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1. Albinoni, Oboe Concerto Op.9 No.2
The Locrian Ensemble of London
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro
♣ 알비노니 오보에 협주곡 D 단조 작품 9-2
1722년에 출판된 알비노니의 ‘5성을 위한 협주곡 작품 9’ 중의 한 곡으로 빠르게-느리게-
빠르게의 전형적인 3악장 협주곡 양식이다.
1악장에서는 멜로디와 리듬의 풍부함이 두드러진다.
하나의 주제와 리듬이 점차 복잡한 결합과 확대를 통해 새롭게 발전해가는 과정이
재미있다.
2악장에서는 아름다운 오보에의 칸타빌레를 들을 수 있다. 마지막 알레그로는 생생한 리듬과
함께 하나의 성부가 노래하면 다른 성부가 그것을 모방하고 그들이 점차 겹치고 맞물려가는
고전주의 카논 예술의 완벽한 모범을 제시해 주는 악장이다.
2. Beethoven, Symphony No.9 In D Minor, Op.125 'Choral'
John Eliot Gardiner(cond), Orchestre Revolutionnaire Et Romantique
The Monteverdi Choir
Luba Orgovasova (sop)
Anne Sofie von Otter (mez)
Anthony Rolfe Johnson (ten)
Gilles Cachemaille (bas)
I. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
II. Molto vivace
III. Adagio molto e cantabile - Andante moderato - Adagio
IV. Presto
V. Presto - 'O Freunde, nicht diese Tone!' - Allegro assai
♣ 베토벤 교향곡 9번 D 단조 Op.125 '합창'
베토벤의 '교향곡 제9번'은 환희와 인류애의 메시지를 담고 있는 작품이다.
4악장에서 독일의 시인 실러의 시에 곡을 붙인 합창이 나오는 까닭에 '합창'이란 부제를 달고
있는 이 작품은 작곡가 베토벤이 완성해낸 마지막 교향곡이자 오랜 세월에 걸쳐 작곡된
역작이기도 하다.
베토벤이 '합창' 교향곡을 완성해낸 것은 그의 나이 53세 때인 1824년 2월의 일이지만 이
교향곡은 이미 1812년경부터 구상되었다.
실러의 '환희에 붙여'의 송가에 곡을 붙이려 생각한 것은 그가 고향 본을 떠나 빈으로 가기
이전부터였으니 베토벤은 교향곡 제9번을 30년 이상이나 구상하고 있었던 셈이다.
1824년 5월 7일 빈의 케른트너토르 극장에서 '합창 교향곡'이 초연되었을 때 반전에 반전을
거듭하는 이 변화무쌍한 교향곡에 청중들은 놀라움과 경외감을 느꼈다.
그러나 정작 베토벤은 자신이 만들어낸 이 위대한 교향곡이 초연되는 그 순간 단지 참관자의
역할만을 수행할 수 있을 뿐이었다.
그날 음악회의 실질적인 지휘자는 미하일 움라우프였고 악장을 맡은 바이올리니스트인 이그나츠
슈판치히도 지휘자로서 오케스트라를 이끌었다.
베토벤은 지휘자 옆에 자리를 잡고 악보를 보면서 연주가 제대로 진행될 수 있도록 중요한
부분에서 지시를 내리기도 했으나 불행히도 음악 소리를 거의 들을 수 없었다.
당시 합창단의 소프라노 파트에서 노래한 그레브너 부인은 베토벤의 모습을 이렇게 회상했다.
"그는 연주에 맞추어 악보를 읽어가는 것처럼 보였지만 실제로 한 악장이 이미 끝났는데도
페이지를 계속 넘기곤 했다. 공연 때 한 악장이 끝날 때마다 한 남자가 그에게 다가가서 어깨를
건드리고 청중석 쪽을 가리켰다. 박수 치는 손 모습과 손수건이 휘날리는 광경을 보고 그는
머리를 숙였고 그러면 더욱 큰 함성이 일었다"
교향곡의 역사에 비추어볼 때 베토벤의 '교향곡 제9번' '합창'은 여러 가지 측면에서 전통의
틀을 벗어나 있다.
교향곡에 사람의 목소리를 도입했다는 사실뿐만 아니라 통상적인 2, 3악장의 템포를 바꿔
2악장을빠른 스케르초로 3악장을 느리고 가요적인 악장으로 설정했다는 점도 특이하다.
또한 피날레 악장이 전통적인 음악 형식으로는 설명하기 어려운 복잡한 형식을 취하고 있는 것
역시 베토벤 이전의 교향곡에서는 찾아보기 힘든 것이다.
베토벤의 '합창 교향곡'은 일일이 열거하기도 어려울 정도로 수많은 특징을 지니고 있지만 그
가운데서도 가장 우리의 흥미를 끄는 것은 제1악장의 신비스러운 도입부가 아닌가 생각된다.
이 교향곡의 첫 도입부를 듣는 순간 베토벤 교향곡이라면 으레 크고 웅장하게 시작되리라는
우리의 추측은 여지없이 무너져버린다.
언제 시작되었는지도 모를 정도로 들릴 듯 말 듯한 호른의 지속음과 현악기의 살랑거리는
트레몰로가 슬그머니 교향곡의 시작을 알린다.
다이내믹은 피아니시모(pp). 10여 마디가 지나도록 들리는 음이라고는 단지 A와 E음 뿐이다.
이 텅 빈 완전 5도를 채워줄 중간 음마저 빠져있어서 대체 이 음악이 장조인지 단조인지조차
감이 안 온다.
이처럼 애매모호한 도입부는 베토벤 이전의 교향곡에서는 거의 볼 수 없는 파격적인 것이다.
형이상학적인 이론가들은 이 도입부를 가리켜 아무 것도 없는 혼돈 속에서 서서히 우주가
생성되는 모습을 표현한 것이라고 설명하기도 한다.
이 부분은 또한 어둠 속에서 서서히 해가 떠오르는 듯한 느낌을 주기도 한다.
훗날 오스트리아의 작곡가 안톤 브루크너는 거의 모든 그의 교향곡에 이러한 개시 방법을
도입해서 '브루크너의 모든 교향곡은 베토벤 교향곡 9번이다'라는 비난을 받기도 했다.
신비로운 1악장의 도입부가 지나면 d단조의 주제가 단호한 어조로 등장한다.
쓸데없는 수사나 장식 없이 전 오케스트라가 큰 소리로 단순 명쾌한 주제를 연주하는 순간
압도적인 숭고함이 뿜어 나온다.
그러나 1악장의 마지막 부분에 이르면 바순과 바이올린 비올라, 첼로, 베이스가 D에서 A로
반음계적으로 하행했다가 다시 D로 되돌아오는 선율을 반복해서 연주하며 어둡고 무시무시한
분위기를 조성한다.
확신에 찬 어조를 다시금 비탄의 정서를 자아내며 1악장을 마무리한다.
태초의 혼돈과 우주의 생성으로 시작해 비탄으로 끝난 1악장은 이런 심각한 슬픔을
비웃기라도 하는 듯한 활기찬 2악장으로 이어진다.
베토벤 연구가 솔로몬이 이 악장에서 비극은 갑자기 익살극으로 바뀐다고 말했듯이 2악장의
기괴한 음악은 1악장의 고뇌를 한 순간에 하찮은 농담으로 전락시킨다.
그 농담은 유쾌하다기보다는 냉소적이며 지극히 악마적인 것이다.
여기서 팀파니는 2악장을 주도적으로 이끌어나가는 희극 배우로 활약한다.
보통 방식대로 완전 5도로 조율되지 않고 옥타브 음정으로 조율된 팀파니는 갑자기 큰
소리로 끼어들며 우리에게 섬뜩한 농담을 건넨다.
2악장의 열광적인 무곡이 끝나면 사랑으로 넘치는 3악장 아다지오가 뒤따른다.
음악학자 조세프 커먼은 베토벤의 후기 기악곡에 '인간의 목소리'(voice)가 있다고 지적한
바 있는데 베토벤 '합창 교향곡'의 아다지오야말로 그 좋은 예가 될 것이다.
이 아다지오는 순수 기악곡이지만 여기에는 마치 성악곡과 같은 유려한 멜로디가 흐르며
천상의 분위기를 전해준다.
4악장이 시작되면 오케스트라의 서주를 지나 베이스 독창자가 일어나 "오, 벗이여! 이런
곡조는 아니오! 더 즐겁고 환희에 찬 곡조를 노래합시다!"라 말한다.
그러면 지극히 단순하지만 강한 설득력을 지닌 환희의 선율이 시작된다.
그 뒤를 이어 터키풍의 행진곡과 느리고 장중한 음악, 환희의 멜로디를 기반으로 한 변주,
소나타와 협주곡 형식 등이 합쳐지면서 거대한 음악적 통일이 성취된다.
'모든 인간은 한 형제'라는 환희의 송가를 통해 청중은 모두 하나가 된다.
기악을 마치 성악처럼 다루는 방식은 4악장에서 더욱 돋보인다.
9마디 상박부터 시작되는 첼로의 기악 레치타티보는 그 대표적인 예로 이 멜로디는 후에
나타날 '오, 친구여'로 시작되는 베이스의 레치타티보에 해당된다.
4악장은 기악곡을 성악곡처럼 쓴 곡일뿐만 아니라 실제로 사람의 목소리가 들어간
성악곡이기도 하다.
베토벤의 시대에는 교향곡에 성악을 사용하는 예가 거의 없었다.
그것은 너무나 혁명적인 시도여서 당시의 몇몇 평론가들은 교향곡에 사람의 목소리를 넣은
것은 큰 실수라고 비난하기도 했다.
그러나 베토벤은 애초의 계획을 그대로 고수하여 그의 마지막 교향곡을 기악과 성악을
혼합한 장엄한 대서사시로 만들어 후대의 교향곡 작곡가들에게 막대한 영향을 미치게 된다.
■ 추천음반
베토벤 교향곡 제9번의 명반 중에서는 푸르트벵글러가 지휘(EMI)하는 바이로이트 축제극장
오케스트라와 합창단의 연주가 가장 유명하다.
그밖에 카라얀과 베를린 필(DG)의 녹음과 아바도와 베를린 필(DG)의 베토벤 교향곡 신
녹음은 같은 악단이 지휘자에 따라 얼마나 다른 소리를 낼 수 있는지를 보여주고 있어
흥미롭다.
원전악기 연주로는 존 엘리엇 가디너가 지휘(Archiv)하는 혁명과 낭만의 오케스트라의
음반이 추천되고 있다.
존 엘리어트 가디너 (John Eliot Gardiner, 1943. 4. 20 ~ )
영국의 폰토메천 매그너에서 태어났으며 케임브리지의 킹스 칼리지에서 역사와 아라비아어의
학위를 딴 다음 런던의 킹스 칼리지에서 서스턴 다트에게 음악을배웠다.
그 후 2년간의 프랑스 유학 스칼라십을 받아 파리에서 나디아 불랑제를 사사하였다. 또한
안탈 도라티와 조지 허스트에게도 지휘를 배웠다.
그는 이미 15세 때 지휘를 하였으며 케임브리지에 재학중이던 1964년에는 자신의 합창단을
결성했는데 이것이 몬테베르디 합창단이 되었다.
1966년 위그모어 홀에서 이 합창단을 지휘하여 공개 데뷔를 장식했다.
1967년에는 몬테베르디의 탄생400주년을 기념하여 그 자신이 새로 교정한 판에 따라
'베스페레'를 연주하여 주목을 받았는데 이는 다음해 런던의 프롬나드 콘서트에서도 재연되어
크게 성공하였다.
그는 이때 프롬스의 가장 젊은 지휘자로서 데뷔하고 있었다.
같은 해에 그는 합창단과 더불어 몬테베르디 관현악단을 조직하였고 그 이후 그 양자의
지휘자로서 활약했다.
1973년부터는 라모의 많은 오페라를 소개하여 센세이션을 일으켰으며 1976년에는 코벤트가든에
데뷔하여 글루크의 '아울리스의 이피게니아'를 지휘하고 다음해에는 베를린에서 헨델의
'예프타'를 지휘하는 등 활발한 활동을 하였다.
가디너는 바로크 시대의 합창 음악과 오페라의 지휘자로서 근년에 갑자기 주목을 모으고 있는데
그 레퍼토리는 바로크에 한하지 않고 고전파 시대의 음악까지 넓혀 모차르트의 '마적' 등도
지휘하고 있다.
레코딩은 아주 적고 그것도 퍼셀과 헨델 중심이지만 극히 충실한 내용으로 되어 있다.
퍼셀의 '메리 여왕의 탄생일을 위한 송가'와 헨델의 '디키시트 도미누스' 등이 대표적인
음반이다. 최신의 녹음에는 바흐가 있는데 특히 '브란덴부르크 협주곡'이 주목된다.
3. Ignacy Jan Paderewski, Piano Concerto in A Minor Op.17
Piers Lane(Pf) / Jerzy Maksymiuk(cond), BBC Scottish Symphony Orchestra
I. Allegro
II. Romanza - Andante
III. Allegro molto vivace
♣ 이그나치 얀 파데레프스키 (Ignacy Jan Paderewski 1860. 11. 6 ~ 1941. 6. 29)
폴란드의 작은 마을 쿠리로프카에서 태어난 대 피아니스트로서 그가 3세 때 부친이 시베리아로
추방되어 6세경까지는 정식으로 음악 교육을 받지 못하고 또 신동도 아니었다.
12세이던 1872년 바르샤바 음악원에 들어가 피아노를 노타에게 사사하고 졸업한 후 빈으로
나가 레셰티쯔키의 가르침을 받았다.
졸업 후 잠시 모교에서 피아노를 가르치다가 1883년 독일에서 키르와 우르반에게 대위법과
관현악법 등을 배웠다.
스트라스부르음악원 교수로 있으면서 다시 거장 레셰티츠키에게 사사한 뒤 1887년 빈에서
정식으로 데뷔해 이름을 떨쳤다.
1909년 바르샤바음악원의 원장이 되고, 1913년 도미하여 연주생활을 하다가 1919년 폴란드
공화국이 탄생하자 초대 총리가 되기도 하였다.
그러나 1년 후에 물러나 스위스에서 일개 피아니스트로 되돌아갔다.
파데레프스키의 연주는 장대하고 낭만에 넘치며 사소한 미스 따위는 개의치 않고 음악에 몰입하는
타입이었다.
특히 저음부를 강하게 치는 것에 그 비결이 있었다고 한다.
80세에 타계했는데 전 세기부터 금세기 초에 일세를 풍미한 쇼팽의 대가였다.
피아니스트로서는 쇼팽 ·베토벤 ·바흐 연주에 뛰어났으며 작곡가로서는 오페라
'만루 Manru'(1901)를 비롯하여 '교향곡 b단조'(1909), 피아노곡 ·미뉴에트, 그리고 6곡의
유머레스크 등의 작품을 남겼다.
예지 마크시미우크 (Jerzy Maksymiuk, 1936. 4. 9 ~ )
폴란드의 그로드노에서 태어났으며 작곡가와 피아니스트를 겸한 지휘자로서 어릴 때부터
바이올린을 배웠는데 후에 피아노로 전향하였다.
바르샤바 음악원에서 페르코프스키에게 작곡을, 키르야츠카와 레페르드에게 피아노를,
그리고 마디에게 지휘를 배웠다.
졸업 후에는 피아니스트로서 활동했으며 1964년 파데레프스키 콩쿠르에서 제1위로
입상하였는데 특히 현대 음악의 연주를 장기로 했다.
그는 동시에 거의 독학으로 작곡을 공부하여 폴란드의 젊은 작곡가로서도 주목을 받게 되었다.
1970년에는 지휘자로서도 데뷔하여 1972년까지 바르샤바의 비에르키 극장의 지휘자를
역임하였고 동시에 폴란드 국립방송교향악단의 지휘자도 겸임하였다.
1973년에는 동 오케스트라의 음악 감독이 되었고 1976년 미국 연주 여행을 하여 성공을
거두었다.
한편 그는 1972년에 실내 오페라를 위한 소편성의 오케스트라의 창단을 의뢰 받아(이듬해
폴란드 실내관현악단으로 명명되었다) 그 지휘자로 활약하였고 구미 연주 여행을 하여
대성공을 거두었다.
마크시미우크는 현대 음악에도 조예가 깊었으며, 작곡가로서도 유명하여 많은 작품이 있다.
레코드는 폴란드 실내관현악단과의 비발디의 협주곡 '사계', 모차르트의 '디베르티멘토집',
차이코프스키의 '세레나데'(이상 에인절) 등 상당한 수의 음반이 있다.
4. Beethoven, Violin Concerto in D Major, Op.61
Jascha Heifetz(Vn) / Charles Munch(cond), Boston Symphony Orchestra
I. Allegro ma non troppo
II. Larghetto
III. Rondo - Allegro
※ 1955. 11. 27 Boston Symphony Hall
♣ 베토벤 바이올린 협주곡 D 장조 Op.61
1806년 12월 23일, 안 데어 빈 극장에서 프란츠 클레멘트의 독주 바이올린으로 베토벤의
'바이올린 협주곡'이 초연되었다.
연주 당일 오전까지도 작품이 완성되지 않았기 때문에 리허설을 할 시간적 여유도 없었다.
바이올리니스트 클레멘트는 악보를 보자마자 연주하게 되는 상황이었음에도 훌륭하게 연주했다고
전해진다.
초연은 열화에 같은 박수를 얻어냈지만, 작품 자체를 두고서는 이런저런 말들이 많았다.
어떤 비평가는 “전문가들의 의견은 모두 한결 같았다. 그들은 이 곡에 뭔가 좋은 점이 담겨
있다고 인정하면서도 종종 지속성이 완전히 깨지는 듯하고 상투적인 패시지들이 계속 반복되면서
피곤하게 만든다는 데에 의견을 모았다”고 말했다.
이어서 "대체로 청중들은 이 협주곡과 클레멘트의 즉흥 연주에 상당히 즐거워했다"고 전한다.
베토벤이 자신의 지휘로 '교향곡 ‘에로이카’'를 대중 앞에서 처음으로 연주했던 1805년 4월
7일에 클레멘트가 작곡한 바이올린 협주곡도 초연되었다.
여기에 감동 받은 베토벤이 새로운 바이올린 협주곡을 작곡하기로 결심했을 것이라는 설이
작곡의 배경으로 유력하다.
출판은 1808년에 이루어졌는데 그 사이에 클레멘트가 베토벤에게 많은 조언을 주었다.
사실 클레멘트는 바이올리니스트 요제프 요아힘이 1840년대에 이 협주곡을 연주하기 전까지
베토벤의 '바이올린 협주곡'을 연주한 거의 유일한 음악가였다.
클레멘트의 연주 스타일이 베토벤에게 강력한 영감을 주었다는 사실은 명백하다.
따라서 출판본에서 베토벤이 이 작품을 자신의 오랜 친구였던 슈테판 폰 브로이닝에게 헌정한
것은 조금 의아한 일이다.
사실 베토벤의 자필악보에는 ‘클레멘트에게 헌정’한다는 문구가 분명하게 보이기 때문이다.
베토벤이 이 작품을 작곡하던 당시에는 '피아노 협주곡 4번'과 '교향곡 5번' 그리고 '현악 사중주
'라주모프스키' 등을 쓰고 있던 창작의 절정기였다.
바이올린 협주곡은 베토벤의 이 작품에 의해 차원이 다른 장르로 올라설 수 있었으며 당대의
바이올리니스트 요제프 요아힘은 비르투오조들이 점령한 동시대의 음악적 기류를 바꿔놓을
협주곡으로 베토벤의 작품을 선택했다.
기존에는 독주자의 존재를 부각시키기 위해서 오케스트라는 단순히 반주의 위치에 놓이게 되는
경우가 많았다.
그러나 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 이 모든 것을 바꿔놓았다. '바이올린 독주가 포함된
교향곡'이라는 명칭은 그런 점에서 베토벤이 작곡한 바이올린 협주곡의 본질적인 특징을 지적한
것이다.
팀파니의 D음을 시작으로 통통거리는 리듬이 독특하게 시작되는 베토벤의 '바이올린 협주곡'의
1악장은 카덴차가 지정되어 있지 않다.
베토벤은 '피아노 협주곡 5번' ‘황제’의 경우처럼 카덴차가 필요하지 않았다고 생각했다.
그러나 베토벤은 무엇보다도 동시대 기교파 연주자들이 카덴차를 즉흥적으로 연주하는 방식을
싫어했던 것으로 보인다.
첫 네 음은 소위 ‘운명의 동기’로도 보여지는데, 이 네 개의 음은 '교향곡 5번' '운명의
동기'의 경우와도 유사하다.
곡의 인트로는 서정적이고 따뜻한 느낌의 주제가 목관에 의해 연주되고 독주 바이올린은
온화하게 이 주제를 다시 연주한다.
'바이올린 협주곡'을 작곡하던 당시에 베토벤은 미망인 요제피네 폰 다임 백작 부인을 사랑하고
있었다.
어쩌면 이러한 감정 상태가 1악장의 사랑스럽고 따뜻한 느낌의 음악을 쓰게 했는지도 모른다.
연주자는 베토벤의 '바이올린 협주곡'에서 온화한 느낌과 장중한 드라마처럼 서로 상반되는
느낌을 모두 표현 해야한다.
그렇기 때문에 제대로 연주하기가 어려운 작품이다.
19세기 중반을 지나면서 베토벤의 '바이올린 협주곡'은 거의 모든 바이올리니스트들에게 피할 수
없는 선택이 되어버렸으며 파가니니 스페셜리스트들을 단순한 기교파 연주자들로 전락시켰다.
그리하여 베토벤의 이 위대한 바이올린 협주곡은 지금까지 면면히 이어져오고 있는 바이올린
레퍼토리의 새로운 기준으로서 하나의 시험대처럼 작용하고 있다.
베토벤은 카덴차를 남기지 않았으나 연주자들이 직접 붙인 카덴차는 이 작품의 재미를 배가시키는
특별한 요인이다.
대부분은 바이올리니스트 요아힘이나 크라이슬러의 카덴차를 쓰지만 나탄 밀스타인, 막심
벤게로프, 조슈아 벨 같은 이들은 스스로 작곡해 붙이기도 했다.
베토벤 자신이 무치오 클레멘티의 요청에 의해 1807년에 '바이올린 협주곡'을 '피아노 협주곡
버전'으로 편곡하면서 작곡한 카덴차는 뜨거운 감자였다.
이 피아노 버전 카덴차를 다시 바이올린으로 편곡해서 사용한 녹음들이 상당히 많이 나오고
있는데 '피아노 버전 카덴차'를 포함한 추천음반은 다음과 같다.
■ 추천음반
베토벤 바이올린 협주곡의 최고 명반으로 꼽히고 있는 지노 프란체스카티와 브루노 발터 지휘의
콜롬비아 심포니 오케스트라 연주는 두고두고 들어도 새로운 맛이 나는 명연주이다.
크리스티안 테츨라프를 비롯해서 토마스 체트마이어, 이자벨 파우스트 등의 연주자들이 피아노
버전 카덴차를 선택했고 이중에서는 체트마이어(Philips)와 파우스트(Harmonia Mundi)의
연주가 최상급의 즐거움을 준다.
기돈 크레머는 첫 번째 녹음(Philips)에서 슈니트케의 카덴차로 연주했고 두 번째(Teldec)는
베토벤의 피아노 카덴차를 자신이 편곡해서 연주했다. 각각 독특한 맛을 풍기고 있다.
전통적인 요아힘 카덴차 연주로는 레오니드 코간(EMI)을 크라이슬러 카덴차로는 다비드
오이스트라흐(EMI)를 추천하고 싶다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에 입학하여
드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고 그
이후 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해 하이페츠의
이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는 표현
등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어가는
큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Schubert, Arpeggione Sonata in A minor, D.821 (arr. for KontraBass)
Gary Karr(Kb) / Harmon Lewis(Pf)
I. Allegro moderato
II. Adagio
III. Allegretto
♣ 슈베르트 '아르페지오네' 소나타 A 단조 D.821
27세의 프란츠 슈베르트는 누구도 정확한 진단을 내리지 못할 만큼 건강하지 못한 상태였다.
가장 중요한 원인으로 매독으로 인한 합병증이 시작되었고 이로 인해 우울증과 같은 정신적
질환도 심해지기 시작했다.
1823년 처음으로 긴 병원생활을 했고 고통스러운 치료를 받았기 때문에 그는 머리카락도
많이 빠졌고 두통 또한 심해졌다. 1824년 일기에 그는 이렇게 쓰고 있다.
"나는 매일 밤 잠자리에 들 때 또다시 눈이 떠지지 않기를 바랍니다. 그리고 아침이 되면
전날의 슬픔만이 나에게 엄습하여 옵니다. 이렇게 환희도 친근감도 없이 하루가 지나갑니다.
또 나의 작품은 음악에의 나의 이해와 슬픔을 표현한 것입니다. 슬픔에 의해 만들어진
작품이 세계를 가장 즐겁게 하리라고 생각됩니다. 슬픔은 이해를 돕게 하고 정신을 강하게
합니다."
- 슈베르트의 일기 중
이렇듯 1824년은 그에게 있어서 고통스러운 한 해였지만 다른 한 편 음악적으로는 보다
커다란 야망을 향해 나아가게 된 계기가 되었다.
그 해 3월 '로자문데' 현악 4중주를 작곡한 이후 그는 대교향곡의 길을 개척하기 위해
실내악에 더 이상 관심을 쏟지 않겠다고 천명했기 때문이다.
그리하여 탄생한 피아노 연탄을 위한 '그랜드 듀오' D.812가 10월경 선을 보였는데 이
작품에서 슈베르트는 보다 큰 규모의 교향곡으로 넘어가기 위한 구체적인 아이디어와 구도를
완성시켰다.
여기서 파생된 '대교향곡' 즉 '9번 교향곡'은 1826년 10월 빈 악우협회에 제출되었지만
소액의 수수료 외에는 아무런 주목을 받지 못했다가 슈베르트 사후 1839년 로베르트 슈만에
의해 발견되어 멘델스존이 라이프찌히에서 초연하면서부터 비로소 세상에 알려지기 시작했다.
그 해 여름 슈베르트는 에스테르하지 일가와 함께 체레스라는 곳에 도착했다. 여기서 즐거운
날들을 보낼 수 있었다.
게다가 슈베르트는 백작의 딸과 어렴풋한 사랑이 싹텄던 동시에 헝가리의 고유한 정취를
만끽할 수 있었다.
자연스럽게 당시 그의 작품에서는 헝가리 풍의 요소가 등장했고 '아르페지오네 소나타' 역시
이러한 성격이 반영되었다.
대작을 향해 달려가기 이전 슈베르트는 잠시 숨고르기의 시간을 가질 수 있었던 것인데 이
시기에 탄생한 작품이 바로 그 유명한 '아르페지오네 소나타'이다.
슈베르트가 1824년 11월 비엔나에서 작곡한 '아르페지오네 소나타' A단조 D.821은 본래
아르페지오네(Arpeggione)라는 악기를 위해 작곡된 작품이다.
1823년 빈의 악기 제작자 요한 게오르그 슈타우퍼에 의해 만들어진 이 악기는 '기타-첼로'
혹은 '기타-다모르'라는 별칭에서 알 수 있듯이 첼로와 흡사한 크기에 기타의 형태를 가지고
있었고 첼로처럼 활을 현에 문질러 연주하는 악기였다.
이 악기는 여섯 개의 거트 현을 가지고 있어 E-A-D-G-B-E로 조율되었고 브릿지와 반음씩
나뉘어지는 금속 핑거보드를 갖추고 있는데 첼로의 중고역 소리를 냈고 콧노래를 부르는
듯한 독특한 정취를 가지고 있다고 한다.
슈베르트는 빈센초 슈스터라는 아르페지오네 주자를 위해 곡을 작곡했다. 슈스터라는 인물은
이 악기를 위한 교본을 남긴 유일한 인물이기도 하다.
아르페지오네라는 악기는 서서히 사람들의 기억 속에서 잊혀진 악기가 되어버렸고 이 악기를
위해 작곡된 작품도 슈베르트의 이 곡이 거의 유일하게 남아 있다.
아르페지오네라는 악기가 급속도로 잊혀졌기 때문에 이 작품 또한 1871년이 돼서야 비로소
출판될 수 있었다.
아르페지오네는 소형의 첼로로서 바흐 시대에 사용되었던 비올라 다 감바(Viola da gamba)와
흡사한 모양과 소리를 가지고 있었다.
현대에는 주로 첼로로 대체해 연주한다. 다만 첼로보다 피치가 높기 때문에 '아르페지오네
소타나'를 현대 첼로로 연주할 경우엔 높은 음부의 빠른 패시지를 자유롭게 연주하는 것이
매우 어려우며 리듬에 변화를 주는 것 또한 쉽지 않다.
그러한 만큼 원곡 외에도 첼리스트 가스파르 카사도의 편곡에 의한 첼로와 관현악 협주곡풍의
편곡이나 도브링거 편곡의 피아노와 바이올린 2중주 그 외에 플루트나 더블베이스, 비올라,
클라리넷, 기타 등등 여러 악기를 위한 편곡으로 연주되곤 한다.
즉흥곡 형식으로 단기간에 작곡된 이 작품은 세 개의 짧은 악장으로 구성되어 있다.
알레그로 모데라토 A단조는 2개의 주제에 의한 소나타 형식으로 씌어졌는데 이 가운데
1주제의 첫 네 개의 음은 '미완성 교향곡'의 첫 마디 음과 유사하다.
이어지는 아름다운 아다지오 E장조는 반주가 딸린 성악을 위한 슈베르트의 가곡 스타일로
시작되어 차츰 기악적인 발전을 이룬다.
마지막 알레그레토 악장은 우아한 후렴구와 무도회적인 에피소드를 갖는 론도 형식이다.
■ 추천음반
로스트로포비치가 영국의 작곡가 벤자민 브리튼의 반주로 녹음한 '아르페지오 소나타'는 이
작품에 있어서 가장 고전적인 명반(DECCA)으로 손꼽힌다. 연주도 훌륭하지만 데카 레코딩팀의
리얼한 사운드가 돋보인다.
한편 헝가리 출신의 거장 미클로시 페레니가 언드라시 쉬프의 반주로 녹음한 연주(Teldec)는
이 작품의 서정성을 극대화한 명연으로서 그의 스승인 엔리코 마이나르디의 녹음에 범접하는
명연으로 손꼽을 수 있다.
현대적인 명연으로 미샤 마이스키와 마르타 아르헤리치의 연주(Philips)를 추천하며 존
윌리엄스의 기타 편곡 연주(SONY)도 환상적이다.
게리 카 (Gary Karr, 1941. 11. 20 ~ )
게리 카는 1941년 11월 20일 미국 로스앤젤레스에서 태어났으며 러시아계(系)로서 할아버지도
아버지도 모두 콘트라베이스 연주자였다.
9세에 어린이용 콘트라베이스를 연주하기 시작하여 뉴욕 필의 수석주자이던 라인스하겐을
사사했다.
이어 줄리어드 음악학교에 진학해 재학 시절인 1962년에 번스타인이 지휘하던 뉴욕 필과
공연했다.
그 후 많지 않은 콘트라베이스의 솔리스트로서 왕성하게 활약하고 있으며 쿠세비츠키가
소유하고 있었다는 아마티의 명기를 소유하고 세계적인 연주자로 인기가 높다.
[ 목요우리음악 ]
6. 이생강 대금산조
이생강 (대금) / 김득수 (장고)
1. 진양
2. 중모리
3. 중중모리
4. 자진모리
이생강 (1937. 3. 16 ~ )
1942년부터 1960년까지 이수덕, 지영희, 전추산, 오진석, 방태진, 이충선, 한일섭, 임동선에게
피리, 단소,퉁소, 소금, 태평소, 대금을 사사했다.
1947년부터는 5년간 한주환에게 대금산조를 사사했다.
7. Ravel, String Quartet in F major
Emerson String Quartet
I. Allegro moderato
II. Assez vif - Tres rythme
III. Tres lent
IV. Vif et agite
♣ 라벨 현악4중주 F 장조
모리스 라벨은 1875년 남서 프랑스의 바스크 지방에 자리한 어촌 마을 씨부르에서 태어났다.
몇 개월 후 그의 가족은 파리로 이사를 하게 되었는데 그 덕에 라벨은 프랑스 수도의 세련된
문화적 환경에서 성장할 수 있었다.
포레와 함께 파리 음악원에서 공부한 그는 로마상(Prix de Rome)을 타기 위해 필사적인 노력을
기울였지만 연이어 1등의 자리를 내주게 되고 이 사건은 음악계에 큰 파동을 일으켰다.
이 떠들썩한 시기에 드뷔시의 음악에 대한 라벨의 존경심은 급상승하였고 1902년 그는
드뷔시의 4중주 형태를 모델로 한 현악 4중주곡을 쓰기 시작한다.
윤택하게 흐르는 4중주 구성은 분명 드뷔시의 덕이라고 할 수 있다.
하지만 라벨이 무조건적으로 모방만을 하진 않았다는 것도 확연하다. 그의 놀라운 화성 활용은
음악의 감정적 표현에 있어서의 극적인 오르내림을 매우 효과적으로 나타내고 선율로만 보았을
때도 라벨의 4중주가 드뷔시의 것을 능가한다는 사실을 알 수 있다.
도입부의 알레그로 모데라토는 우아한 주제로 이야기를 풀어 나간다.
그 뒤를 잇는 스케르초는 민속춤에 등장하는 활발한 선율을 암시하며 느린 악장에서는 낭만적인
광시곡의 냄새가 물씬 풍긴다.
어딘가 불안한 듯한 분위기의 피날레에 이르러서야 라벨은 비로소 선율보다 모티브의 발전에
주력한다.
8. Brahms, Piano Quintet in F minor, Op.34
Emerson String Quartet
I. Allegro non troppo
II. Andante, un poco adagio
III. Scherzo Allegro - Trio
IV. Finale Poco sostenuto - Allegro non troppo - Presto, non troppo
♣ 브람스, 피아노 5중주 F 단조 Op.34
1861년부터 62년 사이에 작곡된 F단조의 '피아노 5중주 Op.34'는 처음에는 슈베르트의 C장조
'현악 5중주'처럼 두 대의 첼로가 가세한 현악 5중주 형태로 작곡되고 있었다.
전곡이 완성되기 전 브람스는 클라라 슈만에게 세 개의 악장을 보내 그녀의 조언을 구하고자
했다.
그녀는 이 작품에 대해 "1악장에 들어 있는 힘의 세계와 아다지오의 위대함을 보라! 악보의
처음부터 끝까지 멜로디로 가득 차 있습니다. 서주부는 화려하고 2주제는 1주제와 완벽한
대비를 이루기도 하며 전개부 주제의 마무리 또한 절묘하기 그지없습니다. 의심할 바 없이 이
작품은 걸작입니다!"라고 기술했다.
그러나 그 편성에 있어서는 다섯 개의 현악기들로는 견고한 반주부를 이룰 수 없을 뿐만 아니라
몇몇 주제들과 전개부에는 반드시 피아노가 필요하다는 의견을 보탰다.
한 달여가 지난 1862년 9월 브람스는 하노버에 있는 요제프 요하임에게 작품 전체를 보냈다.
브람스가 하노버를 방문했을 때 요하임은 그의 5중주를 다른 편성으로 편곡하고 있었는데
왜냐하면 요하임은 브람스에게 현악 5중주 편성만으로는 브람스가 적절하게 표현하고자 하는
아이디어들에 힘을 실을 수 없을 뿐만 아니라 그 생각의 폭 역시 좁아질 수밖에 없다고 생각했기
때문이다.
요하임 또한 이 작품이 걸작임을 알아보았다.
"가장 중요한 작품 가운데 하나로서 거대한 힘을 가지고 있는 이 작품의 각 악장들은 하나의
전체로 완벽하게 통합되어 있다"라고 높이 평가했기 때문이다.
결국 요하임의 논리에 설득을 당한 브람스는 이 작품을 곧바로 두 대의 피아노를 위한 소나타로
변경했다.
이듬해인 1863년 이 작품은 '두 대의 피아노를 위한 소나타(Op.34b)'로 완성되어 브람스와
리스트의 애제자인 칼 타우지히에 의해 초연되었고 바덴-바덴에서는 클라라 슈만에 의해 여러차례
연주되었다.
그녀는 루빈스타인이나 헤르만 레비, 이따금씩 브람스와 함께 연주했는데 이 연주회에 참석했던
헤센 지역의 안나 공작부인은 이 소나타에 깊은 감동을 받았다.
이에 브람스는 이 작품이 출판되면 공작부인에게 헌정하겠다고 약속을 했다.
그러나 이 두 번째 판본은 1872년이 되어서야 출판되었다. 왜냐하면 브람스는 이 두 대의 피아노를
위한 소나타라는 형식에 계속 의구심을 품고 있었기 때문이다.
클라라 슈만은 편지에 이 판본에 대한 생각을 적어 보낸 바 있다.
"이것은 훌륭한 작품이긴 하지만 소나타라고는 말할 수 없습니다. 이 악보는 완전한 오케스트라를
필요로 하는 악상으로 가득 차 있는 만큼, 당신이 이 작품을 다시 한 번 검토해 주었으면 합니다."
결국 브람스는 1864년 내내 이 작품에 매달린 끝에 헤르만 레비가 제안한 피아노 5중주 형태로
변경했다.
레비는 피아노 5중주 버전에 대해 "이 5중주는 내가 말할 수 있는 그 이상으로 아름답습니다. 현악
5중주나 두 대의 피아노를 위한 버전을 모르는 사람들은 이것이 애초에 피아노 5중주로 의도된 것이
아니라는 것을 짐작조차 할 수 없습니다. 슈베르트가 서거한 1828년 이후 이토록 아름다운 음악은
없었습니다"라고 자신있게 말했다.
1865년 이 작품은 최종적으로 피아노 5중주 형태로 출판되었지만 헌정자 만큼은 변하지 않고 안나
공작부인으로 인쇄되었다(그녀는 그 해 4월 출산 후 산욕열로 세상을 떠났다).
이후 이 작품은 연주되지 않다가 브람스의 오랜 친구인 루이제 랑한스-야파가 1868년 3월 24일
파리의 살르 에라르에서 연주했고 이내 커다란 성공을 거두었다.
브람스의 독창성과 서정성이 만개한 이 피아노 5중주는 낭만주의 시대를 산 작곡가가 얼마나
고전주의적인 모범을 따르고자 고심했는지를 보여주는 단적인 예라고 말할 수 있다.
1악장 Allegro non tropppo
첫 번째 악장에서 가장 충격적인 모습은 풍부하면서도 변화무쌍한 주제들일 것이다.
분위기를 지배하고자 하는 엄격한 주제와는 별로도 일련의 부가적인 아이디어들이 브람스의 상상력
넘치는 전개와 다이내믹한 음악 구조를 만들어나가는 데에 있어서 중요한 역할을 하고 있다.
2악장 Andante, un poco adagio
부드럽고 서정적인 악장으로서 특히 흔들리는 듯한 멜로디가 슈베르트적인 분위기를 자아낸다.
3악장 Scherzo (Allegro)
강력한 어조의 세 도막 형식의 스케르초로서 성격을 달리하는 C단조의 세 개의 주제가 번갈아
등장하고 트리오 부분에서는 C장조의 서정적인 민요풍의 주제가 앞뒤 단조 부분과 훌륭한 대조를
이룬다.
4악장 Finale (Poco sostenuto ？ Allegro non tropppo)
슈만을 연상케 할 정도로 신비로움을 더하는 도입부(poco sistenuto)와 전개부가 론도처럼 다루어지는
생동감 넘치는 Allegro non troppo가 화려한 종악장을 장식한다.
코다에서는 다이내믹한 클라이맥스를 수반하며 이 거대한 구조의 5중주의 마지막을 화려하게 장식한다.
■ 추천음반
루돌프 제르킨이 남긴 두 장의 앨범은 이 작품의 구조와 내용을 거의 완벽하게 보여준 훌륭한
모범으로 평가받는다.
부쉬 4중주단과의 녹음(EMI)과 부다페스트 4중주단과의 녹음(SONY)이 그것으로서 엄격하고 집중력 높은
제르킨과 각기 다른 고전주의적 앙상블을 보여주는 부쉬와 부다페스트의 환상적인 일체감이 돋보이는
역사적인 명연이다.
보로딘 4중주단과 엘리조 비르살라제의 극단적인 감수성이 돋보이는 감동적인 연주(Teldec)와
이탈리아노 4중주단과 마우리치오 폴리니의 현대적인 감수성에 의한 벨칸토적인 음향을 자랑하는
연주(DG) 또한 추천할 만하다..
[ 앨범감상 ]
9. Russian Romances - Mischa Maisky
Mischa Maisky(Vc) / Pavel Gililov(Pf)
1) Applause
2) The Lark (Glinka)
3) Kak sladko s toboju mne byt' (How sweet to be with you)
4) Ne iskushay menya bez nuzhdi / Do not tempt me needlessly
5) I remember the wonderful moment [Ya pommyu chudnoye mgnovene]
6) Lullaby, Op.16, No.1 (Kolybelnaya pyesyen) (Tchaikovsky)
7) None but the Lonely Heart, Op.6, No.6 (Nyet, tolko tot, kto znal)
8) Nights of Delirium, Op.60, No.6
9) Noch' (Night), Op.60 No.9
10) It was in early spring, Op.38, No.2 [To bylo ranneyu vesnoi]
11) Mne grustno (I am sad) (Dargomizhsky)
12) Une Larme (Slejsa) (Arranged by Alexander Krein) (Mussorgsky)
13) Night (Noch'), Op.48 No.8 (Rubinstein)
14) The Clouds Begin to Scatter, Op.42, No.3 (Rimsky-Korsakov)
15) The Nymph (Nimfa), Op.56 No.1
16) Captivated by the Rose (The Nightingale), Op.2, No.2 [Plenivshis rozoi solovei]
17) Do not kindle the fire! (Ne zazhigaj ognja! ), Op.38 No.3 (Arensky)
18) The Burned Letter (Sozhzhjonnoje pis'mo), Op.33 No.4 (Cui)
19) 6 Melodies, Op.60 (Glazunov)
20) Ne poy, krasavitsa, pri mne, Op.4, No.4 (Rachmaninov)
21) Zdes' khorosho, Op.21, No.7
22) vocalise, Op.34, No.14
23) I skuchno i grustno (I am Weary and Sad) (Gurilyov)
24) Ja vstretil vas (When I Met you) (Anonymus)
25) Applause
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