|
1. Brahms, Tragic Overture in D Minor Op.81
Nikolaus Harnoncourt(cond), Berliner Philharmoniker
♣ 브람스 비극적 서곡 D 단조 Op.81
브람스는 비슷한 시기에 동일 장르의 성격이 전혀 다른 곡을 쓰는 경우가 많았다.
피아노 소품과 가곡은 논외로 하더라도 브람스는 어떤 곡을 작곡하면 거기에 담을 수 없는
악상과 그것과 대조적인 영감을 사용한 곡을 따로 쓰곤 했다.
'교향곡 1번'과 '교향곡 2번' 그리고 '바이올린 협주곡'과 '바이올린 소나타 Op.78'의 짝은
그 좋은 예라 할 수 있을 것이다.
'대학축전 서곡'과 '비극적 서곡' 역시 그러한 관계에 놓여 있다고 볼 수도 있을 것이다.
칼베크 같은 브람스 전기 작가는 파우스트와 이 서곡의 관련성에 대해 언급한 바 있다.
즉 브람스는 빈 부르크 극장의 지배인 딩엘슈타트(1814~1881)로부터 극장에서 상연하기로 한
괴테 '파우스트' 1부와 2부를 위한 음악 작곡을 의뢰받은 적이 있다.
어떤 곡을 쓸지 걱정이 된 브람스는 '비극적 서곡'과 '교향곡 3번'의 2악장을 쓰려고 했던
모양이다. 그러나 딩엘슈타트는 곧 사망했고 상연 계획이 중단되었다.
'비극적 서곡'과 '파우스트'의 관계를 속단하기에는 너무 빠르게 정리된 사안이었다.
또 '교향곡 3번'이 이 시기에 착수되었다는 확증도 없다. 칼베크의 설은 현재 별로
받아들여지지 않고 있다.
'비극적 서곡'의 스케치는 1870년 이전에 이루어졌다. 브람스는 클라라의 딸 율리에 슈만에게
남몰래 연정을 품고 있었다.
그러나 1869년 율리에는 백작에게 시집갔고 브람스의 상처는 컸다. 고통스런 그의 마음은
'알토 랩소디'란 명곡을 낳았다.
'비극적 서곡'의 재료가 적혀있는 스케치 수첩의 대부분은 '사랑의 노래 Op.52'와 '알토
랩소디'를 위한 스케치가 차지하고 있었다.
서곡의 재료와 '알토 랩소디'가 브람스의 심리적인 면을 반영했으며 당시 브람스의 심경은
'사랑과 슬픔' 혹은 '사랑의 슬픔'으로 묘사할 수 있겠다.
1871년에 작곡된 '운명의 노래'에는 알토 랩소디의 영향이 남아있다.
'비극적 서곡'이 본격적으로 작곡되기 이전 시기를 살펴보면 브람스를 슬픔에 빠지게 한
작품들이 상당히 있었다.
1879년 2월 16일에 클라라의 아들인 펠릭스 슈만이 병으로 열 다섯 나이에 세상을 떠났다.
브람스는 펠릭스가 시를 잘 쓰는 것을 인정하고 그의 시에 음악을 붙이기도 했다.
1880년 1월 4일에는 브람스의 친구 포이어바흐가 베네치아에서 쓸쓸히 세상을 떠났다.
브람스는 이전에 포이어바흐의 계모 헨리에타와 오페라 대본에 대해 상담을 나누고 동화
'행복의 여신' 대본을 받은 적이 있다.
포이얼바흐의 죽음을 슬퍼한 브람스는 1881년 여름 '애도가'를 써서 헨리에타에게 바쳤다.
1880년 5월에 본에서 열린 슈만의 기념비 제막식에 브람스는 클라라와 함께 참석했다.
여기서 브람스는 슈만의 라인강 투신과 정신병원 입원의 비극을 떠올렸을 것임이 분명하다.
브람스는 이 즈음 귀가 아팠다. 친분이 깊었던 바이올리니스트 요제프 요아힘과의 우정에
벽을 느끼는 등 인생의 어두운 면을 맛보았던 시기였다.
1880년 9월 6일 브람스가 출판업자 짐로크에게 보낸 편지를 보면 '고독한 마음을 고백하며
비극적 서곡을 쓴다'는 내용이 있다.
이 당시에는 작품명을 'Trauerspiel Ouverture'라고 적었는데 총보 최종원고에는 지금
쓰이는 것처럼 'Tragische Ouverture'라고 적혀 있다.
브람스는 이 곡을 4손 피아노용 원고로 작곡한 최종고를 1880년 12월 중순경에 보냈고
파트악보와 총보는 1881년 7월에 시판되었다.
총보에는 '대학축전 서곡'때와는 달리 '대 오케스트라를 위한'이라고 되어 있지 않고 단순히
'오케스트라를 위한'이라고 씌어 있다.
빈 악우협회가 펴낸 브람스 작품 전집에서 '비극적 서곡'의 총보는 짐로크의 인쇄 악보와
브람스가 소유하다 현재 악우협회에 있는 초판의 견본 거기에 짐로크에게 있던 브람스
오리지널 자필악보를 기초로 작성됐다.
3종 악보들이 현저한 차이가 있었던 것은 아니었다.
'비극적 서곡'에 대해 브람스는 젊은 시절 비극적인 영웅을 다룬 고전희곡을 읽는 것을
좋아했고 그런 이야기를 소재로 한 베토벤의 '에그몬트 서곡'과 '코리올란 서곡'에도 경의를
품었던 것으로 알려졌다.
그래서 '비극적 서곡'이 단지 브람스의 심경 뿐만 아니라 비극적 드라마를 승화시킨 베토벤의
서곡에 상당하는 작품이라고 보는 시각도 있다.
이 곡은 알레그로 논 트로포 d단조로 시작된다. 소나타 형식이지만 '대학축전 서곡'처럼
변칙적이지 않고 재료도 많지 않다.
투티에 의해 d단조 으뜸화음과 딸림화음이 연주되고 나서 현으로 제1주제가 나타난다.
처음에는 조용하다가 후반은 행진곡풍이 되어 힘을 얻어간다. 이 주제를 관이 확보하면 곡은
주제 처리에 새로운 악상도 가한 경과부로 들어간다.
마지막 가까이에서는 바이올린에 싱커페이션을 동반한 온화한 파도와 같은 진행이 저음현의
d음을 지속음으로 한 다음에 d단조로 나타난다.
그것이 Ab장조로 바뀌며 호른과 관악기에 의한 부드러운 악구가 등장한다. 이내 일단락하고
바이올린이 F장조로 노래하는 듯한 새로운 선율을 2주제로 연주하고 나서 코데타로 들어간다.
코데타에서는 정열적인 고양과 긴장이 느껴진다.
클라이맥스 이후 팀파니만이 남고 피치카토 화음에 이끌려 현으로 제1주제가 나오고 발전부가
시작된다.
템포를 늦춰 4/4박자가 되고 제1주제 후반부 행진곡풍 리듬을 잠시 다룬 후 현에서 관으로
이어받아 경과부 선율이 다시 D장조로 돌아온다.
비올라 이하가 제1주제 서두를 차례로 나타내고 호른이 그것을 확대하고 나서 비올라가
제2주제를 제시하며 바이올린이 그것을 받는다.
코데타 재현이후 코다로 이동하고 제1주제에 의해 고조되며 일단은 그것도 진정되지만 결국
d단조로 힘차게 전곡이 끝난다.
'비극적 서곡'에서 비극은 질질 끌고 우울한 그런 종류의 비극이 아니다. 그것을 품에 안고
가며 힘차게 다루는 남성적인 비극이다.
좌절하지 않고 꿋꿋하게 살아나가는 의지를 느끼게 하는 이 작품은 제목과 달리 삶에 대한
희망을 얻을 수 있는 카타르시스를 제공해준다.
■ 추천음반
이 곡의 좋은 연주를 꼽다 보니 빈 필의 연주가 석 종이나 포함됐다. 칼 뵘/빈 필(DG)은
떡갈나무같은 지휘자가 브람스의 본질을 꿰뚫었다. 관악군의 활약이 발군이다.
카라얀/빈 필(Decca)은 비장감 풍부하며 치밀하게 설계가 잘 된 연주다.
유일한 디지털 녹음인 번스타인/빈 필(DG)은 서정적이면서도 어둑어둑한 곡의 특징을 잘
살렸다.
클렘페러/필하모니아 오케스트라(EMI)는 중후하고 스케일이 크다.
어딘지 기품이 느껴지는 해석을 선보이는 발터/콜럼비아 심포니(Sony)의 연주도 그냥 지나치기
힘들다.
2. Beethoven, Symphony No.7 in A Major Op.92 [SACD]
Carlos Kleiber(cond), Wiener Philharmoniker
I. Poco sostenuto - Vivace
I. Allegretto
III. Presto
IV. Allegro con brio
♣ 베토벤 교향곡 7번 A 장조 Op.92
베토벤은 "나는 인류를 위해 좋은 술을 빚는 바커스이며 그렇게 빚은 술로 사람들을 취하게
한다"라고 말한 적이 있는데 아마도 그의 '교향곡 제7번'이야말로 이 말과 가장 잘 어울리는
작품일 것이다.
특히 리듬의 역동성은 이 작품의 핵심적인 매력으로 리스트는 이 교향곡을 가리켜 "리듬의
신격화"라 표현하기도 했다.
강박적인 리듬의 반복을 통해 드라마틱한 긴장감을 만들어내는 이 교향곡을 듣고 있노라면
인간의 무의식 속에 잠재되어 있던 원초적인 리듬충동이 되살아나는 듯하다.
베토벤이 '교향곡 제7번'을 완성한 1812년은 그의 작품 활동이 주춤하기 시작한 시기다.
1802년부터 1809년까지 7년간 베토벤은 다섯 곡의 교향곡과 현악4중주곡 '라주모프스키',
피아노 소나타 '발트슈타인'과 '열정' 등의 걸작들을 쉴 새 없이 쏟아내고, 1809년에도 피아노
협주곡 제5번 '황제'와 현악4중주 작품74, 피아노 소나타 '고별' 등 걸작들을 계속 발표하며
지칠 줄 모르는 창작의욕을 과시했으나 1810년부터 차츰 작곡의 속도를 늦춰갔다.
그러던 중 1812년 4월 13일에 드디어 4년간의 교향곡 공백기를 깨고 몇 곡의 음악을 다
합쳐놓은 것만큼의 어마어마한 에너지를 담은 '교향곡 제7번'을 완성해내면서 교향곡
작곡가로서 건재함을 과시했다.
1813년 12월 8일, 빈 대학 강당에서 이루어진 '교향곡 제7'번의 초연무대는 베토벤의 경력에
있어 길이 기억될 만한 연주회였다.
연주 당시 부악장을 맡았던 작곡가 슈포어가 남긴 위의 증언을 보면 '교향곡 제7번'을 지휘할
당시 베토벤은 이미 청력이 극도로 악화된 상태였던 것으로 보인다.
하지만 그날 공연은 베토벤의 공연들 가운데도 기억에 남을 만한 매우 성공적인 것이었다.
그러나 연주 당일 베토벤의 기분은 그다지 좋지 않았다. 관객들이 환호한 작품은 '교향곡
제7번'이 아니라 그날 공연에서 함께 연주된 '웰링턴의 승리'였기 때문이다.
흔히 '전쟁 교향곡'이라 불리기도 하는 '웰링턴의 승리'는 메트로놈의 발명가 멜첼이 고안한
'판하르모니콘'이란 악기를 위해 작곡된 곡으로 '전쟁'과 '승리'의 두 부분으로 구성되었다.
팡파르, 군대의 호출, 대포소리, 전쟁장면 등이 단순하게 묘사되고 마지막 종결부의 압도적인
클라이맥스로 인해 대중들은 이 작품에 열렬한 박수갈채를 보냈다.
'웰링턴의 승리'보다 '교향곡 제7번'이 훨씬 더 뛰어난 작품이라 생각했던 베토벤은 청중의
이런 반응에 실망했고, 빈 신문에서 '교향곡 제7번'을 가리켜 '웰링턴의 승리'의 "들러리
작품"이라 칭한 것에 몹시 화를 내기도 했다.
하지만 당대 청중이 '교향곡 제7번'을 싫어했던 것은 아니었다. 그들은 특히 장송행진곡 풍의
2악장에 열광해, 베토벤이 지휘하는 오케스트라는 2악장을 다시 한 번 연주하기도 했다.
■ 추천음반
옛 거장들의 역사적인 명연을 비롯해 수많은 명반이 존재하며 몇 개 만을 꼽기엔 어려움이
많은 작품이다.
베토벤 '교향곡 제7번'의 역동적인 리듬감을 느끼고 싶다면 카를로스 클라이버가 지휘하는
빈 필하모닉 오케스트라의 음반(DG)을 추천하고 싶다.
2악장의 진지함을 느끼고 싶다면 클라우스 텐슈테트가 지휘하는 런던 필하모닉의
음반(BBC)도 추천할 만하다.
그밖에 귄터 반트가 지휘하는 북독일 방송교향악단의 음반(RCA)과 니콜라우스 아르농쿠르가
지휘하는 유럽 챔버 오케스트라의 음반(Teldec)도 좋은 선택이 될 것이다.
카를로스 클라이버 (Carlos Kleiber, 1930. 7. 3 ~ 2004. 7. 13)
카를로스 클라이버는 1930년 7월 3일 베를린에서 태어났다.
아버지는 당시 베를린 국립오페라 음악감독 에리히 클라이버, 어머니는 유대계 미국인이었던
루스 구드리치였다.
클라이버 본인은 유대인이 아니었기 때문에 나치 치하에서도 활동할 수 있었다.
그러나 에리히 클라이버가 알반 베르크의 '보체크'를 초연한 이후 베르크의 '루루'가 나치에게
퇴폐음악으로 분류돼 금지되자 에리히 클라이버는 베를린 국립 오페라 음악감독직을 사임하며
저항의 의사를 표시했다.
나치와 에리히 클라이버는 불편한 관계를 이어가고 있었다.
카를로스가 태어났을 때 이름은 카를 루드비히 클라이버였지만 나치와 대립하고 있었던 에리히
클라이버가 1940년 아르헨티나에 망명했고 스페인어권이었던 그곳에서 자연스럽게 카를로스로
개명했다.
피는 못 속인다 했던가. 카를로스의 음악적 재능은 어릴 적부터 뛰어났다. 9세 때 작곡을 하고
노래를 잘 했으며 피아노와 팀파니를 연주했다.
아버지인 에리히는 카를로스의 재능을 잘 알고 있었다.
그러나 자신과 같은 길을 걸으면 고생할까봐 아들이 음악인의 길을 걷는 것을 차단하려 했다.
1950년부터 부에노스아이레스에 정식으로 음악을 배우기 시작한 결국 아버지 에리히 클라이버의
권유로 1952년부터 일단 스위스 취리히 연방 공대에 입학해서 화학을 전공했다.
1952년 라 플라타에서 지휘자로 데뷔 무대를 가졌고 1953년에는 뮌헨 개르트너플라츠 극장에서
월급 없는 연습생 지휘자가 되어 지휘 경험을 쌓았다.
24세였던 1954년 포츠담에서 카를 밀뢰커의 오페레타 '가스파로네'를 지휘하면서 지휘자로서
데뷔했다.
이때 프로그램북에 실린 카를로스의 이름은 카를 켈러(Karl Keller)였다.
이날 무대에 서기까지는 아버지의 도움이 컸지만 아버지의 후광을 얻어 지휘한다는 소리를 듣기
싫어서였을 것이다.
에리히는 여기에 대해서 잘 이해하고 있었던 것 같다.
당시 카를로스에게 보낸 에리히의 전보에는 "행운을 빈다. 늙은 켈러로부터"라고 씌어 있었다.
에리히는 아들에게 충고를 해주는 한편 오페라극장 관계자에게 소개를 했고 공공연하게 아들의
음악활동을 따끔하게 비판하기도 했다.
젊은 카를로스는 지휘자로서의 커리어 초창기부터 연주회 무대에 서는 것을 특별히 좋아하지
않았다.
연주회는 그를 소심하게 만들었다. 그는 매번 자신의 지휘에 도무지 만족하지 못하는 것처럼
보였다.
그의 마음속에서 들을 수 있는 절대적인 완벽의 사운드, 그에 걸맞은 해석을 이루지 못하면
지휘대 위에 서는 의미가 없다고 그는 생각했을 것이다.
카를로스를 잘 아는 사람들은 이를 아버지 에리히 탓으로 돌린다. 위대한 지휘자를 아버지로
둔 것은 카를로스에게 매우 큰 부담이 됐다.
성격이 무정했던 에리히는 그 표현방식에 문제가 있었다. 좀 더 따스한 부성애를 발휘했다면
카를로스의 인생은 달라졌을지도 모른다.
지휘의 모든 것을 아는 사람임에도 아들의 지휘에 대해 아버지다운 뒷바라지가 부족했고
카를로스의 불안정한 성격은 그에 말미암은 바가 적지 않다.
카를로스의 인생에는 아버지의 그림자가 복잡하게 드리워져 있었다.
이후 뒤셀도르프, 취리히, 슈투트가르트 등 오페라를 지휘하던 카를로스는 1968년부터는
바이에른 국립오페라를 자주 지휘하면서 명성을 확립했다.
1973년에는 빈 국립오페라에서 바그너 '트리스탄과 이졸데'를 지휘하며 데뷔했고 1974년
6월에는 런던 코벤트 가든 로열 오페라에서 리하르트 슈트라우스 '장미의 기사'로, 7월에는
바이로이트 페스티벌에서 '트리스탄과 이졸데'로 각각 데뷔했다.
1978년에는 시카고 심포니 오케스트라를 지휘해 미국 무대에 데뷔했다. 이 당시 시카고
심포니를 지휘한 실황은 비정규반이지만 골든 멜로드람 레이블에서 발매된 4장으로 구성된
세트(GM 4.0043)에 수록돼 있다.
슈베르트 '교향곡 3번', 버터워스의 '영국 목가' 1번, 그리고 뜨거운 연주인 베토벤 '교향곡
5번'이 담겨 있다.
이후에도 세계 유수의 오케스트라와 오페라 지휘대에 섰던 카를로스는 한 번도 음악감독직에
묶이지 않고 철저하게 프리랜서 지휘자를 고수했다.
1974년 베토벤 '교향곡 5번' 녹음 이후 카를로스는 빈 필과 좋은 관계를 계속 유지했다.
그러나 1982년 12월, 카를로스는 베토벤 '교향곡 4번' 리허설 도중 견해 차이로 단원과 대립,
정기연주회를 취소해버리고 만다.
그 뒤 6년간 공백 후 1988년 3월, 카를로스와 빈 필은 화해하고 다시 연주를 시작했다.
모차르트 '교향곡 36번 '린츠'와 브람스 '교향곡 2번' 등 당시 연주곡은 연습량이 많았음에도
실수가 눈에 띄었지만 명연주에 넣을 수 있는 수준이었다.
카를로스는 1989년과 1992년 신년음악회 때 빈 필과 만남을 가졌다.
카를로스는 단원들에게 음악 해석을 비유적인 표현을 사용해 자세히 설명하곤 했다. 아버지인
에리히 클라이버와 비슷한 점이었다.
리허설 전에는 반드시 작곡가의 자필 확보를 확인하고 다른 연주자의 녹음을 구해 연주 해석을
확인하고 아버지 에리히가 사용한 총보를 연구하는 등 그 준비과정이 세심하고 철저했다.
이렇게 치밀한 리허설에 비해 실제로 연주할 때는 발레를 연상시키는 독특하고 우아한
지휘모습으로 청중들, 오케스트라 단원, 협연자들을 매료시켰다.
그 지휘에서는 아찔한 속도감, 살아있는 리듬감, 색채의 강렬함, 서정적인 아름다움 등이
느껴졌다. 분명 천재 지휘자의 모습이었다.
그 질주하는 젊음으로 인해 카를로스는 항상 새로운 시대를 선도하는 음악가로 인식됐다.
그러나 그는 제1바이올린과 제2바이올린을 좌우로 마주보게 배치하거나 악보에 수정을 하고
현악기의 보잉을 각 보면대마다 다르게 연주하는 등 제2차세계대전 이전의 방식을 응용했다.
이는 아버지 에리히의 강한 영향 아래 옛 지휘자들의 유파를 이어받았다고 봐도 될 것이다.
지휘자 파트보를 소유하고 그 내용을 적어 사용한 것도 브루노 발터 등 19세기 대지휘자들의
습성이었다.
클라이버는 단원들의 보잉을 모두 계산해서 적어 두었다. 다시 말해 청중들에게는 활을 올려
긋고 내리 긋는 것이 단원들의 자유처럼 보이기는 하지만 기실은 클라이버가 각각의 스트링
파트 보면대마다 서로 다른 보잉을 명시해 둔 것이다.
이렇게 함으로써 안정되고 정확한 디테일을 끄집어내는 효과를 거둘 수 있었다.
시카고 심포니에 객원지휘하던 시절 시카고 심포니의 수석 첼리스트 였던 프랭크 밀러는
이에 강력히 반발해서 악보 사서들은 첼로 파트 악보를 그로부터 지켜야 했다고 한다.
걸핏하면 클라이버의 보잉 지시를 삭제하고 과거의 전통적인 방식을 적어놓곤 했기 때문이다.
클라이버는 이 사실을 알고 즉시 시카고를 떠났다고 한다. 그러나 시카고 심포니를 지휘한
모든 객원지휘자들 가운데 시카고 심포니의 악단원들이 가장 두려워하고 존경을 보냈다고
일컬어지는 사람은 카를로스 클라이버였다.
1970년 말부터 카를로스는 레퍼토리를 적게 유지하고 리허설 시간을 보통의 배 이상 잡아
연습했으며, 자신의 뜻에 거슬리면 연주를 취소하곤 했다.
이런 악취미가 오히려 카를로스의 희소성을 높이고 인기를 부추기는 역할을 했다. 카
를로스의 공연은 늘 대체 지휘자를 마련해놓아야 하는 위험에도 불구하고 티켓은 항상
매진이었다.
몇 안 되는 녹음은 나오는 족족 명연으로 간주됐다.
'장미의 기사'같은 곡은 음반 한 장만으로 만족 못해 해적반을 구하는 등 푸르트뱅글러와
비슷한 컬트 현상이 이어지고 있다.
카라얀 사후 베를린 필 단원들 중 다수가 후임 음악감독으로 카를로스를 원했지만 그는 전혀
염두에도 두지 않았던 일이라 거절했다.
인터뷰를 싫어했던 카를로스는 좀처럼 매체에 자신의 의향을 얘기한 적이 없었다.
그러나 친했던 번스타인에게는 "나는 정원에 있는 야채와 같이 햇빛을 받고, 성장하고,
마시고, 자고 싶을 뿐이다"라고 불평했다고 한다.
카를로스의 신경과민은 유명했다. 지나치게 예민했던 그는 협연자를 잘 주도하지 못했다.
나아가 그는 오케스트라 단원들이 자신을 이해하지 못하고 따르지 않을까 봐 늘 두려워했던
것 같다.
특히 무대에 오르기 바로 전 그의 긴장상태는 상상을 초월할 정도였다.
1970년대, 바이에른 국립오페라를 지휘해 '장미의 기사'를 연주할 때였다.
연주 직전 바이에른 국립오페라의 음악 감독이었던 볼프강 자발리쉬가 카를로스의 대기실을
찾았다. 두 사람은 정중한 인사를 하고 뜨거운 악수를 나누었다.
자발리쉬는 카를로스를 무대 앞까지 배웅해주었다. 그런데 막이 오를 즈음 카를로스는 거의
노이로제 상태가 됐다.
자발리쉬가 괜찮다고 격려하며 등을 떠밀어 억지로 무대 위로 내보냈다고 한다.
1970년대 말 클라이버는 어느 연주회에 앞서 구토까지 했다고 전해진다.
1980년대 후반부터 카를로스의 지휘는 뜸해졌다. 2~3년에 몇 번 정도의 페이스로 지속됐다.
바이에른 국립관현악단과 빈 필, 베를린 필 등 오케스트라도 한정됐다.
카를로스가 어떤 오케스트라를 지휘하는 것만으로도 큰 뉴스가 됐고 연주회 티켓을 구한다
하더라도 그가 지휘대에 설 것인가에 대해서 확실하지 않았지만 많은 팬들이 카를로스의
연주회를 기다렸다.
한 번은 베를린에서 한 번은 잉골슈타트(뮌헨에서 50킬로미터쯤 떨어진 작은 마을. 자동차
회사 아우디의 본사가 그곳에 있다, 이 때 클라이버는 개런티로 아우디 공장 견학과 승용차를
받았다 한다)에서, 한 번은 유고슬라비아에서, 그리고 빈에서 몇 번 지휘를 했다.
연주 횟수를 줄일수록 그가 벌어들이는 액수는 커져 갔다.
사람들은 카를로스 클라이버의 콘서트를 아주 희귀한 보석들과 동일시했다.
카를로스를 진정한 천재라고 평가한 카라얀은 이에 대해 "냉장고가 빌 때에만 지휘를 한다"고
말하기도 했다.
커리어 말기인 1998년과 1999년에 카를로스는 카나리아 제도와 사르데냐 섬에 나타났다.
둘 다 작렬하는 태양과 푸른 바다가 있는 전형적인 유럽 남쪽 지방의 섬이다.
1999년 초 바이에른 방송교향악단을 지휘한 사르데냐 섬의 주도 칼리아리에서의 콘서트를
마지막으로 사람들은 클라이버의 모습을 볼 수 없었다.
2004년 7월 13일, 카를로스는 발레리나였던 부인 스탄카 브레조바르가의 고향인
슬로베니아에서 투병 끝에 간암으로 사망했다.
부인을 잃은 지 1년만이어서 카를로스의 자살설이 제기되기도 했다.
카를로스는 지휘 횟수가 적었고, 정규반으로 발매된 음반의 수도 적었지만 음반 하나 하나
명연이 아닌 경우가 없었다.
빈 필과의 베토벤 '교향곡 5번', '교향곡 7번', 브람스 '교향곡 4번'(이상 DG)은 발매되자마자
대표음반의 자리에서 내려오지 않고 있다.
바이에른 국립관현악단을 지휘한 베토벤 '교향곡 4번'(카를 뵘 추모음악회 실황)과
7번(Orfeo)등도 발매 초기부터 센세이션을 일으켰다.
오페라도 베버 '마탄의 사수', 베르디 '라 트라비아타', 바그너 '트리스탄과 이졸데'(이상
DG), '박쥐'(DG 음반 및 영상), '카르멘', '장미의 기사'(영상)등 소수지만 각 작품의
대표적인 명연주로 자리매김했다.
그러나 푸치니 '라 보엠' 등 다수의 녹음 세션이 카를로스 자신의 포기로 중단돼버리고
말았고 정규 녹음이 적은 만큼 방송 녹음이나 팬들의 불법 녹음으로 제작된 수많은 해적음반,
비정규반이 시판되고 있다.
1970년대 녹음인 베토벤 '교향곡 5번', '7번'(DG)은 집집마다 한 장씩은 있는 대표적인
음반으로 평가받는다.
음악평론가 헨리 포겔은 이 연주에 대해 "악기간 밸런스의 디테일, 화음의 조율을 향한
믿을 수 없을 정도로 강렬한 집중력과 명료한 텍스처, 완벽한 템포, 상쾌한 어택음과
프레이징의 호흡 등이 결합된 결과물이다.
그러나 이 같은 양상들과 더불어 거기엔 악기들의 질주나 강렬함 같은, 말로는 표현할 수
없는 것들이 있다.
단원들이 그들의 인생을 건 듯한 연주이다. 현은 부지런히 활을 긋고 있으며 목관은 불타는
듯 격렬히 음을 내고 있다. 금관은 다른 악기들이 궤도를 잃지 않게끔 배려하면서 힘차게
포효한다"고 평했다.
1982년 5월 3일 카를 뵘 추모 콘서트 실황인 바이에른 국립관현악단과의 '4번'과 '7번'
(각각 Orfeo)도 다이내믹하고 신선함이 용솟음친다. 베토벤 '교향곡 4번', '7번'의 커플링은
1986년 일본 실황과 1999년 사르데냐 칼리아리 실황 등이 Memories Excellence 등
비정규반으로 발매돼 있다.
1983년 실황인 베토벤 '교향곡 6번 ‘전원’'(Orfeo)은 카를로스의 컬렉터가 아니면 피해야
될 만큼 음질이 좋지 않다.
1980년대 브람스 '교향곡 4번'(DG), 슈베르트 '3번' 및 '미완성'(DG)에서 카를로스는 신선한
비전을 제시했다. 그의 협주곡 녹음은 단 하나다.
스비아토슬라프 리히테르를 반주한 드보르자크 '피아노 협주곡'(EMI)이 그것이다.
아르투로 베네데티 미켈란젤리와 베토벤 '협주곡 5번 '황제'의 리허설까지는 했었지만 다투는
바람에 레코딩은 하지 못했다.
오페라에서는 베버 '마탄의 사수'(DG) 바그너 '트리스탄과 이졸데'(DG)가 전설적인 음반이며
슈트라우스 2세의 '박쥐'(DG)는 흥겨움이 넘치며 베르디 '라 트라비아타'(DG)는 긴장감과
풋풋함을 불어넣는다.
베르디 '오텔로'(Music & Arts)는 비정규반임에도 오페라 애호가들로부터 최고의 선택 중
하나로 손꼽히며, 번스타인이 "내 생애 최고의 청각적 경험"이라 절찬한 1979년 푸치니 '라
보엠' 역시 Exclusive나 Golden Melodram 등 레이블에서 비정규반으로 나와 있다.
약력
1952 부에노스아이레스 라 플라타에서 지휘 데뷔
1953 뮌헨 개르트너플라츠 극장 연습생 지휘자로 근무
1954 포츠담 극장에서 오페레타 지휘
1956~1964 라인 도이치 오페라 극장 지휘
1964 취리히 오페라 지휘
1966 뷔르템부르크 오페라 지휘
1968 바이에른 국립오페라 지휘
1973 빈 국립오페라 지휘
1974 바이로이트 페스티벌 지휘, 런던 코벤트 가든 데뷔
1982 빈 국립오페라와 5시즌 계약
1989, 1992 빈 신년음악회 지휘
1999 사르데냐 칼리아리에서 바이에른 국립관현악단과 마지막 콘서트
3. Rachmaninov, Piano Concerto No.2 in C Minor Op.18
Vladimir Ashkenazy(pf) / Andre Previn(cond), London Symphony Orchestra
I. Moderato
II. Adagio Sostenuto
III. Allegro Scherzando
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 2번 C 장조 Op.18
라흐마니노프의 피아노 협주곡 2번은 첫 부분의 피아노 터치가 인상적인 곡이다.
이 부분은 크렘린의 종소리라는 별명을 가지고 있는데 그만큼 장중하고 아름다우며 누가
들어도 단번에 러시아적인 분위기를 느낄 수 있다.
또한 애수에 찬 감미로운 2악장, 빛나는 3악장도 많은 영화, 드라마, CF에 삽입되어 이 곡은
처음 듣는 사람에게도 아주 친숙하게 느껴진다.
라흐마니노프는 작곡가로도 유명하지만 그 자신이 아주 뛰어난 피아니스트였다.
그는 아주 손이 크고 테크닉도 뛰어나 힘과 기교를 겸비한 빼어난 연주를 하였다.
그의 피아노 곡들은 당연히 직접 연주할 것을 염두에 두고 작곡되었으며 연주하는데
피아니스트의 엄청난 기량이 필요하다.
관객들에게는 피아노의 능력을 극대화한 명곡이지만 수많은 피아니스트들을 절망에 빠뜨리는
난곡들이기도 하다.
현재는 라흐마니노프를 마판증후군 환자로 추정하고 있는데 이 병은 손가락을 길고 유연하게
만드는 특성이 있다.
그러니 정상적인 사람이 라흐마니노프의 테크닉을 쉽게 따라 하기란 애당초 어려울 수 밖에
없다.
전설적인 바이올리니스트 파가니니도 역시 마판증후군 환자로 의심된다.
그는 평생 4개의 피아노협주곡을 작곡했는데 그 중 2번과 3번이 가장 유명하다.
1번은 10대 후반에 작곡했다가 나중에 전면적으로 수정해서 실질적으로는 이 2번이 첫 번째
협주곡이라고 보아도 큰 무리는 없다.
라흐마니노프는 작곡에서 차이콥스키의 영향을 크게 받았다고 평가 받는다. 실제로
라흐마니노프는 차이콥스키에게 배웠으며 그를 멘토로 삼았다.
차이콥스키가 죽었을 때 그를 '위대한 예술가의 회상'이라는 곡을 쓰기도 했다.
그래서 라흐마니노프의 경향을 회고적이라고하기도 하고 그를 낭만파의 마지막 작곡가라고
하기도 한다.
그는 당시의 다른 작곡가들이 보았을 때는 좀 구닥다리 스타일이었던 것이다.
라흐마니노프는 10대 때부터 작곡을 시작하여 많은 훌륭한 곡을 쓴다.
피아니스트로의 기량도 뛰어나서 연주자로도 인정받고 지휘도 하는 등 활발하게 활동한다.
그런데 라흐마니노프가 24세 되던 해부터 약 3~4년간 작곡가로 큰 슬럼프를 겪게 된다.
사실상 그 기간 동안 아무 곡도 쓰지 못했다. 그 이유는 1897년에 초연한 교향곡 1번이
무지막지한 악평을 들어 작곡에 완전히 자신감을 상실했기 때문이다.
게다가 개인적인 불행도 겹쳐서 그는 우울증에 빠지고 만다.
협주곡 2번은 대단한 성공을 거두었고 작곡가로서의 그의 명성은 그 후로 확고 부동하게 된다.
그런 사연으로 이 곡이 니콜라이 달에게 헌정되었다.
후에 라흐마니노프는 미국에서도 활동하여 큰 명성을 쌓는데 그런 계기로 나중에 러시아
혁명을 피해 미국으로 이주하여 정착하게 된다.
러시아 쪽 음악가 중 그와 비슷하게 미국에 정착하게 된 경우가 여럿 있다.
피아니스트 호로비츠도 그 중 한 사람인데 라흐마니노프는 호로비츠가 자신의 곡 특히 '협주곡
3번'을 연주하는 것을 굉장히 높게 평가했다고 한다.
이 곡이 많은 사람들의 사랑을 받다 보니 많은 영화나 드라마 등에도 삽입되었다.
'애수', '노다메 칸타빌레' 등에도 들어갔고, '호로비츠를 위하여'에서도 그렇다.
그런데 재미있는 점은 호로비츠가 라흐마니노프 연주로 아주 유명하지만 정작 이 곡은 녹음하지
않았다는 것이다.
클래식 애호가 중 호로비츠의 '라흐마니노프 협주곡 2번'을 찾으시는 분이 꽤 있는데 안타깝게도
세상에 그런 음반은 없다.
반대로 '2번'의 명반을 남긴 리히터는 '3번'이 없다. 그런 생각을 하면 '호로비츠를 위하여'라는
제목 또한 꽤 절묘한 것 같다.
■ 추천음반
피아노 협주곡의 대표적인 곡답게 강하고 아름다운 연주가 많다. 웅장한 스케일을 연출해내는
리히터(1959, 스테레오, DG)의 녹음은 공격적인 타건과 에너지가 꿈틀거리는 명연이다.
반대로 아르투르 루빈스타인(1971, 스테레오, RCA)의 연주는 단아한 해석으로 요란함 없는
아름다움이 빛난다.
블라디미르 아슈케나지(1970, 스테레오, Decca)는 곡이 가진 서정성을 극대화한 유려한 해석의
전형이라 할 만 하다.
스테판 허프(1996, Digital, Hyperion)는 현란한 기교의 현대적 해석이 돋보이는 명반이다.
블라디미르 아슈케나지 (Vladimir Ashkenazy, 1937. 7. 6 ~ )
피아노 주자이기도 하며 소련 출신이지만 현재는 아이슬란드의 국적을 가진 세계 유수의
피아니스트중 한 사람이다.
모스크바 서쪽의 도시 고리키에서 음악가 집안에서 태어났으며 원 이름은 블라디미르 다비도비치
아슈케나지이다.
6세 때부터 피아노를 배우고 다음해에는 일찍이 학생 오케스트라와 공연하여 하이든의 '피아노
협주곡'을 연주하였을 정도로 눈부신 재능을 보였다.
그 후 방송에도 출연하였는데 9세 때 모스크바 음악원 부속의 중앙음악학교에 입학하여 산베티안
여사에게 배웠다.
1955년 18세의 나이로 10년제 음악학교를 졸업하고 그해 바르샤바의 쇼팽 국제 콩쿠르에 나가
2등으로 입상하였다.
이어서 모스크바 음악원에 입학하여 레프 오보린과 그의 조수 보리스 젬리얀스키를 스승으로 삼고
가르침을 받았다.
1956년 아슈케라지는 엘리자베트 왕비 국제 콩쿠르에 참가해 1등으로 우승하여 그 결과 벨기에 각
도시와 동서독일, 미국, 캐나다에서 연주하였는데 경이적인 성공을 거두었다.
EMI와 소련 멜로디아에서 레코드로 발매되어 아슈케나지의 명성은 국제적으로 높아졌지만 그는 그
후도 모스크바 음악원에서 공부를 계속하고 1960년에 음악원을 졸업하였다.
1961년 아슈케나지는 모스크바 음악원에 유학중이던 아이슬란드의 여류 피아니스트와 결혼하였다.
그 다음해 제2회 차이코프스키 콩쿠르에 출장하여 영국의 존오그돈과 함께 공동 1위로 입상하여
세계적인 제일급의 피아니스트로서 인정을 받았다.
그리고 부인의 희망에 따라 1963년부터 영국에 집을 마련하고 1968년부터는 아이슬란드의
레이키아비크에서 부인과 네 자녀와 함께 살고 있다.
물론 피아니스트로서 유럽과 미국에서 활발한 연주 활동을 계속하고 있지만 한편 아이슬란드에서
2년마다 개최되는 음악제의 고문으로 일하고 있다.
1975년경 지휘 활동을 시작했으며 1977년에는 영국에서 정식으로 지휘자로 데뷔하여 최근에는
지휘자로서의 녹음도 시작했다.
그는 1969년 소련에는 돌아가지 않겠다는 것을 선언하였고 1972년에는 미국의 신문을 통해 소련의
체제를 비판한 것이 화제를 일으켰다.
1974년 정식으로 소련 국적을 이탈하여 아이슬란드 국민이 되었다.
아슈케나지는 현대의 피아니스트 가운데에서도 가장 안정된 기교와 음악성을 갖춘 주목할 만한
연주가이다.
그는 신장이 168cm의 작은 몸매이지만 그의 손은 매우 독특하여 연주에 아주 알맞다.
모스크바 악파가 전후에 정착시킨 합리적인 방법을 승계하여 그 기교에는 조금의 무리도 없으며
더구나 그의 리듬 감각의 예민함은 비견될 사람이 없을 정도다.
큰 음량과 다양한 음색과 풍려한 울림, 터치의 균질 등 피아노 연주에 필요한 모든 조건을 다
갖추고 있다.
그것은 극적인 다이내미즘을 낳게 함과 동시에 정교한 노래를 가능케 하고 있으며 즉흥적인
감흥과 대응함으로써 신선한 생명력과 충실감을 표현하는 것이다.
따라서 레퍼토리는 매우 넓고 각각에 높은 수준의연주를 듣게 할 수 있지만 최근의 연주는
인간적인 성숙까지도 반영시켜 깊은 정서적 표현을 통해 한층 더 그 매력을 느끼게 하고 있다.
레코드도 수많이 나오고 있는데, 그중에는 '베토벤 피아노곡 대전집'(1981년 현재 6권과 그
밖에 2매)이 포함되어 있다.
이 밖에 솔티 지휘의 시카고 교향악단과 공연한 '베토벤 피아노 협주곡 전집', 프레빈 지휘의
런던 교향악단과 공연한 '라흐마니노프 피아노 협주곡 전집', 펄만과 공연한 베토벤 바이올린
소나타 전집'등 대규모의 많은 전집을 완성하고 있다.
이 밖에도 많은 독주 음반과 실내악 음반이 있는데 지휘자로서의 녹음도 앞으로는 늘어날
것이다.
그러나 그중에서도 첫째로 꼽히는 것이라면 라흐마니노프의 '24개의 전주곡' 또는 스크랴빈의
'피아노 소나타 제3번∼제5번'을 꼽을 수 있다.
물론 솔티와의 베토벤이나 프레빈과의 라흐마니노프, 프로코피예프 등도 각각의 작품의
레코드에서 최고의 연주로 꼽을 수 있다고 생각된다.
실황 연주 녹음인 쇼팽의 '장송 행진곡'도 잊을 수 없는 명연주라고 해도 과언이 아니다.
아슈케나지는 1988년 가을부터 베를린 방송교향악단의 수석 지휘자로 취임하여 그의 인생에
있어서 황금기를 누리고 현역에서 은퇴했다.
4. Sibelius, Violin Concerto in D minor, Op.47
Jascha Heifetz(Pf) / Walter Hendi(cond), Chiacago Symphony Orchestra
I. Allegro moderato
II. Adagio di molto
III. Allegro, ma non tanto
♣ 시벨리우스 바이올린 협주곡 D 단조 Op.47
애국적인 교향시 '핀란디아'로 유명한 핀란드의 국민 작곡가 장 시벨리우스는 일생 동안 일곱 편의
교향곡과 다수의 교향시를 발표했다.
반면 협주곡은 바이올린을 위한 것을 단 하나 남겼을 뿐인데 그가 원래 바이올리니스트를
지망했었다는 사실을 떠올리면 못내 아쉬운 일이 아닐 수 없다.
하지만 이 한 곡만으로도 시벨리우스는 협주곡사에 불멸의 족적을 새겼다.
그의 유일한 바이올린 협주곡은 그 스타일과 작품성 면에서 베토벤과 브람스의 걸작들에 비견될
만하며 공연장에서는 차이코프스키의 명곡에 버금가는 최고의 인기를 누리고 있는 것이다.
시벨리우스가 '바이올린 협주곡 d단조'를 작곡한 것은 30대 후반의 일인데 당시 그는 여러모로
난관에 봉착해 있었다.
그 자신의 건강에 이상이 생겼고 가족은 경제난에 시달렸으며 그에 따라 창작을 위한 시간을 충분히
가질 수 없어 고심했다.
무엇보다 '교향곡 제2번'의 대성공에 즈음하여 찾아든 불청객인 귀의 통증이 4년 동안이나 그를
괴롭혔다.
그 동안 그는 혹시 베토벤처럼 청력을 상실할 지도 모른다는 불안과 공포에 시달렸다.
어쩌면 이 협주곡에 투영된 고뇌 어린 표정과 고통스런 몸부림은 그 암울했던 시절의 반향인 지도
모른다.
협주곡은 1903년 가을에 완성되었고 초연은 이듬해 2월 헬싱키에서 시벨리우스 자신의 지휘로
이루어졌다. 하지만 그 초연은 독주자의 능력 부족 탓에 실패로 돌아갔다.
또한 어느 유력한 비평가의 지적처럼 곡 자체에 문제가 있기도 했다.
낙담한 시벨리우스는 악보(초판)를 거둬들이고 '연주 불가'를 선언했다. 그리고 1905년 여름에
작품을 대폭 손질하여 개정판을 마련했다.
보다 간결한 구성에 교향악적 색채를 강화한 개정판은 동년 10월 베를린에서 공개되었다.
카렐 할리르의 독주와 리하르트 슈트라우스의 지휘로 이루어진 이 또 한 번의 초연은 성공을
거두었다.
그리고 그 후 시벨리우스와 친분이 있었던 러시아의 위대한 바이올린 스승 레오폴드 아우어와
그의 제자들 특히 야샤 하이페츠와 같은 비르투오소 바이올리니스트들의 지지 덕분에 작품은
차츰 그 진가를 널리 인정받게 되었다.
이 곡은 고금의 바이올린 협주곡들 중에서도 특히 바이올린다운 기능과 미감을 잘 살린
수작으로 평가받는다.
한 때 바이올리니스트를 지망했던 시벨리우스였기에 악기에 대한 확실한 이해와 다각적인
고찰을 토대로 오직 바이올린을 통해서만 의미를 가질 수 있는 음악을 탄생시켰던 것이다.
이 곡은 바이올린이 아니면 불가능한 여러 표현들과 다채로운 기교적 패시지들로 화려하게
장식되어 있다.
그 중에서도 양단 악장들에서 약음기와 하모닉스의 효과적인 사용을 바탕으로 빚어낸 인상적인
음향들, 중간 악장에서 절묘하게 부각되는 바이올린 특유의 끈질긴 선율선 등이 특히 돋보인다.
비록 구성이나 내용적인 면에서의 불균형과 부자연스러운 전조 등 일부 약점도 발견되지만
북유럽 작곡가다운 개성적인 표현과 논리적인 어법이 훌륭한 조화를 이루고 있는 이 작품은
특유의 오묘한 분위기와 강력한 마력으로 듣는 이를 사로잡는다.
제1악장 : 알레그로 모데라토, d단조, 2/2박자
내용적으로 가장 심오할 뿐 아니라 전곡의 절반을 점유하는 장대한 규모로도 돋보이는
악장이다.
독주 바이올린과 관현악이 유기적인 조화를 이루며 구축해가는 이 교향악적 악장의 구조는
상당히 독특하다.
전체의 구도는 일종의 자유로운 소나타 형식으로 파악할 수 있는데 특히 제시부 직후에 놓인
대규모의 카덴차(독주 바이올린의 기량 과시를 위한 무반주 부분)가 마치 발전부와도 같은
역할을 감당하고 있는 모습이 이채롭다.
그밖에도 도입부에서 관현악의 신비로운 속삭임과 독주악기의 서정적 선율의 절묘한 어울림과
전편에 걸친 긴장감 넘치는 흐름 그리고 재현부와 코다에서의 거대한 극적이고 교향악적 움직임
등등이 돋보인다.
이 첫 악장은 처음부터 끝까지 독주악기와 관현악의 섬세하고 긴밀한 짜임새와 인상적인
장면들로 가득하다.
치열하고 격정적인 몸짓으로 가득하면서도 기저에는 서늘한 기운이 감도는 이 악장을 '북구의
빙산 속에서 타오르는 백열의 불꽃'에 비유하는 평론가도 있다.
제2악장 : 아다지오 디 몰토, B♭장조, 4/4박자
마치 '숲과 호수의 나라' 핀란드의 울창한 침엽수림을 펼쳐 보이는 듯한 목관 파트의 앙상블로
시작되는 아다지오 악장이다.
전편에 걸쳐 면면히 흐르는 바이올린 독주의 서정적 선율선에는 인간 영혼의 진솔한 고백과
깊숙한 내면의 토로가 서려있는 듯하다.
그리고 중간부의 클라이맥스에서는 이제까지의 응어리를 일거에 터트리는 듯한 카타르시스를
맛볼 수 있다.
제3악장 : 알레그로 마 논 트로포, D장조, 3/4박자
기묘한 느낌으로 가득한 스케르초 풍의 춤곡 악장이다.
다소 묵직한 리듬 위에서 사뭇 정열적인 춤곡이 현란하게 펼쳐진다. 베버나 멘델스존의
요정음악을 연상시키는 독주 바이올린의 경묘한 움직임 위로 북유럽의 환상이 아련히 떠오르는
느낌이든다.
그러면서도 북유럽적인 음산한 기운이 서려 있어 신비롭고 마력적인 분위기를 자아낸다.
■ 추천음반
인기 높은 명곡인 만큼 명반도 많다. 먼저 히스토리컬 음반들 중에서는 지네트 느뵈(EMI)와
야샤 하이페츠(RCA)가 유명하다.
두 연주 모두 강렬한 감흥을 안겨주는데 특히 하이페츠의 연주를 듣고 있노라면 극도로
단단하고 예리하게 벼린 명검의 날에 베일 것만 같아 오싹한 느낌마저 든다.
정경화의 전설적인 데뷔 음반(Decca)도 부동의 명반이다. 가히 동물적이라 할 만한 그녀의
직관력과 활활 타오르는 정열은 그야말로 독보적이다.
디지털 시대로 넘어오면 청결한 음색과 세련된 테크닉을 앞세운 초량린의 잘 다듬어진 연주가
우선 시야에 들어온다(Sony).
이 음반에서는 특히 살로넨이 지휘한 관현악 파트의 능동적인 반응성과 야성적인 파괴력이
돋보인다.
이밖에 각별한 음색미와 개성적 표현이 인상적인 케네디의 음반(EMI)도 경청할 만하고
차분하고 세밀하며 견실한 카바코스의 음반(BIS)에는 1903/04년의 초판이 개정판과 나란히
수록되어 있다.
한편 비교적 최근에 나온 크리스티안 테츨라프의 음반(Virgin)에는 시벨리우스의 다른 바이올린
협주 작품들이 빼곡이 채워져 흥미를 유발한다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에 입학하여
드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고 그
이후 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해 하이페츠의
이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시타인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는 표현
등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어가는
큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Dvorak, Cello Concerto in B Minor, Op.104
Jacqueline du Pre(Vc) / Sergiu Celibidache(cond), Swedish Radio Symphony Orchestra
I. Allegro
II. Adagio ma non troppo
III. Finale; Allegro moderato
♣ 드보르작 첼로 협주곡 B 단조 Op.104
1894년 가을, 드보르작은 자신의 가장 위대한 작품이 될 첼로 협주곡(B단조)을 쓰기
시작했다.
그는 이미 피아노 협주곡을 비롯한 다양한 악기들을 위한 협주곡들을 작곡했고 그 모든
경험이 이 작품 속에 녹아 들어가 있다.
사실 드보르작의 첼로 협주곡은 몇 달 전 뉴욕의 브루클린에서 열린 음악회에서 느낀
강렬한 체험에서 출발했다.
그때 빅터 허버트라는 작곡가의 첼로 협주곡 2번을 처음 듣게 된 드보르작은 새로운
세계가 열리는 것을 경험했다.
당시로서는 대단히 드문 편성인 세 대의 트롬본을 사용한 점이 드보르작이 받은 감동을
증명하고 있다.
작곡가의 미국 체류 경험은 이 첼로 협주곡에 새로운 영감을 제시했으며 미국의
아프로-아메리칸 문화가 체코의 슬라브 문화와 만나서 의미 있는 형식을 이끌어냈다.
만약 드보르작이 유럽에서만 활동했다면 역사상 가장 위대한 첼로 협주곡은 탄생하지
못했을지도 모른다.
첼로 협주곡의 대명사가 될 정도로 폭넓은 지지를 받고 있는 이 작품의 초연은 작곡가와
찰떡 궁합을 자랑하던 첼리스트 하누슈 비한과의 관계에 균열이 일어나면서 복잡해졌다.
런던 필하모니는 드보르작의 첼로 협주곡 초연자로 첼리스트 레오 스턴을 강력하게
밀어부쳤고 작곡가는 격렬하게 반응했다.
결국 런던 퀸즈 홀에서 1896년 3월 19일에 작곡가 자신의 지휘로 런던 필하모니와 레오
스턴이 세계 초연의 영광을 안았다(같은 해 4월 17일에 이루어진 프라하 초연 때도 스턴이
연주했다).
드보르작의 이 작품은 19세기 전체를 통틀어 가장 훌륭한 첼로 협주곡이다.
영국의 첼리스트 줄리어스 해리슨은 “나는 드보르작의 첼로 협주곡이 낭만 음악이라는
넓은 정원에서 가장 사랑스러운 꽃이라 생각한다” 라고 말하며 이 곡의 위대함을 칭찬했다.
제1악장 알레그로, 4/4박자
소나타 형식이며 서주 없이 제1주제가 현악과 함께 클라리넷이 주도한다. 이 주제는 흑인
음악에서 따왔다고 하지만 그 선율을 고스란히 사용한 것은 아니다.
드보르작은 자신이 체코 출신이라는 사실을 한 번도 잊은 적이 없었다.
제1주제가 나온 뒤에 두 개나 네 개의 마디를 반복하는 방식은 전형적인 체코 음악
스타일이다. 제2주제를 연주하는 첼로와 호른은 감수성으로 물들어 있다.
1악장은 대담한 희망과 웅장함이 특징적인 인상으로 화려한 관현악과 독주 첼로 사이의
극적인 긴장감이 매우 중요한 포인트라고 할 수 있을 것이다.
제2악장 아다지오 마 논 트로포, 3/4박자
오보에와 파곳의 서정성은 중부 유럽을 향한 잃어버린 노스텔지아의 분위기를 닮아 있다.
사실 2악장은 작곡가가 무척이나 사랑했던 요세피나 체르마코바(드보르작은 그녀의 동생과
결혼했다)와 깊숙하게 맺어져 있다.
제2주제에서 드보르작은 자신의 가곡(나 홀로 내버려 두세요)을 사용했는데 요세피나가 이
작품을 좋아했기 때문이다.
더구나 한창 첼로 협주곡을 작곡하던 바로 그 시점에 요세피나가 사망했고 드보르작은 그
충격속에서 작품에 몰두했다.
따라서 작곡가와 요세피나 사이의 감정의 등고선은 2악장을 관통하는 중심 주제이다.
제3악장 피날레, 알레그로 모데라토, 2/4박자
호른과 독주 첼로 사이의 주제 교환은 매우 다채로우며, 체코 지방인 보헤미아의 정서가
듬뿍 담겨 있다.
풍부하게 느껴지는 아름다움과 깊은 서정성 그리고 드라마틱한 스타일은 아메리카와 체코의
민속적 요소들이 자연스럽게 엮어지면서 흘러간다.
특히 목관 악기의 짧은 선율은 슬라브 정서를 환기시킨다.
■ 추천음반
첼리스트들에게 이 작품은 피할 수 없는 선택이다.
로스트로포비치 연주는 질풍노도처럼 모두를 압도한다.
카라얀의 베를린필과 협연한 음반(DG)은 용호상박처럼 팽팽하게 전개되는데 드라마틱한
스케일감이 짜릿하다.
로스트로포비치-줄리니 음반(EMI)도 훌륭하다. 카라얀과의 연주보다 더 작품의 본질에
접근해 있다고 할 수 있다.
사들로가 노이만의 체코필과 협연한 연주는 감정과다를 배제하고 악보 그 자체에
파고들었다.
리듬감이 특별한 푸르니에(DG), 카잘스(EMI/Naxos)와 포이어만(EMI/NAXOS) 음반이 또 다른
선택으로 남아있다.
자클린 뒤 프레 (Jacqueline Mary Du Pre, 1945. 1. 26 ~ 1987. 10. 19 )
20세기 중반 영국 음악계의 자존심을 높여준 장본인이자 영화의 주인공 같은 불꽃같은 삶을
살다간 자클린 뒤 프레는 1945년 옥스퍼드의 한 중산층 가정에서 태어났다.
뒤 프레라는 프랑스식 성은 그녀의 아버지가 조상으로부터 물려받은 것으로서 그녀의 가문은
대대로 영국에서 터전을 닦아온 집안이었다.
어머니는 훌륭한 피아니스트이자 저명한 교사로 딸의 음악적 재능을 발견하고 키우는데 지대한
공헌을 했다.
5세 생일 직전 뒤 프레는 라디오에서 흘러나오는 첼로 소리를 듣고 첼리스트가 되기로
결심했다고 한다.
5세에 그녀는 허버트 워렌의 런던 첼로 스쿨에서 수학했고 이후 1955년부터 1961년에는 길드홀
음악학교에서 저명한 첼리스트인 윌리엄 플리스의 가르침을 받았다.
스승도 따라갈 수 없을 정도의 천재성을 보인 그녀는 이후 대가급 연주자들을 찾아다니며
배움의 길을 닦아나갔다.
1960년에는 스위스에서 파블로 카잘스의 마스터클래스에 참가하여 실내악의 중요성과 더불어
거장으로서의 관점을 배우게 되었고 1962년에는 파리에서 토르틀리에의 가르침을, 1966년에는
러시아에서 로스트로포비치의 가르침을 받았다.
특히 로스트로포비치는 뒤 프레의 재능에 감동을 받은 나머지 "내가 이룬 업적과 동등한 아니
그 이상을 해낼 수 있는 젊은 세대의 유일한 첼리스트"라고 치켜세우기도 했다.
이렇듯 거장들로부터 많은 영향을 받은 그녀였지만 뒤 프레는 항상 자신의 스승은 프리스라고
자랑스러워했다고 한다.
1956년 수지아 어워드(귀에미나 수지아는 포루투갈 태생의 저명한 여류 첼리스트로서 영국
첼로계의 대모로 존경받는다)를 수상한 그녀는 1961년 런던 위그모어 홀에서 1672년산
스트라디바리우스 첼로를 들고 데뷔 리사이틀을 가졌다.
협주곡 데뷔는 1962년 로열 페스티벌 홀에서 루돌프 슈바르츠가 지휘하는 BBC 심포니
오케스트라와 함께 엘가의 '첼로 협주곡'을 연주했고 이후 1963년 말콤 서전트가 이끄는 프롬
연주회에서도 엘가 협주곡을 연주하여 청중들로부터 엘가 협주곡에 있어서 뒤 프레의 전설이
시작되었다는 평을 받았다.
1965년에는 EMI에서 지휘자 존 바비롤리와 함께 이 협주곡을 레코딩하여 일약 스타로 부상하게
되었는데 그녀는 불과 20세의 나이로 클래식계에서 손꼽히는 결정반이라는 명예를 만들어냈다.
에드워드 엘가의 '첼로 협주곡'은 제 1차 세계대전 막바지에 작곡을 시작하여 1919년에 완성된
작품으로 뒤 프레에게 있어서는 일종의 페르소나와 같은 작품이다.
이 작품은 작곡가의 정신적으로 지친 상태와 삶에 대한 무상감을 반영하고 있는데 특히 1920년
부인의 죽음으로 인해 더 이상 작곡을 할 수 없었던 만큼 이 작품은 그의 마지막 대작으로
남게 되었다.
1919년 10월 초연된 이후 파블로 카잘스와 폴 토르틀리에, 앙드레 나바라를 비롯하여 베아트리체
해리슨, W.H. 스콰이어, 앤쏘니 피니와 같은 영국 출신의 연주가들로부터 많은 사랑을 받았지만
대중적으로 환호를 받기는 어려웠던 것이 사실이다.
초연된 지 40여년이 지난 뒤에야 비로소 이 'E단조 협주곡'은 자클린 뒤 프레라는 연주자에 의해
비로소 그 생명력을 얻을 수 있었다.
왜냐하면 그녀는 이 작품을 그저 연주한 것이 아니라 진정한 의미에 있어서 작품과 정신적인
일체화를 이루었기 때문이다.
한편 그녀는 피아니스트 스테판 코바세비치와 베토벤 피아노 트리오를 비롯한 다양한 듀오 작품을
녹음했는데 이 당시부터 1712년산 '다비도프' 스트라디바리우스 첼로를 사용하며 특유의 묵직한
음색과 강렬한 표현력을 발산하기 시작했다.
이와 더불어 예후디 메뉴힌을 비롯하여 이자크 펄만, 주빈 메타, 핀커스 주커만 등과 같은 젊은
연주가들과도 교류하며 친구 이상의 음악적 활동을 이루며 당대 최고의 첼리스트이자 음악의
뮤즈로 언론의 스포트라이트를 받았다.
특히 1969년 뒤 프레가 자신의 친구들화 함께 촬영한 슈베르트의 '피아노 5중주 '송어' 영상물은
오페라 '라 보엠'에 등장하는 젊은 보헤미안들에 비견할 만한 유쾌하고도 진지한 음악적 놀이의
순간을 포착하고 있다.
그녀에게도 사랑이 찾아왔다. 미국에서 데뷔 무대를 갖은 뒤 프레는 피아니스트 겸 지휘자인
다니엘 바렌보임과 운명적인 만남을 갖게 된 것이다.
1966년 12월 31일 처음 바렌보임을 만난 뒤 프레는 이내 사랑에 빠졌고 이 두 명의 젊은 천재
음악가는 이듬해인 1967년 6월 15일 웨스턴 홀에서 결혼식을 올렸다.
이 세기의 결혼식을 위한 팡파레가 울려퍼진 뒤 두 명의 축복받은 음악가들은 뜨거운 사랑만큼이나
정력적인 음악활동을 시작했다.
바로크와 고전, 낭만, 현대에 이르는 많은 실내악 및 협주곡 레파토리를 섭렵한 뒤 프레는 자신의
부군과 함께 혹은 다른 거장들과 함께 레코딩 스튜디오 및 연주회장을 종횡무진 누볐다.
특히 1970년 필라델피아 오케스트라를 지휘한 바렌보임의 지휘로 이루어진 엘가의 '첼로 협주곡'
실황 레코딩은 뒤 프레와 바렌보임의 음악적 교감이 최고도로 무르익은 모습을 들려준다.
뒤 프레는 이 때 바비롤리와의 연주 때보다 더 성숙해진 음악성과 신들린 듯한 명인기를
보여주었다.
하늘이 그녀에게 너무 과도한 재능을 준 탓일까. 뒤 프레의 음악적 역량이 폭발적으로 터져나올
당시인 1971년 7월 뒤 프레는 조금씩 아픈 증세를 호소하며 연주에 집중하지 못하기 시작했다.
리허설에서 피로감에 쓰러지거나 활을 놓치는 일이 많아졌다. 심지어는 시력조차 떨어졌다.
그럴수록 완벽주의자였던 바렌보임은 정신력 문제를 거론하며 그녀를 더욱 혹독하게 몰아 붙였다.
바렌보임으로서는 그녀의 연주력이 쇠락해 간다는 것은 도저히 받아들일 수 없는 최악의
선택이었던 것이다.
결국 "그녀는 나를 미치게 한다"던 호의적인 비평가들조차 더 이상 인내하지 못하고 그녀의
일관성 없고 조리없는 연주는 "정말 우리를 미치게 한다"는 악평을 쏟아내기 시작했다.
자신의 육체에 대한 고통보다 음악에 대한 열정에 훨씬 더 컸던 그녀는 주위의 만류에도
불구하고 연주회와 레코딩을 계속 강행했다.
그러나 연주에 집중할 수 없을 정도로 근육과 신경이 피로해짐에 따라 그녀의 활동은 눈에 띄게
줄어들었다.
결국 1973년 2월 주빈 메타가 이끄는 뉴 필하모니아 오케스트라와의 엘가의 '첼로 협주곡'을
끝으로 영국에서의 공식적인 연주회를 마감했다.
이후 그녀의 최후의 연주회는 몇 일 뒤 뉴욕에서 열렸다. 레너드 번스타인이 이끄는 뉴욕
필하모닉과 주커만의 연주로 브람스의 '2중 협주곡'을 연주한 것이 그것이다.
당시 뒤 프레는 활을 잡는 것과 운지를 하는 것 모두 대단히 힘들어했다고 전해진다.
이렇듯 엘가의 '첼로 협주곡'은 그녀의 데뷔와 마지막 연주회를 함께 한 작품으로서 일종의 뒤
프레에게 있어서는 페르소나와 같은 존재였던 것이다.
미국 연주회 직후 은퇴를 한 뒤 프레는 후학을 양성하면서까지 첼로를 끝까지 놓지 않으려고
노력했다.
그러나 1975년 이후로는 척수신경에 손상을 입으면서 몸을 가누지 못했을 뿐만 아니라 안면신경
손상으로 얼굴을 움직이거나 눈물을 흘리는 것조차 불가능해졌다.
이렇게 그녀는 서서히 살아있는 박제(가 되어갔지만 간신히 수프를 목으로 흘려 넘기며 자신이
녹음했던 음악들을 들었다. 그것만이 그녀가 유일하게 살아있음을 증명하는 일이었다.
뒤 프레의 건강은 점진적으로 악화되었고 결국 1987년 10월 런던에서 눈을 감았다.
그녀는 많은 양의 음반을 남기지는 못했다. 그러나 우리는 몇몇 녹음을 통해서 음악이라는
바다를 향한 뒤 프레의 열정이 아직까지도 뜨겁게 불타오르고 있음을 충분히 느낄 수 있다.
6. Brahms, String Quartet No.2 in A minor, Op.51
Juilliard String Quartet
I. Allegro non troppo
II. Andante moderato
III. Quasi Minuetto, moderato
IV. Finale. Allegro non assai
♣ 브람스 현악4중주 2번 A 단조, Op.51-2
바인가르트너는 브람스를 가리켜서 '형식의 대가'라고 평했는데 그 특징을 알기 위해서는
이 4중주곡을 감상할 필요가 있다.
이 곡은 브람스의 나이 40세인 1873년에 만들어졌다.
요하네스 브람스의 작품세계에서 실내악은 매우 중요한 위치를 차지한다.
당시 유명 작곡가들이 다른 장르에 매달려 있을 때 브람스는 실내악에 천착했고 7곡의 소나타,
3중주, 4중주, 5중주, 6중주 등 17곡의 실내악 작품들을 하나같이 걸작으로 탄생시켰다.
실내악에서도 완벽주의자로서의 면모를 보인 브람스는 스스로 실패작이라고 생각되는 모든
습작들과 초고들을 없앰으로써 수련기 작품들의 흔적을 남기지 않았다.
현악 4중주곡도 모두 23곡의 작품을 썼지만 20곡을 파기하고 3곡만 남겼을 정도로 창작에
신중을 기했다.
1865년 이후 8년 동안 브람스는 한 곡의 실내악 작품도 완성을 보지 못했다. 그만큼 브람스는
현악 4중주의 완성을 위해 힘겨운 산고를 겪었다.
무려 20곡이나 파기한 끝에 드디어 1873년에 2곡의 현악 4중주 작품 51을 세상에 내놓았다.
작품 51의 힘들었던 구성에 대해 브람스는 친구에게 이렇게 쓰고 있다.
"작곡하는 것은 어렵지 않지만 불필요한 음들을 없애는 것이 믿을 수 없을 정도로 어려웠네"
그 어려움은 브람스가 현악4중주의 필요한 요건들에 대해 느끼는 의식과 깊게 연관이 있는데
그러한 의식은 작품 51의 두 곡에서 진정한 형식의 절약과 집중의 집요한 탐구로 나타나고
있다.
Op.51-1은 c단조, Op.51-2는 a단조로, 두 작품은 대립적인 특성을 보여준다.
Op.51-1은 c단조의 조성과 연결되는 음울하고 극적인 긴장감이 있으며 피날레에서 나타나는
순환적 성향은 엄격한 표현적 집중, 철저한 논리적 성격을 갖고 있다.
반면 Op.51-2는 테마적 개념들의 풍성함, 대위법적인 작곡의 풍부함 속에서 비교적 느슨한
양상을 보인다.
1악장은 비애감, 애가, 엄청난 동요 사이에서 방황하는 무어라 정의할 수 없는 표현적인
태도를 보여준다.
즉 브람스의 '자유로우면서도 유쾌한' 모토와 요하임의 '자유로우면서도 유일한' 모토의
조합을 포함하는 모토에서 실마리를 이끌어 낸다.
반면 피날레에서는 빈의 사랑스러운 랜틀러(느린 왈츠)와 '헝가리적 테마'를 나란히
놓음으로써 대중성을 강조하고 있다.
1번은 베토벤의 영향을 2번은 바흐의 정신을 이어받은 것으로 평가되고 있다.
브람스의 마지막 현악4중주곡인 제3번 내림B장조 Op.67은 최대한 단순한 작곡을 그 특징으로
한다.
1876년 봄부터 여름에 걸쳐 브람스는 하이델브르크 부근에서 휴양을 하면서 이 곡을 작곡한
것으로 전한다.
그곳에서 브람스는 많은 친구들을 만나며 유쾌한 날들을 보냈다. 그 같은 생활이 반영된
듯 작품에서도 전원적이며 목가적인 정서가 풍기며 밝은 기운이 드러난다.
브람스 연구가들은 이 작품을 베토벤의 현악4중주 Op.135와 비유하곤 하는데 유연하면서도
섬세하고 그러면서도 신비로운 심오함이 그런 요소들이다.
이 3곡의 현악4중주곡은 브람스의 작품 세계에서 매우 중요한 위치를 차지한다.
브람스가 청년기에 보여준 작품들의 팽창성에서 벗어나 보다 엄격한 작곡서법에 의한 성숙의
단계로 접어드는 길목 역할을 하고 있기 때문이다.
제1악장 알레그로 논 트로포
극적인 제1주제, 이어 유려한 제2주제가 아름다운 진행을 계속한다.
제2악장 안단테 모데라토
제3악장 콰지 미뉴에토(모데라토)-알레그로 비바체
매우 장중한 메누엣의 제1주제와 스케르초 풍의 제2부가 제시되고, 가락은 환희에 차 있다.
제4악장 알레그로 논 아사이
활기 있는 제1주제는 먼저 제1바이올린에 나타나고, 이어서 바이올린이 이것을 받아서
연주된다. 제2주제는 제1바이올린에 나타나 브람스의 수법을 잘 보여 주고 있다.
줄리어드 현악4중주단
1946년에 줄리어드 음악원의 교장이었던 작곡가 윌리엄슈만의 제창에 의해, 로버트 맨을 리더로
해서 4 명의 음악원 교수에 의해 콰르텟이 결성되었다.
1947년에 뉴욕에 데뷔한 초대 멤버는 로버트 맨, 로버트 고프, 라파엘 힐리어, 아더
비노그라드였으나, 로버트 맨 이외 5 명 정도의 교체가 있었다.
현재에는 로버트 맨, 어얼 커리스, 사무엘 로즈, 조엘 크로즈닉의 4 명이 담당하고 있다.
데뷔 당시부터 정교하고 날카로운 앙상블을 무기로 하여 현대 음악에 타의 추종을 불허하는
명연을 남기고 있다.
| 
