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1. Samuel Barber, Capricorn Concerto
Stephane Rancourt(Ob) / Marin Alsop(cond), Royal Scottish Nartional Orchestra
I. Allegro ma non troppo
II. Allegretto
III. Allegro con brio
사무엘 바버 (Samuel Barber, 1910. 3. 9 ~ 1981. 1. 23)
미국 펜실베이니아 주 웨스트체스터에서 태어난 현대 미국의 작곡가이다.
바버는 14세부터 21세까지 필라델피아의 커티스 음악학교에서 프리츠 라이너로부터 지휘를
배웠고 로자리오 스칼레로에게서는 작곡을 배웠다.
1935년에 퓰리처 상과 구겐하임 장학금 및 아메리칸 로마 상 등을 받고 로마의 아메리칸
아카데미에서 2년간 수학했다.
이 동안에 씌어진 '1악장의 교향곡' 및 '현악을 위한 아다지오'는 그의 출세작이 되었다.
1937년의 '관현악을 위한 에세이'는 이듬해 토스카니니의 지휘로 NBC 교향악단에 의해
초연되었다.
제2차 대전 중은 육군 항공대에 복무했으며 비행기의 의음효과 등을 넣은 '교향곡 제 2번'
등을 썼고 대전 후는 4막의 오페라 '바네사' 등으로 호평을 얻었다.
바버의 수법은 결코 혁신적인 것은 아니나 낭만적이고 견실하여 같은 세대인 윌리엄 슈맨
등과 대조적인 작풍을 보이고 있다.
초기의 작품에는 스트라빈스키의 영향이나 재즈의 혼용도 볼수 있으나 보수적인 속에서도
미국의 현대 생활을 반영한 기지와 신선함이 넘치는 작품을 남겼다.
2. Mendelssohn, Symphony No.4 in A, Op.90 'Italian'
Lorin Maazel(cond), Berliner Philharmoniker
I. Allegro vivace
II. Andante con moto
III. Con moto moderato
IV. Saratarello Presto
♣ 멘델스존 교향곡 4번 '이탈리아'
음악사에 길이 남는 명곡들 중에는 여행을 통해 영감을 받은 작품들이 꽤 있다.
도시나 나라의 이름이 부제로 붙은 작품들은 대부분 작곡가의 여행과 관련되는 경우가 많은데
멘델스존의 교향곡 제4번 '이탈리아'도 작곡가의 이탈리아 여행으로부터 시작된 작품이다.
멘델스존은 여행을 좋아했던 음악가였다. 집안 환경도 부유해서 마음껏 여행을 다닐 수
있었기에 그는 일생동안 세계 각지의 많은 곳에 가볼 수 있었다.
멘델스존이 특히 마음에 들어 했던 곳은 이탈리아에서도 로마였다고 하는데 그의 대표작 중
하나인 이탈리아 교향곡 역시 멘델스존이 로마에 머물고 있을 당시에 착수된 작품이다.
멘델스존이 이탈리아 여행 중에 가족들에게 보낸 편지를 보면 멘델스존이 이탈리아에 얼마나
매혹돼 있었는지 알 수 있다.
"나는 지금 새로운 힘을 얻어 작곡에 몰두하고 있습니다. 이탈리아 교향곡의 많은 부분 작곡이
완성되었는데, 아마 이 작품은 내가 작곡한 작품들 중에서 가장 성숙한 작품이 될 것입니다"
영감에 가득 찬 상태에서 작곡된 이탈리아 교향곡은 멘델스존의 성숙기 교향곡들 중 네 번째로
출판되어 '제4번'이란 번호를 얻게 되었으나 작곡 순서로는 세 번째다.
멘델스존의 성숙기 교향곡 다섯 곡 중에서도 오늘날 가장 잘 알려져 있는 이탈리아 교향곡은
1833년 5월 13일에 작곡가 자신의 지휘로 런던에서 이탈리아 교향곡이 초연될 당시에도 영국
언론으로부터 "영감이 번뜩이는 찬란한 작품"이라는 극찬을 받았다.
밝고 찬란하게 시작하는 1악장의 도입부와 13세기 이탈리아 나폴리의 춤 '살타렐로'의 리듬이
소용돌이치는 4악장을 들으면 절로 이탈리아의 밝은 태양을 떠올리게 된다.
그러나 정작 멘델스존 자신은 이탈리아의 음악 자체는 별로 좋아하지 않았다고 한다.
독일음악에 비해 지나치게 밝고 논리성이 부족한 이탈리아 음악이 그의 성향에 맞지 않았던
모양이다.
게다가 그는 이탈리아 음악가들이 하이든이나 베토벤 등 독일 관현악 명곡들을 별로 연주하지
않는 것에 대해서도 불만스러워했다.
그래서 그는 이탈리아의 오케스트라와 함께 하이든의 천지창조를 연습하며 독일 음악을
이탈리아에 전파하려고 시도하기도 했으나 그에게 돌아온 것은 음악이 너무 어렵다는
단원들의 불평뿐이었다.
이탈리아인들은 독일 음악을 어렵게 생각했고 멘델스존은 이탈리아의 음악이 잡다하다
느꼈던 것이다.
그럼에도 불구하고 멘델스존이 걸작 이탈리아 교향곡을 작곡할 수 있었던 것은 이탈리아의
아름다운 경치와 찬란한 날씨 덕분이었다.
그는 이렇게 말했다. "나는 이탈리아의 예술 그 자체가 아니라 폐허나 경치, 그리고 자연의
화려함 속에서 음악을 찾아냈다"
느린 서주 없이 곧바로 빠르고 화려한 음악으로 시작하는 이탈리아 교향곡의 1악장은 환한
태양의 이미지를 연상시킨다.
대개의 교향곡 1악장이 4분의 4박자나 4분의 2박자로 된 것과는 달리 이 곡은 빠른 8분의
6박자로 돼있어서 마치 춤곡 같은 느낌이 든다.
이는 베토벤 교향곡 제7번의 분위기와 닮았다. 베토벤 역시 그의 교향곡 7번의 1악장을 8분의
6박자로 설정하고 경쾌한 리듬감을 강조해 마치 영국의 옛 시골 춤곡인
'지그'와 비슷한 분위기를 살려냈다.
멘델스존도 이탈리아 교향곡 1악장에서 교향곡이 춤곡이 될 수도 있음을 보여주었다.
하지만 멘델스존이 이탈리아 교향곡에서 1악장에서 선보인 춤은 베토벤의 음악보다는 좀 더
빠르고 발랄하며 멘델스존 음악 특유의 화창함과 활기로 가득하다.
2악장은 영국 초연당시 당시에도 독창적인 작품이라는 평가를 받았을 만큼 독특한 점이 많다.
이 곡은 베토벤 교향곡 7번의 2악장처럼 느린 행진곡 풍이지만 그 느낌이 마치 찬송가 같아서
엄숙한 종교의식을 연상시킨다.
작곡가 모셀레스에 의하면 이 선율은 집시의 순례의 노래에서 힌트를 얻은 것이라고 한다.
순례자의 행진곡과도 같은 이 선율은 오보에와 바순, 비올라로 연주하게 되어있는데 특이한
악기 배합으로 고풍스런 선율에는 이국적인 색채마저 느껴진다.
이탈리아 교향곡의 2, 3, 4악장은 후에 개정이 됐기 때문에 두 가지 판본이 존재한다.
멘델스존은 1833년에 이탈리아 교향곡을 완성하고 런던에서 초연한 후에, 갑자기 이 작품이
완벽하지 않다고 느꼈는지 이듬해인 1834년에 개정작업에 들어갔다.
이때 그는 2악장과 3악장, 4악장을 수정했다. 그 때문에 이탈리아 교향곡의 2, 3, 4악장은
1833년의 오리지널 판본뿐 아니라 1834년의 개정판의 악보도 전해지고 있다.
개정판을 들어보면 독일적인 진지함이 더 강하게 느껴져 흥미롭다.
멘델스존은 본래 이탈리아의 아름다운 경치와 이국적인 매력에 영감을 받아 이탈리아 교향곡을
밝게 작곡했으나 교향곡 초연 후에는 좀 더 독일적인 진지함을 가미해 작곡가 자신의 개성을
더 표현하고자 했던 것 같다.
3악장에서 멘델스존은 스케르초인지 미뉴에트도 아닌 애매모호한 음악을 제시한다.
3악장은 보통 빠르기의 미뉴에트나 빠른 스케르초로 작곡되는 것이 보통이지만 멘델스존은
이탈리아 교향곡 3악장에서 스케르초도 미뉴에트도 아닌 어중간한 템포로 유연한 멜로디를
선보이며 낭만적인 정서를 강조했다.
'트리오'라고 불리는 중간부분에서는 호른이 경쾌한 리듬을 선보이면서 목가적인 분위기를
전해준다.
4악장은 멘델스존이 작곡한 음악 중에서는 꽤 격하고 긴박감에 넘치는 음악이다.
멘델스존의 작품들은 대개 지나치게 극단으로 흐르는 일이 드문데 이탈리아 교향곡 4악장에서
만큼은 '리듬의 신격화'라고 불리는 베토벤 교향곡 7번의 격렬함에 가까이 다가서고 있다.
멘델스존은 4악장 악보에 '살타렐로'라고 적어놓았는데, 이것은 13세기 이탈리아 나폴리에서
추던 빠른 춤곡이다.
살타렐로는 공중으로 빠르게 도약하면서 추는 춤이니만큼, 이탈리아 교향곡 4악장 앞부분을
들어보면 사람들이 펄쩍펄쩍 뛰면서 춤을 추는 느낌이 든다.
■ 추천음반
멘델스존의 '이탈리아' 교향곡을 들으며 작열하는 이탈리아의 태양의 열기를 느끼고 싶다면
레너드 번스타인이 지휘하는 뉴욕 필하모닉오케스트라의 음반(sony)을 추천한다.
1833년의 원전판과 1834년 개정판의 차이를 느끼고 싶다면 존 엘리어트 가디너와 빈 필하모닉의
음반(universal)이 좋은 참고가 될 것이다.
그밖에 크리스토프 폰 도흐나니와 빈 필하모닉오케스트라의 음반(Decca)과 클라우디오 아바도와
런던 심포니오케스트라(DG)의 음반도 추천할 만하다.
로린 마젤 (lorin maazel, 1930 ~ )
프랑스의 파리 근교의 뉘이에서 유대계 러시아인인 부친과 헝가리와 러시아의 혼혈인
모친 사이에서 태어나서 미국으로 이주했기 때문에 어린 로린은 피츠버그에서 자랐다.
일찍부터 음악적인 재능을 발휘하여 4세 때 절대음감과 발군의 기억력을 갖추고 있다는
것이 증명되었다.
피아노와 바이올린을 배웠는데, 로린은 지휘에 비상한 흥미를 보였다고 한다.
8세 때 이미 아이다호의 대학 오케스트라를 지휘하여 슈베르트의 '미완성 교향곡'을
연주하였다.
그 당시 대평론가인 오린 다운즈에게 인정되어 1939년 9세 때 뉴욕 세계 박람회에
출연하여 대편성 오케스트라를 지휘함으로서 신동 지휘자라 세상을 떠들썩하게 하였다.
또 10세인가 11세 때 NBC 교향악단을 객원 지휘하였고 이어서 뉴욕 필하모닉을
지휘하였다.
그러나 마젤은 그대로 학업을 계속하여 고등학교를 16세 때 졸업한 다음 피츠버그
대학에 들어가 어학과 철학을 전공하였으며 블라디미르 바칼레이니코프에게 바이올린과
지휘법을 배웠다.
이 동안 피츠버그 교향악단의 바이올린 주자를 맡았고 아트 현악 4중주단을 조직하여
활약하였는데 1949년에는 피츠버그 교향악단의 부지휘자로 임명되었다.
1951년에 풀브라이트 국비생(장학생)으로서 이탈리아로 유학하여 바흐를 비롯한 바로크
음악을 주로 공부하였으며 보스턴의 버크셔 음악 센터에서는 지휘법을 공부했다.
1953년에는 이탈리아의 로마에서 본격적인 데뷔를 장식하여 센세이션을 일으키면서
성공하였다.
그 이후 세계에서 가장 젊은 지휘자로서 유럽 각국의 주요 오케스트라와 음악제에
게스트로 초청되어 대활약을 시작하였다.
더구나 1960년 30세의 나이로 바이로이트의 바그너 음악제에 '로엔그린'를 가지고
등장하여 실력과 경력을 인정받았다.
마젤은 그 후에도 1968년과 1969년에 바이로이트에 초청되어'니벨룽겐의 가락지'
전4부작을 지휘하였다.
1965년 베를린 도이치 오페라의 음악 총감독에 취임하였으며 동시에 베를린
방송교향악단의 수석 지휘자도 겸임하여, 서 베를린의 인기를 카라얀과 양분하게 되었다.
오페라 활동은 1971년까지 했고 방송교향악단은 1973년까지 지휘하였다.
1970년부터 1972년까지 런던의 뉴 필하모니아 관현악단에서 클렘페러를 보좌하는
준지휘자를 맡았는데 1972년에는 미국으로 본거지를 옮기고 클리블랜드 관현악단의
음악 감독으로 취임하였다.
1976년부터는 프랑스 국립관현악단의 상임 객원 지휘자도 겸임했으며 1982년 시즌부터
빈 국립 오페라 극장의 총감독으로 취임했다.
레코드는 베를린 필하모니를 지휘한 것이 많았는데 그중에서도 멘델스존의 교향곡
'이탈리아'와 '종교 개혁', 라벨의 '어린이와 마법'(이상 그라모폰)등이 유명하다.
30세 전 마젤의 젊은 무사로서의 활약이 충분히 발휘된 그것은 자기 주장의 강한 매력이
넘치는 연주였다.
베를린 도이치 오페라 시대의 레코드에서는 소프라노인 안나 모포를 주역으로 한 비제의
'카르멘' 전곡(오이로디스크)이 인상에 남는다.
이것은 알코어판의 원전을 철저하게 해석한 것으로 이 오페라의 강한 생명력을
재발전시켰다.
베를린 방송교향악단 시대는 필립스에서 바흐를 비롯해서 바로크음악을 상당히 중점적으로
녹음하여 'b단조 미사곡'등에서는 마젤다운 자기 주장을 보였는데 오히려 페르골레시의
'스타바트 마테르'가 마음에 남는다.
클리블랜드 재임 후는 초기에 거슈윈의 '포기와 베스'전곡, 프로코피예프의 '로메오와
줄리에트'(이상 런던)에서 공전의 명연을 들려주었다.
그러나 대작의 브람스, 베토벤 두 교향곡 전집(런던, CBS) 등은 지나치게 정통적인
표현으로써 마겔다운 개성이 느껴지지 않는다는 것이 약간 유감이다.
최근의 것에는 베를리오즈의'환상 교향곡'(CBS)이 오랜만에 정교한 표현을 통해 그다움을
다시 되찾은 것만 같다.
1988년 가을부터 피츠버그 교향악단의 상임 지휘자로 활동하고 있는 마젤은 그동안의
음악적인 성숙으로 생의 깊이를 밀도있게 음악으로써 그릴 것이다.
1978년 9월 13일에 열린 클리블랜드 관현악단의 연주는 청중들에게 큰 감동을 주었다.
이 관현악단이 몇 해 전에 왔을 때엔 조지 셀이 엄격한 지휘로써 빈틈없는 다부진 연주를
들려 주었지만 이번엔 40대의 천재 지휘자 로린 마젤이 신비적이면서도 감동적인 연주를
들려주었다.
마젤은 지휘를 매우 부드럽게 하면서도 강인한 표현을 하는 뛰어난 솜씨를 보여주었다.
마지막 곡인 차이코프스키의 '비창 교향곡'제4악장 중간 부분에서 너무나도 열띤 지휘를
하느라고 두 팔을 휘두르다가 지휘봉이 왼손과 부딪쳐서 그만 두 동강이가 나서 3분의
2길이의 끝부분은 무대 위에 떨어졌다.
그는 부러진 그 짧은 지휘봉을 휘두르면서 바로 앞의 비올리스트에게 지휘봉이 부러졌다는
것을 알리자 이 비올리스트는 준비하고 있던 새 지휘봉을 꺼내서 손을 뻗쳐 조용히 내밀자
마젤은 약간 허리를 구부리는가 하더니 날쌔게 받아서 그대로 지휘를 계속했다.
지휘봉이 부러지는 것도 극적이지만 부러진 손잡이 부분을 내려뜨리지 않고 오른손으로
살그머니 모우닝 코우트의 안호주머니에 넣어 두는 것은 아름다운 정경이었다.
신경질이 심했던 토스카니니는 리허설 때 자기 뜻대로 안되면 지휘봉을 꺾어버리는 것이
일쑤였다고 한다.
따라서 금방 화가 가라앉으라고 일부러 꺾어지기 쉬운 나무로 특별히 만들었다고 한다.
그러나 로린 마젤의 경우는 다르다 그는 지휘봉을 자기의 목숨처럼 생각하는 듯이
애지중지했다고 알려져 있다.
3. Beethoven, Piano Concerto No.4 in G Major Op.58
Wilhelm Kempff(Pf) / Ferdinand Leitner(cond), Berliner Philharmoniker
I. Allegro moderato
II. Andante con moto
III. Rondo vivace
♣ 베토벤 피아노 협주곡 4번 G 장조 Op.58
베토벤의 '피아노 협주곡 4번'은 1808년 12월 22일 목요일 저녁 안 데어 빈 극장에서 열린
무려 4시간에 걸친 마라톤 콘서트를 통해 '합창 환상곡 Op.80'과 함께 초연되었다.
이 두 작품에서 베토벤은 피아노 솔로를 맡았고 5번과 6번 교향곡을 비롯하여 'C장조
미사곡'에서 발췌한 연주회용 아리아 'Ah, perfido!' 즉석에서 작곡한 듯한 피아노 독주를
위한 환상곡 등이 함께 초연되었다.
이 날의 연주회 프로그램은 후일 사람들이 생각해 보았을 때 인간이 본질에 대한 베토벤의
이상적인 신념을 뒷받침해 주는 기념비적인 것이었지만 막상 당시 청중들의 반응은
냉담했다.
오케스트라는 충분한 연습을 하지 못했고 소프라노는 아마추어 수준에 지나지 않았음과
동시에 무대에 공포감을 가지고 있었다.
베토벤이 남긴 다섯 개의 피아노 협주곡 가운데 형식적으로나 내용적으로 가장 독창적인
작품으로 평가받는 '피아노 협주곡 4번'은 당시 청중들이 외면했다기보다는 제대로
연주되지 못해 인정을 받지 못했을 것이다.
베토벤 사후 1836년까지 이 작품은 계속 묻혀있다가 멘델스존이 게반트하우스
오케스트라와 함께 적극 연주하며 이 작품을 널리 알리는데 앞장선 이후에야 비로소
청중들은 이 작품의 위대함을 진정으로 이해할 수 있었기 때문이다.
실제로 이 곡은 베토벤의 개성이 너무 강했을 뿐더러 당시의 수준 이상의 테크닉을 필요로
했다.
그만큼 이 작품은 초연 당시 베토벤의 연주와는 상관없이 19세기 초반 빈의 청중들로서는
이해하기 어려운 내용을 담은 협주곡으로 간주되었던 것이다.
아마도 베토벤은 1804년 2월경 이 작품의 작곡을 시작하여 그의 형인 칼이 출판업자에게
악보를 넘긴 1806년 3월경에 작품을 완성한 것으로 알려져 있다.
아마도 1808년 역사적인 연주회보다 1807년 3월 베토벤의 적극적인 후원자 가운데 한
명이었던 로브코비츠 왕자의 궁에서 열린 사설 연주회에서의 '4번 협주곡' 연주가 더욱
의미 있을 듯하다.
당시에는 '4번 교향곡'과 '코리올란 서곡'이 함께 초연되었는데 아무래도 궁정 연주자들의
기량도 훨씬 높았을 뿐만 아니라 참석했던 청중들의 이해수준 또한 한결 높았을 것으로
추측할 수 있기 때문이다.
이 '4번 협주곡'은 베토벤의 다섯 개의 피아노 협주곡 가운데 가장 시적이고 장엄하며
자유로운 느낌을 준다.
비록 5번 '황제' 협주곡의 그 위풍당당한 스케일에 밀리는 듯한 느낌이 없지 않지만 이
작품이 가지고 있는 비르투오시티와 시적 고양감의 절묘한 조화만큼은 베토벤의 협주곡들
가운데 단연 압도적이다.
그러한 만큼 모차르트가 꿈꾸었던 피아노와 오케스트라의 상상력 풍부한 대화 즉 협주곡에
있어서의 이상향을 계승한 최초의 작품으로 이 작품을 꼽는다 하더라도 무리는 아닐
것이다.
그런 까닭에 마지막 악장이 모차르트에 의해 완성된 형식을 고스란히 답습하고 있다는 점
또한 결코 우연은 아니다.
이러한 형식의 차용에도 불구하고 이 협주곡은 여러 면에 있어서 혁신적인 모습을 보여주고
있다.
독특한 개성과 형식적인 독창성은 무반주로 피아노 솔로가 등장하는 1악장 도입부의
모습에서 찾아볼 수 있을 뿐만 아니라 그 안에 담긴 부드럽고 온화한 주제가 주는
귀족스러운 동시에 서정적인 분위기 이를 반복하는 오케스트라의 위엄 있는 제시부 전개와
보다 교향악적으로 발전한 전개부의 다채로움 등등이 그러하다.
더 나아가 이전 협주곡들과는 달리 독주자와 오케스트라가 지속적으로 교체해 대화하며
절묘한 균형을 유지하는 모습은 독주자의 화려함을 강조하곤 했던 동시대의 다른 작곡가의
작품에서는 결코 찾아볼 수 없는 모습이다.
또한 2악장에서 이질적인 주제들의 사용 또한 낯설음을 던져준다.
체르니는 이 중간 악장에 대해 "아주 오래된 고전 비극"이라고 표현하며 존경을 표한 바
있는데 19세기의 많은 음악 학자들 또한 이 곡이 마치 오르페우스가 에우리디체를 구하기
위해 지옥의 문을 지키는 퓨리에스에게 애원하는 것을 표현하고 있다고 추측하기도 했다.
마지막 악장은 앞선 두 개의 악장과는 전혀 달리 에서 이전과는 전혀 다른 세계로 뛰어드는
듯한 쾌속질주 또한 이 작품만의 특징이다.
1악장 알레그로 모데라토
상상력 풍부한 독주 피아노의 조용한 출발로 시작한다. 이 주제를 받은 오케스트라가
가세하며 강렬한 튜티로 발전해나간다.
강렬한 초반 클라이맥스 이후 갑자기 음향은 여려지며 목관악기들이 서정적인 동기를
제시한다.
그리고 1바이올린이 새로운 2주제를 가져오고 다채로운 오케스트라는 풍요로운 콘텍스트의
토대를 다진다.
고전적인 균형미와 서사적인 비장미를 더하는 솔로 피아노의 카덴차가 등장한 뒤 화려하게
이 악장은 끝을 맺는다.
2악장 안단테 콘 모토
피아노 솔로와 오케스트라의 주고 받는 대화가 인상적인 느린 악장. 어떻게 본다면 3악장을
위한 긴 서주의 성격 또한 가지고 있다.
음산한 느낌을 주는 주제를 피아노와 오케스트라가 서로 주고받으며 칸타빌레적인
아름다움을 최대한 강조한다.
3악장 론도 : 비바체
지금까지 내면에 존재하는 자아들의 대화를 밖으로 이끌어내어 환희를 향해 돌진하는 듯한
강인한 힘을 가지고 있는 론도 악장이다.
지금까지 발휘되었던 피아노의 눈부신 기교가 다시 한 번 빛을 발하는 대목으로서 피아노의
리듬과 이를 수반하는 오케스트라의 기민한 움직임이 시너지 효과를 일으키며 수직적인
상승감을 더한다.
독주 피아노의 카덴차는 베토벤 자신의 것으로서 마지막 절정을 고조시키는 역할을 하며
마지막 피날레로의 완벽한 이행을 유도한다.
■ 추천음반
이 작품에 있어서 루돌프 제르킨의 역할이 가장 두드러진다. 알렉산더 슈나이더-말보로
페스티벌과의 실황과 유진 오먼디-필라델피아 오케스트라와의 CBS 녹음 그리고 아르투로
토스카니니가 이끄는 NBC 심포니와의 모노럴 레코딩(RCA), 오자와 세이지와 보스턴 심포니
오케스타라와의 녹음(Telarc) 등등 많은 명연을 남긴 장본으로서 이 가운데 오먼디와의
녹음이 녹음과 연주 모두에서 가장 완성도가 높다.
빌헬름 켐프는 페르디난트 라이트너-베를린 필하모닉과 남긴 스테레오 녹음(DG)이 파울
반 켐펜과의 모노럴 녹음(DG)보다 훌륭하다.
이 작품에 있어서 최고의 해석가로 손꼽히는 클라우디오 아라우 또한 다섯 종 이상의
음반을 남긴 바 있는데 이 가운데 콜린 데이비스-드레스덴 슈타츠카펠레와의 디지털
레코딩(Philips)이 가장 훌륭하다.
한편 다니엘 바렌보임이 베를린 슈타츠카펠레와 함께 지휘와 솔로를 맡은 영상물은
21세기에 녹음된 최상위급의 베토벤 4번 협주곡으로서 들어보기를 권한다.
빌헬름 캠프 (Wilhelm Kempff, 1895. 11. 25 ~ 1991. 5. 23)
빌헬름 켐프는 독일의 피아니스트이자 작곡가로서 특히 베토벤 및 슈만 등의 곡, 즉 정통적
낭만주의의 흐름을 채용하는 피아노음악의 해석에 뛰어났다.
위터보크 태생이며 음악학교의 교장이자 오르가니스트이기도 했던 아버지의 영향으로
오르간의 연주에서도 소질을 보였고 피아노 연주에서도 오르간적 색채를 보였다.
피아노는 베를린 고등음악학교에서 카를 발트에게서 배우고 졸업할 무렵에는 피아노 및 작곡
두 과목에서 멘델스존상을 받았다.
20세 안팎부터 독주가로서 활약했으며 1924년에는 슈투트가르트 음악학교 교장에 취임하였다.
그는 결코 처음부터 명연주가적인 소질을 나타냈던 것은 아니었으나 음악에의 추구에 끊임없는
의욕을 보였고 특히 베토벤 등 독일 고전음악에의 추구가 그의 음악적 테크닉을 개선케 하는
강력한 원동력으로 되었다.
1951년 파리에서 베토벤의 모든 소나타의 연속 연주회를 개최하여 큰 호응을 얻었다.
베토벤의 피아노 소나타 전 32곡 그 중에서도 후기 작품의 연주에 뛰어나며 베토벤의 피아노
협주곡, 슈만의 <환상곡 다장조>, 바흐의 여러 작품 등의 연주에도 뛰어났다.
4. Tchaikovsky, Violin Concerto in D Major, Op.35
Jascha Heifetz(Vn) / Walter Susskind(cond), Philharmonia Orchestra
I. Allegro moderato
II. Canzonetta (Andante)
III. Finale (Allegro vivacissimo)
※ Recorded 1950. 6. 19
♣ 차이코프스키 바이올린 협주곡 D 장조 Op.35
1878년 봄 차이코프스키는 스위스의 제네바 호수 근교의 클라렌스에서 결혼의 상처
(1877년 여름에 차이코프스키는 동성애자라는 사실을 숨기기 위해 밀류코바라는 여성과
결혼했지만 석달 만에 파경을 맞았다)를 달래고 있었다.
3월 14일 자신의 제자였던 요시프 코테크가 찾아왔다. 그 때는 차이코프스키가 한창
피아노 소나타 G장조를 작곡하던 시기였다.
베를린에서 요제프 요아힘에게 바이올린을 배우고 있던 코테크는 랄로의 스페인
교향곡의 악보를 보여주었고, 두 사람은 이 곡을 함께 연주했다.
그리고 차이코프스키는 바이올린 협주곡을 작곡하고 싶다는 열망에 사로잡히게 된다.
코테크는 모스크바 음악원에서 차이코프스키에게 작곡을 배웠던 인연으로 그와 오랫동안
교류해왔다.
차이코프스키가 폰 메크 부인을 알게 된 것도 코테크를 통해서였고 차이코프스키는
코테크를 위해 왈츠-스케르초를 작곡할 만큼 두 사람의 관계는 깊었다.
마침내 4월 4일 모든 작업을 끝냈다. 그러나 차이코프스키는 여전히 2악장이 마음에
걸렸다. 작품의 전체적인 분위기와 어울리지 않다고 생각했다.
차이코프스키는 결국 처음 작곡했던 2악장(두 달 후 [명상곡]으로 출판된다)을 버리고
하루만에 새로운 안단테 악장을 썼다.
그리고 4월 11일에 악보의 초고가 나왔다. 차이코프스키가 4번 교향곡과 오페라
예프게니 오네긴을 막 끝냈을 때였다.
출판은 모스크바의 표트르 위르겐슨이 맡았고 바이올린과 피아노를 위한 악보가 그 해
10월에, 오케스트라 파트보는 1879년 8월에 나왔다.
초연을 향한 길은 멀고도 험했다. 차이코프스키는 이 곡을 완성하는 데 많은 도움을 준
코테크가 초연해 주기를 원했다.
그러나 프로페셔널 연주자로 경력이 많지 않았던 코테크는 이 작품의 연주를 망설였다.
게다가 그는 자신과 차이코프스키의 육체적 관계에 대한 소문을 두려워하고 있었다.
1878년 10월 차이코프스키는 상트 페테르부르그에서 당대 최고의 바이올리니스트
레오폴드 아우어에게 악보를 주면서 초연을 부탁했다.
그러나 아우어는 차이코프스키와의 약속을 지키지 못했으며 2년을 기다리다 지친
차이코프스키는 넌더리를 냈다.
그러다 마침내 구원자가 찾아왔다. 모스크바 출신으로 라이프치히 음악원의 교수였던
아돌프 브로드스키가 1881년 12월 4일 빈 필하모닉 협회의 콘서트에서 한스 리히터의
지휘로 초연하게 된 것이다.
초연은 성공하지 못했다. 당시 빈 음악계를 주름잡던 비평가 에두아르트 한슬리크는
“음악이 이토록 심한 악취를 풍길 수 있다는 사실을 차이코프스키의 바이올린 협주곡이
증명했다”고 혹평했다.
또다른 비평가들도 이구동성으로 야유했다. '거칠기 짝이 없는 러시아의 허무주의'
(테오도르 헬름), '괴이한 음악이 많은 사람들을 유혹한다'(막스 칼베크).
초연자 브로드스키는 절망하는 대신 몇 개월 후인 1882년 4월 런던에서 한스 리히터의
지휘로 다시 협연함으로써 거대한 성공의 서막을 열었다.
그리고 8월 20일 이폴리트 알타니의 지휘와 브로드스키의 협연으로 모스크바 초연을 했고
여기서도 열렬한 환영을 받았다.
이제 차이코프스키의 바이올린 협주곡에서 아돌프 브로드스키란 이름을 떼어내기는
어려운 지경에 이르렀다.
상황을 인식한 차이코프스키는 원래 예정되었던 헌정자였던 레오폴드 아우어 대신
브로드스키에게 이 작품을 헌정했다.
■ 추천음반
이 작품의 녹음에서 정경화(Decca)는 우리에게 첫 번째 대상이었다. 프레빈이 지휘하는
런던 심포니와의 연주는 그녀의 첫 출발점이었다.
우울한 서정성의 표현에 주안점을 둔 연주로 비극적인 색채의 느낌이 매우 특별하다.
하이페츠(RCA)의 연주는 질주의 미학이 뭔지를 보여준다. 속도감과 박력의 오케스트라는
파괴적인 차이코프스키 상을 그려내었다.
오이스트라흐(MELODIYA)는 내면적 우울과 열정의 상반된 요소들을 모두 표현한 훌륭한
연주다.
코간(EMI)의 연주는 테크니션 코간의 바람을 가르는 날렵한 연주가 색다른 쾌감을
던져준다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에 입학하여
드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고 그
이후 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해 하이페츠의
이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시타인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는 표현
등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어가는
큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Chopin, Piano Sonata No.3 In B Minor. Op.58
Martha Argerich(Pf)
I. Allegro Maestoso
II. Scherzo.molto Vivace
III. Largo
IV. Finale.presto. Ma Non Tanto
♣ 쇼팽 피아노 소나타 3번 B 단조 Op.58
쇼팽의 소나타는 모두 세 곡이 작곡됐다.
c단조 · 앞의 '장송행진곡'인 b♭단조 · 그리고 이 b단조이다.
그 중 소나타로서의 바른 형식을 갖고 있는 것은 c단조 작품4번 뿐이고 다른 두 곡은 각
악장을 모두 아무 연결 없이 만들어 후에 가서 정리한 듯 하다.
각 악장을 독립곡으로 보면 훌륭하지만 소나타의 형식에서 보면 불완전한 악곡이라는
평을 받고 있다.
그러나 제1번 c단조는 오늘날 거의 연주되지 않는다.
제3번 b단조는 가장 쇼팽의 곡답게 연주에 크나큰 기량을 요하며 쇼팽의 작품 중 최고의
것이라고 칭송받고 있다.
쇼팽이 죽기 5년 전인 1844년에 노앙에 있는 조르즈 상드의 집에서 작곡하여 페르시우스
백작부인에게 헌정하고 이듬해 1845년 5월에 출판되었다.
제1악장 알레그로 마에스토소
아침 안개가 자욱이 낀 것처럼 곡은 우수와 잿빛의 무거운 느낌으로 시작되지만 이윽고
그 안개가 개이면 아름다운 아침의 꽃밭과 같은 신선한 아름다움이 전개된다.
온실에 피는 꽃처럼 습기와 향내로 숨이 막힐 것 같다.
제2악장 스케르조-몰토 비바체
전아한 기품을 지닌 경쾌한 가락은 야산을 지나는 바람에 흔들리는 들꽃처럼 사랑스럽고
가련하다.
제3악장 라르고
이것은, 노앙에서 쇼팽과 조르즈 상드가 달콤한 사랑을 이야기하고 있는 것이라는 평을
받고 있다. 아름다운 가락은 쇼팽의 눈동자처럼 빛나고 있다.
제4악장 프레스토 마 논 탄토
론도 형식. 열정이 나타나 감정은 격렬하게 폭발하여 매우 화려하다.
마르타 아르헤리치 (Martha Argerich, 1941.6.5 ~ )
부에노스아이레스에서 태어난 아르헨티나의 여류 피아니스트로서 일찍부터 재능을 나타내어
수많은 준재를 키운 명교사 스카라무짜에게 배웠다.
8세 때에 남미의 대표적인 연주회장인 콜론 극장에서 모짜르트 협주곡 제 20번과 베토벤의
협주곡 제 1번을 쳐서 데뷔를 장식하여 절찬을 받았다고 한다.
그 뒤 1955년 외교관이던 부친과 함께 유럽으로 건너가 스위스에서 니키타 마갈로프와
리파티 부인을 사사하고 또 빈에서 프리드리히 굴다의 가르침을 받은 뒤 폴란드 출신의
스테판 아스케나제와 이탈리아의 명인베네데티-미켈란젤리를 사사했다.
이 사이에 이미 1956년부터 유럽 각지에서 연주회를 열고 이듬해인 1957년에는 이탈리아의
보르짜노에서 열린 부조니 국제 콩쿠르에서 우승햇다.
또 제네바 국제 콩쿠르에서도 폴리니(제2위)를 누르고 우승하여 널리 유럽악단의 주목을
끌었다.
그리고 이듬해 1960년에는 이 젊은 재능의 장래를 재빨리 인정한 독일 그라모폰과 계약을 맺어
레코딩을 하였다.
그러나 무어라 해도 아르헤리치의 이름이 일약 세계적으로 클로즈업된 것은 1965년의 제7회
쇼팽 콩쿠르에 우승과 (동시에 '마주르카 상'도 수상)했을 때부터이다.
유럽 각지에서 연주회를 개최함과 동시에 이듬해인 1966년에는 미국에서도 데뷔하고 또
1967년에는 에든버러 음악제에 출연하는 등 눈부신 활동을 가져, 항상 압도적인 호평을 받고
있다.
여성이라고 느껴지지 않을 만큼 날카로운 터치와 다이내믹한 표현, 풍부한 음을 가진 그녀의
연주는 또한 남다른 예민한 감각을 갖추고 있다.
더구나 그 예민하고 날카로운 감각이 단순히 그것에만 크치지 않고 항상 샘솟는 듯한 음악에의
감흥과 정열을 수반한 것에 아르헤리치의 남다른 매력이 있다고 할 수 있다.
그리고 그러한 그녀의 특질은 쇼팽과 리스트를 중심으로 한 낭만파로부터 근대 작품에 있어서
특히 훌륭한 성과를 거두고 있는데 근년에는 분방한 정열에 작품에 대한 보다 원숙하며 지적인
어프로우치를 가해서 한층 부드럽고 내면적인 깊이를 더한 잘 연마된 표현을 들려 주고 있다.
또 실내악에 있어서도 타고난 날카로운 감각을 발휘하여 뛰어난 녹음을 남기고 있다.
6. Brahms, Piano Quartet No.1 in G minor, Opus 25
Emil Gilels(Pf) / Amadeus Quartet
I. Allegro
II. Intermezzo: Allegro ma non troppo - Trio: Animato
III. Andante con moto - Animato
IV. Rondo alla zingarese: Preseto - Meno presto - Molto presto
♣ 브람스 피아노 4중주 1번 G 단조 Op.25
브람스는 피아노 4중주 1번 G단조를 격정의 시기였던 1850년대 중반에 작곡하기 시작해
고전주의적 입장에 치우쳐 있던 20대 말에 마무리했다.
작품에는 불안한 낭만주의 어휘와 안정적이고 교향곡에 가까운 음악적 건축이 결합되어
있다.
하지만 집시 음악이 들어간 피날레는 젊은 브람스가 생기 넘치는 놀이에 심취했음을
보여 준다.
전반적으로 곡은 음색, 표현의 범위, 전개 범위에 있어서 피아노 4중주라는 양식을
벗어나 관현악 쪽에 치우쳐 있다.
[ 엘범감상 ]
7. Chopin - The Nocturnes, Maria Joao Pires
Maria Joao Pires(Pf)
I. Nocturne No.1 in B flat minor, Op.9 No.1
II. Nocturne No.2 in E flat, Op.9 No.2
III. Nocturne No.3 in B, Op.9 No.3
IV. Nocturne No.4 in F, Op.15 No.1
V. Nocturne No.5 in F sharp, Op.15 No.2
VI. Nocturne No.6 in G minor, Op.15 No.3
VII. Nocturne No.7 in C sharp minor, Op.27 No.1
VIII. Nocturne No.8 in D flat, Op.27 No.2
IX. Nocturne No.9 in B, Op.32 No.1
X. Nocturne No.10 in A flat, Op.32 No.2
마리아 조앙 피레스 (Maria Joao Pires, 1944. 7. 23 ~ )
피아니스트 마리아 조앙 피레스는 1944년 포르투갈의 리스본에서 태어났다.
일곱 살이란 나이로 첫 연주회를 가졌는데 이때 연주한 곡이 모차르트의 협주곡이었다는
사실은 상당히 의미심장하다. 이후 40여 년에 이르는 그녀의 연주생활에서 모차르트는
언제나 중심을 차지하고 있기 때문이다.
리스본 음악원을 거쳐 독일로 유학한 피레스는 하노버에서 모차르트 스페셜리스트로 이름높은
카를 엥겔을 사사하며 자신의 색깔을 확립하게 된다.
1970년에 열린 베토벤 탄생 200주년 기념 콩쿠르에서 우승하며 공식적으로 데뷔한 후 그녀는
주로 모차르트와 슈베르트·바흐·슈만 등의 고전적인 레퍼토리에 천착해 왔다.
특히 모차르트의 피아노 소나타와 협주곡은 피레스의 대표적인 레퍼토리이다.
그녀는 우치다와 함께 클라라 하스킬과 릴리 크라우스를 거쳐 알리시아 데 라로차·잉그리드
헤블러로 이어지는 모차르트 피아니스트 대열의 끄트머리에 서 있다.
부드럽고 섬세한 피레스의 연주는 뒤집어 말해서 과감함이나 독특함과는 거리가 멀다.
이러한 특성 때문에 피레스의 연주는 언제나 눈에 잘 띄지 않는다.
비슷한 연배의 아르헤리치가 들려주는 불을 뿜는 듯한 정열적인 연주에 비하면 확실히 피레스의
연주는 그 음영이 짙지 못하다.
그러나 피레스는 소극적이라기보다 신중한 연주자라고 해야 할 것이다.
그녀는 한 인터뷰에서 "좋은 연주를 위한 에너지를 만들어내는 데는 시간이 필요하다"고 말한
적이 있다.
1970년대 초부터 현재까지 여러 차례에 걸쳐 녹음된 그녀의 모차르트 협주곡 음반들을 들어보면
처음의 명랑한 톤이 시간이 흐르면서 점차 유연하고 투명함으로 변해가는 것을 확연히 느낄 수
있다.
피레스는 비교적 일찍 레코딩을 시작했고 근래에도 활발히 녹음작업을 진행해 상당히 많은 음반이
출반되어 있다.
에라토에서 모차르트의 중·후기 피아노 협주곡 대부분과 슈베르트의 소나타·즉흥곡 및 바흐
피아노 협주곡 등이 출반되었고 데논과 도이치 그라모폰에서 2차례에 걸쳐 모차르트 피아노
소나타 전곡을 완결해 이중 도이치 그라모폰에서 낸 음반으로 프랑스의 음반대상을 수상했다.
현재 도이치 그라모폰에서 계속되고 있는 모차르트 피아노 협주곡 녹음에서 피레스는 아바도·빈
필이라는 최상의 파트너와 함께 오랜 연주 경험에서 우러나오는 원숙함으로 자연스럽고 명징한
연주를 들려주고 있다.
클래식 CD는 이 연주를 가리켜 "피레스의 프레이징은 우아함의 규범과도 같다. 넓은 폭의 톤은
단순히 아름다운 차원을 넘어서서 모차르트의 음악이 담은 진실을 보여준다"고 호평했다.
그녀는 모차르트 외에도 1995년에 쇼팽의 프렐류드와 피아노 협주곡 2번 음반을 내놓았고
쇼팽 녹턴 모음집도 출반하고 있다.
피레스의 연주활동에서 실내악은 빼놓을 수 없는 중요한 범주를 차지한다.
바이올리니스트 오귀스탱 뒤메이와의 듀오 연주는 1989년 이후로 꾸준히 지속되고 있다.
이 두 연주자는 그리그·프랑크·바흐·모차르트의 바이올린 소나타를 함께 녹음했으며 근래 신진
첼리스트 지안 왕을 영입해 피아노 트리오를 조직했다.
이들 트리오가 첫 음반으로 내놓은 브람스 트리오 1·2번은 정교하고 편안한 앙상블로 좋은 반응을
얻기도 했다.
피레스가 이 음반을 가리켜 한 말 - "함께 하는 첫 작업으로 음악의 풍경화 속에 걸맞는 자리를
잡고 싶었다" - 은 드러나지 않는 소박함을 추구하는 그녀의 음악세계를 보여주는 듯하다.
[ 엘범감상 ]
8. Adagio - Mischa Maisky
Mischa Maisky(Vc) / Semyon Bychkov(cond), Orchestre de Paris
I. Camille Saint-Saens, Le cygne (Arranged Paul Vidal)
II. Gabriel Faure, Elegie, Op.24
III. Ottorino Respighi, Adagio con variazioni
IV. Antonin Dvorak, Silent Woods, Op.68/5
V. Alexander Glazunov, Chant du Menestrel Op.71
VI. Peter Ilyich Tchaikovsky, Nocturne in C sharp minor, Op.19 No.4
VII. Max Bruch, Kol Nidrei, Op.47 - Adagio on Hebrew Melodies
for Cello and Orchestra (Adagio ma non troppo)
VIII. Richard Strauss, Romanze fur Cello und Orchester in F
IX. Franz Joseph Haydn, Violin Concerto in C, H.VIIa No.1
Adagio molto (Arr. f. Violoncello by Kay Maisky)
[ 엘범감상 ]
9. Antonio Vivaldi, Concertos for Cello
Il Giardino Armonico
Concerto for Cello in F major, RV 411
I. Allegro
II. Largo
III. Allegro molto
Concerto for Cello in C minor, RV 401
I. Allegro non molto
II. Adagio
III. Allegro ma non molto
Concerto for Cello in E flat major, RV 408
I. Allegro non molto
II. Largo
III. Allegro
Concerto for Cello in G minor, RV 417
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro
Concerto for Cello in C major, RV 399
I. Allegro
II. Largo
III. Allegro
Concerto for Cello in D major, RV 403
I. Allegro
II. Andante e spiritoso
III. Allegro
Concerto for Cello in A minor, RV 422
I. Allegro
II. Largo cantabile
III. Allegro
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