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1. Ravel, Rapsodie Espangole
Fritz Reiner(cond), Chicago Symphony Orchestra
I. Prelude a la nuid
II. Malaguena
III. Habanera
IV. Feria
- Ravel, Paven For A Dead Princess
♣ 라벨 스페인 광시곡
스트라빈스키는 라벨을 가리켜 '스위스의 시계장인'이라고 평한 바 있다.
그 이유는 두 가지 관점에서 생각해볼 수 있는데 첫째는 라벨의 부친이 스위스
출신이라는 점, 둘째는 라벨의 음악 다루는 솜씨가 정밀하기로 이름난 스위스
시계장인의 그것을 연상시킨다는 점이다.
특히 라벨은 오케스트레이션(관현악법)의 명수로 유명했는데 그의 관현악 기법과
상상력이 얼마나 뛰어났는지를 확인시켜주는 대표사례로 무소르그스키의 피아노
모음곡을 편곡한 '전람회의 그림'을 들 수 있다.
'스페인 광시곡'은 그러한 라벨의 첫 번째 본격 관현악 작품이라는 점에서 각별한
의의를 지닌다.
제목에도 드러나 있지만, 이 곡은 여러 모로 스페인과 관련이 있다.
곡 전체에서 스페인 특유의 정취가 물씬 풍겨 나오며 중간 두 곡에 붙어있는
'말라게냐'와 '하바네라'라는 제목도 스페인에서 유래했다.
또 라벨의 어머니는 바스크 출신이었고 라벨 또한 스페인 국경에서 가까운 프랑스령
바스크 지방의 작은 마을에서 태어났다.
그래서 어떤 이는 라벨의 출생성분에서부터 이 곡의 유래를 찾기도 한다.
하지만 라벨은 태어난 지 석 달 만에 바스크 지방을 떠나 파리로 이주했고 더욱이
바스크 지방을 스페인이라고 볼 수도 없기 때문에 그러한 추정에는 다소 무리가
따른다.
차라리 그보다는 19세기 이래 프랑스 작곡가들의 이국 취향과 스페인 선호 경향을
돌아보는 편이 나을 듯싶다.
그 유명한 사례들로 비제의 오페라 '카르멘', 랄로의 바이올린 협주곡인 '스페인
교향곡', 드뷔시의 '이베리아' 등을 들 수 있겠다.
라벨도 성악과 피아노를 위한 '하바네라 형식의 보칼리즈(에튀드)', 오페라 '스페인의
한 때' 등을 이 곡과 비슷한 시기에 작곡하며 스페인 취향을 적극적으로 드러낸 바
있다.
또 곡을 구상하고 작곡하는 과정에서 그가 좋아했던 샤브리에의 광시곡 '에스파냐'와
림스키-코르사코프의 '스페인 기상곡'에서 영향을 받았을 것으로 보인다.
다만 라벨은 이 '스페인 광시곡'에서 스페인 민속음악을 직접 차용하지는 않았다.
이 부분에 관해서는 라벨과 친분을 나누었던 스페인 작곡가 마누엘 데 파야의 말을
귀담아 들어둘 필요가 있다.
"(라벨의) 광시곡은 나(파야)의 의도와 완전히 일치한다. －'스페인 기상곡'을 쓴
림스키-코르사코프의 경우와는 정반대이다.－ 즉, 그 스페인 색채는 민중의 자료를
그저 이용함으로써 얻어진 것이 아니다. 그 이상의 것이, －'축제' 속의 '호타'는
예외지만－ 우리 민요의 리듬, 선법적인 가락, 장식 음형을 자유롭게 사용하고 작곡가
고유의 방식을 조금도 변질시키지 않음으로써 얻어진 것이다"
'스페인 광시곡'의 유래는 1895년에 작곡된 2대의 피아노를 위한 '하바네라'로 거슬러
올라간다.
거기에 라벨이 다른 세 곡을 덧붙여 전곡의 형태를 정리한 것은 1907년 10월의 일이다.
2대의 피아노를 위한 그 원고를 관현악용으로 고쳐 써서 완성한 것은 1908년 2월의
일이었다.
전곡은 '밤의 전주곡', '말라게냐', '하바네라', '축제' 등 네 곡으로 구성되어 있다.
제1곡 : 밤의 전주곡 Prelude a la nuit
보통 빠르기로 진행되는 3/4박자의 곡으로, 관능적인 색채와 이국적인 분위기가 물씬
풍기는 호젓한 밤의 정취 속에 아련한 향수의 느낌이 담겨있는 야상곡 풍의 음악이다.
처음에 바이올린 파트가 연주하는 동기와 잠시 후 그 위에서 클라리넷이 꺼내놓는
악상이 중요한 역할을 한다.
처음의 동기는 순차 하행하는 네 개의 음표로 이루어져 있으며 이 곡 뿐만 아니라 두
번째 곡과 네 번째 곡에서도 나타난다.
클라리넷은 주요 악상 외에도 화려한 카덴차도 이끌어내며 이국적인 색채를 주도한다.
제2곡 : 말라게냐 Malaguena
생기 있는 3/4박자의 곡으로 앞 곡에서 중단 없이 이어진다.
'말라게냐'는 스페인 말라가 지방의 민속무곡인데, 곡의 전반부와 말미에 말라게냐
리듬이 활용되고 있다.
전반부는 트럼펫의 취주와 캐스터네츠 리듬이 돋보이는 가운데 활기차게 지나가고
후반부에서는 템포가 뚝 떨어져 잉글리시 호른이 투나딜랴(작은 노래) 풍의 고즈넉한
선율을 연주한다.
제3곡 : 하바네라 Habanera
아주 천천히 느긋한 리듬으로 진행되는 2/4박자의 곡으로 두 가지 하바네라 리듬에
기초하고 있다.
2/4박자이면서도 3박자와 2박자가 결합되어 있는 리듬 전개, 일견 모호한 듯하면서도
정밀한 짜임새가 돋보인다.
라벨의 섬세하고 교묘한 기법이 가장 잘 부각된 곡이라 하겠다.
제4곡 : 축제 Feria
6/8박자로 진행되는 일종의 디베르티멘토로서, 주부에는 5개의 민요 가락이 사용되었다.
전체적으로 스페인 서민들의 축제에서 볼 수 있는 것과 같은 열기와 활력과 떠들썩함이
생생하게 분출되지만 한편으론 잉글리시 호른이 탄식의 노래를 들려주는 중간부를
중심으로 섬세하고 관능적인 분위기도 충분히 드러난다.
라벨의 정열적인 기질과 절묘한 균형 감각을 동시에 엿볼 수 있는 곡이라 하겠다.
■ 추천음반
연주시간 15분 안팎의 비교적 짧은 곡인만큼 '라벨 관현악 선집' 류의 음반들에는 대개
포함되어 있다.
여기서는 그 중 라벨 연주로 유명한 지휘자들의 음반을 위주로 넉 장을 골라 보았다.
먼저 아날로그 시절의 명반들 중에서는 앙세르메(Decca)와 클뤼탕스(EMI)를 골라 보았다.
두 지휘자의 성향은 상당히 대조적인데 앙세르메가 지휘한 스위스 로망드 오케스트라의
연주에서는 정밀한 균형감과 조형미가, 클뤼탕스가 지휘한 파리 음악원 오케스트라의
연주에서는 다채로운 표현력과 즉흥성이 돋보인다.
디지털 시대의 음반들 중에서는 불레즈(DG)와 토르틀리에(Chandos)를 언급해야겠다.
불레즈가 지휘한 베를린 필의 연주는 정교한 해석과 기능미의 극치를 보여주며
토르틀리에가 지휘한 얼스터 오케스트라의 연주에서는 충실한 해석과 풍부한 공감이
자연스런 조화를 이루고 있다.
2. Mahler, Symphony No.5 in C sharp minor
Riccardo Chailly(cond), Royal Concertgebouw Orchestra
I. Trauermarsch: In Gemessenem
II. Sturmisch Bewegt:Mit Grosster Hemenz
III. Scherzo:Kraftig,Nicht Zu Schnell
IV. Adagietto:Sehr Langsam
V. Rondo-Finale:Allegro
♣ 말러 교향곡 5번
말러에게 있어 '교향곡 5번'은 새로운 출발이다. 불혹을 넘긴 그는 새로운 기악 교향곡의
첫 작품인 '교향곡 5번'에서 고도로 세련된 작곡기법을 구사함과 동시에 전통적인 교향곡의
구성을 살짝 비틀어 특유의 음악적 풍자와 냉소를 좀 더 세련된 방식으로 드러냈다.
자신의 삶과 음악을 밀접하게 관련시키곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서도 그가 경험한 두
가지 중요한 사건을 은근히 암시하고 있다.
'교향곡 5번'에 착수하던 1901년에 말러는 심각한 장출혈로 위기를 겪은데 이어 교향곡을
완성하던 1902년에는 미모의 알마 신틀러와 결혼하면서 지옥과 천국을 오갔다.
비록 그 자신은 '교향곡 5번'에 어떠한 표제도 붙이지 않았지만 비극적인 장송행진곡으로
시작해 유난히 밝고 경쾌한 5악장으로 마무리되는 '교향곡 5번'은 죽음의 위기와 결혼의
행복이라는 두 가지 사건을 나타내는 듯하다.
비극적인 음악에서 환희의 음악으로 마무리되는 전개 방식은 '어둠에서 광명으로' 향하는
전통적인 독일 교향곡의 구성과 닮았지만 말러는 이 교향곡 곳곳에 자신의 가곡에서 따온
선율을 암시하며 수수께끼 같은 메시지를 전하고 있다.
무엇보다 말러가 '교향곡 5번'에서 이뤄낸 가장 놀라운 업적은 작곡기법적 성취가 아닐까
싶다.
말러의 '교향곡 5번'에선 그 어떤 선율도 단순하게 등장하는 법이 없다. 하나의 주제가 또
다른 주제와 동시에 제시되는가 하면 조그만 반주 음형이 거대하게 자라나 전체 음악을
압도하기도 한다.
1, 3악장에선 트럼펫과 호른이 마치 협주곡의 솔리스트인양 전면에 드러나고 3, 5악장에선
여러 악기들이 매우 정교한 '폴리포니'(polyphony)를 만들어내며 2, 5악장 마지막 부분에선
금관악기들이 통쾌한 코랄(choral)을 연주한다.
물론 '교향곡 5번'에서 가장 유명한 악장인 4악장 '아다지에토'의 아름다운 음악은
영화음악으로 사용될 정도로 로맨틱한 감성으로 가득하다.
말러가 '교향곡 5번'에서 그토록 다양하고 세련된 작곡기법을 구사할 수 있었던 것은 그
당시 말러가 J.S. 바흐의 작품을 깊이 연구한 것과 무관하지 않을 것이다.
1901년 3월 경, 말러는 바흐의 악보 전집을 들여놓고 틈날 때마다 들여다봤으며 여름 휴가
때도 바흐가 사용했던 코랄에 다양하게 화성을 붙이며 하루 일과를 보내곤 했다.
바흐 음악을 통해 새로운 작곡 기법에 눈을 뜬 말러는 '교향곡 5번'을 작곡하면서
"초보자처럼 새롭게 곡을 썼다"고 증언하기도 했는데 실제로 교향곡 5번은 그의 초기
교향곡들과는 근본적으로 다른 음악이다.
말러의 '교향곡 5번'은 교향곡 5, 6, 7번으로 구성된 '중기 3부작'의 새 시대를 연
작품이다.
이 세 교향곡은 순수 기악곡으로 일종의 '교향악적 칸타타'라고 할 수 있는 교향곡 2, 3,
4번과는 완전히 다른 노선을 걷고 있다.
새로운 3부작은 가사도 가수도 합창도 없이 진행된다. 또한 교향곡에 자신의 가곡을
인용하곤 했던 말러는 '교향곡 5번'에서는 단지 암시만 할 뿐 노골적으로 드러내지 않는다.
새로운 3부작을 여는 '교향곡 5번'은 악장 구조 역시 독특하다.
모두 5악장으로 이루어졌으나 1악장은 마치 2악장의 서주와 같은 역할을 하며 제1부를
구성하고 3악장은 제2부, 그리고 4, 5악장이 연결되어 제3부를 구성한다.
제1부는 인상적인 트럼펫 팡파르로 시작한다. 곧 이어 마치 고통스러운 발걸음처럼 무겁고
침통한 장송행진곡이 울려 퍼진다.
팡파르와 행진곡으로 이루어진 두 가지 악상은 곧이어 폭발적인 슬픔으로 중단되며 극단적인
대비를 이룬다.
팡파르와 행진곡, 슬픔의 폭발이 교대되는 동안 이 음악을 듣는 이들 역시 감정적인 고양을
경험하게 될 것이다.
그리고 1악장 말미에 터져 나오는 탄식의 울부짖음에서 절정에 달할 것이다.
이어지는 2악장은 1악장과 몇 가지 악상을 공유하고 있어 사실상 1악장에 연결되는 음악이라
할 수 있다.
소나타 형식으로 구성된 이 악장은 격렬한 분노를 담은 제1주제와 평화를 갈망하는 듯한
제2주제로 중심으로 전개된다.
2악장의 핵심은 이 악장 말미에 금관악기들이 연주하는 통쾌한 '코랄'이지만 이는 오래지
않아 불협화음과 반음계적인 추락 모티브들로 좌절되면서 쓸쓸한 결말에 이른다.
제1부가 장송행진곡과 분노의 폭발이라면 스케르초로 된 제2부는 일종의 춤곡이다.
시골풍의 거친 '랜틀러'와 도시 풍의 세련된 '왈츠'가 교대되는 이 스케르초는 말러 자신이
표현대로 "우리는 삶의 한 가운데서도 죽음 속에 존재한다"(media vita in morte sumus)는
이중성을 드러낸다.
겉으로는 행복한 삶을 누리는 듯하지만 시시각각으로 우리를 위협하는 집요한 시간의 추적이
'♪♪♩♩'의 반복되는 리듬과 광포한 춤곡으로 묘사된다.
이것은 결코 삶에 대한 확신이 아니다. 온갖 모티브들이 여기저기서 튀어나와 거대한
폴리포니를 이루고 있는 이 음악은 죽음의 추격에 쫓기며 우왕좌왕하는 인간의 혼란스러운
삶의 단면을 보여주는 듯하다.
3악장의 난폭한 죽음의 춤을 거쳐 제3부의 첫 악장인 '아다지에토'에 이르면 지극히
낭만적이고 감성적인 음악이 현악기만으로 연주된다.
어떤 이들은 이 음악을 "알마에 대한 사랑의 고백"이라 말하기도 하지만 이 악장의 마지막
부분의 베이스 파트에 암시된 음악은 말러의 뤼케르트 시에 의한 가곡 '나는 세상에서
잊혀지고'라는 가곡이다.
이 곡은 말러가 "이 곡은 바로 나 자신이다"라고 말할 정도로 각별한 애정을 갖고 있던
가곡이긴 하지만 사랑을 노래한 음악에 왜 이런 쓸쓸한 노래를 인용했는지는 여전히 미스터리로
남는다.
4악장에 곧바로 이어지는 5악장은 지나치게 밝고 경쾌한 음악이다. 5악장에서는 2악장 말미에
잠시 등장했던 코랄이 완전한 승리로 끝나고 있어 "삶에 대한 강한 긍정"을 보여주는 음악으로
해석되기도 한다.
그러나 5악장 도입부에서 목관악기들이 연주하는 선율의 단편들 중에 클라리넷이 연주하는
멜로디를 잘 분석해보면 놀랍게도 그 성스럽고 장엄한 코랄 선율임이 드러난다.
5악장 도입부에서 툭 내던져지듯이 연주되는 선율의 단편이 교향곡 5번의 결론을 이끌어내는
성스러운 코랄의 단편이라는 사실은 어쩐지 신성모독 같이 느껴지기도 한다.
게다가 5악장 도입부에서 연주되는 바순의 상행 모티브는 말러의 뿔피리 가곡집 중에서 '높은
지성의 찬가'(Lob des hohen verstands)에서 따온 것으로 그 내용은 우스꽝스럽기 짝이 없다.
이 가곡에서 당나귀는 귀가 크다는 이유로 뻐꾸기와 나이팅게일의 노래 경연대회의 심사위원으로
초청된다.
그는 단순하게 두 음만 반복하는 뻐꾸기의 노래가 더 훌륭하다고 판정한다. 이는 나이팅게일의
멋진 노래와도 같은 말러의 훌륭한 작품이 당나귀와 같은 당대 비평가들에 의해 인정받지 못하고
있다는 사실에 대한 말러의 자조인 듯 느껴진다.
말러의 냉소적인 풍자는 계속된다. 말러는 4악장에서 그토록 간절하고 안타깝게 표현했던 아름다운
사랑의 주제를 5악장의 제2주제로 가져와 지나치게 가볍고 경쾌한 음악으로 바꿔놓으면서 진실한
사랑을 회피하려는 듯하다.
이것 역시 코랄의 신성모독 못지않은 충격을 전해준다.
과연 말러가 '교향곡 5번'에서 표현하고자 했던 메시지는 무엇이었을까? 그것은 여전히 수수께끼로
남지만 말러가 이 교향곡에서 표현한 그 현란한 폴리포니와 화려한 기교는 오늘날의 음악애호가들을
사로잡기에 충분하다.
■ 추천음반
말러 '교향곡 5번'의 추천 음반으로는 풍부한 감성을 담은 텐슈테트/런던 필하모닉의 음반(EMI)과
명쾌한 해석이 돋보이는 샤이/RCO(Decca)의 음반을 추천한다.
각 성부의 생동감 있는 움직임이 돋보이는 래틀/베를린 필하모닉(EMI)의 음반도 좋다.
또한 시노폴리/필하모니아 오케스트라(DG)의 음반 등을 꼽을 수 있겠다.
리카르도 샤이 (Riccardo Chailly, 1953. 2. 20 ~ )
이탈리아의 밀라노에서 태어났다. 아버지는 힌데미트 문하의 유명한 작곡가 루치아노 샤이이다.
어린 시절부터 아버지 곁에서 음악의 기초 교육을 받으면서 처음에는 피아니스트가 되려고 했다.
그런데 밀라노 음악원에서 프랑코 카리치오로를 사사하여 작곡의 디플로마를 얻은 다음
페루자에서 피에로 과리아노, 시에나의 키지 음악원에서 프랑코 페라라와 같은 명교사를
사사했다.
15세 때인 1968년 클라우디오 시모네에게 인정을 받아 파도바에서 이 솔리스티 베네티를 지휘하여
데뷔했고 2년 뒤에는 클라우디오 아바도의 추천으로 밀라노 스칼라 극장의 부지휘자로 발탁되었다.
1972년 키지 음악원을 졸업한 샤이는 밀라노의 테아트로 누오보에서 마스네의 '베르테르'를
공연하여 오페라 지휘자로 데뷔했다.
1974년에는 미국으로 진출, 시카코 리릭 오페라에서'나비 부인'을 지휘했고 1977년 시즌에는
샌프란시스코 오페라의 오프닝에서 '투란도트'를 공연하여 큰 성공을 거두었다.
이후 밀라노 스칼라 극장에서 베르디의 '군도'를 지휘해 국제적인 주목을 끌게 된다.
더욱이 1982년에는 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서 데뷔했다.
그는 이미 런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장, 함부르크의 슈타츠오퍼에서도 호평을 받았고
오페라 지휘자로서는 제일 젊으면서도 높은 인기를 누리는 주인공이 되었다.
다만 콘서트의 지휘 방면에는 아직도 충분한 캐리어를 쌓았다고 할 수 없지만 런던 교향악단이나
베를린 필하모니아, 뮌헨 필하모니, 로열 필하모니, 로스앤젤레스 필하모니를 지휘, 차곡차곡
캐리어를 쌓고 있다.
1982년 시즌부터 베를린 방송교향악단의 음악 감독에 취임하였다.
1986년에는 볼로냐 시립 오페라 극장 음악 감독으로도 취임했고 콘서트와 오페라의 양쪽으로
자기의 본거지를 가질 수 있게 된 샤이는 점점 활약을 넓히고 있다.
또한 1988년부터는 암스테르담 콘세르트헤보우 관현악단 수석 지휘자도 겸하게 되었다.
그 동안 1984년에는 로열 필하모니와 함께 한국에 와서 세종문화회관에서 지휘했다.
샤이는 위와 같은 경력에 비추어 보더라도 연령적으로는 아직도 시작에 불과하다고 하겠다.
그러나 수적으로는 적지만 시중에 팔리고 있는 레코드를 듣게 되면 소위 네거티브적인 의미의
젊음은 전혀 느낄 수가 없다.
마스네의 '베르테르'(그라모폰)에서는 도밍고, 오브라스초바와 같은 베테랑 가수를 구사하여
실로 전체를 멀리 내다보는 안정된 음악을 이끌어 낸 솜씨는 실로 경탄을 금할 수 없게 한다.
멘델스존의 '교항곡 제2번(찬가)''교향곡 제3번(스코틀랜드)'(필립스)에서도 다분히 젊음을
느낄 수가 있지만 스케일의 크기를 본다면 도저히 20대의 젊은이의 음악이라고는 생각되지
않는다.
특히 '찬가'의 경우 코러스의 컨트롤, 오케스트라와 솔로의 퍼스펙티브 등은 숙달된
기량이라고 표현해도 조금도 이상하지 많다고 본다.
역시 샤이가 오페라의 현장에서 얼마나 많은 것을 익혔는가를 단적으로 나타내 준다.
이만큼 흥미롭게 곡을 들려 줄 수 있다는 것은 그가 보통 사람이 아니라는 증거라 하겠다.
샤이는 21세기의 1장이란 라이센스를 손에 넣을 수 있는 가장 가까운 거리에 있는 인재라고
하겠다.
3. Mozart, Piano Concerto No.22 in E Flat Major K.482
Rudolf Serkin(Pf) / Pablo Casals(cond), Perpignan Festival Orchestra
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro
※ Recorded 1951. 7. 26
♣ 모차르트 피아노 협주곡 22번
1785년 12월 6일에 모차르트는 새로운 협주곡을 완성하고 그로부터 12일 후 정기 연주회에서
초연했다.
그 해 말에 세 번째로 작곡한 피아노 협주곡 22번 E♭장조(K482)는 이전의 두 곡과는 확연히
다르다.
물론 세 곡 모두 흠잡을 데 없는 기교와 놀랄 만큼 독창적인 형식 및 건반곡에 대한 전문적
지식과 모차르트만의 연극적 상상력을 지니고 있다.
그러나 K482에서는 악기의 음색을 대비하는 데 역점을 두고 있다.
특히 관현악에 클라리넷을 추가해 음색의 대비를 더욱 강조했다는 점에서 이전보다 더 세련된
모습을 엿볼 수 있다.
특히 관악기의 활용이 돋보인다. 정교한 목관악기의 음색이 C단조 안단테 악장에 장조의
분위기를 가미하고 알레그로 악장에서는 A♭장조 환상곡의 느낌을 주기도 한다.
그래서 곡이 지닌 감각적인 즐거움이 한층 고조된다.
당시에 이미 '피가로의 결혼'을 쓰고 있었기 때문에 K482와 자주 비견되는 '여자는 다 그래'가
5년 후에 나왔다는 사실이 놀라울 따름이다.
조의 선택과 관계를 보거나 유쾌한 코미디가 작품의 어두운 이면을 관통하는 모습을 보면 이
곡과 1790년에 나온 오페라는 피를 나눈 형제처럼 보인다.
루돌프 제르킨 (Rudolf Serkin, 1903. 3. 28 ~ 1991.5.8)
보히미아의 에겔에서 유태계의 러시아인의 가정에서 태어난 미국의 거장 피아니스트이다.
4세 때부터 전에 성악가였던 부친에게서 피아노의 초보를 배우고 9세 때 빈으로 나가 피아노를
리햐르트 로베르트, 작곡을 요제프 마르크스와 쇤베르크 에게 사사했다.
그리고 일찌기도 12세로 빈 필의 독주자로서 기용되어 멘델스존의 피아노 협주곡 G단조를
연주해 성공을 거두었으나 더욱 공부를 계속하여 1920년이 되어서 본격적인 연주 활동에
들어갔다.
제르킨이 친구의 집에서 후에 그의 장인이 된 명 바이올리니스트인 아돌프 부시와 만난 것도
마침 이 해여서 그의 연주를 들은 부시는 곧 자기와 연주 여행을 제의하여 그를 베를린
자택으로 초대했다.
그래서 그 초청에 응해서 베를린의 부시 가를 방문한 제르킨은 거기서 부시의 외동딸
일레네와 만났는데 당시 4세였던 그녀야말로 14년 후에 제르킨의 아내가 된 그 여성이었다.
또 베를린에서의 데뷔에서 부시의 지휘로 바하의 '브란데부르크 협주곡 제 5번'을 연주한
제르킨이 열렬한 앙코르에 응해서 놀랍게도 연주 시간이 50분이 넘는 '골드베르크 변주곡'을
연주해 버렸다는 에피소드도 널리 알려져 있다.
이리하여 피아니스트로서 순조로운 걸음을 계속하여 명성을 날린 제르킨이었지만
유태인이었기 때문에 나찌 정권 성립 후는 독일 국내에서 활동이 불가능하게 되어 마침내
1939년에 부시와 함께 유럽을 떠나서 미국으로 건너갔다.
그는 이미 1933년에 부시와 함께 워싱턴의 쿨리시 음악제에 초청되고 1936년에는 토스카니니
지휘의 뉴욕 필과 공연하여 호평을 얻었다.
미국에 건너가서는 독주자로서 한층 적극적인 활동을 하게 되어 세계 각지를 연주 여행해서
압도적인 명성을 얻었다.
또 다망한 연주의 틈을 내어 1939년부터는 커티스 음악원의 교수를 맡고 1950년 부터는
버몬트 주의 말보로에서 매년 여름 음악제와 음악학교를 주재하여 후진 지도에도 정열을
기울였다.
반 세기를 넘은 충실한 경험을 지닌 제르킨은 바하에서 바르토크에 이르는 넓은 레퍼터리를
자랑했다.
그러나 그러한 그의 음악의 중심을 이루는 것은 무어라 해도 베토벤으로부터 브람스까지의
독일 음악이라해도 좋을 것이다.
드물게 보는 긴장감이 넘친 힘찬 조형속에 작품의 본질과 그 정신성을 훌륭히 구현하고 있다.
또 A. 부시나 카잘스와 함께 실내악 연주에도 극히 충실된 연주를 들려준다.
4. Bruch, Violin Concerto No.2, in D Minor Op.44
Jascha Heifetz(Vn) / Izler Solomon(cond), RCA Victor Symphony Orchestra
I. Adagio ma non troppo
II. Allegro moderato
III. Finale Allegro molto
※ Recorded 1954. 11. 2
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에 입학하여
드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고
그 이래 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해 하이페츠의
이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는 표현
등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어가는
큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Mozart, Oboe Quintet in C minor K.406a
Salzburg Soloists
I. Allegro
II. Andante
III. Menuetto
IV. Allegro
[ TGIF JazZ ]
6. Jacques Loussier - Plays Bach The 50Th Anniversary Recording
I. Partita In E Major
II. Invention For Two Voices
III. Silciliana In G Minor
IV. Vivace From Concerto In C Minor
V. Toccata And Fuge In C Minor Overture
VI. Toccata And Fuge In C Minor Adagio
VII. Toccata And Fuge In C Minor Fuge
VIII. Minuet In G Major
IX. Prelude No 2 In C Minor
X. Chrommatic Fantasy
XI. Chorale No 1 Sleepers Awake
자크 루시에 (Jacques Loussier, 1934 ~ )
프랑스 앙제 출생으로 파리 콩세르바투아르에서 클래식 음악공부를 하였다.
재학 중 아르바이트로 재즈와 대중음악을 연주하였는데 우연히 프랑스 데카 레코드의
스튜디오에서 J.S.바흐 작품을 재즈풍으로 연주한 것이 프로듀서의 인정을 받아 바흐의
작품을 다룬 ‘프레 바흐 시리즈’를 취입해 세계의 주목을 끌었다.
1963년 이후에는 그의 피아노를 중심으로 P.미쉬로(베이스), C.갸로(드럼)로 이루어진
트리오로 활약하였다.
교향악단을 지휘하여 '브란덴부르크협주곡'을 취입하였고 이 밖에 많은 영화음악도
작곡하였다.
7. Tchaikovsky, String Quartet No.3 in E flat major Op.30
Borodin Quartet
I. Andante Sostenuto - Allegro moderato
II. Allegretto vivo e scherzando
III. Andante funebre e doloroso, ma con moto
IV. Finale: Allegro non troppo e risoluto
♣ 차이코프스키 현악4중주 3번 E 플랫 장조 Op.30
체코 프라하 출신의 작곡가이며 바이올리니스트이기도 했던 페르디난도 라웁은
차이코프스키로부터 당대에 가장 훌륭한 연주자라는 칭찬을 들었다.
차이코프스키는 그의 첫번째와 두번째 현악4중주 초연에 그를 참여하게 하는 등 서로 매우
친한 관계를 유지하고 있었다.
1875년 라웁이 젊은 나이에 폐결핵으로 사망하자 그 다음해인 1876년 차이코프스키는
라웁을 회상하며 세번째 현악4중주를 작곡했다.
차이코프스키의 세번째 현악4중주는 너무 우울한 느낌을 주는 까닭에 그가 피아노 협주곡
1번 등의 작품으로 인기를 끌던 시절임에도 불구하고 상대적으로 소외되었고 거의 알려지지
않았다.
보로딘 현악4중주단
보로딘 현악4중주단은 전통과 명성을 자랑하는 러시아 실내악단으로 1945년 모스크바
음악원 출신 연주자들이 모여 '모스크바 필하모닉 4중주단'이라는 이름으로 창단한 이들은
창단 10주년이었던 1955년 이름을 바꿔 지금까지 60년 전통을 이어오고 있다
보로딘은 기념 국립이라는 뜻을 지닌 러시아어로 구 소련정부로부터 이름을 부여받았다.
그들의 연주는 피치의 정확함과 폭넓은 다이내믹 레인지에 더해 밀도가 높은 앙상블로
다듬어 올려가는 비범한 정열이 그대로 음악이 되어 솟구쳐 나오는 데 매력이 있다.
8. Franck, Violin Sonata in A Major
Jascha Heifetz(Vn) / Brooks Smith(Pf)
I. Allegretto ben moderato
II. Allegro
III. Recitativo - Fantasia. Ben moderato
IV. Allegretto poco mosso
※ Recorded 1972. 10. 23
♣ 프랑크 바이올린 소나타 A 장조
1886년 9월 28일, 벨기에의 바이올린 연주자이자 작곡가인 외젠 이자이의 결혼식에서
연주된 프랑크의 바이올린 소나타는 새로운 출발점이었다.
이자이에게는 장밋빛 미래를 밝혀주는 우정의 선물이었으며 프랑크는 이 작품을 통해서
비로소 작곡가로 자리매김할 수 있었기 때문이다.
실제로 이 음악은 그가 죽기 몇 달 전에 선보인 현악 사중주를 제외한다면 프랑크 생전에
유일하게 성공한 작품이라고 할 수 있다.
이 바이올린 소나타의 성공은 그에게 많은 것을 가져다 주었다.
아마도 많은 사람들에게 세자르 프랑크는 바이올린 소나타의 작곡가로 기억되고 있을
것이다.
물론 '생명의 양식'(Panis Angelicus)과 같은 작품들도 있지만 무엇보다 프랑크 음악의
정점은 바로 이 A장조의 바이올린 소나타이다.
이 작품에 대한 드뷔시의 다음과 같은 말은 매우 중요하다.
"사람들은 프랑크의 천재성에 대해 떠들어대곤 하지만 정작 순수한 의미의 심플함이라는
것을 지적한 사람은 없다"
사실 프랑크는 매우 단순한 사람이며 대단한 낙천주의자였다.
그의 제자였던 뱅상 댕디는 "프랑크는 아름다운 화음 하나를 작곡한 것만으로도 하루종일
기분이 좋아서 콧노래를 부르는 사람이다"라는 증언을 남겼다.
그의 작품들은 일견 단순해 보이지만 그 안에는 엄격한 논리 구조가 자리잡고 있다.
그리고 그것은 19세기 리스트와 바그너에서 시작된 새로운 종류의 음악이며 프랑크는
전통과 혁신 사이의 통로를 발견했다고 할 수 있을 것이다.
곡의 발전부와 제시부가 통일적으로 묶여 있기 보다 독립적으로 사용되고 있다는 점은 이
새로운 음악적 통로에 관해 우리에게 많은 것을 시사한다.
요컨대 프랑크의 바이올린 소나타는 접근하면서 멀어지며 다가오면서 이탈하는 우주의
조화를 담고 있는 것처럼 보인다.
사실 프랑크는 평생을 오르가니스트로 살아 왔으며 동시대의 사람들에게도 그는 하모니움
(소형 오르간의 일종으로 우리나라에서는 풍금으로 알려져 있다) 선생으로 유명했다.
프랑크는 오르간으로 사고한 인간이었으며 그의 작곡 기법에서도 오르간 스타일은 작품의
가장 밑바탕에서 움직이고 있다.
그가 이 바이올린 소나타에서 순환 기법(구조적인 통일을 위해 앞선 악장의 동기, 주제
등을 뒤 악장에 반복하는 작곡 형식)을 쓴 이유도 여러 가지가 있겠지만 오르간을 연주한
경험에서부터 비롯되었을 것이다.
대위법적인 요소가 쓰인 것도 오르가니스트로서 바흐의 오르간 작품을 연주했던 기억으로
물들어 있기 때문이다.
이러한 작곡 스타일은 그의 D단조 교향곡에서도 드러나는데 생명의 탄생과 소멸 그리고
다시 생성의 단계를 그리고 있다.
프랑크의 네 악장짜리 바이올린 소나타는 유기적인 구조로 연결되어 있다.
1악장의 모티프가 조금씩 변형되고 마침내 4악장의 코다에서 장엄하게 폭발하는 이 작품은
클로드 드뷔시, 뱅상 댕디, 에르네스트 쇼송의 음악이 나아갈 바를 제시해주었다.
음악적 감성이 풍부하면서도 형식 구조가 논리적인 스타일은 프랑크 바이올린 소나타의
특징이다.
이 정도로 감정이 점진적으로 하강과 상승을 반복하면서 사람들의 기억 속에 투영된
작품은 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다.
여기에는 바흐의 명상과 베토벤의 내적 논리가 따뜻하게 화합하고 있으며 끊어질 듯
끊어질 듯하면서도 계속 이어지는 모티프는 한없는 침묵처럼 깊은 여운을 남긴다.
다음과 같은 뱅상 댕디의 증언은 이 곡을 이해하는 데 있어 귀 기울일 만하다.
"만일 프랑크가 바이올린 소나타를 어떤 생각으로 작곡했는지를 당신이 알고 있다면
미래의 연주자들에게 다음과 같은 말을 전할 것이다. 1악장을 느린 악장으로 연주하는
경향에서 벗어나라고 말이다. 이 알레그레토는 명랑함을 매우 우아하게 표현하고 있는데
이것을 극적인 레치타티보로 처리하는 것은 작곡가의 의도를 정면으로 거스르는 것이기
때문이다"
앞에서 댕디가 말한 것처럼 이 곡은 '가장 순수한 순환 주제를 가진 최초의 작품'이다.
프랑크는 각각의 악장들을 사촌의 관계라고 말했는데 서로 유기적으로 연관되어
있으므로 개별적인 악장들을 따로 떼어 연주한다는 것은 의미가 없다.
1악장은 작곡가가 '연애의 시작'을 의미한다고 말했다.
은은하게 떨리는 마음의 표현처럼 피아노가 낮게 음을 이끌어내며 곧이어 바이올린이
천천히 몽환적인 주제 음을 연주한다.
선율적인 이 첫 번째 동기는 지속적으로 순환 반복하는데 2악장에서도 이러한 분위기는
유지된다.
2악장에서 비등점을 향해 끓어오르는 바이올린과 피아노의 교차는 상당히 인상적이며 이
모든 것들은 뜨거운 감정의 폭발을 말해준다.
3악장은 유래가 없을만큼 프랑크의 상상력이 발휘되었다고 할 수 있을 만큼 독창적이며
다양한 변주가 사랑의 속삭임을 말해준다.
여기서 주제를 다루는 프랑크의 능력은 무척이나 섬세하다.
4악장은 결혼에 도달하게 된 사랑스런 커플의 환상을 그리고 있다.
바이올린과 피아노의 카논 양식이 돋보이는 악장으로 마치 팡파르처럼 울러퍼지는
선율은 행복한 미래를 상징한다.
한편 이 작품은 전 세계 바이올리니스트들이 가장 즐겨 연주하는 소나타가가 되었으며
첼로나 플루트 소나타로 편곡되어 널리 연주되고 있다.
[ 앨범감상 ]
9. The Classic Romance
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