23일, 브람스는 요아힘에게 "지금 아다지오와 스케르초 부분을 어떻게 할까
고민하고 있습니다"라는 편지를 보낸다.
한 달 후에는 "원래 계획했던 2개의 중간 악장을 빼버리기로 결심했고 대신 아다지오를
넣었어요. 이렇게 하는 것이 전체적인 구성에 더 맞다고 생각합니다"
요아힘의 손에 완성본이 전해진 것은 1878년 12월 12일이었고 초연까지는 보름이 조금 넘게
남아 있었지만 리허설이 예정되어 있던 25일까지는 열 이틀 밖에 시간이 없었다.
여전히 요아힘은 클라라 슈만을 포함한 주변 사람들에게 독주 부분이 너무 어렵다고
투덜거렸다.
초연 장소도 계속 표류중이었다. 프라하나 부다페스트가 물망에 오르다가 베를린과 빈으로
그러다 결국 라이프치히로 결정되었다.
1879년 1월 1일, 브람스가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스 오케스트라와 요제프 요아힘의
협연으로 초연되었다.
사라사테 같은 연주자는 브람스의 바이올린 협주곡을 높이 평가하지 않았지만 20세기 초반
에밀 소레와 앙리 마르토 그리고 브로니수아프 후베르만, 아돌프 부슈, 프리츠 크라이슬러
같은 뛰어난 바이올리니스트들이 브람스 연주를 통해 자신들의 명성을 높였다.
현재 이 곡은 베토벤과 멘델스존의 작품과 함께 3대 바이올린 협주곡이라고 불려지는 걸작이
되었다.
1악장 - 알레그로 논 트로포
부드러운 세 박자, 그리고 첫 주제의 3화음 등이 인상적이며 두 개의 주제적 동기가 지닌
리듬의 특성은 매우 흥미롭다.
다섯 개의 4분 음표 음형이 반복되면서 조성된 부드럽고 서정적인 동기는 제1바이올린에 의해
펼쳐지며 다섯 박자 음형의 동일반복은 기초가 되는 세 박자의 갈등 구조는 묘한 긴장감을
불러 일으킨다.
으뜸음과 딸림음에서 지속되는 페달 포인트 위로 독주자는 46마디의 '기교적인 어려움'을
풀어야 한다.
2악장 - 아다지오
매력적인 오보에의 활약이 돋보이는 이 악장은 고독하고 쓸쓸한 정경을 제시한다.
유달리 아름다운 아다지오 악장에 대해 브람스 자신은 그다지 만족하지 않은 것 같다.
독주 바이올린과 오케스트라의 섬세한 대위법을 감상할 수 있다.
3악장 - 알레그로 지오코소, 마 논 트로포 비바체 - 포코 피우 프레스토
여섯 부분으로 된 론도는 독주 악기가 주제를 더블스톱으로 연주함으로써 시작된다.
헝가리의 짚시 스타일의 이 악장은 첼로의 셋잇단음표로 시작되는 코다가 파도처럼 긴장감을
높여나간다.
다만 브람스가 지시했듯이 ‘마 논 트로포 비바체’(그러나 너무 활기차지는 않게)를 염두에
두어야 한다.
저음현의 피치카토에 이어 독주 바이올린은 8분음의 휴지부를 두면서 마무리 된다.
■ 추천음반
조지 셸이 지휘하는 클리블랜드 오케스트라와 협연한 다비드 오이스트라흐(EMI)의 음반은
조화로운 앙상블이 인상적이다.
키릴 콘드라신이 필하모니아를 지휘하고 레오니드 코간이 협연한 음반은 장엄한 스타일이
기억에 남는다.
프리츠 라이너가 지휘하는 시카고 심포니와 협연한 야샤 하이페츠의 음반(RCA)은 상당히
빠른 템포로 박진감 넘치는 연주를 들려준다.
레너드 번스타인이 빈필을 지휘하고 기돈 크레머가 협연한 음반(DG)은 전체적으로 팽팽한
긴장감이 짜릿한 맛을 주고 있다.
조슈아 벨 [Joshua Bell, 1967.12.9 ~ ]
미국 인디애나주 블루밍턴에서 태어나 5세 때 바이올린을 시작했고 12세 때는 조지프
긴골드와 이반 갤러미안에게 교습을 받았다.
뛰어난 실력을 보이던 그는 14세 때 이미 리카르도 무티가 지휘하는 필라델피아 관현악단과의
협연으로 데뷔 무대를 가졌으며, 얼마 후에는 카네기홀에서도 연주를 했다.
인디애나대학교에서 학위를 받은 이후 섬세하고 사려 깊은 연주자로서 영감에 가득 찬 성숙한
아티스트로 세계적인 명성을 얻기 시작했다.
그리고 뉴욕필하모닉, 보스턴교향악단, 클리블랜드관현악단, 로스앤젤레스필하모니관현악단,
런던교향악단 등 세계 유수의 교향악단과 협연했다.
그의 무대를 빛내준 지휘자로는 블라디미르 아슈케나지, 샤를 뒤투아, 존 엘리엇 가드너, 존
윌리엄스, 크리스토프 폰 도흐나니, 제임스 레바인 등이 있다.
그는 또한 진귀한 바이올린에 얽힌 300년 동안의 이야기를 다룬 영화 '레드 바이올린 The Red
Violin'의 음악고문이자 보이지 않는 연주자로 활약했는데 이 영화는 프랑수아 지라르가
감독하고 존 코릴리아노가 음악을 맡았으며 코릴리아노가 그를 위해 쓴 샤콘이 삽입되어 있다.
펠릭스 멘델스존, 막스 브루흐, 표트르 차이코프스키, 요하네스 브람스, 로베르트 슈만의 협주곡
등 기존의 주류 레퍼토리뿐 아니라 색다른 음악들에도 관심을 보이는 그는 널리 알려진 영국
작곡가 니콜라스 모의 바이올린 협주곡을 세계 최초로 연주하기도 했으며 리코딩 작업도 활발히
하고 있다.
현재 그는 1713년에 스트라디바리가 제작한 '깁슨&후베르만'을 400만 달러에 구입해서 사용하고
있다.
5. Elgar, Cello Concerto in E minor, Op.85 [ XRCD ]
Jacqueline du Pre(Vc) / Sir John Barbirolli(cond), London Symphony Orchestra
I. Adagio - Moderato
II. Lento - Allegro molto
III. Adagio
IV. Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo
♣ 엘가 첼로 협주곡 E 단조 Op.85
에드워드 엘가(Edward Elgar, 1857~1934)는 헨리 퍼셀과 조지 프리데릭 헨델 이후
참으로 오랜만에 등장한 영국 출신의 세계적인 작곡가였다.
헨델의 경우엔 주로 영국에서 활동했지만 독일 태생의 작곡가였고 퍼셀은 300년 전인
17세기의 작곡가였다.
우리에게 잘 알려진 아름다운 바이올린 소품 '사랑의 인사'와 '수수께끼 변주곡',
'위풍당당 행진곡'으로 유명한 엘가는 무엇보다도 20세기에 작곡된 첼로 작품 중 가장
비극적인 곡 '첼로 협주곡 E단조'를 남긴 작곡가다.
일반적으로 협주곡은 3개의 악장으로 구성되어 있지만 엘가는 교향곡과 같이 4개의
악장으로 작품을 구성했다.
이 작품은 1, 2악장과 3, 4악장을 서로 묶어서 휴식없이 연주한다. 많은 사람들이 이
곡에서 위로를 받는다.
어둠 속에서 은은하게 번지는 슬픔의 입자들이 온몸을 휘감는 듯한 느낌은 매우 특별한
체험을 제공한다.
엘가의 이 위대한 '첼로 협주곡'이 가지고 있는 가장 커다란 힘은 '마음의 위로'에 있다.
이 음악은 절망에 빠진 사람들을 슬픔의 바다에서 빛의 세계로 인도한다. 꿈보다 오래된
기억처럼 가슴 속 아주 깊은 곳에서 퍼져나오는 눈물 같은 조각들은 엘가의 한숨과
섞여서 흐른다.
첼로의 저음은 이토록 절절한 감정들을 핏빛으로 물들이며 흔들린다. 엘가는"내가 말하고
싶었던 것은 작품의 간단한 구조 안에 있다"고 말했는데 삶에서 죽음 쪽으로 무너지는
인생에 대한 추억이 박혀있는 듯한 느낌은 '첼로 협주곡'의 흐름을 타고 감정의
클라이막스를 구성한다.
제1차 세계대전이 한창이던 1918년 3월 22일 영국의 햄스티드에서 엘가는 '첼로
협주곡'의 첫 번째 스케치를 쓰기 시작했다.
종종 대포 소리가 들리는 와중에도 엘가는 부지런히 작곡을 계속했고 마침내 7월에는
거의 마무리 단계에 와 있었다.
작품을 완성해나가던 사이사이 햄스티드의 야간 특별 경관으로 활동하기도 했던 엘가는
자신의 삶이 막바지에 와 있다는 것을 느끼며 대작 완성에 힘을 기울이고 있었다.
그 해 여름의 대부분을 바이올린 소나타와 현악 사중주를 작곡하는 데 열중했고 첼리스트
펠릭스 잘몬트와 '첼로 협주곡'에 대해 함께 의견을 교환한 이후 7월에는 촛대를 만드는
틈틈이 협주곡의 오케스트레이션을 손보았다.
엘가는 이 '첼로 협주곡'의 헌정을 오랜 친구였던 콜빈 부부에게 바쳤다.
“당신과의 우정은 너무도 소중해서 우리들의 우정을 기념하고 싶습니다. 이 협주곡이
그만한 가치가 있다고 말씀드리지는 못하겠습니다만……” 작품에 대한 자신감이
결여되어 있던 작곡가는 몇 번이나 작품을 고쳤다.
8월 12일에는 일기장에 "나는 느린 악장의 마지막을 생각해내지 못할까봐 두렵다. 따로
연주한다면 그대로 두어도 괜찮을 텐테"라며 작품에 대한 불안감을 드러내기도 했다.
1919년 10월 27일 마침내 첼리스트 잘몬트와 엘가가 지휘하는 런던 심포니의 협연으로
영국의 퀸즈 홀에서 곡을 초연했다.
청중의 반응은 썰렁했다. 많은 사람들은 엘가의 '바이올린 협주곡'이 던져준 달콤함을
기대했던 것이다.
더구나 오케스트라의 연습 부족도 문제였으며 악보의 출판도 2년 후에나 이루어졌다.
엘가의 부인은 이 협주곡이 초연된 후 5개월 뒤에 사망했고 엘가의 우울증은 더욱
심각해졌다.
사실 엘가로 하여금 작곡에 대한 의지와 용기를 북돋아주고 그가 절망에 빠질 때마다
어둠 속에서 끌어올려준 존재가 바로 그의 부인이었던 캐롤린 앨리스였다.
바이올린 소품 '사랑의 인사'는 바로 이러한 사랑의 결과물이다.
이 첼로 협주곡은 독특한 구조로 되어 있는데, 네 악장은 엘가의 '바이올린 협주곡'이
그랬던 것처럼 일종의 순환 형식을 따른다.
이 협주곡의 전체적인 분위기를 결정짓는 것은 독주 첼로의 첫 다섯 마디에 달려 있다.
아다지오-모데라토의 1악장은 넓은 음역에 걸친 더블스톱과 오케스트라의 현악 파트가
레치타티보와 같은 역할을 한다.
클라리넷과 바순의 역할은 어둡고 침침한 사운드에 비극적인 색채를 더한다. 목가풍의
특징적인 병행 3도가 특징적인 파스토랄 악장인데 1악장은 단순히 서두를 여는 역할
이상을 하고 있다.
2악장은 마치 스케르초처럼 들리는데, 1악장 보다 활기찬 특징이 있다. 2악장 알레그로
몰토에는 엘가의 유머가 섞여 있으며 첼로의 노래하는 특성이 제대로 반영되었다.
60마디 이상 이어지는 폭넓은 단선율은 고요함의 대지를 떠올리게 한다.
3악장 아다지오는 더없이 명상적이며 4악장으로 이어지는 통로 역할을 하고 있다.
4악장 알레그로-모데라토-알레그로 마 논 트로포는 자유로운 론도이며 절망의 파도 속으로
한꺼번에 침몰하는 분위기다.
더없이 고독한 E음의 코다는 다분히 회상적이며 슬픔으로 범벅된 자신의 인생을
되돌아보는 듯하다.
■ 추천음반
많은 사람들에게 엘가의 '첼로 협주곡'은 첼리스트 자클린 뒤 프레와 연결되어 있다.
1973년 다발성경화증이라는 희귀병에 걸려 젊은 나이에 생을 마감한 뒤 프레의 비극적인
인생은 지휘자 다니엘 바렌보임과의 결혼 생활에도 위기를 가져오며 숱한 일화를
만들어냈다.
그녀의 첫 번째 엘가 레코딩은 거의 뒤 프레 자신과 동일시 될 정도로 유명한 음반이며
앞으로도 오랫동안 엘가 '첼로 협주곡'의 첫 번째 선택 음반으로 남아 있을 것이다.
사실 그녀가 존 바비롤리가 지휘하는 런던 심포니 오케스트라와 협연한 1960년대 연주는
반드시라고 할 만큼 제일 처음 들어야 하는 음반이다.
이 연주에는 뒤 프레의 눈물과 한숨이 모두 녹아 들어가 있으며 오케스트라도 최상급 연주를
들려준다.
비극성의 확장과 거대한 스케일감이 자연스럽게 융합된 연주로 다니엘 바렌보임이 지휘한
음반보다도 바비롤리와 함께 협연한 첫 번째 녹음이야말로 뒤 프레의 모든 것이다.
그녀는 자신의 앞날을 예감하듯이 고통으로 가득 찬 울림으로 엘가의 슬픔을 인류의 슬픔으로
승화시켰다.
엘가의 첼로 협주곡은 인기 만큼이나 녹음도 많이 있다.
뒤 프레(EMI)에 이어 두 번째로 추천하고 싶은 연주는 베아트리스 해리슨(EMI)이다.
엘가 지휘로 협연한 그녀의 연주는 뒤 프레 음반이 나오기 전까지 수십 년 동안 레퍼런스로
확고부동한 위치를 점유했던 음반이다.
1928년 녹음으로 음질이 떨어지지만 작곡가가 인정한 연주와 엘가의 지휘를 들어볼 수 있다.
애드리언 볼트가 지휘하는 런던 필과 협연한 폴 토르틀리에(EMI)의 산뜻한 연주, 리처드
히콕스와 협연한 스티븐 이셜리스(Virgin)의 따뜻하고 온화한 연주도 추천한다.
6. Rodrigo, Fantasia para un gentilhombre for Guitar and Orchestra
Kazuhito Yamashita(Gt) / Jean-Francois Paillard(cond), Orchestre de Chambre Jean-Francois Paillard
I. Villano y Ricercare (Adagietto - Andante moderato)
II. Espa_oleta y Fanfare de la Caballeria de Napoles (Adagio - Allegreto molto ritmico)
III. Danza de las hachas ( Allegro con brio)
IV. Canario ( Allegro ma non troppo)
♣ 로드리고 '어느 귀인을 위한 환상곡'
호아킨 로드리고(1901~1999년)는 마드리드 대학에서 음악사 교수로 활동했으며 20세기
음악의 변천과 진화 과정을 몸소 체험한 음악가였다.
생애 거의 대부분을 장님으로 지냈을 뿐 아니라 에스파냐 내전 동안 망명생활을 해야
했던 그였지만 그의 작품만큼은 활기에 넘치고 낙천적이다.
'네오카스티시즈모'라고 일컬어지는 그의 작곡 스타일은 현대와 전통 에스파냐 음악의
흥미로운 융합이다.
1939년 에스파냐로 돌아온 그는 11개의 협주곡을 썼고 다양한 성악, 합창, 기악곡을
비롯해 영화와 극장 음악도 작곡하였다.
이 곡은 기교가 뛰어난 기타 주자 안드레스 세고비아로부터 의뢰를 받아 1954년
완성되었다.
제목에 명시된 '귀인'은 세고비아를 지칭하는 것이 아니라 17세기 에스파냐 기타
연주자이자 작곡가였던 가스파르 산츠를 가리킨다.
이 작품의 네 악장은 1674년 출판된 기타에 관한 전문 서적에 사용된 무곡 모음으로부터
영감을 받아 만들어졌다.
고음악에 쓰이는 매력적인 선율을 끌어와 현대적인 심문 과정을 거쳐 재탄생시키는
음악적 아이디어는 피터 워록의 유명한 '카프리올 조곡'에서도 찾아볼 수 있다.
여기서 로드리고는 무곡 선율을 현대적 관현악 편성에 교묘히 한데 섞어 넣어 온화하면서도
파괴적인 결과를 낳는다.
이 작품에서 기타 주자는 마지막 악장에서 3개와 6개로 이루어진 음의 그룹을 성공적으로
처리하며 결코 쉽지 않은 기교를 발휘해야 한다.
7. Franck, Cello Sonata in A (arr. Delsart)
Jacqueline du Pre(Vc) / Daniel Barenboim(Pf)
I. Allegro ben moderato
II. Allegro
III. Recitativo - Fantasia
IV. Allegretto poco mosso
♣ 프랑크 첼로 소나타 A 장조
1886년 9월 28일, 벨기에의 바이올린 연주자이자 작곡가인 외젠 이자이의 결혼식에서
연주된 프랑크의 바이올린 소나타는 새로운 출발점이었다.
이자이에게는 장밋빛 미래를 밝혀주는 우정의 선물이었으며 프랑크는 이 작품을 통해서
비로소 작곡가로 자리매김할 수 있었기 때문이다.
실제로 이 음악은 그가 죽기 몇 달 전에 선보인 현악 사중주를 제외한다면 프랑크 생전에
유일하게 성공한 작품이라고 할 수 있다.
이 바이올린 소나타의 성공은 그에게 많은 것을 가져다 주었다.
아마도 많은 사람들에게 세자르 프랑크는 바이올린 소나타의 작곡가로 기억되고 있을
것이다.
물론 '생명의 양식'(Panis Angelicus)과 같은 작품들도 있지만 무엇보다 프랑크 음악의
정점은 바로 이 A장조의 바이올린 소나타이다.
이 작품에 대한 드뷔시의 다음과 같은 말은 매우 중요하다.
"사람들은 프랑크의 천재성에 대해 떠들어대곤 하지만 정작 순수한 의미의 심플함이라는
것을 지적한 사람은 없다"
사실 프랑크는 매우 단순한 사람이며 대단한 낙천주의자였다.
그의 제자였던 뱅상 댕디는 "프랑크는 아름다운 화음 하나를 작곡한 것만으로도 하루종일
기분이 좋아서 콧노래를 부르는 사람이다"라는 증언을 남겼다.
그의 작품들은 일견 단순해 보이지만 그 안에는 엄격한 논리 구조가 자리잡고 있다.
그리고 그것은 19세기 리스트와 바그너에서 시작된 새로운 종류의 음악이며 프랑크는
전통과 혁신 사이의 통로를 발견했다고 할 수 있을 것이다.
곡의 발전부와 제시부가 통일적으로 묶여 있기 보다 독립적으로 사용되고 있다는 점은 이
새로운 음악적 통로에 관해 우리에게 많은 것을 시사한다.
요컨대 프랑크의 바이올린 소나타는 접근하면서 멀어지며 다가오면서 이탈하는 우주의
조화를 담고 있는 것처럼 보인다.
사실 프랑크는 평생을 오르가니스트로 살아 왔으며 동시대의 사람들에게도 그는 하모니움
(소형 오르간의 일종으로 우리나라에서는 풍금으로 알려져 있다) 선생으로 유명했다.
프랑크는 오르간으로 사고한 인간이었으며 그의 작곡 기법에서도 오르간 스타일은 작품의
가장 밑바탕에서 움직이고 있다.
그가 이 바이올린 소나타에서 순환 기법(구조적인 통일을 위해 앞선 악장의 동기, 주제
등을 뒤 악장에 반복하는 작곡 형식)을 쓴 이유도 여러 가지가 있겠지만 오르간을 연주한
경험에서부터 비롯되었을 것이다.
대위법적인 요소가 쓰인 것도 오르가니스트로서 바흐의 오르간 작품을 연주했던 기억으로
물들어 있기 때문이다.
이러한 작곡 스타일은 그의 D단조 교향곡에서도 드러나는데 생명의 탄생과 소멸 그리고
다시 생성의 단계를 그리고 있다.
프랑크의 네 악장짜리 바이올린 소나타는 유기적인 구조로 연결되어 있다.
1악장의 모티프가 조금씩 변형되고 마침내 4악장의 코다에서 장엄하게 폭발하는 이 작품은
클로드 드뷔시, 뱅상 댕디, 에르네스트 쇼송의 음악이 나아갈 바를 제시해주었다.
음악적 감성이 풍부하면서도 형식 구조가 논리적인 스타일은 프랑크 바이올린 소나타의
특징이다.
이 정도로 감정이 점진적으로 하강과 상승을 반복하면서 사람들의 기억 속에 투영된
작품은 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다.
여기에는 바흐의 명상과 베토벤의 내적 논리가 따뜻하게 화합하고 있으며 끊어질 듯 끊어질
듯하면서도 계속 이어지는 모티프는 한없는 침묵처럼 깊은 여운을 남긴다.
다음과 같은 뱅상 댕디의 증언은 이 곡을 이해하는 데 있어 귀 기울일 만하다.
"만일 프랑크가 바이올린 소나타를 어떤 생각으로 작곡했는지를 당신이 알고 있다면 미래의
연주자들에게 다음과 같은 말을 전할 것이다. 1악장을 느린 악장으로 연주하는 경향에서
벗어나라고 말이다. 이 알레그레토는 명랑함을 매우 우아하게 표현하고 있는데 이것을
극적인 레치타티보로 처리하는 것은 작곡가의 의도를 정면으로 거스르는 것이기 때문이다"
앞에서 댕디가 말한 것처럼 이 곡은 '가장 순수한 순환 주제를 가진 최초의 작품'이다.
프랑크는 각각의 악장들을 사촌의 관계라고 말했는데 서로 유기적으로 연관되어 있으므로
개별적인 악장들을 따로 떼어 연주한다는 것은 의미가 없다.
1악장은 작곡가가 '연애의 시작'을 의미한다고 말했다.
은은하게 떨리는 마음의 표현처럼 피아노가 낮게 음을 이끌어내며 곧이어 바이올린이
천천히 몽환적인 주제 음을 연주한다.
선율적인 이 첫 번째 동기는 지속적으로 순환 반복하는데 2악장에서도 이러한 분위기는
유지된다.
2악장에서 비등점을 향해 끓어오르는 바이올린과 피아노의 교차는 상당히 인상적이며 이
모든 것들은 뜨거운 감정의 폭발을 말해준다.
3악장은 유래가 없을만큼 프랑크의 상상력이 발휘되었다고 할 수 있을 만큼 독창적이며
다양한 변주가 사랑의 속삭임을 말해준다.
여기서 주제를 다루는 프랑크의 능력은 무척이나 섬세하다.
4악장은 결혼에 도달하게 된 사랑스런 커플의 환상을 그리고 있다.
바이올린과 피아노의 카논 양식이 돋보이는 악장으로 마치 팡파르처럼 울러퍼지는
선율은 행복한 미래를 상징한다.
한편 이 작품은 전 세계 바이올리니스트들이 가장 즐겨 연주하는 소나타가가 되었으며
첼로나 플루트 소나타로 편곡되어 널리 연주되고 있다.
8 . Schubert, Piano Trio No.2 in E-flat, Op.100, D.929
Artur Rubinstein(Pf) / Henryk Szeryng(Vn) / Pierre Fournier(Vc)
I. Allegro
II. Andante con moto
III. Scherzando. Allegro moderato
IV. Allegro moderato
♣ 슈베르트 피아노 3중주 2번 E-flat, Op.100, D.929
역사에 이름을 남긴 위대한 음악가들 중에는 당대에 크게 인정받지 못한 이들도 있다.
슈베르트야말로 그 대표적인 인물일 것이다. 오늘날 '가곡의 왕'이라 불리며 초기 낭만주의
음악의 대표적인 작곡가로 거론되고 있는 슈베르트의 작품들 중에는 생전에 공개 무대에
소개되지 못한 것들이 많고 지극히 일부 작품들만이 당대에 출판되었다.
지금은 그토록 자주 연주되고 있는 '미완성 교향곡' 역시 슈베르트가 세상을 떠난 후 40년이
넘도록 단 한 번도 연주된 적이 없다.
이런 점을 생각해보면 슈베르트의 '피아노 3중주 D.929'가 슈베르트 생전에 성공적으로
연주됐을 뿐 아니라 곧바로 출판되었다는 사실은 놀라운 일이다.
이는 이 3중주곡이 예술성뿐 아니라 대중성도 갖추고 있음을 입증하고 있다.
슈베르트의 피아노3중주 D,929는 당대 청중에게 인정받은 슈베르트의 작품 중 하나일 뿐
아니라 오늘날에도 영화 '피아니스트'와 '배리 린든', 그리고 전도연이 주연한 '해피엔드'에
이 3중주곡의 2악장이 삽입된 걸 보면 오늘날에도 이 곡은 여전히 대중적인 음악임에
틀림없다.
슈베르트는 이 곡을 그의 생애 마지막 해에 처음으로 성사된 그 자신만을 위한 대중 콘서트의
메인 프로그램으로 선보였다.
음악회는 1828년 3월 26일에 이루어졌고 그날 프로그램은 오로지 슈베르트의 작품만으로
구성되었다.
이후 라이프치히에서 '피아노 3중주 D.929'의 악보가 작품번호 100번으로 출판되면서
슈베르트는 피아노3중주곡으로 대중적 명성과 경제적인 소득을 모두 얻을 수 있었다.
그러나 이제 막 작곡가로서 성공하려던 순간 슈베르트의 건강은 급격히 악화되어 그해 가을에
그는 31세라는 이른 나이로 결국 세상을 떠나고 말았다.
하지만 슈베르트의 말년에 희망을 던져준 '피아노 3중주 D.929'는 지금도 실내악의 명곡으로
손꼽히며 오늘날 즐겨 연주되고 있다.
어떤 음악평론가들은 슈베르트의 '피아노 3중주 D.929'가 슈베르트의 작품치고는 선율에 대한
영감이 부족하다고 비판하기도 한다.
하지만 생애 마지막 해에 열린 중요한 음악회에서 이 3중주곡을 대표작으로 내놓은 것을 보면
슈베르트는 이 곡을 매우 마음에 들어 했던 모양이다.
작곡가이자 음악평론가인 슈만 역시 이 작품을 가리켜 "세계 음악계에 혜성같이 나타난
작품"이라 칭하며 이 작품이 먼저 작곡된 '피아노3중주 D.898'에 비해 좀 더 드라마틱하고
남성적인 힘으로 가득 차 있다고 평했다.
슈베르트는 '피아노 3중주 D.929'를 1827년 11월에 완성한 것으로 알려져 있으나 초연 날짜에
대해서는 '피아노 3중주 D.898'과 함께 1827년 12월 26일 빈 악우협회에서 이루어졌다는 설과
1828년 3월의 슈베르트 작품발표회에서 처음 이루어졌다는 설이 있다.
아무튼 1827년의 거의 비슷한 시기에 연달아 작곡된 두 곡의 피아노 3중주가 슈베르트의
우정의 산물이었음은 분명하다.
슈베르트는 평생 실내악 분야에 많은 작품들을 남겼으면서도 15세가 되기 전까지 피아노
3중주곡에는 전혀 손을 대지 않았다.
그나마 1812년에 한 곡 내놓은 피아노 3중주곡은 '소나타'라는 이름이 붙은 단악장의
작품이다.
'현악4중주'에는 그토록 심혈을 기울였던 슈베르트가 '피아노 3중주'에는 그다지 흥미를
보이지 않았던 것이다.
하지만 말년에 찾아온 친구들 덕분에 '피아노3중주'에 흥미를 갖게 된 슈베르트는 단숨에 두
곡의 걸작을 탄생시켰다.
두 곡 모두 슈베르트의 말년을 장식한 친구인 카를 마리아 폰 보클렛과 이그나츠 슈판치히,
요제프 링케를 알게 된 후에 작곡되었고, 그들에 의해 연주되었다.
두 곡의 피아노 3중주곡 가운데 두 번째 작품인 D.929는 악장들 간에 긴밀한 연관성을 느낄
수 있는 대작으로, 특히 2악장이 유명하다.
2악장을 여는 절름거리는 피아노의 리듬과 그 리듬을 타고 흐르는 첼로의 그윽한 선율은
한번 들어도 잊을 수 없는 인상적인 선율로, 4악장 마지막에서 이 선율은 찬란하게 빛나는
장조로 나타나 벅찬 감동을 안겨주며 한 편의 멋진 드라마를 완성한다.
그 드라마틱한 여정은 마치 하나의 모티브를 바탕으로 거대한 교향곡을 '어둠에서 광명으로'
향하는 베토벤의 교향곡을 떠올리게 한다.
대담하고 극적인 1악장 도입부 역시 베토벤의 음악을 닮았다.
피아노와 바이올린, 첼로가 다 같이 한 목소리가 되어 선언적인 주제를 연주하는 방식은
베토벤이 그의 현악4중주곡에서 종종 쓰던 충격적인 도입 방식이다.
하지만 역시 이 작품에서 더욱 영향력이 있는 선율은 슈베르트다운 신비함이 담긴
제2주제일 것이다.
미묘한 색채감을 뿜어내는 단조 화음을 바탕으로 반복되는 리듬 패턴은 우수를 자아낸다.
작품 전체의 핵심이라 할만한 2악장의 주제 선율은 스웨덴 민요로부터 온 것이다.
스웨덴에서 온 젊은 테너 가수인 이자크 알베르트 베르크가 1827년에 비엔나를 방문했을 때
그는 '날이 저문다'라는 스웨덴 민요를 노래했는데 당시 슈베르트도 베르크의 노래를
들었다.
이 노래의 반복되는 피아노 반주 음형에서 아이디어를 얻은 슈베르트는 이를 2악장에
도입해 지극히 매혹적인 주제를 완성했다.
명상적인 2악장이 조용히 마무리되면 3악장의 사랑스런 캐논으로 이어진다.
캐논이란 한 성부가 주제 성부를 몇 마디 뒤에서 똑같이 모방하는 방식으로 전개되는
음악으로 일종의 돌림노래와 같다.
피아노의 뒤를 바짝 뒤쫓는 현악기들이 추격과 가볍고 명랑한 분위기는 하이든의 음악을
닮았다.
마지막 4악장은 처음의 주제가 계속 반복되는 론도 형식의 음악으로 여러 가지 음악이 론도
주제 사이사이에 끼어들며 다채롭게 전개되고 있어 연주 시간도 꽤 긴 편이다.
그런 까닭인지 라이프치히에서 이 작품이 출판될 당시 출판될 당시 4악장 중 99마디가
생략된 채 출판되기도 했다.
빠르고 화려하게 진행되는 4악장 중간 부분에 2악장의 주제가 회상되며 시적인 분위기로
변화하는 순간은 이 곡에서 가장 특별한 부분이며 마지막에 2악장의 주제가 벅찬 장조로
마무리되는 여정 또한 매우 드라마틱한 감흥을 전해준다.
■ 추천음반
슈베르트 피아노3중주의 추천 음반으로는 정돈된 앙상블이 돋보이는 보자르 트리오의
음반(Philips)이 있다.
요즘 주목 받는 젊은 연주가들의 음반으로는 카퓌송 형제와 프랭크 브레일리의
음반(Virgin)과 라르스 포그트와 테츨라프 남매의 실황 연주를 담은 음반(AVI Music)도
좋은 선택이 될 것이다.
최근에 나온 안너 빌스마, 베라 베스, 그리고 요스 판 이메르젤의 포르테피아노 연주로
녹음된 음반(SONY) 역시 추천할 만하다.
9. Pachelbel : Kanon & Fgigue Musica Antiqua Koln
Reinhard Goebel(cond), Musica Antiqua Koln
1) Johann Pachelbel, Canon and Gigue in D major
2) Handel, Trio Sonata for 2 Violins and Continuo in G, Op.5, No.4, HWV 399
I. Allegro
I. A tempo ordinario - Allegro non presto - Adagio
III. Passacaille
IV. Gigue (Presto)
V. Menuet (Allegro moderato)
3) Vivaldi, Trio Sonata in D minor for 2 Violins and Continuo, Op.1/12, RV 63 "La Follia"
4) Bach, Suite No.2 in B minor, BWV 1067
I. Ouverture
II. Rondeau
III. Sarabande
IV. Bourree I-II
V. Polonaise
VI. Menuet
VII. Badinerie
10. Chopin, Piano Works
Samson Francois(Pf)
1) Valse No.1 in E flat 'Grande Valse Brillante', Op.18
2) Valse No.2 in A flat 'Valse Brillante', Op.34 No.1
3) Valse No.3 in A, Op.34 No.2
4) Valse No.4 in F 'Valse Brillante', Op.34 No.3
5) Grande Valse No.5 in A flat, Op.42
6) Valse No.6 in D flat, Op.64 No.1
7) Valse No.7 in C#, Op.64 No.2
8) Valse No.8 in A flat, Op.64 No.3
9) Valse No.9 in A flat, Op.69 No.1
10) Valse No.10 in B, Op.69 No.2
11) Valse No.11 in G flat, Op.70 No.1
12) Valse No.12 in F, Op.70 No.2
13) Valse No.13 in D flat, Op.70 No.3
14) Valse No.14 in E, Op. Posth
15) Impromptu No.1 in A flat, Op.29
16) Impromptu No.2 in F#, Op.36
17) Impromptu No.3 in G flat, Op.51
18) Impromptu No.4 in C# 'Fant-Impromptu', Op.66
상송 프랑스와(Samson Francois, 1924. 5. 18 ~ 1970. 10. 22)
독일의 프랑크푸르트 암마인에서 태어난 프랑스의 피아니스트로서 양친이 프랑스인으로 어릴
때부터 비범한 음악의 재능을 나타내어 5세 때부터 피아노를 치기 시작해서 이내 사람들을
놀라게 할 만큼 숙달했다고 한다.
6세 때에 마스카니에게 인정되어 이탈리아에 가서 그의 지휘로 최초의 연주회를 열고 잇따라
스위스, 오스트리아, 독일, 유고 등에서 연주하여 신동으로 소문났다.
7세로 베오그라드 음악원에 들어갔는데 즉시 1등상을 받았다.
1934년에 가족과 함께 니스로 옮겨 이곳의 음악원에서 베레 여사의 마스터 클래스에 입학해
수개월 안에 1등상을 받았다.
그 해 겨울에 니스에 온 코르토의 주목을 끌어 1936년에 파리의 에콜 노르말 드 뮈지크에
입학하여 이본느 르페뷔르에게 사사했다.
그리고 역시 이듬해에는 화성학과 피아노의 단위를 따서 수료하고 1938년에 14세로 파리
음악원에 입학해서 마르그리트 롱과 자크 페베리에게 배웠다.
1939년에는 1등상을 받았으며 제 2차 대전 중은 점령하의 파리에서 연주회를 열어 주목을 받고
1943년의 제 1회 롱-티보 국제 콩쿠르에서 대상을 받았다.
그러나 전쟁중이었기 때문에 프랑스와가 국제적인 활동을 하게 된 것은 1945년부터로 즉시 유럽
각국에서 그 이름이 알려져 1947년에는 미국에도 연주 여행하여 성공을 거두었다,
1960년과 1961년에는 연속해서 뉴욕을 방문했으며 1956년에는 일본과, 소련을 1964년에는
중국에도 방문하여 주목을 끌었다.
우리나라에는 1967년에 방문하여 호평을 얻었으나, 1970년 10월 22일에 46세의 젊은 나이로
파리에서 세상을 떠났다.
코르토가 사망한 후 프랑스 피아노계의 제 1인자였던 프랑스와는 극히 개성적이고 두드러지게
날카로운 지적 직관력을 가진 연주가로서 알려져 있었다.
그리고 그 분방한 즉흥성과 환상에 넘친 강렬한 개성이 반영된 연주는 사람에 따라서는 친근미가
없는 정도 있었다.
그러나 특기로 하는 쇼팽을 비롯하여 그 음악에는 다른 피아니스트에게는 절대로 구할 수 없는
템페러먼트가 빛나고 있다.
특히 그 짧은 만년에는 그 연주에 의해 원숙한 풍격과 아름다운 조형력을 더하여 이제까지보다
훨씬 확실하고 설득력이 강한 표현을 들려 주었다.
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