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1. Bach, Cantata "Erschallet, ihr Lieder" BWV 172
Ton Koopman(cond), The Amaterdam Baroque Orchestra & Choir
Barbara Schlick(sop)
Kai Wessel(alt)
Christoph Pregardien(ten)
Klaus Mertens(bas)
I. Chorus: "Erschallet, ihr Lieder, erklinget, ihr Saiten!"
II. Recitative (Bass): "Wer mich liebet"
III. Aria (Bass): "Heiligste Dreieinigkeit"
IV. Aria (Tenor): "O Seelenparadies"
V. Aria (Duet: soprano, alto) : "Komm, laß mich nicht langer warten"
VI. Chorale (Chorus): "Von Gott kommt mir ein Freudenschein"
VII. Chorus: "Erschallet, ihr Lieder, erklinget, ihr Saiten!"
♣ 바흐 칸타타 BWV 172
"Erschallet, ihr Lieder"(울려라 너희 노래여) BWV172
칸타타 172번은 성령강림절을 위해 쓰여졌다.
성령강림절은 부활절 및 성탄절과 더불어 기독교의 3대 축제절기에 속한다.
바흐는 이 성령강림절을 위해 이 곡을 포함해 4곡(BWV 59, 74, 34, 172)을 작곡하였는데
알려졌듯이 그가 이 172번을 1717년, 1724년, 1731년 그리고 1731년 이후에 적어도 한번
이상 사용한 것으로 보아 이 작품이 그가 가장 좋아하는 작품이었음을 유추할 수 있다.
첫 번째 연주는 1717년 5월 20일에 바이마르에서 있었으며, 가사는 잘로몬 프랑크의
것일 가능성이 가장 크다.
첫 연주 후 이것을 다시 사용하였을 때 바흐는 일부를 개작하였다.
이러한 개작을 설명하는데 있어 Bach compendium(바흐 개론, H. J. Sshulze와 Chn.
Wolf의공저)는 연속되는 3개의 수서본을 언급하고 있다.
바이마르에서의 C 장조 수서본, 라이프찌히에서의 D 장조 수서본, 그리고 후기
라이프찌히 시기의 C 장조 수서본이 그것이다.
비록 바이마르 시절 수서본의 파트 악보는 남아있지 않아 그 버전의 정확한 복원이 되지
않고 있지만 오보에 및 리코더의 포함과 종결 코랄 후 도입 합창의 반복이 특징적이다.
그리고 그 때의 연주는 이러한 특성들을 포함하고 있었을 것이라고 기대할 수 있다.
1724년으로 기록된 라이프지히에서의 연주를 위해 이 작품은 D 장조로 조가 바뀌었다.
1731년 이후 라이프지히에서의 재연주를 위해서 음역(Pitch)은 다시 C 장조로 돌아갔고
도입 합창의 마지막 코랄 이후의 재 등장은 빠지게 되었다.
1731년 이후의 연주를 위해 이전에는 오보에와 첼로로 맡겨졌던 5악장의 오블리가토가
대신에 오르간에게 맡겨졌다.
트럼펫은 기쁨의 활기찬 표현인 도입 합창(C 장조, 3/8 박자)을 이끌고 있다.
금관악기와 현악기 그리고 합창은 협주곡에서처럼 일괄적으로 다루어지고 있다.
A 단조의 가운데 부분에서 합창이 깔끔한 모방적인 악구 가운데서 하나님의 약속을 말할
때 금관악기와 퍼쿠션이 침묵한다.
2악장 베이스 레치타티프에서는 복음서 그 자체의 말씀 안에서 다시 오시겠다는
예수님의 약속과 관련지어진다.
베이스는 계속해서 금관악기의 오블리가토와 함께 아리아를 노래한다.(3악장) 하나님께
올리어지는 기도에 적합하게 세 대의 트럼펫은 3도 음정의 발걸음으로 움직인다.
베이스도 3이라는 숫자와 연관성을 가지고 연주된다.
아리아의 선율은 3도 음정에 기초하고 있고 전체 악장은 자유로운 3부분 형식을
드러내고 있다.
세 개의 성악 성부, 3/4박자, 3 부분 형식을 가진 A 단조의 4악장 테너아리아는 어느정도
3악장의 정신을 이어받고 있지만 분위기는 완전히 다르다.
트럼펫의 울림은 유니즌(제창)으로 연주되는 현악기들을 부드럽게 흐르는 듯한 선율을
위해 길을 터주고 높이 솟았다가 내려앉는 부드러운 선율은 "하나님의 영이 그것을 통해
숨쉬는 영혼들의 천국"의 꿈같은 이미지를 만들어 낸다.
이 악장은 F 장조 듀엣 곡인 5악장의 내적인 숭고함으로 우리를 이끌어간다.
이 대화에서 영혼은 예수님이 아닌 성령님(Holy Spirit)과 대화하는데 알토가 성령의
역을 맡고 있다.
슈바이쳐는 콘티누오의 오스티나토풍의 양식을 일러 "정화된(purified)" 행복의
모티프'라 말했다.
듀엣이 시작할 때 오보에(후일 연주에서는 오르간)가 화려하게 장식된 루터의 코랄
"eni creator Spiritus"를 연주하기 시작한다.
이 칸타타를 마치는 종결 코랄(6악장, F 장조)은 필립 니콜라이의 유명한 코랄인 "새벽
별이 얼마나 아름답게 빛나는지!"의 4절이다.
독립적인 바이올린 부분을 포함하여 5성부로 쓰여졌으며 화성(Harmony)은 부드러운
열망으로 채워져 있다.
2. Brahms, Symphony No.4 in Mi Minor e-moll Op.98
Karl Bohm(cond), Wiener Philharmoniker
I. Allegro non troppo
II. Andante moderato
III. Allegro giocoso
IV. Allegro energico e passionato
♣ 브람스 교향곡 4번 Op.98
브람스의 첫 번째 교향곡은 유난히 베토벤의 교향곡을 닮았다. 이 곡에서 팀파니는 마치
베토벤의 '교향곡 제5번'의 '운명'의 동기를 닮은 리듬을 집요하게 반복한다.
그 때문에 당대의 뛰어난 피아니스트이나 지휘자이며 음악평론가인 한스 폰 뷜로는
브람스의 '교향곡 제1번'을 가리켜 '베토벤의 제10번'이라 불렀다.
이후 브람스는 교향곡 두 곡을 더 작곡했는데 그 중 '교향곡 제2번'은 '브람스의 전원',
'제3번'은 '브람스의 영웅'에 비유되면서 여전히 베토벤의 교향곡과 유사하다는 혐의에서
벗어나지 못했다.
하지만 '교향곡 제4번'은 진정한 브람스만의 음악이며 아무도 이 교향곡을 베토벤의
작품에 빗대지 않았다.
이 교향곡을 채색하고 있는 클라리넷과 비올라의 중음역과 첼로와 호른의 저음역이 강조된
무채색의 사운드 그리고 사이사이에 간간히 묻어나는 진한 고독감은 브람스 음악 특유의
깊이를 담고 있다.
1885년, 이미 세 곡의 훌륭한 교향곡을 통해 교향곡 작곡가로서의 능력을 입증해낸
브람스는 이제 인생의 말년에 접어들어 자신만의 음악적 깊이를 교향곡에 담아내고자 그의
마지막 교향곡의 작곡에 심혈을 기울였다.
마침내 '교향곡 제4번'이 완성되자 브람스의 옹호자였던 당대의 음악평론가 한슬리크는 이
작품을 가리켜 “어두움의 근원”이라 불렀다.
브람스의 단조 교향곡들 가운데 유일하게 피날레에서 장조의 환희로 변하지 않고 단조의
우울함을 그대로 간직하고 있기 때문이리라.
이로써 브람스는 '어둠에서 광명으로' 향하는 베토벤 풍의 구도를 버리고 어둠으로부터
비극으로 침잠해 가는 자신만의 교향곡 모델을 확립하게 된 것이다.
서주 없이 곧바로 제1주제로 시작하는 제1악장 알레그로 논 트로포(빠르게, 그러나
지나치지 않게)의 도입부는 고통의 흔적을 보여주기보다는 오히려 인생을 관조하듯
초연하게 펼쳐진다.
3도 하행, 6도 상행의 연쇄로 이루어진 이 주제를 음이름으로 풀어보면
B-G-E-C-A-F-D#-B로서 3도씩 계속 하행하는 형태가 된다.
마치 나락 없는 심연으로 추락하는 듯하다. 추락하는 주제 선율은 쉼표들 사이로 띄엄띄엄
제시되고 있어 더 무뚝뚝하고 기묘하게 들려온다.
제2주제의 선율은 좀 더 표정이 풍부하고 서정적이지만 첼로와 호른의 어두운 음색으로
채색되고 있어 가라앉은 분위기를 풍긴다.
2악장 안단테 모데라토(걷는 듯 보통 빠르기로)는 매우 독특하다. 브람스는 호른으로
연주하는 도입부의 선율을 중세의 교회 선법 중 하나인 프리지아 선법으로 작곡했는데
여기서 베토벤보다 더 먼 과거로부터 교향곡에 대한 새로운 해답을 얻고자 했던
브람스의 의도가 드러난다.
호른의 선율로 시작하는 도입부는 음악적인 주제라기보다는 거룩한 종교적 선언처럼
들리며 고풍스러운 분위기를 풍긴다.
호른의 선언적인 주제는 현악기의 피치카토를 배경으로 흐르는 클라리넷으로 이어지면서
엄숙하고도 차분한 색채를 더해가고 이윽고 현악기의 서정적인 노래로 이어지면서 듣는
이의 마음을 사로잡는다.
3악장 알레그로 지오코소(빠르고 즐겁게)는 '바커스의 축제'라 불릴 정도로 화려하고 힘에
넘치는 음악이다.
하지만 형식만큼은 전통에서 결코 벗어나지 않는다. 브람스는 대체로 그의 교향곡에
간주곡적인 성격의 3악장을 써넣었으나 이 교향곡에서는 오히려 전통적인 스케르초로
회귀하는 모습을 보여준다.
힘차게 제시되는 제1주제와 춤곡과 같은 제 2주제, 피콜로와 트라이앵글의 화려한 색채는
1, 2악장의 차분함과는 매우 대조를 이루고 있다.
그러나 1악장 제1주제의 중심이 되었던 3도 음정이 여전히 중요한 모티브로 사용되고
있다는 점에서는 앞의 악장들과 긴밀한 관련이 있다.
브람스는 4악장 알레그로 에네르지코 에 파쇼나토(빠르고 힘차게 그리고 열정적으로)에서
또다시 과거로 회귀한다.
특이하게도 그는 바흐 이후에 퇴색해 버린 샤콘느를 이 악장의 기본 형식으로 도입했다.
짧은 주제가 낮은 성부에서 계속 되풀이되는 동안 위 성부에서 계속 변주가 이루어지는
샤콘느는 바로크 시대에 성행했던 변주 기법들 중 하나다.
일찌기 바흐의 '무반주 바이올린을 위한 파르티타' 제2번의 '샤콘느'에 큰 감명을 받아왔던
브람스는 바흐의 칸타타 제150번 '주여 저는 당신을 바라나이다'의 주제를 바탕으로 샤콘느
형식의 작품을 만들고자 했으나 실행에 옮기지 못했다.
1885년 '교향곡 제4번'을 작곡하면서 이 주제를 약간 다듬어 마지막 악장의 모티브로
삼았던 것이다.
샤콘느 주제는 4악장 도입부에서 트롬본으로 힘차게 연주되며 변주가 진행되는 동안 다양한
방식으로 재현된다.
하나하나의 변주가 연주될 때마다 이 짧은 주제를 능수능란하게 다루는 브람스의 놀라운
변주기법을 확인할 수 있다.
비장미 넘치는 샤콘느 주제가 반복되는 동안 음악적인 갈등은 점점 심화되고 마침내
비극적인 단조의 결말을 향해 숨 가쁘게 치닫는다.
브람스의 '교향곡 4번'은 1885년 10월 25일에 마이닝겐에서 작곡가 자신의 지휘로
초연되었다.
초연 후 11년이 지난 1896년 브람스는 교향곡 제4번의 악보를 펼치고 1악장의 첫 4음인
B-G-E-C 위에 “오! 죽음이여, 오 죽음이여!”라고 적었다.
그리고 이듬해인 1897년에 브람스는 영원한 안식을 찾았다.
■ 추천음반
브람스 교향곡 제4번의 명반으로는 카를로스 클라이버가 지휘하는 빈 필하모닉(DG)의 생기
넘치는 연주가 유명하다.
레너드 번스타인이 지휘하는 빈 필하모닉(DG)의 드라미탁한 연주 역시 색다른 감흥을
전해준다.
헤르베르트 블롬슈테트가 지휘하는 게반트하우스오케스트라(Decca)의 정제된 연주 또한 좋은
평가를 받고 있다.
카를 뵘의 빈 필(DG) 연주는 뵘의 곡 해석이 빛나고 있으며 절제된 오케스트레이션이 돋보이는
명반으로 꼽히고 있다.
첼리비다케와 뮌헨필(EMI)의 연주는 첼리비다케의 절제되면서도 강렬한 느낌이 살아있는
명반이다.
사이먼 래틀 경이 지휘하는 베를린 필하모닉(EMI)의 최근 음반에는 브람스 음악에 대한
현대적인 관점을 드러나고 있어 흥미롭다.
카를 뵘 (Karl August Leopold Bohm, 1894. 8. 28 ~ 1981. 8. 14)
오스트리아의 명지휘자 뵘은 그라쯔에서 태어났다. 그라쯔 음악원에서 공부하고 졸업한
다음 빈에 와서 만디체프스키를 사사했다.
지휘자로서의 첫 발은 1916년 22세 때 그라쯔 가극장의 연습 지휘자로서 내디뎠다.
1920년에 주임 지휘자가 되었는데 그동안 그라쯔 대학에서 법률을 공부하여 1919년에
법학박사 학위를 땄다.
그의 지휘자로서의 수완은 왕년의 대지휘자 칼 무크의 인정을 받아 브루노 발터에게
추천되었다.
발터는 당시 독일의 중견으로서 뮌헨에 근거를 두고 화려한 활약을 하고 있었는데 1921년에
뵘을 바이에른 국립가극장의 지휘자로 맞았다.
그 후 1927년에 다름시타트 가극장의 총 감독, 1931년에 함부르크 가극장의 음악감독,
1934년에 드레스덴 국립가극장의 음악감독을 역임했다.
뵘의 이름이 널이 알려지게 된 것은 이 드레스덴 시대로서 1939년까지 이 지위에 있었다.
그리고 1942년에는 드디어 빈 국립가극장의 음악감독으로 초빙되어 금의환향했다.
빈에는 1945년까지 재임했는데 제2차대전 후에도 52년부터 56년까지 이 가극장의
총음악감독으로 근무했다.
1955년에는 재건된 새 오페라 하우스의 오프닝을 지휘해서 세계의 주목을 끌었다.
그러나 유감스럽게도 국제적으로 눈코 뜰새없이 바쁜 뵘은 종종 미국으로 가서 빈을 비울
때가 많아져 업계에서 불평이 많았다.
그러자 그는 자기는 더 자유롭게 연주 활동을 하고 싶다고 밝히면서 총감독의 지위를
카라얀에게 물려주었다.
빈의 숨막히는 사교를 싫어한 탓도 있고 카라얀파의 음모도 있었지만 그 후 그는 자유로운
몸으로 1957년에는 메트로폴리탄 가극장에 진출하였다.
1962년부터는 바이로이트 음악제에서도 활약을 계속하는 등 뵘의 가장 정력적인 음악이 전
세계에 울려퍼지게 되었다.
오케스트라에 있어서는 빈 필하모니와 가장 밀접한 관계에 있다.
이 명문 오케스트라는 1954년 이해 상임지휘자를 두지 않고 있었는데 1970년에 뵘을
상임지휘자로 초빙한다는 말이 있자 그는 모든 일에 속박되기를 싫어하여 이를 사양했기
때문에 이 악단에서는 종신 명예지휘자 칭호를 수여했다.
그의 60세, 75세, 80세의 탄생 기념 콘서트도 모두 빈 필하모니와 함께 했다.
1964년에는 지휘자에 주는 최고 칭호인 '오스트리아 음악총감독'을 받았는데 이것은 샬크
이래 처음 있는 일이며 현재는 뵘만이 이 칭호를 가지고 있다.
또한 1974년에는 빈 악우협회의 명예회원으로 추대되는 등 음악의 도시 빈과 뵘의 관계는
더욱 친밀하게 되었다.
뵘은 오스트리아 태생이며 빈 사람들에게 특히 사랑을 받고 있는데 그의 예술적인 기질은
오히려 독일풍에 가깝다.
독일과 오스트리아는 다같이 독일어를 쓰는데 그 발음은 상당히 다르다. 독일은 딱딱하고
오스트리아 특히 빈은 부드럽다.
그런데 뵘의 음악의 발음은 시종 딱딱하며 울림도 딱딱하다. 유려함, 전아함, 넘칠 듯한
매혹, 감미로움 등 빈 음악을 대표하는 특질과는 반대되는 데에 그의 표현은 확립되어 있다.
이것은 대단히 흥미로운 현상이다.
예컨대 독일에서 태어나 빈에서 활약한 발터 같은 사람이 훨씬 빈의 음악 취미에 가깝게
우리에게는 들리는데 빈 사람들 중에는 발터는 빈풍이 아니라고 저항을 나타내는 경우가
있다. 아무래도 피는 물보다도 진한가 보다.
어쨌든 뵘의 음악은 무뚝뚝하며 감미롭지 못하다. 그러나 뵘의 음악은 씹을수록 맛이 나며
칼로리가 높다.
뵘을 현역 지휘자와 비교하면 므라빈스키는 정반대의 타이프이다. 므라빈스키는 천재이며
그 감수성은 비상하고 범인은 헤아릴 수 없는 깊이를 지니고 있다.
뵘은 현장에서 갈고 닦아 정상에 이른 사람이며 물론 범재는 아니다. 음악성 만점인 오히려
우등생 타이프이다.
그 음악은 겉만 반지르하고 청중의 귀를 달콤하게 하는 무드성이나 오락성, 매력 따위는
전혀 없다.
그는 언제나 진지하게 음악의 내용과 형식을 완전히 균형있게 잘 통일시키려고 한다.
'내용과 형식의 엄격한 통일'이야말로 뵘이 일생을 걸고 추구해 온 것임에 틀림없다.
즉 연주가는 음악의 내용을 살리려면 아무래도 형식을 무너뜨리면 듣는 사람은 무슨
음악인지 잘 모르게 될 우려가 있다.
이 모순을 해결하는 일은 비단 뵘 한 사람뿐만 아니라 모든 연주가의 과제인데 뵘은 강인한
형식을 단련해 나가려는 강한 의지를 실감시키기 위해 한층 더 절박한 문제로 된다.
뵘의 전성기는 1950년대 60년대인데 그 이전은 조형의 스케일이 크지 못했고 그 이후에는
스케일만은 크지만 내용보다도 형식의 훌륭함이 지나치게 우선하고 있다.
'내용과 형식의 통일'이란 양자의 격렬한 부딛침이며 싸움이다.
처절한 싸움을 연출하면서 양자는 일촉즉발 속에서 어느 한쪽이 약간이라도 우위에 서면
형식이 무너져 긴장력이 상실된다는 아슬아슬한 가운데서 균형을 잡아 나가야 하는 것이다.
약력
1920 ~ 그라쯔 가극장 주임 지휘자
1921 ~ 바이에른 국립가극장의 지휘자
1927 ~ 다름시타트 가극장의 총감독
1931 ~ 함부르크 가극장의 음악감독
1934 ~1939 드레스덴 국립가극장의 음악감독
1942 ~1945 빈 국립가극장의 음악감독으로 초빙
1952 ~1956 빈 국립가극장의 총음악감독으로 근무
1957 ~ 메트로폴리탄 가극장에 진출
1962 ~ 바이로이트 음악제에서 활약
3. Tchaikovsky, Piano Concerto No.1 in B-Flat Minor, Op.23
Van Cliburn(pf) / Kirill Kondrashin(cond), RCA Symphony Orchestra
I. Allegro non troppo e molto maestoso
II. Andantino simplice
III. Allegro con fuoco
♣ 차이코프스키 피아노 협주곡 1번 B 플랫 단조 Op.23
아마도 피아노라는 악기가 지구상에서 완전히 사라진다고 하더라도 차이코프스키의 '피아노
협주곡 1번'의 유명세는 결코 사라지지 않을 것이다.
이 작품이 초연된 지도 어느 새 150년을 바라보고 있지만 작품에 대한 애정과 유명세는 점점
더 증폭되어왔지 단 한 번도 줄어든 적이 없기 때문이다.
차이코프스키의 이 대곡은 '피아니스트'라면 응당 연주할 수 있고, 연주해야만 하며 이 곡을
통해 비로소 피아니스트로 인정받을 정도로 프로 연주자로서의 가능성과 예술성을 가늠하는
척도이기도 하다.
차이코프스키는 세 곡의 피아노 협주곡을 작곡했지만 이 가운데 1번 협주곡만이 유독
유명하다.
흥분에 들뜬 회상이든 괴롭고 즐거운 기억에 대한 체념이든 간에 이 곡의 가장 큰 주제는
'향수'다.
이 '향수'가 바로 러시아 낭만주의를 지탱하는 뿌리임은 분명하다.
우리가 다른 작품에서도 항상 느껴왔듯이 러시아인이라면 필수적으로 가지고 있는 능력이
바로 절망 속에서 사람의 마음을 감동시키는 무엇인가를 뽑아내는 능력이다.
차이코프스키는 절망과 불행한 상황 속에서 이 곡의 작곡을 시작했다.
그러나 결국엔 감동적이고 성공적인 작품으로 발전되었다는 점에서 전형적인 러시아 작품이라
말할 수 있다.
철인 3종경기에 맞먹을 만한 강인한 지구력과 원자폭탄과 같은 폭발력, 목가적이고 가요적인
정서를 극대화시킬 수 있는 러시아적인 멜랑콜리가 이 곡의 매력이다.
무엇보다도 피아니스트의 마법적인 음색과 초인적 비르투오시티를 갖추고 있지 않으면 이
작품의 진정한 모습을 발견할 수 없다.
그러한 만큼 이 곡은 음반이라는 새로운 미디어가 발매되기 시작할 무렵부터 지금까지
일반적인 경우 다른 음반사나 자사의 레퍼토리와 겹치는 경우 레코딩을 회피하곤 했다.
그러나 모든 피아니스트들이 상업적 비즈니스의 이해관계와는 상관없이 한 번 이상은 반드시
녹음해야만 할 정도로 융숭한 대접(물론 슈나벨이나 폴리니, 브렌델과 같은 예외의 경우도
있지만)을 받고 있다.
CD로 발매된 종류만 해도 무려 150종이 넘는 음반이 발매되었으니(복각되지 않은 LP시대의
녹음까지 합하면 더 많을 듯하다) 단연 최고의 베스트셀러 레퍼토리임을 확인할 수 있다.
레코딩이 발명된 이후 셀락이나 왁스를 재료로 한 디스크들이 상업적으로 널리 판매되기
시작했던 1920년대부터 이 작품은 초미의 관심사였다.
전기녹음이 도입되기 이전인 1925년까지는 녹음 기술에 문제가 많았으나 피아니스트 빌헬름
박하우스가 어쿠스틱 레코딩을 1921년과 1922년에 각각 남겼다.
그러나 레코딩 테크놀로지의 한계상 이 녹음과 작품은 그다지 주목받지 못했다.
전기녹음이 도입된 이후 처음으로 마크 함부르크의 녹음이 등장했고 비로소 차이코프스키
'피아노 협주곡 1번'은 레코드 필청 레퍼토리로 자리 잡기 시작했다.
함부르크는 리스트와 더불어 19세기 피아노 교육의 양대산맥이었던 레셰티츠키의 제자였다.
그는 러시아 출신다운 화려한 테크닉과 탁월한 힘, 빼어난 지구력을 자랑하는
피아니스트였다.
1926년 함부르크는 HMV 음반사에서 로얄 알버트 홀 오케스트라와 랜던 로날드의 지휘로
지금의 버짓 프라이스에 해당하는 '블랙 라벨'로 음반을 녹음했고 이 음반은
삽시간에 전세계적인 히트를 기록했다.
현재 일본 그린도어(Greendoor) 레이블로 발매되어 비교적 어렵지 않게 감상해볼 수 있는데
극심한 루바토와 열악한 음질에도 불구하고 불을 뿜는 듯한 테크닉, 다이아몬드처럼 빛나는
터치, 안정된 호흡으로 훌륭한 비르투오시티의 정석을 들려주고 있다.
뿐만 아니라 마크 함부르크 자신이 살았던 19세기 러시아 낭만주의 시대의 열정과 온기를
고스란히 전달해 주고 있다.
그러나 1930년대 전설의 피아니스트 블라디미르 호로비츠가 등장하고 나서야 차이코프스키의
이 괴물같은 대곡은 진정한 의미에 있어서 불멸의 지위를 얻게 된다.
차이코프스키의 얼룩진 삶에 끈질기게 실처럼 따라다녔던 것은 신경쇠약 증세였다.
성공보다는 실패에 더 민감했던 차이코프스키는 그가 음악의 구세주라고 생각했던
모차르트와 자기 자신을 비교하며 형식미와 구성력의 부족함을 특히 한탄했다.
자기 자신에 대해 항상 비판하고 회의했던 그는 이 '피아노 협주곡 1번'에 대해서도 확신을
가지지 못했다.
그리하여 그의 스승이자 당시 러시아 피아니즘의 대부로 손꼽히던 니콜라이 루빈스타인에게
이 작품을 보냈고 그의 의견을 기다렸으나 결과는 참담했다.
루빈스타인은 이 작품을 엉뚱하고 기괴하며 거북스럽기 그지 없는 한마디로 구제불능의
곡이라고 신랄한 평을 서슴치 않았다.
문제는 연주하기에 너무 어렵고 악정들은 너무 잘게 조각 나 있으며 서투르게 취급되어
있다는 것이었다.
덧붙여 이런 2류 작품은 반드시 대대적으로 수정을 해야만 자신이 연주를 할 수 있다고
말했다.
이에 대한 내용은 차이코프스키가 후원자인 폰 메크 부인에게 쓴 편지에 대체적으로 정확하게
적혀 있다.
격분한 차이코프스키는 독일의 명피아니스트이자 지휘자인 한스 폰 뷜로에게 이 작품을
헌정했다.
이 작품의 가치를 인정했던 뷜로는 이 곡을 미국 연주회 도중 1875년 10월 25일 벤저민 존슨
랑의 지휘와 함께 보스턴에서 초연했고 대성공을 거두었다.
같은 해 모스크바에서도 연주해 호평을 받게 되었다.
결국 3년 뒤에는 루빈스타인이 직접 화해를 구하게 되었고 두 사람의 우정은 다시
회복되었다고 한다.
이후 차이코프스키는 이 작품에 수정을 가하여 모스크바의 유르겐슨 출판사를 통해 세 개의
판본을 발표했다.
첫 번째는 1875년에 완성한 '오케스트라 반주의, 혹은 두 대의 피아노를 위한 피아노
협주곡'이고 두 번째는 1879년 9월 개정된 판본 마지막 세 번째는 1889~90년에 개정된
판본이다. 그러나 문제는 여기서 출발한다.
차이코프스키는 분명 루빈스타인의 비평에 "나는 음표 하나라도 고치지 않겠습니다"라고
말했지만 시간이 지난 뒤 결국 고치고야 말았다.
차이코프스키는 다른 사람들의 비판에는 귀를 기울였지만, 이 작품을 최초로 본
루빈스타인의 비판은 무시했다.
“진정 하나의 진주와 같은 작품”이라고 극찬한 초연자 뷜로가 어떤 조언을 했는지는
확인할 길이 없지만 분명한 사실은 1876년 런던 초연의 협연자로 나선 에드워드 댄로이터의
수정이 두 번째 판본에 영향을 끼쳤다는 것이다.
댄로이터는 초연 당시 프로그램 노트에 해설을 쓰기도 했다.
1969년 발견된 댄로이터의 가필 판본은 그의 수정이 부분적으로 반영되었음을 확실하게
알려주고 있다.
특히 차이코프스키는 1876년 댄로이터에게 보낸 편지에서 그의 '현명하고 실제적인
제안들'에 감사를 표했고 재출판될 경우 의견을 반영하겠다고 썼다.
차이코프스키는 루빈스타인의 감정에 찬 비판은 거부한 채 댄로이터의 건설적인 제안을
선택적으로 받아들인 것이다.
최종본에서 가장 창조적인 변화는 바로 1악장 도입부 4분의 3 지점에서 폭발하는 거대하고
자유롭게 낙하하는 '화음의 폭포'다.
이는 두 번째 판본까지는 등장하지 않던 대목이다. 이는 리스트의 제자이자 위대한
피아니스트로 널리 알려진 알렉산더 질로티(의 조언이 적극 반영된 것으로 추정된다.
적어도 이 추가된 장대한 화음의 클러스터와 조성은 리스트 피아노 협주곡의 스타일과
비슷한 만큼 차이코프스키와 막역한 사이였던 질로티의 영향을 배재할 수는 없을 것이다.
한편, 최종본에서 볼 수 있는 또 하나의 특징은 피날레 악장의 두 번째 주제인 그란드
몰토 메노 모소(grand molto meno mosso)의 비상하는 에피소드에 앞서 등장하는 두 마디의
이중 옥타브들이다.
첫 번째, 두 번째 판본에서는 이 부분들이 같은 음역대에 고정되어 있었지만 세 번째
판본에서는 안톤 루빈스타인의 '피아노 협주곡 4번'의 피날레의 예를 따르면서 전체적으로
페달을 사용해 피아노를 들끓는 듯한 용광로 속으로 밀어넣는 위험한 효과로 변화시킨
것이다.
이 외에도 차이코프스키가 질로티와 주고받은 편지를 통해 이 최종본의 몇몇 부분을
수정했음을 확인할 수 있다.
1악장 - 알레그로 논 트로포 에 몰토 마에스토소
웅장하고 풍부한 색채로 시작하는 1악장은 소나타 형식을 취하고는 있지만 조성과 전개가
자유로운 편이다.
오히려 환상곡적인 느낌까지는 이 1악장은 오케스트라의 강렬함과 화려하고 육중한
피아노가 서로 대결하는 듯 조화를 이루는 모습이 특징으로서 장대한 1주제와 낭만적인
2주제의 뚜렷한 대비가 인상적이다.
2악장 - 안단티노 셈플리체
느린 안단테 악장과 스케르초 악장을 뒤섞어놓은 듯한 혁신적인 악장. 어머니의 이야기를
듣고 잠이 드는 아기의 평온함으로 시작하여 프레스티시모로 질주하는 환상 속의 동화를
꿈꾸다가 첫 자장가로 돌아오는 모습은 지극히 전원적이고 평화로운 모습을 연상시킨다.
3악장 - 알레그로 콘 푸코
피아노 협주곡 역사상 가장 맹렬하고 장대하며 스펙타클한 악장으로 손꼽힌다.
오케스트라의 네 마디 서주 후부터 펼쳐지는 피아노의 굵고 거친 슬라브 무곡풍의
론도 주제와 이어지는 간결한 가요적인 부주제가 잇달아 펼쳐지며 서정과 기교의 긴박감
넘치는 조화와 대비를 이룬다.
특히 마지막 피아노 코다 부분에서의 빠르고 강렬하며 비르투오시티 넘치는 옥타브와
이어지는 오케스트라 총주의 터질 듯 벅차오르는 사운드는 러시아의 호방함과 저력을
고스란히 보여준다.
■ 추천음반
블라디미르 호로비츠와 장인인 아르투르 토스카니니의 협연에서 느껴지는 힘과 초절기교는
그 누구도 흉내낼 수 없는 강력한 에너지와 흡인력을 담고 있다.
이들은 두 번의 녹음을 남겼는데 1943년 라이브 녹음(RCA)이 가장 대표적인 녹음으로서
호로비츠의 강력한 힘과 마법적인 색채의 향연 신의 영역에 도전하는 테크닉과 지구력,
다이내믹은 그 누구도 범접할 수 없는 카리스마를 발산한다.
마르타 아르헤리치와 키릴 콘드라신의 협연(Philips)도 실황 특유의 열기에 힘입어
호로비츠에 비견할 만한 스피드와 공격적인 성향이 인상적이다.
마르타 아르헤리치의 또 다른 음반인 아바도가 지휘하는 베를린 필의 연주(DG)는 강력한
터치의 아르헤리치가 내뿜는 또 다른 매력을 엿볼 수 있는 명반이다.
알렉시스 바이젠베르크와 헤르베르트 폰 카라얀의 연주(EMI)는 협주곡으로서의
고전주의적 견고함과 음표 그 자체에의 몰입이 강렬함을 발산하는 명연으로 손꼽힌다.
에밀 길렐스와 주빈 메타와의 실황(SONY)은 길렐스의 여러 차이코프스키 협주곡 녹음
가운데 가장 시원하고 정력적이며 음질 또한 훌륭하다.
반 클라이번(Van Cliburn, Harvey Lavan "Van" Cliburn Jr, 1934. 7. 12 ~ )
반 클라이번 은루이지애나 주의 슈리브포트에서 태어났다. 피아노는 피아니스트였던
모친으로부터 기초 교육을 받았다.
1951년에 줄리아드 음악원에 입학하고 토지나레빈 부인에게서 가르침을 받았다.
1958년에는 구소련의 제 1회 차이코프스키 국제 음악 콩쿠르에 응모했으며, 피아노
부문 제 1위가 됨으로써 일약 세계적인 명성을 얻었다.
그의 피아노는 음이 맑고 밝으며, 낭랑한 울림에 넘쳐 있다. 테크닉이 뛰어나고 악곡의
해석도 유럽의 인습에 구속되는 일이 없다.
또한 미국다운 신선한 음악성을 이들 고전에 주고자 하는 의욕에 찼다.
명연주는 차이코프스키의 <협주곡 제1번>, 라흐마니노프 피아노 협주곡 2번과 3번, 그
외에 각종 협주곡이며 리스트의 곡과 같은 대규모적인 독주곡에서 뛰어난 해석을
보여주었다.
4. Dvorak, Violin Concerto in A minor, Op.53
Sarah Chang(Vn) / Colin Davis(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro, ma non troppo (attacca)
II. Adagio, ma non troppo
III. Finale. Allegro giocoso, ma non troppo
♣ 드보르작 바이올린 협주곡 A 단조 Op.53
많은 작품을 남긴 드보르작이 동시에 누구보다 의욕적으로 자신의 작품을 개작하는데
힘썼다는 사실은 놀라운 일이다.
그의 바이올린 협주곡의 특징은 개작의 결과로 잉태된 작품이라는 것이다.
작곡가로서 원숙의 경지에 올랐을 때에도 드보르작은 한편으로 출판업자들의 요청에
의해 그리고 다른 한편으로는 음악의 풍부함을 더하기 위해 젊은 시절에 작업한
작품의 개작에 적극적이었다.
드보르작은 이 곡을 슬라브 무곡의 첫번째 세트의 엄청난 성공으로 국제적인 명성을
빠르게 얻고 있을 때인 1879년 여름에 작곡했다.
그는 브람스의 우정어린 소개로 국제적인 명성을 얻던 독일의 출판업자를 소개
받았으며 아울러 광범위한 음악계의 영향력 있는 친구들을 소개받았다.
이들 가운데 한명이 유명한 바이올리니스트이자 브람스의 친구인 요제프 요아힘이었다.
드보르작은 1879년 7월말 요제프 요아힘을 방문하는 동안 협주곡에 대해 논의했고 이
당시 요아힘은 드보르작이 꼼꼼하게 작업했던 무수한 개작품을 추천했다.
심지어 작곡가가 협주곡의 음악적인 구조의 모든 양상을 다듬은 이런 광범위한
변경조차도 출판업자인 프란츠 심록의 조언자인 로버트 켈러에게는 불충분했다.
그는 느린 악장으로 바로 진행되는 것보다는 첫번째 악장에 새로운 종지부를 원했다.
드보르작이 조정할 수 있는 시간적인 여유는 이미 지나갔고 변화를 꽤하기를
거부했는데 적어도 첫번째 악장과 두번째 악장을 이어주는 패시지가 이 협주곡의 가장
아름다운 부분 가운데 하나라는 점이 아마도 작용하였으라 짐작된다.
프리츠 심록은 작곡가의 판단을 받아들였고 1883년 그 작품은 최종적으로 출판되었다.
아마도 요제프 요아힘은 로버트 켈러와 모종의 합의를 했으리라 짐작되는데 그가
협주곡의 헌정자였음에도 결코 대중 앞에서 이 작품을 연주하지 않았다는 사실이 이를
뒷받침한다.
이 작품은 1883년 드보르작의 친구인 체코의 바이올리니스트 프란티섹 온드리첵이
초연했다.
드보르작의 기준에 따르더라도 이 작품은 풍부한 서정성으로 가득한 작품이다.
첫번째 악장은 오케스트라의 힘찬 합주에 화답하는 바이올린의 씁쓸하면서 달콤한
선율로 대담하게 시작한다.
독주자와 오케스트라간의 주고 받음은 이 악장의 주요부분으로 이끌어 가는데
이곳에서 바이올린은 이례적으로 침묵을 지킨다.
작은 카덴챠는 느린 악장으로 절묘하게 이어지기 시작하고 이 부분의 절묘한 선율은
폭풍우 같이 몰아치는 단조의 중심부를 이루는 에피소드가 등장하며 중단된다.
16년 뒤에 작곡 될 첼로 협주곡의 느린 악장이 바로 예견되는 부분이다.
결말부는 한해 전에 작곡된 슬라브 무곡의 세계와 유사하다.
체코의 퓨리언트(furiant)의 교차선율로 수놓아진 주제부를 가진 매력적인 선율은
상쾌한 종결을 짓기 전 다채로운 에피소드의 틀을 제공한다.
5. Bach, Suite No.3 D dur BWV 1068
Wilhelm Furtwangler(cond), Berliner Philharmoniker
I. Overture
II. Aria
III. Gavotte
IV. Bourree
V. Gigue
※ 1948. 10. 24
♣ 바흐 관현악 모음곡 제 3번 D 장조 BWV 1068
관현악 모음곡 제3번은 'G선상의 아리아'로 편곡된 2악장 '에어' 덕분에 모음곡 1번에서
4번까지의 전곡 가운데 가장 유명하다.
19세기의 바이올리니스트 아우구스트 빌헬미는 현악합주로 연주하는 바흐의 '에어'를 바이올린
독주를 위한 'G선상의 아리아'로 편곡해 바흐의 멜로디를 더욱 유명하게 만들었다.
그밖에도 '가보트', '부레', '지그' 등 활기찬 음악 덕분에 관현악 모음곡 3번은 4곡의 관현악
모음곡 가운데 가장 즐겨 연주되고 있다.
또한 트럼펫 3대와 팀파니, 오보에 2, 현악기가 편성되어 웅장한 맛을 한껏 살려낸 '서곡'은
교향곡을 방불케 하는 장엄한 분위기를 자아내며 강한 인상을 전해준다.
빌헬름 푸르트벵글러 (Wilhelm Furtwangler, 1886. 1. 25 ~ 1954. 11. 30)
베를린 태생으로 아버지는 고고학자였다. 8세 때에 뮌헨으로 이사하여 작곡가 라인베르거나
실링스를 사사했다.
1905년 그가 19세 때 브레슬라우 시립가극장의 보조지휘자가 되어 지휘자로서의 첫발을 내디뎠다.
1906년에 뮌헨의 카임 관현악단에서 브루크너의 '교향곡 제9번'을 지휘함으로써 공개 연주회에
데뷔했다.
그 후 쮜리히, 뮌헨, 시트라스부르크의 가극장에서 보조 또는 부지휘자로 일했고 1911~1915년에
뤼벡 시의, 1915~1920년에 만하임 궁정가극장의 지휘자를 거쳐 1922년에는 니키시의 후임으로
라이프찌히 게반트하우스 관현악단과 베를린 필하모닉의 상임지휘자로 초빙되었다.
이 해 빈 필하모닉에 데뷔했고 1925년에는 뉴욕 필하모니에도 처음으로 객연하여 12회의 연주회를
하는 등 국제적으로도 명성을 높여갔다.
1927년부터 1930년까지 빈 필하모닉의 상임지휘자가 되었고 1928년에는 베를린 음악총감독이
되었다.
1931년에는 바이로이트 음악제 음악총감독이 되었으나 바그너 집안과 충돌하여 이듬해 사임했다.
1933년에 베를린 국립가극장 수석지휘자로 취임하여 반년 후에는 음악총감독이 되었다.
이와 같이 그는 독일 악단의 중심적 존재로서 활동하고 있었는데 그 무렵 이미 나찌스와의 심한
대립이 시작되어 정부의 탄압과 간섭에 격분한 그는 1934년에 모든 공직을 사임했다.
그러나 독일의 음악계를 지켜야 한다는 책임감 때문에 반년 후에 베를린 필하모닉에 복귀했다.
1936년에 뉴욕 필하모니 음악감독 취임이 발표되었으나 독일 정부는 재빠르게 그를 베를린
국립가극장 총감독으로 복귀시켜 그의 국외 이주를 방해했다.
이리하여 그의 활동은 1945년 1월말 스위스로 망명할 때까지 주로 독일과 오스트리아에서
계속되었다.
그 동안 유태인 음악가 옹호 등 갖가지 반나찌스 운동을 벌였으나 종전이 되자 연합국으로부터
추방되어 공적 활동이 금지되어 2년간의 불운을 맞았다.
그러나 그의 무죄가 확정되어 1947년 5월에 베를린 필하모닉에 복귀함과 동시에 유럽 각국에서의
활동도 재개하였다.
1952년에 필하모닉의 종신 상임지휘자에도 복귀하였고 그 외 각지에서 눈부시게 객연 활동도
계속했으나 폐렴으로 바덴바덴에서 요양하던 중 68세라는 원숙기의 절정에서 생애를 마쳤다.
금세기 최대의 지휘자의 한 사람인 그의 지휘는 실로 스케일이 크고 도도하다. 깊은 정신성을
내장한 생명감에 넘치는 연주로 듣는이를 압도적인 감동으로 휘어잡는다.
녹음에서보다도 특히 콘서트 연주에서 보다 정열적인 박진감 있는 연주를 펼친다.
그것도 그때마다 약간씩의 차이를 보여 언제나 새로운 창조를 이룩하여 경탄과 감동을 준다.
이것은 표현예술의 하나의 정점을 쌓아올린 결정이라 하겠다.
경력사항
1905 ~ 블레슬라우 시립가극장의 보조지휘자
1911 ~ 1915 뤼벡시의
1915 ~ 1920 만하임 궁정가극장의 지휘자
1922 ~ 니키시의 후임으로 라이프찌히 게반트하우스 관현악단과 베를린 필하모닉 상임지휘자로 초빙
1927 ~ 1930 빈 필하모닉의 상임지휘자
1928 ~ 베를린 음악총감독
1931 ~ 1932 바이로이트 음악제 음악총감독
1933 ~ 1934 베를린 국립가극장 수석지휘자로 취임
1947 ~ 베를린 필하모닉에 복귀
[ TGIF Jazz ]
6. Jacques Loussier - Bach_Book
Jacques Loussier Trio
1) Bach: Prelude No.1 in C major from The Well-Tempered Clavier, BWV 846
2) Bach: Brandenburg Concerto No. 5 in D major
I. Allegro
II. Affettuoso
III. Allegro
3) Bach: Jesu, Joy of Man's Desiring
4) Bach: Gavotte in B minor from Suite in D major, BWV 1068
5) Bach: Concerto in D major for harpsichord, BWV 1054
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro
자크 루시에 (Jacques Loussier, 1934 ~ )
프랑스 앙제 출생으로 파리 콩세르바투아르에서 클래식 음악공부를 하였다.
재학 중 아르바이트로 재즈와 대중음악을 연주하였는데 우연히 프랑스 데카 레코드의
스튜디오에서 J.S.바흐 작품을 재즈풍으로 연주한 것이 프로듀서의 인정을 받아 바흐의
작품을 다룬 ‘프레 바흐 시리즈’를 취입해 세계의 주목을 끌었다.
1963년 이후에는 그의 피아노를 중심으로 P.미쉬로(베이스), C.갸로(드럼)로 이루어진
트리오로 활약하였다.
교향악단을 지휘하여 '브란덴부르크협주곡'을 취입하였고 이 밖에 많은 영화음악도
작곡하였다.
7. Dvorak, Serenade for Strings in E major Op.22
Hugh Wolff(cond), The Saint Paul Chamber Ocrhestra
I. Moderato
II. Tempo di valse
III. Scherzo (Vivace)
IV. Larghetto
V. Finale (Allegro vivace)
♣ 드보르작 현을 위한 세레나데 E 장조 Op.22
드보르작은 현악합주를 위한 유명한 세레나데를 남기고 있는데 현악기만으로 이루어진
오케스트라의 부드럽고 풍성한 소리를 느낄 수 있는 명곡이다.
드보르작의 세레나데는 포근하면서도 감성적인 느낌을 주고 있다.
드보르작은 세레나데의 1악장을 현악기 군의 중간 성부라고 할 수 있는 비올라와
제2바이올린의 잔잔한 연주로 시작해 편안하고 부드러운 세레나데의 분위기를 잘
살려냈다.
비올라의 반주에 맞추어 제2바이올린이 연주하는 주제는 제1바이올린의 고음으로
이어지고 첼로와 더블베이스까지 가세하면서 분위기가 점차 고조된다.
'세레나데'라는 음악은 드보르작과 차이코프스키에 의해 어느 정도 명맥을 유지하고는
있었지만 교향곡에 밀려 점차 쇠퇴해갔다.
그 대신 세레나데의 서정적인 특징은 '녹턴'이라는 음악으로 이어지게 된다.
녹턴은 우리말로 '야상곡'이라고 번역이 되며 말 그대로 ‘밤의 음악’이다.
8. Ariel Ramirez, Misa Criolla
Mercedes Sosa
I. Kyrie (우리를 불쌍히 여기소서)
II. Gloria (영광)
III. Credo (신앙고백)
IV. Sanctus (거룩하시다)
V. Agnus Dei (신의 어린양)
메르세데스 소사 (Mercedes Sosa, 1935. 7. 9 ~ 2009. 10. 4)
머리카락이 칠흑 같아 '라 네그라(검은 여인)'라는 별칭으로 불렸던 메르세데스소사는 1935년
투쿠만주 산 미겔에서 태어났다.
1960년대 남편 마누엘 오스카 마투스의 도움으로 데뷔 앨범을 발표한 뒤 1965년 코르도바시에서
열린 음악 페스티벌을 통해 세상에 이름을 알렸다.
라틴아메리카의 민중음악 혁명인 '누에바 칸시온(새로운 노래)'을 이끌었으며 진보주의
활동가로도 활용해 1976∼83년 아르헨티나 군부독재정권 시절 망명생활을 하기도 했다.
살아있는 동안 50장 가까운 앨범을 발매한 소사는 라틴아메리카의 대중문화와 포크 음악에 커다란
영향력을 미쳤으며 '전설의 디바' 에디트 피아프를 잇는 최고의 디바로 칭송 받아왔다.
1994년 로마 바티칸의 시스티나 대성당에서 공연했으며 특히 2002년 뉴욕 카네기홀과 2004년
로마 콜로세움 공연은 전석 매진 기록을 세우기도 했다.
9. Rachmaninov, Vespers & Complete All-Night Vigil
Paul Hillier(cond), Estonian Philharmonic Chamber Choir
1) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - Come, let us worship 2:51
2) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - Praise the Lord, O my soul 4:48
3) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - Blessed is the man 4:17
4) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - O gentle light 3:20
5) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - Lord, now lettest Thou 3:32
6) All-Night Vigil, Op.37 : Vespers - Rejoice, O Virgin 2:44
7) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - The Six Psalms 2:07
8) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - Praise the name of the Lord 2:19
9) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - Blessed art Thou, O Lord 5:36
10) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - Having beheld the Resurrection 2:35
11) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - My soul magnifies the Lord 6:59
12) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - The Great Doxology 6:41
13) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - Troparion: Today salvation is come 1:38
14) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - Troparion: Thou didst rise from the tomb 2:43
15) All-Night Vigil, Op.37 : Matins - O queen victorious 1:39
♣ 라흐마니노프 'All night vigil' Op.37
수세기에 걸쳐 철야 기도는 정교회의 주요 축제일 전야에 행해졌다.
철야 기도는 일몰의 아름다움과 새날의 밝아옴 속에 내적 반성의 기회를 마련하는
전통이었다.
라흐마니노프의 '철야 기도'는 이 옛 관례가 내포하는 엄숙함과 신비함을 표현한다.
이 작품은 라흐마니노프가 41세였던 제1차 세계 대전 당시 작곡된 것으로 그는 전투를 위해
러시아를 순회하며 공연하고 있었다.
그가 이전에 작곡하였던 성가 '성 요한 크리소스톰 성찬 예배' 등 종교 관례를 주제로 한
대규모의 작품들과 비교했을 때 '철야 기도'는 러시아 정교 성가와 그리스 성가를 사용한다.
라흐마니노프는 이 곡이 '성가의 원형을 의식적으로 고려하여 만든 모조작'이라고
표현하였다.
이 작품은 전통 깊은 러시아의 종교 음악에 크게 기반하여 만들어졌지만 당시의 정치 배경을
고려하여 작곡된 국민주의 지지의 표상이기도 했다.
교회가 아닌 연주회장에서 초연된 이 작품은 호평을 받았고 그 시즌 동안 4번 더 무대에
올려졌다.
라흐마니노프의 All night vigil Op.37은 저녁기도와 새벽기도를 포함하여 총 15개의 곡으로
이루어져 있다.
러시아 정교의 토요일 성무일과에서는 저녁기도(Vespers)와 그 다음날 새벽기도(Matins)까지
철야 기도회를 치른다.
이 곡은 1915년 모스크바에서 초연된 이례로 라흐마니노프의 대표적인 명작으로 알려져 있다.
아카펠라를 위한 이 합창곡은 합창단이 거대한 오케스트라를 연상시키듯 음량, 음폭,
음높이가 세분화되어 있다.
아날로그 시대에 이 작품은 러시아 합창단의 전유물이었다.
하지만 인기가 높아진 90년대 이후 서방 단체의 명연이 속속 등장하면서 선택의 폭이
넓어졌다.
[ 앨범감상 ]
10. New Classics for Guitar and Cello by Muriel Anderson
Muriel Anderson(Gt) / Julie Adams(Vc)
1. Minstrel's Courtyard
2. Parisian Waltz
3. Theme For Two Friends
4. Great Blue Heron
5. Toronto
6. Arioso
7. Calm Before The Storm
8. Song For Liona
9. Living Out A Dream
10. Little Sister's Child
11. Waiting For Matthew
12. Estudio Brillante
13. Recuerdos
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