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1. Rachmaninov, Symphonic Dances Op.45
Mariss Jansons(Cond), St. Petersburg Philharmonic Orchestra
I. Non allegro
II. Andante con moto (Tempo di valse)
III. Lente assai. Allegro vivace
♣ 라흐마니노프 교향적 무곡 작품45
라흐마니노프가 1895년에 발표한 교향곡 1번이 성공을 거두지 못하자 오랫동안 자신감을
가지지 못했다.
그러나 교향곡 1번의 일부 테마를 '교향적 무곡' 1악장에 다시 사용하여 큰 반향을 일으키게
됐다.
67세때인 1940년에 작곡된 '교향적 무곡'은 라흐마니노프의 마지막 작품이자 그를 최고의
지휘자 자리에 올려놓은 백조의 노래로 평가되고 있다.
흔히 '교향적 무곡'은 라흐마니노프 최고의 걸작이라고 일컬어진다.
이른 나이부터 죽음을 항상 의식했던 라흐마니노프였지만 그의 마지막 작품인 '교향적 무곡'은
관능적이고 감동적인 음악 시이다.
3개의 무곡은 곧 3개의 악장이라고 볼 수 있는데 이들에게는 본래 정오, 저녁, 자정이라는
부제가 따라다녔고 라흐마니노프가 사랑했던 중세 장례 성가 '진노의 날'이 중요한 부분을
차지했다.
이런 미묘한 자기 인용은 이 곡에 자전적 성격의 부차적 줄거리가 내재되어 있음을 암시한다.
그러나 이 작품은 침울한 '죽음의 섬'과는 대조적으로 타오르는 승리로 막을 내린다.
이것은 그의 위대한 합창 성가 '철야 기도'의 정점인 알렐루야를 변형한 형태를 통해 나타난다.
동시에 그가 곡에 써넣은 피아노와 알토 색소폰 부분이 독특한 향취를 풍기며 뇌리에 깊게
박힌다.
첫 악장은 트로이카 기수와 같은 당당함으로 전진하며 중간 부분의 왈츠는 악의 기운이
느껴지면서도 교묘하게 유혹적이다.
여기서 미묘한 애욕적 에너지가 느껴지는 무곡이 등장한 다음 승리감 넘치는 종결부로 발전해
간다.
이것은 인접된 녹음 방식을 통해 큰 효과를 누린다.
라흐마니노프의 노골적인 서정성에 거부감을 느끼는 이들도 이 작품만큼은 가슴에 와 닿을
것이다.
라흐마니노프 특유의 화려한 하모니 뿐만 아니라 섬세한 감각과 생동감잇는 리듬이 가득차 있어
많은 인기를 모으고 있다.
마리스 얀손스 (Mariss Jansons, 1943 ~ )
소련 라트비아 공화국 리가에서 명지휘자 아르비드 얀손스의 아들로 태어났다.
6세 때부터 바이올린을 배우고 1956년 일가가 레닌그라드로 옮겼기 때문에 그곳의 음악원
부속 음악학교에 들어가 V.시프린의 합창 지휘반에서 배웠다.
그 후 레닌그라드 음악원에 진학하여 N.라비노비치의 지휘과의 교실에서 공부하였다.
1969년에 졸업하였는데 계속 대학원에 진학하였다.
빈 음악 아카데미에도 유학하여 스바로프스키와 에스테르라이허를 사사하였다.
잘츠부르크에서 카라얀의 가르침도 받았다.
1971년의 제2회 카라얀 국제 지휘자 콩쿠르에 나가 2위로 입상하였다. 같은 해 레닌그라드
필하모니를 지휘함으로써 본격적인 데뷔를 장식하였고 므라빈스키로 부터도 가르침을
받았다.
1979년부터 오슬로필하모니관현악단(Oslo Philharmonic Orchestra)의 음악감독으로 있으면서
유럽 각지와 미국 및 일본을 순회연주했고 훌륭한 리코딩을 통해 이 악단의 명성을
세계적으로 드높였다.
1985~1997년 상트페테르부르크필하모니관현악단(St.Petersburg Philharmonic Orchestra)의
수석지휘자로서 유럽·북아메리카·일본 등지를 순회연주했으며 1992~1998년
런던필하모니관현악단의 수석 객원지휘자를 지냈다.
북아메리카에서는 뉴욕필하모닉, 클리블랜드관현악단, 필라델피아관현악단, 시카고·보스턴·
토론토 등의 교향악단 등을 두루 지휘했다.
유럽에서도 베를린필하모니관현악단·빈필하모니관현악단·암스테르담콘세르트헤보우관현악단
등을 지휘했으며 잘츠부르크음악제에도 해마다 참석하고 있다.
1995년 노르웨이의 국왕 하랄 5세(Harald V)로부터 오슬로필하모니관현악단을 훌륭하게 이끈
공로로 외국인에게 수여되는 최고의 훈장을 받았다.
이밖에도 피츠버그의 문화발전에 기여한 공로로 1998년 잡지'피츠버그 Pittsburgh'에서
제정한 해리 예술상(Harry Award)을 받았다.
1999년에는 왕립음악원의 명예회원으로 선임되었으며 2000년에는 피츠버그교향악단의
음악감독직을 맡았다.
2. Tchaikovsky, Symphony No.3 in D Major, Op.29 'Polish'
Valery Gergiev(cond), London Symphony Orchestra
I. Intro
II. Alla tedesca
III. Andante
IV. Scherzo
V. Polish Finale
♣ 차이코프스키 교향곡 제3번 '폴란드 교향곡' D장조 Op.29
차이코프스키의 단 한 개의 5 악장 작품인 이 교향곡 3 번은 1874년 "백조의 호스"를 끝내고
곧바로 쓰기 시작한 작품으로 형식적으로 무용 모음곡을 닮았지만 전개되는 내용도 무용곡
풍이다.
그러나 표제 음악적인 의도로 만들어지진 증거는 찾을 수 없다.
아주 복잡한 연주기호를 가진 1악장은 차이코프스키 특유의 달콤함과 화려함으로 가볍다.
2 악장은 가라 앉은 듯 시작하지만 특히 "백조의 호수" 풍미를 강하게 느끼게 하는 발레풍의
악장으로 낭만주의 특징을 짙게 묻어나는 독일의 소리를 로맨틱하고 명랑하게 들려 준다.
이 곡이 'Polish' 라는 별명을 갖게된 연유는 차이코프스키가 타계한지 6 년 후 런던에서
오거스트만이 초연 지휘를 하면서 마지막 악장의 빠르기 기호 'Tempo di polacca'
(폴란드춤의 빠르기로)를 보고 부르게 된 것이 지금까지 이어지고 있다고 한다.
제1악장 서주부와 Allegro moderato assai-Allegro brillante
장송 행진곡조가 서주로 나타나면 이어 장중한 주제가 현에 의해 불려진다.
우울한 가락이 서서히 밝아지면 제2주제는 율동적인 오보에의 반주에 따라서 매혹적이고 매우
감미로운 노래를 부르기 시작한다.
제2악장 Alla tedeska
전원 무곡풍의 제2악장은 경쾌한 리듬을 지닌 가락으로 화려하고 폭넓게 발전하다가 현악합주의
열기가 담긴 가락으로 들어온다.
중앙부는 즐거운 요정이 춤추는 듯한 가락인데 주요 주제가 되돌아오면 서로 주고 받으며
나아간다.
제3악장 Andante elegiaco
침울한 가락은 차츰 달콤하고 열정적으로 된다.
제4악장 스케르초와 트리오
거듭해서 열광하는 가락, 빠른 템포와 뱅글뱅글 도는 효과 그리고 재잘재잘 지껄이는 현악기와
목관악기의 낭랑한 웃음이 느껴지는 악장이다.
제5악장 끝곡 Allegro con fuoco-Tempo di pollacca
폴란드 무곡 폴로네이즈 풍의 활기와 환호가 넘치는 도입부. 차이코프스키의 특성을 나타낸
율동적인 진행과 셋잇단음표의 발전이 이어진다.
이후 악절은 자유로이 발전해서 놀라운 클라이맥스로 치닫는다.
발레리 게르기예프 (Valery Abisalovich Gergiev, 1953. 5. 2 ~ )
발레리 게르기예프은 구 소련 출생으로 부모가 모두 카프카스인이다. 게르기예프의 데뷔음반은
상당히 야성적이고 활력에 차 있다.
특히 '전람회의 그림'은 무소르크스키의 토속성을 전면에 내세워 지금까지와는 맛이 다른
'전람회의 그림'상(像)을 구축하고 있다.
게르기예프는 마린스키극장오케스트라의 예술감독이면서 2007년부터 런던심포니 상임지휘자,
로테르담필하모닉의 명예지휘자를 맡고 있다.
3. Rachmaninov, Piano Concerto No.3 in D Minor Op.30
Martha Argerich(pf) / Riccardo Chailly(cond), Radio Symphony Orchestra Berlin
I. Allegro ma non tanto
II. Intermezzo (Adagio)
III. Finale (Alla breve)
♣ 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번 D 단조 Op.30
1873년 러시아에서 태어나 1943년 미국에서 생을 마감했던 세르게이 라흐마니노프는 자기 자신을
작곡가라고 생각했지만 생의 마지막 30여년 동안에는 자신의 작품을 연주하고 녹음하는
피아니스트라는 두 번째 직업을 가질 수밖에 없었다.
볼세비키 혁명 이후 이역만리 타국에서 생활하기에 작곡가라는 직업은 배가 고플 수 밖에 없었다.
그러나 이 세월 동안 그가 보여준 놀라운 피아노 음악의 경지는 사람들로 하여금 커다란 반향을
일으켰고 결국 그를 전설적인 피아니스트로 아로새길 수 밖에 없게 만들었다.
정력적이고 외향적이었던 그의 친구, 피아니스트 요제프 호프만에 비해 라흐마니노프는
사색적이고 내향적이었는데, 그가 연주를 시작하면 곧 음표가 구조에 달라붙듯이 청동처럼 견고한
건축물로 변화하였다.
한편 호프만이 자연스럽고 다채로운 음색과 변덕스러울 정도로 거침없는 스타일을 구사한 반면
라흐마니노프는 고집스러울 정도로 한결같은 음색과 기계적일 정도로 잘 계산되고 정돈된 스타일을
보여주었다.
그의 사진에서도 느낄 수 있는 수도승과도 같은 이미지, 즉 삭발에 가까운 머리 스타일과 고정된
시선 굳게 닫힌 입술에서 느낄 수 있는 엄격함은 곧 그의 연주 및 작곡 스타일에서도 똑같이
적용되었다.
러시아의 정서와 작곡가의 시성이 매 순간을 아름답게 채색하는 '피아노 협주곡 2번'이
라흐마니노프를 있게 한 가장 대중적이고 유명한 작품일지는 모르겠지만 '3번 협주곡'이야말로
피아니스트로서 자신의 한계를 넘어서고자 한 초월적 의지를 반영한 작품이다.
진정한 의미에 있어서 피아노의, 피아노를 위한, 피아노에 의한 협주곡이다.
오죽하면 작곡가 자신도 이 작품을 “코끼리를 위해 작곡했다”라며 곤혹스러워했을까.
1909년 라흐마니노프는 이바노프카의 시골집에서 평화로운 나날을 보내면서 자신의 미국 데뷔
무대를 위한 새로운 피아노 협주곡을 작곡했다.
그러니까 이 '3번 협주곡'은 순수하게 미국을 위해 작곡한 곡으로서 작곡가로서는 자신의 기량을
한 번에 쏟아내어 새로운 무대를 휘어잡을 만한 도구가 필요했던 것이다.
그의 바램대로 피아노 협주곡 역사상 무서우리만큼 가공할 만한 테크닉과 초인적인 지구력과
상상을 뛰어넘는 예술적 감수성과 시적 통찰력을 요구하는 매머드급 작품이 탄생했다.
이 곡은 라흐마니노프를 미국으로 이끌었을 뿐더러 예술적 동료로 평생토록 깊은 우정을 나누었던
피아니스트 호프만에게 헌정되었다.
그러나 아이러니하게도 호프만은 이 작품을 연주하기에는 손이 작았기 때문에 공개석상에서는 한
번도 연주하지 못했다고 한다.
1909년 11월 28일, 이 곡은 월터 담로슈(의 지휘와 뉴욕 필하모닉의 연주와 라흐마니노프 자신의
피아노 연주로 초연되었고 7주 후 구스타브 말러의 지휘로 다시 한 번 연주되었다.
작품에 대한 청중들의 반응은 '피아노 협주곡 2번' 초연 때만큼 뜨거웠다고는 말하기 어렵지만
오히려 연주자 라흐마니노프에게 관심이 집중되며 커다란 성공을 거두었다.
이 날의 성공 덕택에 다음 시즌 연주회를 위한 계약이 쇄도했고, 보스턴 심포니 오케스트라의
상임 지휘자 직책까지 제안받을 수 있었다.
이 작품은 연주하기가 너무나 힘들 뿐더러 그 정서적 표현 역시 당시로서는 대단히 혁신적인
곡이었다.
그래서 대중적으로 어필하기까지에는 1960년대 피아니스트 블라디미르 아쉬케나지가 등장할
때까지 50여년의 세월을 기다려야만 했다.
그러나 이보다 앞선 1928년 한 젊은 러시아 피아니스트가 나타나 이 '3번 협주곡'을 말 그대로
'삼켜버린' 사건이 벌어졌다.
1928년 1월의 어느 날 뉴욕 카네기 홀 맞은 편에 위치한 스타인웨이 쇼룸에 두 명의 러시아
음악가가 마주보고 앉아 있었다.
한 명은 시대의 거장으로 손꼽히는 라흐마니노프였고 다른 한 명은 막 미국에 도착한 스물 다섯
살의 젊은 피아니스트인 블라디미르 호로비츠였다.
1월 12일 지휘자 토머스 비첨과 뉴욕필과의 차이콥스키 '피아노 협주곡 1번' 연주로 전설적인
데뷔 무대를 가진 호로비츠는 여세를 몰아 2월 23일에 라흐마니노프가 '3번 협주곡' 초연시
함께 했던 지휘자 담로슈의 지휘로 '3번 협주곡'을 연주하기로 했다.
이 만남은 이 연주회를 위해 작곡가와 연주자가 함께 한 리허설 성격의 만남이었던 것이다.
바로 그 날의 만남이 음악사에 있어 ‘역사적인 만남’이라고 기록되는 이유는 곡의 창조자
라흐마니노프가 자신의 '피아노 협주곡 3번' 연주에 관한 '권위의 봉인'을 호로비츠에게
물려주는 자리였기 때문이다.
언젠가 라흐마니노프는 호로비츠 연주를 듣고 너무 놀라 입을 벌린채 넋을 잃었다고 친구에게
말했을 정도로 무한한 신뢰를 보냈는데 특히 후배인 아브람 카신스에게 "호로비츠는 이 작품을
통째로 삼켜버렸네"라고 언급했을 정도였다.
그 정도로 '피아노 협주곡 3번'과 호로비츠는 샴 쌍둥이와 같은 운명이었다.
이 자리에서 라흐마니노프는 호로비츠의 조언에 따라 1악장과 2악장에서 짧은 삭제 부분을
결정했고(호로비츠는 2악장과 3악장에서 보다 더 삭제된 버전으로 연주, 녹음했다), 1악장의
솔로 카덴차를 보다 짧게 단축시켰으며, 2악장과 3악장의 짧은 피아노 부분들에 대한 두 장
분량의 얼터너티브 솔로 패시지를 과감하게 생략했다.
이러한 수정을 모든 연주자들이 따르게 강제한 것은 아니었지만, 여러 이유에 의해 이 관습은
작곡가에 대한 가장 정중한 예의이자 호로비츠에 대한 무한한 존경의 표시로 받아들여지게
되었다.
낭만주의 러시아 피아니즘의 진정한 적자임을 대변하는 ‘권위의 인장’은 '3번 협주곡'을
통해 라흐마니노프를 거쳐 호로비츠에게 주어지게 된 것이다.
1930년 최초로 이 작품을 녹음한 이후 총 여섯 종의 레코딩을 남겼던 호로비츠에게 있어서 이
작품에 대한 진정한 라이벌은 작곡가도 다른 연주자도 아닌, 바로 자기 자신밖에 없었다.
작곡가가 서거한 지 40여 년이 지난 1982년, 런던에서 연주회를 가질 당시 호로비츠는 작곡가
라흐마니노프에 대해 다음과 같이 회상했다.
"그는 내가 아는 한 가장 위대한 인간이자 위대한 작곡가이며 또한 위대한
피아니스트였습니다"
작곡가에 대한 무한한 애정과 존경을 평생토록 가슴 속에 새겨놓았던 호로비츠야말로 이 '3번
협주곡'을 삼킬 자격이 있었던 것이다.
■ 추천음반
경쟁자는 자기 자신밖에 없다는 평가를 받는 호로비츠의 6종 레코딩 중 2종의 연주를 추천한다.
하나는 1951년 라이너 지휘로 녹음한 스튜디오 레코딩(RCA)이고 다른 하나는 1978년
라흐마니노프와 함께 이 곡을 녹음했던 오먼디 지휘로 녹음한 라이브(RCA)이다.
두 연주는 스타일과 해석에 있어 차이가 나는데 전자는 고전적인 반면 후자는 도취적,
자의적이다.
반 클라이번과 키릴 콘드라신(1962, RCA)의 연주는 환상적인 하모니와 강력한 타건이 잘
어우러진 역사적인 명반으로 꼽히고 있다.
아쉬케나지-하이팅크 녹음(DECCA)은 가장 스탠다드한 명연으로 손꼽히며 호로비츠의 재래로
일컬어지는 볼로도스는 러시아 비르투오소를 잇는 우리 시대의 명반이다.
마르타 아르헤리치 (Martha Argerich, 1941.6.5 ~ )
부에노스아이레스에서 태어난 아르헨티나의 여류 피아니스트로서 일찍부터 재능을 나타내어
수많은 준재를 키운 명교사 스카라무짜에게 배웠다.
8세 때에 남미의 대표적인 연주회장인 콜론 극장에서 모짜르트 협주곡 제 20번과 베토벤의
협주곡 제 1번을 쳐서 데뷔를 장식하여 절찬을 받았다고 한다.
그 뒤 1955년 외교관이던 부친과 함께 유럽으로 건너가 스위스에서 니키타 마갈로프와
리파티 부인을 사사하고 또 빈에서 프리드리히 굴다의 가르침을 받은 뒤 폴란드 출신의
스테판 아스케나제와 이탈리아의 명인베네데티-미켈란젤리를 사사했다.
이 사이에 이미 1956년부터 유럽 각지에서 연주회를 열고 이듬해인 1957년에는 이탈리아의
보르짜노에서 열린 부조니 국제 콩쿠르에서 우승햇다.
또 제네바 국제 콩쿠르에서도 폴리니(제2위)를 누르고 우승하여 널리 유럽악단의 주목을
끌었다.
그리고 이듬해 1960년에는 이 젊은 재능의 장래를 재빨리 인정한 독일 그라모폰과 계약을 맺어
레코딩을 하였다.
그러나 무어라 해도 아르헤리치의 이름이 일약 세계적으로 클로즈업된 것은 1965년의 제7회
쇼팽 콩쿠르에 우승과 (동시에 '마주르카 상'도 수상)했을 때부터이다.
유럽 각지에서 연주회를 개최함과 동시에 이듬해인 1966년에는 미국에서도 데뷔하고 또
1967년에는 에든버러 음악제에 출연하는 등 눈부신 활동을 가져, 항상 압도적인 호평을 받고
있다.
여성이라고 느껴지지 않을 만큼 날카로운 터치와 다이내믹한 표현, 풍부한 음을 가진 그녀의
연주는 또한 남다른 예민한 감각을 갖추고 있다.
더구나 그 예민하고 날카로운 감각이 단순히 그것에만 크치지 않고 항상 샘솟는 듯한 음악에의
감흥과 정열을 수반한 것에 아르헤리치의 남다른 매력이 있다고 할 수 있다.
그리고 그러한 그녀의 특질은 쇼팽과 리스트를 중심으로 한 낭만파로부터 근대 작품에 있어서
특히 훌륭한 성과를 거두고 있는데 근년에는 분방한 정열에 작품에 대한 보다 원숙하며 지적인
어프로우치를 가해서 한층 부드럽고 내면적인 깊이를 더한 잘 연마된 표현을 들려 주고 있다.
또 실내악에 있어서도 타고난 날카로운 감각을 발휘하여 뛰어난 녹음을 남기고 있다.
4. Dvorak, String Quartet No.13 in G Major, Op.106
Pavel Hass Quartet
I. Allegro moderato
II. Adagio, ma non troppo
III. Molto vivace
IV. Andante sostenuto Allegro con fuoco
♣ 드보르작 현악4중주 13번 Op.106
3년간의 미국에서의 생활을 마치고 체코로 돌아온 드보르작은 현악사중주 13번을 작곡하게
된다.
현악사중주 14번을 미국에서 작곡하기 시작하였지만 완성시키지 못하였고 체코로 돌아온
후 새로운 곡을 완성시켜 13번이 탄생하게 되었다.
그래서 작품번호에 하나씩 차이가 있다. 13번은 op.106, 14번이 op.105가 된 이유이다.
미국에서의 생활과 성공이 기억나서일까 아니면 이제 드보르작만의 색깔이 된 것일까 곡
전반적으로 그의 미국풍의 작품들과 상당히 유사한 느낌이 든다.
처음 시작부분은 마치 그의 고향으로의 귀환을 멀리서부터 알리는 듯 조용하지만 강렬하게
시작된다.
악장 전체를 지배하는 셋잇단음표들은 네 악기마다 매우 활발하게 움직이며 긴장감을
늦추지 못하게 한다.
조금은 과하다 할 정도의 반복적인 선율은 어쩌면 곡에 대해 지루함을 느끼게 할 수도
있지만 셋잇단음표들과의 조화를 통해 지루함보다 긴장감과 순박하면서도 화려한 멋을
뽑아낸다.
브람스의 곡들이 드라마틱한 선율과 웅장함을 갖고 있다면 바로 이런 면들이 드보르작의
곡들에서 느낄 수 있는 그의 음악적 특색이라고 말할 수 있겠다.
같은 형태의 리듬과 선율이지만 때로는 부드럽고 우아하게 때로는 숨을 멎게할 정도의
긴박감을 주는데 그 두 가지의 연결이 너무나 자연스럽고 급격히 변화하는 것을 느끼는
것도 이 곡의 깊은 맛을 아는데 많은 역할을 하는 것이다.
이렇게 화려하게 끝나는 1악장을 뒤로하고 시작되는 2악장은 장조와 단조의 오묘한
조화로 서주부분을 맞이한다 걸작을 만들어 내었다.
이런 분위기는 그의 첼로 협주곡 2악장 혹은 스메타나의 '나의 생애' 3악장에서 이루어
낸 그것에 절대 뒤지지 않는다.
어찌보면 장송곡의 분위기를 느낄지도 모르겠지만 그런 무거움보다는 백발의 한 노인이
석양을 바라보며 그동안의 자신의 인생을 돌아보면서 회고하는 그런 이미지가 더
어울린다고 생각한다.
유난히 장,단조의 변화가 심하게 나오는데 그런것들이 인생에서 희비교차가 종이 한 장
차이라는 것을 말해주는 듯 굉장히 심한 전조와 리듬의 변화를 느낄 수 있을 것이다.
아마도 짐작하건대 드보르작도 곡을 쓸 때 프라하의 석양을 바라보며 자신의 인생을
돌아보지 않았을까하는 생각이 든다.
이렇듯 곡의 전체적인 분위기에 맞게 처절하고 강렬하고 인상적인 클라이막스를 지나
마무리도 언제 그랬냐는 듯 처음 시작부분과 비슷한 후주로 조용하고 차분히 악장을
마무리한다.
연주자의 입장에서 생각할 때 힘과 열정을 모두 쏟아내기에 부족함이 없을 정도의
아름답고 긴장감 넘치는 최고의 느린 악장 중 하나이지 않을까?
3악장은 예상대로 강하고 빠르게 시작된다. 어쩌면 그의 스케르쵸들 중 가장 강렬할지
모른다.
민요풍적인 그의 성향에 맞게 여지없이 그만의 색깔을 드러내기에 충분하면서도
폭발적이다.
두 대의 바이올린이 돌림노래로 음악을 이끌어갈 때 비올라와 첼로의 리듬이 아주
인상적이다.
두 악기가 맞물리지 않고 번갈아 나오는데 연주자로 하여금 조금은 헷갈리게 하지만
그에 따른 효과도 그 이상으로 듣는 이로 하여금 긴장감을 늦추지 않게 만든다.
이어 나오는 트리오 부분은 마치 관객과 연주자 모두 한 박자 쉬었다 가는 부분처럼
리듬을 늘여놓는다.
그렇다고 연주가 지루하거나 간단하거나 그런 의미는 아니다. 그만큼 다시 처음 주제를
이끌어내고 진행시키는데 전혀 문제가 되지 않을 만큼 자연스러움과 긴장감을 갖고 있다.
마지막 4악장은 느린게 시작하지만 곧 이어 드보르작의 위트를 느낄 수 있는 흥겨운
론도이다.
신나는 선율과 화려한 반주는 마치 이전 세 악장과의 관계에서 조금 동떨어지게 느낄
수도 있겠지만 이 엄청난 곡의 마지막을 장식하기에 이 정도로 화려하고 신나지
않고서야 어찌하겠는가.
생각하면 당연한 결과이고 필연적이라 할 수 있겠다.
드보르작의 곡들에서 특히 내성파트들은 계속해서 나오는 16분음표들을 생각하지 않을 수
없을 것이다.
거의 모든 반주에서 나온다고 해도 틀린 말이 아닐 것이다. 3도와 5도를 넘나들며
계속되는 음표들로 애로점을 느낀적이 많을 것이다.
여기에선 한층 더 고문기술이 업그레이드된 반주음형이 모든 파트를 괴롭히지만 그만큼
더 훌륭하고 멋진 분위기가 연출된다.
역시 이쯤 와선 1악장의 테마들이 다시 나온다. 물론 조금씩의 변화가 있지만 아주 조금
느린 박자로 진행되는 멋진 에피소드까지 보여준다.
5. Beethoven, Piano Trio No.7 in B flat major Op.97 'Archduke'
Jos Van Immerseel(Fp) / Vera Beths(Vn) / Anner Bylsma(Vc)
I. Allegro moderato
II. Scherzo-Allegro & Trio
III. Andante cantabile, ma pero con moto
IV. Allegro moderato - Presto
♣ 베토벤 피아노 3중주 7번 B♭장조, op. 97, '대공'
굳이 '대공'이란 부제를 모르더라도 베토벤의 '대공 3중주곡'을 들으며 고상한 기품을
느끼기는 어렵지 않다.
베토벤의 후원자이자 유능한 피아니스트였던 루돌프 대공(1788~1831)에게 헌정된 까닭에
'대공'이라 불리는 이 작품은 이름 그대로 귀족적인 분위기가 흐르는 실내악곡이다.
베토벤의 '대공 3중주곡'을 헌정 받은 루돌프 대공은 베토벤의 후원자들 가운데 가장
충실하고 너그러우며 재능이 뛰어난 인물이다.
그는 신성로마제국의 황제 레오폴트 2세의 막내아들이자 프란츠 2세의 동생으로 부친인
레오폴트 황제는 그를 군인으로 키우고자 했다.
그러나 몸이 강건하지 못했던 루돌프는 건강 문제로 군인이 되기를 포기하고 사제 서품을
받은 후 나중에는 추기경의 자리에 올랐다.
그는 또한 베토벤에게서 오랫동안 피아노와 작곡과 음악이론을 배워 피아니스트로
활동하기도 했다.
루돌프 대공이 언제부터 베토벤에게 피아노 레슨을 받았는지는 확실하지 않지만 대개
1803년과 1804년 겨울에 베토벤의 제자가 된 것으로 보이며 거의 1824년까지 수업을
계속했다고 한다.
베토벤은 이 레슨이 그의 작곡 활동에 방해된다고 투덜대기도 했지만 베토벤의 가장
충실한 후원자인 루돌프 대공에게 무려 14곡의 작품들을 헌정해 감사를 표했다.
베토벤이 루돌프 대공에게 헌정한 작품들 중에는 널리 알려진 명곡들이 많은데 그 중에는
'피아노협주곡 5번 '황제'', '피아노소나타 '함머클라비어'와 '장엄미사', '대푸가'
같은 대작들이 포함되어 있으니 베토벤이 루돌프 대공을 얼마나 특별한 후원자로
생각했는지 짐작할 수 있다.
루돌프 대공에게 헌정된 '대공 3중주곡' 역시 베토벤의 작품목록 가운데 최고 걸작으로
손꼽히는 명곡으로 피아노와 바이올린, 첼로를 위해 작곡한 베토벤의 작품들 가운데 가장
마지막 곡이다.
이 곡은 루돌프 대공의 연주를 염두에 두고 작곡된 '귀족적인 작품'이면서도 베토벤의
실내악곡 가운데 최초로 공공 연주회장에서 선보인 '대중적인 작품'이기도 해서 더욱
흥미롭다.
당대 실내악곡은 대개 귀족의 궁정에서 아마추어 귀족 음악가들의 연주로 소수의 청중을
위해 연주되곤 했지만 '대공 3중주곡'은 베토벤 자신을 포함한 전문 연주가들의 연주로
대중을 위한 공연장에서 초연되었다.
또한 이 곡은 베토벤의 영웅적인 음악양식이 퇴보하고 명상적이고 절제된 후기 양식을
여는 전환기의 작품이기도 해서 관심을 끈다.
'대공 3중주곡'이 당대 귀족들에게나 대중들에게 인기를 얻었을 뿐 아니라 오늘날
전문가나 음악 애호가들의 깊은 사랑을 받는 것은 아마도 이 곡에 담긴 이중적이고
전환기적인 성격 때문인지도 모른다.
음악 자체에는 귀족적이고 절제된 기품이 흐르면서도 새롭게 떠오르는 중산층의 취향을
고려한 베토벤의 '대공 3중주곡'은 당대 사회와 베토벤 자신의 변화를 담아내고 있기에
매우 특별하다.
베토벤이 1811년 3월에 '대공 3중주곡'의 작곡에 착수할 무렵 당대 사회의 분위기는
급격한 변화를 겪고 있었다.
한 시대의 영웅이었던 나폴레옹의 위세가 급격히 수그러들고 베토벤을 후원하던 비엔나
귀족 사회 역시 무너져가고 있었다.
영웅과 귀족의 시대는 가고 그 빈자리를 중산층 부르주아들이 차지하기 시작했다.
이런 사회 분위기 속에서 베토벤은 '영웅 교향곡'이나 '운명 교향곡'에서 보여주었던
영웅적인 음악 스타일을 견지하기는 어려웠을 것이다.
베토벤은 '대공 3중주곡'에서 지금까지 그가 고집하던 남성적이고 외향적이며 영웅적인
스타일 대신 따스하면서도 감성적인 새로운 스타일을 시도하며 새로운 음악을 원하는
대중에게 호소력 있게 다가갔다.
이 작품에서 주제 선율을 충분히 노래되고 절제된 페이스를 유지하며 리듬은 춤곡처럼
경쾌하다.
1814년 4월 11일에 '대공 3중주곡'이 빈에서 초연될 당시 이그나츠 슈판치히가 바이올린을
맡고 요제프 링케가 첼로, 베토벤 자신이 피아노를 연주했다.
당시 청력의 이상이 심각한 수준에 이르고 있던 베토벤은 연주에 어려움을 겪고 이 무대를
마지막으로 공식적인 피아니스트로서의 활동을 그만두게 되었다.
초연 당일 리허설을 지켜본 작곡가 루이 슈포어는 베토벤의 연주에 대해 이렇게 말했다.
"처음부터 피아노의 음이 맞지 않았으나 베토벤은 별로 신경 쓰지 않는 듯했다. 그는 이를
거의 들을 수 없었기 때문이다. 그의 악화된 청력에도 불고하고 기교는 대단했으며 이는
존경할 만했다. 포르테 부분에서 귀먹은 이 불쌍한 음악가는 현악기의 소리가 묻힐 정도로
크게 연주했고 피아노 부분에선 지나치게 작게 연주해서 아예 피아노소 리가 들리지 않을
지경이었다."
비록 베토벤의 청력 이상으로 초연 무대는 완벽하지 않았으나 초연 이후 '대공' 3중주곡은
그 뛰어난 예술성으로 인해 베토벤의 실내악곡 가운데 널리 사랑받게 되었다.
'대공 3중주곡'은 고전적인 실내악곡처럼 이 작품은 모두 4악장으로 이루어졌다.
전 악장 가운데 가장 귀족적인 느낌이 강한 1악장에는 자비롭고 부드러운 분위기가
가득하다.
거의 모든 주제들이 처음에는 부드럽고 고용하게 제시되며 주제 자체의 노래하는 특성이
강조되어 있다.
베토벤은 이 곡에서도 특유의 추진력 있는 발전기법을 구사하며 처음에 제시한 주제들을
큰 소리로 거칠게 나타나기도 하지만 그럼에도 불구하고 1악장 도입부의 고상한 분위기가
전곡을 주도하고 있다.
전통적인 고전주의 음악작품에서 2악장은 대개 느리고 서정적인 반면 3악장은 우아한
미뉴에트이거나 재빠른 스케르초로 되어있다.
하지만 '대공 3중주곡'에서 베토벤은 그 순서를 바꾸어 고상한 1악장에 이어 유쾌하고
풍자적인 2악장 스케르초를 배치해 참신한 느낌을 준다.
베토벤의 스케르초 악장은 대개 과격한 경우가 많지만 '대공 트리오' 2악장에선 그보다는
재치와 발랄함이 느껴지며 이 악장 중간부에서 반음계적으로 구불거리는 선율이 서로
모방되는 부분에선 신비로운 느낌도 전해진다.
찬송가풍의 음악으로 시작되는 느린 3악장은 주제와 5개의 변주곡으로 구성된다.
명상적인 음악이 점차 빠른 리듬 패턴으로 장식되며 변주되는 과정을 지켜보는 것은 매우
흥미롭다.
다섯 가지 변주에 이어지는 종결부는 곧바로 마지막 4악장에 연결되어 분위기를 급격히
반전시킨다.
4악장으로의 진입은 피아노의 다소 무례한 연주로 시작되는데 초연 당시에 베토벤은 이
부분에서 현란한 피아노 즉흥연주를 시도했다고 한다.
엄숙하고 명상적인 3악장으로부터 즐겁고 재치 있는 4악장으로 변모하면 베토벤다운
위트와 화려함을 담은 음악이 우리 귀를 즐겁게 한다.
■ 추천음반
'대공 3중주곡'의 기품과 균형감각을 느끼고 싶다면 보자르 트리오(Philips)의 음반과
오이스트라흐(바이올린)와 크누세비츠키(첼로), 오보린(피아노)의 음반(EMI)이 좋다.
따스한 감성과 조화로운 앙상블의 매력을 느끼고 싶다면 펄만(바이올린)과 하렐(첼로),
아쉬케나지(피아노)의 음반(EMI)을 추천할 만하다.
좀 더 담백한 맛을 느끼고 싶다면 베라 베스(바이올린), 안너 빌스마(첼로), 요스 반
이머젤(피아노)의 음반(SONY)이 좋은 선택이 될 것이다.
6. Haydn, String Quartet in C major, Op.76, No.3 'Emperor'
Alban Berg Quartett
I. Allegro
II. Largo assai
III. Menuetto Allegretto - Trio
IV. Finale Allegro con brio
♣ 하이든 현악4중주 Op.76-3 '황제'
무려 30년 동안 에스테르하지 후작의 궁정음악가로서 전형적인 18세기 음악가의 삶을
살아야 했던 하이든이 인생의 결정적 전환기를 맞이한 것은 그의 나이 58세 때인
1790년의 일이었다.
하이든이 모시던 니콜라우스 에스테르하지가 세상을 떠난 후 니콜라우스의 뒤를 이은
파울 안톤 에스테르하지는 음악을 별로 좋아하지 않았기에 궁정 악단도 해산하고
하이든에게도 많은 것을 요구하지 않았다.
사실상 자유의 몸이 된 하이든은 그의 음악을 원하던 런던의 음악애호가들을 위해 런던을
두 차례 방문해 12곡의 '런던 교향곡'을 발표했다.
12곡의 '런던 교향곡'은 하이든에게 국제적인 성공과 금전적인 이익과 최고의 명예를
가져다주었다.
1795년에 하이든이 빈으로 돌아왔을 때 모차르트는 이미 세상을 떠났고 베토벤은 아직
신인이었다.
유럽을 통틀어 하이든에 필적할 만한 음악가는 없었다.
이제 하이든은 전 유럽을 통틀어 현존하는 최고의 음악가로 존경과 찬사를 한몸에 받게 된
것이다.
하이든이 다시 에스테르하지 후작 가문으로 되돌아왔을 때도 운명은 여전히 그의 편이었다.
하이든이 런던에 다녀오는 사이 에스테르하지 가문의 수장은 니콜라우스 1세의 손자인
니콜라우스 2세로 바뀌어 에스테르하지의 궁정악단이 재조직되긴 했으나 궁정악장 하이든의
책임은 예전보다 한결 가벼웠다.
그는 매년 여름에 2~3개월 가량 아이젠슈타트에서 궁정악장으로서의 의무를 수행하고
니콜라우스 2세의 부인인 마리아 헤르메네길트를 위해 매년 미사곡을 작곡하는 것 외에는
거의 빈에 머무르며 작곡을 하고 음악회에 참석하는 것으로 일과를 보냈다.
이 시기의 하이든이 남긴 작품들의 수는 많지는 않지만 그 음악양식은 매우 새롭고
혁신적이다.
작품 하나하나에서 평생 동안 새로운 음악양식을 개발하며 노력을 게을리하지 않는
하이든의 근면함과 진취적인 정신을 느낄 수 있다.
이 시기를 빛낸 대작들로는 두 곡의 장려한 오라토리오 '십자가상의 일곱말씀'(1796),
'천지창조'(1798)와 '4계'(1801), 그리고 니콜라우스 2세를 위한 여섯 곡의 미사곡이 있다.
이들 작품에는 이미 두 차례의 런던 여행을 계기로 런던에서의 대규모 대중 음악회의
생생한 경험을 쌓은 하이든의 무르익은 음악성이 녹아있다.
생애 말년에 이르러서도 성숙하고 침착하며 장엄한 후기 양식과 청년기의 실험적 양식을
혼합한 새로운 음악양식으로 다가올 시대를 예고했던 하이든은 진정 혁신적인 음악가였다.
하이든의 혁신은 그가 일생에 걸쳐 진지하게 몰두했던 현악4중주 분야에서도 예외는
아니었다.
일찍이 두 대의 바이올린과 비올라, 첼로가 함께 연주하는 '현악4중주'라는 음악장르를
통해 빈 고전주의 음악의 균형미를 보여준 하이든은 런던에서 돌아온 후 2년이 지난
1797년에 여섯 곡의 '에르되디 4중주'를 완성해 고전주의 음악의 순수성과 형식미의
극치를 보여주었다.
요제프 에르되디 백작의 의뢰로 작곡된 까닭에 '에르되디 4중주'라는 별명을 얻은 여섯
곡의 현악4중주곡은 하이든이 완성한 현악4중주 연작 가운데 마지막 작품이다.
하이든은 이 작품 이후 세 곡의 현악4중주곡을 작곡했을 뿐이고 그나마 마지막 곡은
미완성이다.
여섯 곡의 '에르되디 4중주'곡들은 64세의 노대가가 새롭게 개발해낸 음악적 아이디어로
넘친다.
현악4중주의 3악장의 미뉴에트 춤곡은 좀 더 빠르고 날렵해지면서 베토벤의 빠른
스케르초와 비슷해지고, 느린 악장에 담아낸 감정적 깊이는 다가올 낭만주의 음악을
예고하는 듯하다. 각 악장마다 확신에 찬 어조와 대담한 기법이 빛난다.
'황제'라는 부제로 잘 알려진 4중주곡은 '에르되디 4중주'를 구성하는 여섯 곡 가운데
가장 유명한 작품이다.
에르되디 4중주곡이 작품번호 76에 해당하고 '황제' 4중주곡은 그 중 세 번째 작품이므로
'황제' 4중주곡의 정확한 작품번호는 작품 76의 제3번이 된다.
이 작품에 '황제'라는 부제가 붙은 것은 2악장에 오스트리아의 국가인 '신이여 황제를
보호하소서'(Gott erhalte Franz den Kaiser)의 선율이 사용되었기 때문이다.
이 작품은 이 선율 덕분에 하이든의 4중주곡 중 가장 유명한 작품이 되었다.
하이든은 2악장에 단지 '황제 찬가'의 선율을 넣는 것에 그치지 않고 이 주제로 바탕으로
한 네 곡의 변주곡을 작곡했는데 하나하나의 변주곡들은 오스트리아의 황제 프란츠 2세에
대한 경의를 표하는 듯 경건한 분위기로 가득하다.
2악장에 중요한 선율이 사용되었기에, 상대적으로 '황제' 1악장의 비중은 조금 덜한
편이다.
보통 4악장으로 구성되는 현악4중주곡에서 음악적으로 가장 중요한 악장은 1악장이기
마련이지만, 리드미컬하게 시작되는 1악장 알레그로(Allegro, 빠르게)는 다른 4중주곡의
1악장에 비해 무게감이 덜하고 찬란하고 밝은 분위기가 지배적이다.
■ 추천음반
하이든 '황제' 4중주곡의 추천음반으로는 이 곡의 풍성한 화음을 잘 살려낸 아마데우스
4중주(DG)의 음반과 응집력 있는 앙상블을 선보인 알반 베르크 4중주단(EMI)의 음반이
있다.
린제이 콰르텟(ASV)의 연주는 처음부터 끝까지 물 흐르듯 유연함을 잃지 않고 있으며, 특히
화음과 응집력 면에서 압도적인 기운을 느끼게 해주고 있다.
타카치 콰르텟(Decca)의 드라마틱하면서도 생동감 넘치는 연주와 모자이크
콰르텟(Astree)의 날렵한 연주도 추천할 만하다.
알반 베르크 4중주단
1970년에 빈 음악 대학의 젊은 교수들을 중심으로 조직된 현악 4중주단이다.
당초의 멤버는 제1바이올린이 귄터 피힐러(1940∼ ), 제2바 이올린이 클라우스 메츨(1941∼ ),
비올라가 하트 바이엘레(1933 ∼ ), 첼로가 바렌틴 엘벤(1945∼ )으로 4명은 알반 베르크 미망인의
동의 아래 이 작곡가의 이름을 단체명으로 내걸었다.
리더 피힐러는 빈 음악 대학에서 수학한 후 빈 교향악단, 비너 졸리 스텐의 콘서트 마스터,
1961년에는 빈 필의 콘서트 마스터가 되고 1963년 이래 모교의 교수를 지내고 있다.
메츨도 역시 빈의 음악가로 한때는 빈 교향악단의 콘서트 마스터 지위에 있었다.
바이엘레는 프라 이부르크 음악대학과 빈 음악 대학에서 수학한 뒤 비너 졸리스텐의 일원이었으며
1965년 이래 빈 음악 대학의 교수로 있다.
엘벤은 뮌헨 음악 대학, 빈 음악 대학, 그리고 파리 음악원에서 수학했으며, 1968년 뮌헨
서독방송협회의 콩쿠르에 우승, 1971년에 빈 음악 대학의 교수가 되었다.
이상 4명은 결성 후 미국의 신시내티로 유학하여 라살 4중주단을 약 1년 간에 걸쳐 사사한 뒤
1971년 가을 빈의 콘체르트하우스에서 데뷔 연주회를 열고 성공을 거두었다.
이후 빈에 본거를 둠과 동시에 해외 연주 여행과 각지의 음악제 출연 등 매우 활발한 활동을
전개하고 급속히 명성을 높이면서 오늘에 이르고 있다.
1978년에는 제2바이올린 이 메츨에서 게르하르트 슐츠(1951∼ )로 바뀌고 1981년에는 비올라가
바이엘레에서 토마스 카크슈카(1941∼ )로 바뀌었다.
슐츠도 빈 음악 대학 출신으로 잘츠부르크 현악 3중주단, 뒤셀도르프 4중주단 등의 일원으로
일찍부터 실내악 경험을 쌓은 바 있다.
알반 베르크 4중주단의 음악은 빈의 고전적 전통 위에 존재하고 감각적으로는 매우 신선하며
시대의 첨단을 가는 특유의 발랄한 감촉이 있다.
그것은 어느 시대에나 전통과 혁신이 극히 자연스레 공존하는 이 도시의 풍습 그대로라고 말할
수 있을 것이다.
그들은 모차르트와 베토벤을 레퍼토리의 중심으로 베베른·베르크에서 현대에 이르는
작품까지도 적극적으로 손대어 그 핵심을 찌른 연주를 실현하는 새로 운 타입의 연주가들이다.
레코드는 데뷔 음반인 베르크의 '서정 모음곡'이 명연주로 평가되고 있으며 이어 '하이든 세트'
전곡을 비롯한 모차르트의 여러 작품과 슈베르트의 '로자문데', 그 밖에 하이든의 '기사'와
'황제'(둘 다 텔레푼 켄) 등도 놓칠 수 없다.
베토벤의 '중기 현악 4중주곡집'(에인절)도 명연주로 평가되고 있다.
[ TGIF JazZ ]
7. Jacques Loussier Play Bach 93 - Les Plus Grands Themes
I. Prelude N. 1 En Do Majeur
II. Concerto Italien - Allegro
III. Concerto Italien - Andante
IV. Concerto Italien - Presto
V. Prelude N. 2 En Do Mineur
VI. Aria (Extrait De La Suite En Re)
VII. Toccata Et Fugue En Re Mineur
VIII. Gavotte En Si Mineur
IX. Choral N. 1 En Mi Bemol
자크 루시에 (Jacques Loussier, 1934 ~ )
프랑스 앙제 출생으로 파리 콩세르바투아르에서 클래식 음악공부를 하였다.
재학 중 아르바이트로 재즈와 대중음악을 연주하였는데 우연히 프랑스 데카 레코드의
스튜디오에서 J.S.바흐 작품을 재즈풍으로 연주한 것이 프로듀서의 인정을 받아 바흐의
작품을 다룬 ‘프레 바흐 시리즈’를 취입해 세계의 주목을 끌었다.
1963년 이후에는 그의 피아노를 중심으로 P.미쉬로(베이스), C.갸로(드럼)로 이루어진
트리오로 활약하였다.
교향악단을 지휘하여 '브란덴부르크협주곡'을 취입하였고 이 밖에 많은 영화음악도
작곡하였다.
8. Bach, Sonate & Partitas No.1 BWV 1001/1002
Christian Tetzlaff(Vn)
Bach, Sonate No.1 Sol Mineur BWV 1001
I. Adagio
II. Fugue
III. Siciliano
IV. Presto
Bach, Partita No.1 Si Mineur BWV 1002
I. Allemande
II. Double
III. Courante
IV. Double
V. Sarabande
VI. Double
VII. Bourree
VIII. Double
♣ 무반주 바이올린 소나타 1번 G단조 BWV 1001
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타집은 '바이올린의 성서'로 불릴만큼 중요한
작품이다.
바흐는 이 작품을 쾨텐시절인 1720년 경에 완성하였다고 한다.
이 작품의 중요성은 바흐 당시부터 많은 사람들에게 인식되었으나 당시는 물론 지금까지도
이 곡의 난이도는 매우 높은 것이어서 바이올리니스트들에게는 자신의 기량을 평가하는
시금석과도 같은 곡으로 받아들여진다.
하지만 이 곡은 테크닉의 문제보다도 오히려 내면의 심오한 세계를 표현하는 것이 휠씬 더
어려우며 최고의 바이올리니스트들이 도전했지만 아무도 자신의 연주에 만족하지 못했던
곡이기도 하다.
이 곡의 연주에는 지적인 이해와 감정적인 열정에 영적인 그 무엇인가가 덧붙여져야 하기
때문이다.
무반주 바이올린 소나타 1번 G단조 BWV 1001은 곡 전체가 명상적인 느낌을 주며 선율이
대단히 아름다운 곡이다.
느린 부분의 음악적 흐름이 매우 심도가 높으며 각 곡간의 유기적인 조화와 대조의 묘미도
뛰어나다.
작곡자 자신도 유달리 애착을 가진 곡이라고 한다.
가을에 어울릴 깊은 사색과 독실한 정서가 곡 깊숙이 침전되어 있어 즉흥적이고 감성을
자극하는 호소력 높은 곡이다.
1악장 아다지오 사단조 4분의 4박자. ？
G단조 4/4박자, 22마디의 짧은 악장이지만 대위법적으로 느린 템포로 진행함.
중음주법에 의한 화음과 펼침화음의 토카타 형식의 전주곡 형태임.
2악장 푸가 알레그로 사단조 2분의 2박자.
G단조 4/4박자, 94마디로 구성된 푸가 형식의 악장임. 단순한 주제에 대응하는 응답적인
주제가 1마디 다음에 등장함.
푸가는 3성부을 주제로 하며 주제는 8성부로 진행함. 주제 제시 이후 펼침화음 형식의
간주부가 이어짐. 후반부는 4성부로 주제를 진행함.
3악장 시칠리아나, 내림 나장조 8분의 12박자.
B flat장조 12/8박자, 연주 지시어는 지정되지 않았지만 시칠리아노 춤곡 형식임을
감안하여 느린 템포로 진행함.
일반적인 시칠리아노와는 달리 3성부의 대위법적인 선율로 진행함.
전체 악장은 20마디로 구성됨.
4악장 프레스토 사단조 8분의 3박자.
G단조 3/8박자, 각 부분을 반복하는 2부 형식으로 구성되었으며 빠른 템포로 진행함.
바흐 - 무반주 바이올린 파르티타 제 1번 B단조 BWV 1002
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 바흐가 쾨텐에 살던 1720년 전후의 작품이다.
이 시기는 바흐가 세속 음악에 많은 시간을 할애하던 때로 주요 작품으로는 3대 바이올린
협주곡, 무반주 바이올린 소나타와 파르티타, 무반주 첼로 모음곡, 브란덴부르크 협주곡
전 6곡 등이 있다.
또한 인벤션과 평균율 1번의 몇곡도 작곡되었고 영국 모음곡과 프랑스 모음곡이 정비된
시절이기도 하다.
즉 기악곡에 대한 바흐의 재능이 발휘된 시절이었다.
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 전부 6곡으로 구성되어 있는데 1번 소나타
(BWV1001), 2번 파르티타 (BWV1002) 3번 소나타(BWV1003), 4번 파르티타(BWV1004), 5번
소나타 (BWV1005), 6번 파르티타 (BWV1006) 이다.
이 중에서 세 곡(1001,1003,1005)은 소나타인데 '느리고-빠르고-느리고-빠르고'의 형식
(교회 소나타라고 부름)으로 되어 있는 4악장의 기악곡이고 세 곡(1002,1004,1006)은 각국의
춤곡을 모아 엮은 옴니버스 곡집으로서 곡의 시작과 전체 분위기를 알리는 전주곡(Prelude)이
붙어 있다.
처음에는 바이올린을 위한 연습곡 정도로 여겨 오다가 20세기 들어서면서부터 독주 바이올린
곡으로서 중대한 위치를 차지하게 되었다.
작품을 관통하는 지적인 힘과 독창성, 건축적인 균형감 등 수준높은 연주력이 필요한
작품이다.
작품은 전체적으로 3개의 소나타와 3개의 파르티타로 이루어지는데 소나타의 둘째 악장을
장식하는 푸가는 바흐의 능통한 대위법을, 파르티타의 작은 춤곡들은 바로크풍의 우아함과
아름다움을 담고 있다.
특히 파르티타 2번의 유명한 샤콘느에서 당김음 주제가 간결한 화음을 토대로 펼쳐가는
변주의 파노라마는 특히 압권이다.
바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 반주가 없기 때문에 바이올린 하나로 모든 것을
표현해야 한다.
이 곡은 바이올린 작품의 필수적이면서도 궁극적인 연주 목록에 속하는 걸작으로 평가받는다.
크리스티안 테츨라프 (Christian Tetzlaff, 1966. 4. 24 ~ )
크리스티안 테츨라프는 안네 소피 무터 및 프랑크 페터 침메르만과 함께 독일을 대표하는
바이올리니스트로서 바흐의 소나타와 파르티타 6곡 전곡이 유기적인 연속성을 가진다고
말한다.
이 때문에 테츨라프는 바흐의 소나타와 파르티타 6곡 전곡을 하루에 모두 연주하는 것을
원칙으로 하고 있으며, 실제로 뉴욕 링컨센터와 잘츠부르크 모차르테움 등 전 세계 유명
공연장에서 연주해왔다.
테츨라프는 음반 역시 두 차례 선보인 바 있다. 특히 2005년의 두 번째 녹음은 한층 자유로운
해석이 돋보여 독일 에코 클래식상을 수상하고 그라모폰지 에디터스 초이스에 선정된 바 있다.
지적이며 사색적인 연주자로 꼽히는 테츨라프는 고전에서부터 현대곡에 이르기까지 폭넓은
레퍼토리를 지니고 있음은 물론 그 완성도에서 감탄을 자아낸다.
그동안 그의 레코딩은 그라모폰지 크리틱스 초이스(바르토크), 황금디아파종상(시벨리우스),
미뎀 어워드(베토벤) 등 주요 음반상을 휩쓸었다.
테츨라프는 2010년 2월과 2011년 6월에 내한해 공연한 바 있으며 특히 2010년 2월 23일
LG아트홀에서 열렸던 공연에서 바흐의 소나타와 파르티타 전곡을 연주해 큰 감동을 전해주었다.
[ 엘범감상 ]
9. Cello Adagios
1) Camille Saint-Saens, Le Cygne from 'Le Carnaval des Animaux'
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
2) Rachmaninov, Vocalise, Op.34, No.14 (Version Cello and Piano)
Lynn Harrell(Vc) / Vladimir Ashkenazy(Pf)
3) Jules Massenet, Meditation de Thais (Arr. D. Cullen)
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
4) Bach, Adagio from Sonata for Cello and Continuo No.3 in G minor, BWV 1029
Janos Starker(Vc) / Gyorgy Sebok(Pf)
5) Gabriel Faure, Apres un reve (Transc. M. Katims)
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
6) Edward Elgar, Adagio from Cello Concerto in E minor, Op.85
Julian Lloyd Webber(Vc) / Yehudi Menuhin(cond), Royal Philharmonic Orchestra
7) Giulio Romano Caccini, Ave Maria (Arr. D. Cullen)
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
8) Luigi Boccherini, Adagio non troppo from Cello Concerto in B flat
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
9) Robert Schumann, Traumerei from Kinderszenen, Op.15
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
10) Alexander Borodin, Nocturne (Arr. D. Cullen)
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
11) Maria Theresia von Paradis, Sicilienne
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
12) Franz Schubert, An die Musik, D.547 (Op.88/4)
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
13) Claude Debussy, Reverie (Arr. D. Cullen)
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
14) Ernest Bloch, Prayer from 'From Jewish Life'
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
15) Alfredo Catalani, La Wally, Drama lirica in quattro atti
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
16) Edward Elgar, Salut d'amour, Op.12
Lynn Harrell(Vc) / Bruno Canino(Pf)
17) Peter Ilyich Tchaikovsky, Valse sentimentale, Op.51, No.6
Heinrich Schiff(Vc) / Samuel Sanders(Pf)
18) Max Bruch, Kol Nidrei, Op.47
Julian Lloyd Webber(Vc) / James Judd(cond), Royal Philharmonic Orchestra
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