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1. Handel, Concerti grossi Op.6 No.6 HWV.324
I Solisti Italiani
I. Largo affettuoso
II. A tempo giusto
III. Musette. Laghetto
IV. Allegro
V. Allegro
♣ 헨델 합주 협주곡 6번
헨델은 1739년 9월 29일부터 10월 30일까지의 약 1개월 동안에 열두곡의 '합주 협주곡'
(12 Concerti Grossi op.6)을 단숨에 작곡하여 실력을 과시했다.
이 무렵 54세의 헨델은 충실한 정신력과 불붙는 창작욕의 절정에 올라 있었다.
'합주 협주곡' 작품6은 다소 우열은 있지만 헨델의 완성된 수법과 음악의 아름다움을
충분히 갖추고 있다.
그는 이탈리아의 코렐리가 완성한 현의 합주 협주곡, 즉 콘체르토 그로소(Concerto
Grosso)의 형식을 빌려 전 12곡을 작곡했다.
'합주 협주곡' 작품6은 바하의 '브란덴부르크 협주곡'과 아울러 같은 형식의 쌍벽을
이루는 걸작으로 꼽힌다.
이 곡집은 바하의 경우와는 달리 현악기만의 협주곡으로 작곡되었다.
두개의 바이올린과 첼로를 독주악기로 삼고 쳄발로의 통주 저음을 지닌 현악기군과
협주시키고 있다.
전 12곡의 내용은 자유롭고 각 곡이 넷 또는 여섯 개의 악장으로 이루어져 있다.
어떤 곡은 바로크 시기 기악곡의 대표적인 형식인 '교회 소나타' 풍의 느림 - 빠름 -
느림 - 빠름의 네악장으로 되었는가 하면 다른곡은 불란서 서곡으로 시작되는 곡,
무곡의 알르망드로 시작하는 곡등 곡마다에 독장성이 넘친다.
때로는 대담한 화현을 써서 섬뜩하게 만드는가 하면, 신선한 감각의 리듬으로 숨막히는
알레그로의 악상을 펼쳐 보이기도 하고 또 목가적인 멜로디와 오페라처럼 풍성한
멜로디를 한껏 노래 하기도 한다.
불란서의 작가이며 베토벤 연구가이기도 한 로망 롤랑은 위의 열두곡에서 제2, 제4,
제6번을 걸작으로 꼽고 있지만 이 밖에도 제2번과 마찬가지로 목가적인 제11번 A장조,
당당한 제1번 G장조, 비극적인 제10번 B단조, 코렐리적이며 장중한 제12번 B단조 등
매력적인 곡이 많다.
그러나 전문가가 아닌 이상 일반 애호가에게는 아무 부담 없이 즐길수 있는 제2번과
감명 깊은 제6번으로 충분하리라 생각된다.
제2번의 유원한 목가조가 헨델의 영국적 성격을 부각한다면 제6번은 중후하고 구성적인
그의 게르만적 성격을 드러냈다고 볼수 있다.
헨델의 합주 협주곡 6번은 이탈리아 협주곡 에서 영감을 얻어 만든 작품이지만 음악
선율은 이탈리아의 협주곡 과는 조금 다른 독일 바로크 음악에 기반을 두고 있다.
독주 악기는 다른 열한곡과 마찬가지로 세개이며 바이올린 두개와 첼로 하나이다.
그리고 합주부는 현악기 합주와 쳄발로가 맡는다. 악장은 다섯 개이다.
제1악장은 라르게토 에 아페토지, '좀 느리게 그리고 부드럽고 깊은 감정을 다해'라는
뜻의 곡이다.
제2악장은 알레그로 마 논 트로포의 템포이며 반음계적 주제 위에 확고한 푸가를 구축해
나간다.
제3악장은 느린 라르게토이며 헨델은 '뮈제트'(musette)라고 불렀다. 뮈제트 중에 이
악장 같은 달콤하고 아름다운 소리를 내는 것이 있다.
제4악장과 제5악장은 모두 알레그로이다. 언뜻 듣기에 빠르고 쾌활한 두개의 악장에서
곡이 끝나는 점이 어색하다고 여길 사람이 있을지 모른다.
그러나 제1악장은 서주, 제5악장은 후주라고 생각 한다면 중간의 세개 악장은 소나타
형식으로 구성되었다고 볼 수 있어서 결코 헨델이 즉흥적으로 만든 곡이 아님을 알 수
있다. 중후하고 정신적인 깊이가 있는 음악이다.
2. Juan Crisostono De Arriaga, Symphonie a Grande Orchestre
Paul Dombrecht(cond), Il Fondamento
I. Adagio - Allegro vivace - Presto
II. Andate
III. Minuetto, Allegro - Trio
IV. Allegro con moto
후앙 크리스토모 자코모 안토니오 데 아리아가
(Juan Crisostomo Jacomo Antonio de Arriaga, 1806 ~ 1826)
19세기 후반 무렵에 '스페인의 모차르트'로 불리던 작곡가 후앙 크리스토모 자코모
안토니오 데 아리아가는 그의 20번째 생일을 열흘 앞둔 어린 나이에 죽음을 맞은
비운의 작곡가였다.
오늘날 그의 명성은 남아있는 작품이 거의 없음에도 불구하고 대단한 가능성을 지녔던
작곡가로 평가받고 있다.
아리아가는 빌바오의 바스크시에서 모차르트가 사망한지 50년 후인 1806년 1월 27일에
태어났다.
음악학자이며 작곡가였던 프랑수아 페티(후에 아리아가을 가르침)가 이미 음악적으로
조숙한 단계에 이르렀던 그의 나이를 2년 어리게 소개한 것 등으로 미루어 그가
유년기에 음악교육을 거의 받지 않았다는 것을 짐작할 수 있다.
아리아가가 빌바오에서 작곡한 작품들은 비록 몇년 후의 작품들만큼 잘 다듬어지지는
않았지만 형식에 대한 이해의 부족함은 전혀 찾아볼 수 없다.
더우기 그는 타고난 재능이었는지 아니면 이름이 알려져 있지 않은 무명의 바이올린
연주자로부터 교육을 받았는지 여부는 알 수 없지만 어린이로서는 뛰어난 기교를 가진
바이올린 연주자였다.
15세가 된 아리아가는 파리 콘서바토리에 입학하여 삐에르 바일로에게는 바이올린을,
프랑수아 페티에게는 대위법과 화성을 배웠다.
1823년에 그는 푸가와 대위법 부문에서 2등상을 받았으며 그 후 콘서바토리의 화성
과정의 조교수로 일하게 되었다.
1824년 그는 d단조, A장조, 그리고 Eb장조의 세 개의 현악4중주를 출판하였다.
남은 생애의 2년동안 그는 그의 창작력을 스타바트 바테르와 같은 대규모의 성악곡을
포함해 종교음악 등 성악과 합창곡에 집중하였으며 한편으로는 교향곡 D장조를
작곡했다.
아리아가는 그 당시 파리 프랑스 국립음악학교의 딱딱한 학구적인 제약들에도 불구하고
그 자신을 표현하기에 충분한 타고난 강한 개성을 가진 보수적인 작곡가였다.
아리아가의 초기 작품들(1820년 작곡된 오케스트라를 위한 서곡 1번과 오페라 행복한
노예들)에 충만되어 있는 이탈리아 음악의 영향은 아리아가의 대위법과 화성을 다루는
기술을 통해 빈 고전파 거장들의 귀족적이고 형식적인 특징으로 하는 우아한 스타일을
소유하게 되면서 이내 버려졌다.
한때 음악의 역사에 잊혀졌던 얼굴인 아리아가는 19 세기 후반부터 다시 연주회장에
돌아왔다.
그리고 20세기 중반에 이르러서는 그의 고향인 빌바오에서 그의 음악에 대한 출판
캠페인이 벌어졌다.
그러나 연주회 레퍼토리에 아리아가의 작품이 자주 오르지 않기 때문에 그가 덜 알려진
평가절하된 음악계의 보석으로 남을 것이 확실하다.
아리아가는 19세의 나이에 죽었지만 오페라, 칸타타, 실내악, 그리고 관현악 작품, 또
많은 소품을 남겼다.
그의 처음이자 유일한 이 교향곡은 이미 콘서바토리의 조교수였던 18세 때에 작곡되었다.
이 작품에서는 어린 미숙함의 흔적을 찾아볼 수 없다. 길고 느린 서주는 그의 진지한
분위기를 보여주는 힘차고 빠른 부분과 더불어 베토벤과 같은 권위를 느끼게 한다.
슬프고 느린 악장은 목관악기에 의해 감성적으로 표현되고 있으며 그 중에서도 플룻은
당김음적인 미뉴에트와 트리오에서 중요한 위치를 점하고 있다.
알레그로 콘 모토로 지정되어 있는 마지막 스케르쪼는 앞 악장들의 모든 선율적이고
리듬적인 흐름을 가지고 있다.
단조 패시지를 포함하는 앞 악장들의 다른 메아리들이 이 음악을 차가운 그림자로 뒤덮는다.
아리아가의 다른 작품들에서 볼 수 있었던 부드럽고 고전적인 기품은 이 교향곡에서 초기
낭만파 시기에서나 볼 수 있는 드라마틱함으로 뒤바뀐다.
3. Grieg, Piano Concerto in A Minor Op.16
Arturo Benedetti Michelangeli(Pf) / Rafael Fruhbeck de Burgos(cond), New Philharmonia Orchestra
I. Allegro molto moderato
II. Adagio
III. Allegro molto moderato e marcato - Quasi Presto - Andante maestoso
♣ 그리그 피아노 협주곡 A 단조 Op.16
그리그의 피아노 협주곡 A단조는 힘차고 아름다운 피아노 협주곡은 '페르 귄트'와 나란히
그리그의 대표작으로 꼽히며 전 세계 공연장에서 청중들에게 가장 인기 있는 피아노
협주곡의 하나로 각광받고 있다.
그리그가 자신의 유일한 피아노 협주곡을 작곡한 것은 스물 다섯 살 때인 1868년의
일이었는데 당시 그는 생애에서 가장 행복한 시기를 보내고 있었다.
일단 1866년 10월 크리스티아니아(현재의 오슬로)에서 개최한 공연이 성공을 거두면서
노르웨이 음악계의 새로운 별로 떠올랐고 그 여세를 몰아 시립관현악단의 지휘자에
임명되었는가 하면 1867년 1월에는 노르웨이 최초의 교향곡 작곡가로 알려진 오토 빈테르-
옐름의 도움을 받아 '노르웨이 음악 아카데미'를 설립하는 등 음악가로서 탄탄한 성공가도를
달리고 있었다.
또 1867년 6월에는 사촌인 니나 하게룹과 결혼을 했고 그 이듬해인 1868년에는 첫째 딸
알렉산드라가 태어났다.
이처럼 승승장구하던 젊은 음악가의 당찬 패기와 원대한 포부 그리고 단란한 가정을 꾸린 한
남자의 순수하고 솔직한 기쁨과 긍정적인 전망이 이 협주곡에 고스란히 투영되었음은
물론이다.
그런데 이 곡은 전편에 생기와 활력 그리고 온화하고 감미로운 기운이 넘치면서도 단조를
기반으로 하고 있어서 사뭇 독특한 인상을 풍긴다.
그리그가 이 협주곡에서 취한 조성의 유래는 그의 독일 유학 시절로 거슬러 올라가는 듯하다.
라이프치히 음악원에서 공부하던 시절 그는 게반트하우스에서 열린 음악회에서 클라라
슈만이 남편의 작품을 연주하는 것을 들었다.
로베르트 슈만이 남긴 피아노 협주곡의 조성 역시 이 곡과 같은 'a단조'이며 그리그는
이밖에도 첫 악장을 시작하는 방식을 비롯하여 여러 모로 슈만의 스타일에서 영향을 받은
것으로 보인다.
이러한 연관성 때문인지 음반에 두 작품을 함께 수록하는 것은 일종의 공식처럼 관례화되어
있다.
하지만 그리그가 단조를 취한 것이 슈만의 영향 때문만은 아니었을 것이다.
어쩌면 그것은 노르웨이의 환경과 정서를 표현하기에 장조보다 단조가 더 적합하다고
판단했기 때문은 아니었을까?
이 협주곡은 무엇보다 그리그가 '노르웨이 민족음악'에 대한 의지를 본격화한 첫 번째
대작이라는 데에서 그 의의를 찾을 수 있다.
그리그는 라이프치히 유학 직후 크리스티아니아에서 피아니스트로 데뷔하여 대성공을
거두었지만 문화적으로 다소 낙후되어 있던 고국에서 안주하지 않고 보다 풍부한 경험과
자극을 찾아 당시 북유럽 문화의 중심지였던 덴마크의 수도로 건너갔다.
코펜하겐에 머무는 동안 그리그는 문화적, 환경적, 인간적으로 무척 뜻 깊고 즐거운 시간을
보냈는데 그 중에서도 가장 의미 있었던 일은 베르겐(그리그 자신의 고향이기도 하다) 출신의
음악가 리카르드 노르드로크와의 만남이었다.
그리그는 노르드로크를 만나자마자 노르웨이의 전통음악과 민족적 소재에 대한 그의 정열과
신념에 금세 감화되었다.
바야흐로 내면 깊은 곳에 자리하고 있던 노르웨이의 전설과 산맥, 피요르드와 농민의
이야기가 되살아나 숨쉬기 시작했고 그는 '진정한 노르웨이 국민음악'의 가능성을
본격적으로 모색하게 되었다.
동년배인 두 사람은 의기투합하여 다른 친구들과 함께 '오이테르페 협회'라는 단체를 만들어
당대의 스칸디나비아 음악을 연주하는 음악회를 열었다.
비록 노르드로크의 안타까운 요절로 두 사람의 공동작업은 오래가지 못했지만 음악으로
노르웨이의 정신을 표현하자던 친구와의 약속은 그리그에게 평생의 화두로 남게 되었다.
다시 말해서 이 협주곡은 그리그가 조국의 전통유산을 새로이 자각하기 시작한 증거물이라
하겠다.
여기서 그는 노르웨이 민요풍의 선율을 구사했고 노르웨이 산악지방에 전해 내려오는
도약무곡의 리듬을 사용했으며 노르웨이 민속악기인 '하르당게르 피들'의 연주 스타일을
모방했다.
또 노르웨이 전설 속의 이미지를 투영했는가 하면 악곡 전편에 면면히 흐르는 청명하고
서늘한 기운을 통해서 노르웨이 대자연의 분위기를 환기시키고 있다.
'피아노 협주곡 a단조'는 1868년 여름, 덴마크의 쇨레뢰드에 자리한 목가적인 별장에서
작곡되어 이듬해 봄 코펜하겐에서 초연되었다.
당연히 그리그 자신이 피아노 독주를 맡았어야 했지만 그는 크리스티아니아에서의 지휘자
업무 때문에 초연에 참석하지도 못했다.
닐스 가데, 안톤 루빈스타인 등 저명한 음악가들이 배석한 초연은 성공을 거두었고 작품의
악보는 1872년에 출판되었다.
노르드로크에게 헌정된 이 초판본은 출판되자마자 큰 인기를 끌었고 '피아노의 제왕'
리스트에게서도 격찬을 받았다.
리스트는 그리그와 두 번째 만났을 때 이 곡을 직접 연주했는데 작품에 큰 감동을 받은 듯
마지막 부분을 다시 한 번 연주한 다음 칭찬과 격려를 아끼지 않았다.
하지만 그리그 자신은 작품에 만족하지 못해서 적어도 일곱 번 이상 개정을 시도했다.
개정의 방향은 주로 전체의 구성과 관현악법을 보다 세련되게 다듬는 쪽이었던 것으로
보이며 마지막 개정작업은 1907년 9월에 그가 세상을 떠나기 몇 주 전까지 이어졌다.
그 결과로 1917년에 출판된 악보가 오늘날 일반적으로 통용되고 있는 개정판이다.
따라서 우리는 이 곡에서 그리그의 젊은 날의 열정과 시정 그리고 원숙기의 관현악
기법을 동시에 마주할 수 있다.
제1악장 : 알레그로 몰토 모데라토, a단조, 4/4박자
일명 '그리그 사인(Grieg's sign)'으로 불리는 유명한 도입부로 시작된다. 팀파니의
롤링 크레셴도에 이은 오케스트라의 투티와 함께 피아노가 튀어나와 강렬한 하행화음을
짚어나가는 이 도입부는 슈만 협주곡의 직접적인 영향을 선명하게 드러낸다.
슈만의 영향은 이뿐이 아니다. 슈만 협주곡의 첫 악장과 마찬가지로 이 협주곡의 첫
악장도 제1주제의 지배를 받으며 두 곡 모두 낭만적인 정열과 동경의 느낌으로 가득하다.
제1주제 선율은 목관파트에서 제시되는데 오보에로 연주되는 전반부는 소박한 북유럽
민요풍이고 클라리넷으로 연주되는 후반부는 낭만적 동경의 느낌을 머금고 있다.
아울러 이 선율의 배후에서 현악기로 새겨지는 토속적 리듬도 귀담아 들어둘 필요가
있다.
피아노가 제1주제를 다룬 후 음악은 계속해서 아니마토(animato, 생기 있게)의 경과부로
진행하는데 여기에서 부각되는 경쾌한 리듬은 노르웨이의 도약무곡을 연상시킨다.
이어서 피우 렌토(piu lento, 한층 느리게) 부분으로 넘어가 분위기가 가라앉으면
첼로에서 가요풍의 제2주제 선율이 등장한다.
피아노가 이 감미로운 선율을 이어받아 충분히 확장시키면 음악은 점차 고조되어 첫번째
클라이맥스에 이룬 후 제시부를 매듭짓는다.
제1주제를 중심으로 전개되는 발전부는 상당히 짧은 편이고 재현부는 고전적인 형식에
충실하다.
이 악장의 진정한 클라이맥스는 종결부 직전에 나오는 카덴차에 놓여 있는데 작곡가
자신에 의한 이 화려하고 당당한 카덴차 역시 제1주제를 바탕으로 치밀하게 구축되어
있다.
제2악장 : 아다지오, D♭장조, 3/8박자
'북유럽의 쇼팽'으로 일컬어지는 그리그 특유의 시정이 아로새겨진 완서악장이다.
제1부에서 약음기를 단 현악기에 의해서 폭넓게 펼쳐지는 주제는 다분히 명상적이면서도
동시에 뜨거운 기운을 내포하고 있다.
제2부로 넘어가면 피아노가 이 선율을 영롱한 음색으로 노래하는데 그 흐름에 섬세하고
우아한 장식이 가미되어 음악은 점차 화려한 모양새를 띠게 된다.
제3부는 제1부가 충실히 되풀이되는 가운데 피아노가 곁들여져 한층 더 풍부하고 고양된
아름다움을 느끼게 한다.
제3악장 : 알레그로 모데라토 몰토 에 마르카토, a단조, 2/4박자
론도 소나타 형식으로 구성된 피날레. 목관악기들의 독특한 앙상블로 행진곡풍 리듬이
부각되며 출발한다.
론도 주제는 경쾌하고 재기 넘치는 리듬으로 이루어져 있는데 이것 역시 노르웨이의
도약무곡을 연상시킨다.
또 관현악이 이 리듬을 넘겨받아 한층 강렬한 이미지를 자아내는 부분에서는 북유럽 전설
속의 '트롤들의 행진'이 떠오른다.
이 악장은 이처럼 '노르웨이의 이미지'들로 가득한데 무엇보다 중간의 정적인 부분에서
플루트로 제시되는 제2주제가 돋보인다.
노르웨이의 전원, 북유럽의 청명한 하늘 등을 강하게 환기시키는 이 주제는 아마도
그리그가 작곡한 가장 매혹적인 선율 가운데 하나일 것이다.
특히 마지막 클라이맥스에서 이 선율이 A장조로 더없이 힘차고 뜨겁게 울려 퍼질 때는
피요르드의 웅대한 절경 위로 그리그의 정신이 드높이 비상하는 듯한 느낌에 듣는 이의
가슴마저 벅차오른다.
한편 이 작품은 역사상 최초로 녹음된 피아노 협주곡이라는 기록을 가지고 있기도 하다.
1909년에 이루어진 그 역사적 녹음의 주인공은 독일의 거장 빌헬름 박하우스이다.
또 1868/1872년의 초판은 1993년 스웨덴의 피아니스트 로베 데르빙예르의 독주, 준이치
히로카미가 지휘한 노르쾨피니 교향악단의 협연으로 처음 음반에 수록되었다(BIS).
■ 추천음반
숱한 명반들 중에서도 '그리그의 조국' 노르웨이 출신인 레이프 오베 안스네스의
음반(EMI)을 우선적으로 거론해야 할 것이다. 안스네스 특유의 청신한 터치와 견실한
테크닉, 이지적인 표현이 곡상과 잘 어울릴 뿐 아니라 무엇보다 작품의 핵심적 요소인
'노르웨이의 정열과 시정'을 가장 선명하면서도 자연스럽게 살려낸 명연이다.
다음으로 지역색을 떠나 작품을 보다 보편적인 견지에서 바라보자면
코바세비치(Philips), 루푸(Decca), 페라이어(Sony) 등을 추천할 수 있겠다.
그 중에서도 스티븐 코바세비치의 연주는 일견 무난해 보이면서도 정교한 리듬감,
풍부한 활력, 영롱한 시정 등이 이상적인 균형을 이루고 있다.
크리스티안 지메르만의 음반(DG)에서는 관현악이 피아노를 압도하는 경향이 있다.
카라얀이 지휘한 베를린 필의 강력한 합주는 그렇지 않아도 '북유럽 환상곡'의 성격을
지닌이 작품을 더욱 스케일이 큰 '교향시'로 탈바꿈시켜 놓는 듯하다.
하지만 지메르만의 피아노도 만만치는 않다. 카라얀이 일으키는 거세고 드높은 파고를
꿋꿋이 헤쳐 나가며 제 목소리를 충분히 내고 있다.
다시 말해 이것은 피아노와 관현악이 팽팽한 긴장감을 연출하며 작품을 한 차원 높은
경지로 격상시키는 듯한 연주로 흡사 브람스 풍의 '교향적 협주곡'을 방불케 한다.
만일 독주자의 개성이 두드러지는 연주를 원한다면 올리 무스토넨(Decca)과 장 마르크
뤼사다(DG)를 주목할 필요가 있다. 특히 무스토넨만큼 튀는 개성으로 충만한 연주는
달리 찾아보기 어렵다.
끝으로 왕년의 거장들 중에서는 호르헤 볼레(Decca)의 빛나는 피아니즘이 특별한
기억으로 남아 있다.
아르투로 베네데티 미켈란젤리 (Arturo Benedetti Michelangeli, 1920. 1. 5 ~ 1995. 6. 12)
북 이탈리아 롬바르디의 옛도시 브레시아에서 태어난 피아니스트로서 모친은 유고슬라비아인이고
부친은 변호사였으나 피아노 교사의 자격을 가지고 있었다.
4세 무렵부터 피아노를 치기 시작해 브레시아 음악원에서 배웠다. 10세 때 밀라노 음악원에
입학하여 3년에 걸쳐 주세페안포시를사사했다.
그의 이름이 알려지게 된 것은 1939년 19세로 제 1 회 제네바 국제콩쿠르에서 우승하고부터이다.
이 때 심사원이던 코르토가 그 뛰어난 연주를 '새로운 리스트의 탄생' 이라고 격찬한 것은 지금도
유명하다.
그러나 곧 제 2차 대전이 발발했기 때문에 활동은 이탈리아와 독일에 제한되었다.
미켈란젤리의 이름이 국제적으로 퍼진 것은 전후인 1946년이 되어 영국과 프랑스에 연주 여행하여
센세이셔널한 성공을 거두면서부터였다.
그러나 약 10년 후에는 건강상의 이유로 한때 연주활동에서 떠나 보르짜노에 칩거하면서 교사로
있는 한편 시골 사람과 같은 생활을 계속 했다고 한다.
그리하여 1959년에 다시 연주 활동을 시작하여 유럽은 물론 미국에도 연주 여행하여 압도적인
성공을 거두었다.
또 교육에도 매우 열성이어서, 볼로냐, 베네치아, 토리노 등의 각 음악원에서 교편을 잡고
개인적으로도 많은 젊은 피아니스트를 육성하여 위대한 교사로서도 알려져 있다.
또 1965년부터는 출생지인 브레시아에서 그의 이름을 붙인 피아노 음악제가 열리고 있다.
베네데티-미켈란젤리는 현대의 피아노계에서 가장 고고한 피아니스트, 완전주의자로 지목되고
있다.
인간의 기교라고 생각되지 안을 만큼 명료하고 아름다운 음의 알맹이를 가졌으며, 투철한 울림과
색채를 가진 그 연주는 동시에 피아니스트라 하기 보다는 음의 사색가라고 부르고 싶은 작품에
대한 날카롭고 엄격한 안목을 느끼게 하는 아주 독자적인 스타일을 형성하고 있다.
그가 자주 연주회를 최소하고 레코딩에 대해 극히 신중한 것도 그러한 자기의 예술을 철저하게
연마하지 않고는 못배기는 자세에서 오는 것이기는 하다.
믿을 수 없을 만큼 아름다운 피아니시모에서 압도적인 포르티시모에 이르기까지 진폭이 큰 예리한
감각에 의해 놀랄 정도로 세련된 연주는 스카를라티에서 드뷔시까지 어떤 작품에 있어서도 다른
피아니스트에게서는 구할 수 없는 빛을 발휘한다.
미켈란젤리는 현대의 피아노 미학의 하나의 극치라고 할 표현을 잘 들려준다.
특히 베토벤에 있어서의 잘 연마된 표현력과 그 내적 긴장의 지속력, 드뷔시에 있어서의 음
색채의 아름다움과 음의 시라고 해도 좋을 정교하고 판타스틱한 세계 등은 참으로 놀랍다.
4. Mendelssohn, Violin Concerto in E minor, Op.64
Isaac Stern(Vn) / Eugene Ormandy(cond), Philadelphia Orchestra
I. Allegro molto appassionato
II. Andante
III. Allegretto Non Troppo - Allegro Molto Vivace
※ Recorded 1958. 3. 24, Philadelphia. PA
♣ 멘델스존 바이올린 협주곡 E단조
펠릭스 멘델스존이 자신의 두 번째 바이올린 협주곡을 완성하게 된 1844년 여름에는 그
자신도 이 작품의 성공을 확신할 수 없었다.
멘델스존은 당시 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 콘서트마스터로 활약하고 있던
페르디난트 다비트의 연주에 영감을 얻어 E단조의 협주곡을 작곡하게 된다.
1838년부터 이 작품의 작곡을 시작했지만 완성(1844)까지 무려 6년의 시간이 소요될 만큼
심혈을 기울여 작곡했다.
음악적으로 세 개의 악장이 이어져 있고 시작하자마자 독주 바이올린이 음악적 방향타를
제시하는 새로운 방식은 동시대 청중에게 강렬한 인상을 남겼다.
1845년 3월 13일 닐스 가데가 지휘하는 라이프치히 게반트하우스와 다비트의 협연으로
초연이 이루어졌다.
그리고 2년 후에 멘델스존이 사망하면서 이 작품은 그의 음악적 초상으로 기억된다.
지난 160여년 동안 멘델스존의 바이올린 협주곡은 연주자들에게나 음악애호가들에게나
엄청난 사랑을 받고 있다.
한 번 들으면 머리에 쏙 기억되는 멜로디와 로맨틱한 분위기 등 이 작품은 19세기 전체를
통틀어서도 최고의 명작으로 인정받고 있다.
낭만주의 시기에 작곡된 바이올린 협주곡은 수없이 많지만 그중에서도 멘델스존의 작품은
차이코프스키의 작품과 더불어 언제나 최고의 찬사를 받고 있다.
이 협주곡에는 멘델스존의 온화하고 따뜻한 성품이 고스란히 드러난다.
어린 천재로서 세상의 주목을 받으며 괴테로부터 축복의 키스를 받으며 성장한 아이가
청년 작곡가로서 세계를 향해 던지는 메시지이기도 하다.
멘델스존에 대한 한 가지 오해는 그가 어려움 없이 성장했기 때문에 인생의 여러 가지
단계를 거치지 못했고 따라서 그의 음악도 심오한 철학을 담아낼 수 없다는 것이다.
음악가로서 멘델스존의 작품이 지닌 가장 중요한 요소는 많은 사람들이 엄숙한 얼굴을
하고서 음악의 한 가지 측면만을 이야기 할 때 그는 다채로운 언어로 음악을 만들었다는
데 있다.
이 바이올린 협주곡에는 한 사람이 태어나고 성장해서 사랑하는 삶의 계단들이 일종의
순환형식으로 되어 있다.
우리는 이를 통해서 '운명의 수레바퀴'를 느끼게 된다. 소위 낭만주의적 감수성이라고 할
수 있는 먼 곳에 대한 동경과 잡힐듯 잡히지 않는 대상의 그리움 같은 것이 음악의
전체적인 분위기를 만들고 있다.
제1악장 (Allegro molto appassionato)
우아하게 시작되는 서주는 멘델스존 특유의 것이다. 바람결에 나부끼는 코스모스의
느낌처럼 은은하게 피어오르는 멜로디는 그 자체로 매혹되는 선율이다. 현악기의 화음과
함께 독주 바이올린이 주제를 연주하는데 이 부분에서 안개에 휩싸인 듯한 분위기의 연출은
필수적이다.
오보에와 바이올린의 화음 그리고 클라리넷과 플루트의 앙상블이 바이올린의 주제를 이어
받아 부서질 듯 말 듯한 여운을 남기는 것 또한 매우 중요하다. 독주 바이올린이
아르페지오와 목관 악기들의 연이은 주제와 코다의 순간적인 폭발은 기교도 기교지만 리듬을
자연스럽게 타는 것에 주안점을 두어야 한다.
사실 1악장의 아름다움을 제대로 살려내지 못한다면 전체의 핵심적인 모티프를 잃어버리기
마련이다.
제2악장(Andante allegro non troppo)
명상적인 선율은 잔잔한 호수의 물결처럼 전개되는데 선율의 투명함은 이 악장의 가장
중요한 부분이며, 따라서 모든 것을 초월한 듯한 느낌을 만들어야 한다.
수도원에서 기도하는 신부의 손 끝에 비친 아침 햇살 같은 투명함 말이다. 유려한 멜로디의
흐름은 1악장이나 3악장에서도 중요하지만 2악장의 수줍은 듯한 미소를 표현하는 데 있어
선율 감각은 대단히 중요하다.
우아함의 경지란 바로 이런 것을 두고 말하는 것일텐데 오케스트라의 은근한 반주 위에서
독주 바이올린은 세속의 경계에서 노래한다.
제3악장(Allegro non troppo - Allegro molto vivace)
리드미컬한 3악장은 기교로 빛나고 있다. 특히 마지막 코다 부분에서 화려하게 폭발하는
테크닉은 모든 것을 삼킬 듯하다.
오케스트라와 독주 바이올린의 대화는 '콘체르토(Concerto)'의 어원인 '경쟁하다'의 의미를
다시 한번 생각하게 한다.
3악장에는 사춘기 소녀의 웃음소리 같은 발랄함과 아이들의 재잘거림이 동시에 느껴진다.
멘델스존은 엷디 엷은 감수성의 바다 위를 미끄러져 가는 듯한 효과를 창출하면서 테크닉의
화려한 비상을 꿈꾸고 있다.
■ 추천음반
밀슈타인이 발터의 뉴욕필(Sony/Naxos)과 협연한 연주는 히스토리컬 녹음으로 만화경처럼
변화는 다채로운 접근 방식과 함께 질주감이 짜릿하다.
뒤트와와 함께한 정경화(DECCA)의 연주는 섬세한 감수성과 날렵한 보잉이 눈부신 연주로
'펭귄 가이드'의 Key Recording 음반이다.
사라 장의 연주(EMI)는 농염하고 따뜻한 감성에 꽉 차 있으며 시적인 연출이 돋보인다.
카바코스가 카메라타 잘츠부르크(Sony)와 협연한 앨범은 따뜻하고 은은하면서도 순간적인
폭발력이 인상적이다.
아이작 스턴 (Isaac Stern, 1920. 7. 21 ？ 2001. 9. 22)
1920년 구소련의 우크라이나에서 유대계로 태어난 스턴은 생후 10개월에 부모를 따라
미국으로 이주해 샌프란시스코에서 자랐다.
스턴은 1943년 뉴욕 카네기홀에 데뷔했으며 당시 음악 평론가 버질 톰슨은 뉴욕 헤럴드
트리뷴에 "전세계 바이올리니스트 대가중 한명"이라고 평가했다.
그 이후 음반 작업과 무대 연주로 왕성한 활동을 했다. 스턴은 소니 레코드사를 통해
1백종이 넘는 음반을 냈으며 꿈의 공연장인 카네기홀에서 지난 90년대까지 무려 1백75번이
넘는 연주회를 가졌다.
고전ㆍ낭만의 기본 레퍼토리 뿐 아니라 현대음악 연주에도 독보적이어서 번스타인,
펜데레츠키, 뒤티외, 바르토크, 힌데미트 등의 곡을 세계 초연 또는 미국 초연했다.
재정난으로 음악사의 뒤안길로 사라질 1960년대 후반 위기를 맞았던 카네기홀을 구해낸
것으로 유명하며 카네기홀측은 그의 공로를 기리기 위해 대연주장을 "아이작스턴
오라토리엄"으로 명명했다.
1991년 걸프전 때는 이라크의 미사일공격 경보 사이렌이 울리는 예루살렘에서 가스 마스크를
쓴 청중 앞에서 마스크 없이 연주한 것으로 유명하다.
나치의 유대인 학살에 항의해 독일만 방문하지 않다가 1999년에야 처음으로 가서 학생들을
지도했다.
또한 유대계인 스턴은 ‘아메리카-이스라엘 문화재단’을 통해 유대계 현악인의 발굴과
지원에 영향력을 발휘했다.
이츠하크 펄만, 핀커스 주커만, 요요마 등 일급 연주자를 발굴해 키운 것도 그이다.
1964년엔 뮤지컬 '지붕위의 바이올린'에 출연하여 바이올린 연주를 들려주기도 하였다.
2001년 9월 22일 81세의 나이로 뉴욕의 웨일 코넬 의료센터에서 심장병으로 사망했다.
5. Piereo Anton Locatelli, Concerto grosso in E-flat major Op.7 No.6 'Il pianto d'Arianna'
Concerto Koln
I. Andante - Allegro - Adagio
II. Largo
III. Largo Andante
IV. Grave
V. Allegro
VI. Largo
피에트로 안토니오 로카텔리 (Pietro Antonio Locatelli, 1695. 9. 3 ~ 1764. 3. 30)
이탈리아의 베르가모 출생. 어렸을 때의 경력은 확실치 않으며 뒤에 로마에서 A.코렐리에게
배웠다고도 하고 또 G.바렌티니에게 배웠다는 설도 있다.
바이올린 연주자로서 베네치아 ·만토바 ·뮌헨 등지에서 이름을 날리고 1729년 이후는
암스테르담을 중심으로 활약하였는데 그의 연주기교는 당시 최고였으며 특히 더블 스톱의
테크닉이 뛰어났다.
작품으로는 12곡의 바이올린협주곡과 그 카덴차로 씌어진 24곡의 카프리치오로 이루어진
작품집 '바이올린의 기법'(작품번호 3) 외에 플루트소나타 ·트리오소나타 ·무반주소나타
그리고 '슬픈 심포니아' 등이 있다.
6. Beethoven, Piano Sonata No.8 in C minor, Op.13 'Pathetique'
Radu Lupu(Pf)
I. Grave - Allegro Di Molto E Con Brio
II. Adagio Cantabile
III. Rondo. Allegro
♣ 베토벤 피아노 소나타 8번 Op.13 '비창'
베토벤은 그의 첫 세 개의 피아노 소나타 세트인 Op.2를 하이든에게 헌정했다.
그는 이미 하이든과 모차르트로부터 시작한 빈 고전주의 스타일을 숙지했고 여기에 자신의
영혼 속에 내재돼 있던 음악적 아이디어와 방법을 얹어내기 시작했다.
그러나 베토벤에게 있어서 이러한 중용적인 '변주적 발전'은 한 번의 시도만으로 족했다.
그는 32개의 피아노 소나타를 작곡하면서 매 작품마다 엄청난 큰 개별성과 독립성을
부여했을 뿐더러 작곡 시기상 세 개의 시기(초기, 중기, 후기)로 구분되는 그룹마다
고전주의를 벗어나 낭만주의로 향하는 엄청난 에너지와 진취적인 방향성을 보여주었기
때문이다.
베토벤의 초기에 해당하는 빈 시절에 있어서 피아노라는 악기는 그의 음악적 경험의
중심이었다.
그가 주력했던 작곡 형식인 피아노 소나타들을 초기부터 일별해 보면 하나 하나마다
스타일이 발전하고 있고 기술 또한 날로 세련되어져 갔음을 알 수 있다.
더 나아가 보다 창조적인 방법을 통해 전통을 벗어나기 시작했으며 그 누구보다도
강렬하게 개인적 심상을 음악 속에 담아냈다.
베토벤의 음악에서는 그 무엇보다도 작곡가 자신이 주역이었다. 이런 모습이 극대화되어
나타난 작품이 바로 '영웅 교향곡'이다.
이 교향곡은 음악미학에 대한 당대의 입장을 근본적으로 바꾸어 놓았고 예술가로서
음악가가 갖는 위상 또한 당당히 세운 작품이었다.
'비창 소나타'는 1798년부터 1799년 사이에 작곡되어 그 해 가을 빈의 에더 출판사에서
출판되었고 베토벤의 친구이자 후원자였던 칼 폰 리치노프스키에게 헌정된 작품이다.
이 소나타의 부제로 알려져 있는 '비창 Pathetique'은 베토벤 자신이 붙인 것이 아니라
출판시 출판업자에 의해 붙여진 것이라는 사실은 이미 널리 알려져 있다.
실제로 이 곡은 음악의 새로운 지평을 연 작품으로 평가받는데 무엇보다도 이전 시대의
음악에서는 상상조차 할 수 없었던 긴장감과 강렬함이 표출되기 때문이다.
그러한 까닭에 '비창 소나타'는 베토벤이 최초로 드러낸 드라마틱한 자신의 모습이며
어둡고 침침하며 비극적인 분위기가 지배하는 최초의 심리주의적, 표현주의적 피아노
소나타로 기록된다.
모든 베토벤 작품들이 그렇듯이 음악 주제들의 밀접한 관계 또한 특징적이다.
이 작품의 첫 악장의 2주제는 제2악장의 2주제에서 역전된 형태로 사용될 뿐만 아니라
마지막 피날레 악장에서는 변형되어 다시 주제로 사용되기도 하기
때문이다.
어떻게 보면 바그너에 의해 활성화 된 순환주제의 개념이 바로 이 작품에서 작곡가가
의도했던 의도하지 않았던 살며시 엿보이기 시작했다는 점에서 또한 혁신적이다.
그리고 하이든과 모차르트가 완성한 느린 서주와 활기찬 알레그로 - 느린 아다지오 -
빠른 론도라는 특징적인 3악장 구성을 채용했지만 그 안에서 베토벤은 극적인 다이내믹과
비장함의 극대화라는 새로운 심리적 표현력을 만들어냈다.
이 점도 '비창 소나타'를 특징짓는 창조적 에너지의 산물이라 말할 수 있다.
한편 '비창 소나타'의 조성은 '운명 교향곡'과 같은 C단조이다.
베토벤이 좋아했던 이 어둡고 비장한 C단조는 '5번 소나타'와 마지막 '32번 소나타'와
더불어 총 세 곡의 피아노 소나타에서 사용되었다.
1악장 그라베-알레그로 디 몰토 에 콘 브리오 (Grave - Allegro di molto e con brio)
느림 - 빠름이라는 하이든 교향곡의 형식을 인용한 장중한 서주가 붙은 악장이지만 그
내용의 깊이와 시적 감수성에 있어서 온전히 베토벤의 개성이 발휘된 대목이다.
비장한 무게감과 위력적인 에너지감이 휘몰아치는 1악장은 이후 베토벤이 발전시켜나간
소나타 형식의 설계에 밑거름이 된 역사적인 악장이 되었다.
불안한 분위기의 서주를 거쳐 빠르고 정열적인 1주제와 단음계의 장식적인 효과가
두드러지는 2주제를 거치며 그 비창적 에너지를 더하다가 제시부 마지막에서는 에너지가
고갈된 듯한 침묵이 음악에 긴장감을 더한다.
갑작스러운 종지부는 이 악장에 비극적인 느낌을 배가시킨다.
2악장 아다지오 칸타빌레 (Adagio Cantabile)
슬프지만 아름다운 멜로디가 처연함을 더하는 악장. 베토벤의 '피아노 소나타 14번'
'월광' 1악장의 아름다움에 비견할 만한 악장으로서 영화음악과 팝, 락, 힙합, 재즈를
넘나들며 즐겨 사용될 정도로 친밀성이 강한 악장이다.
하나의 구슬픈 주제가 세 번 반복되는 동안 두 개의 에피소드가 삽입되고 슈베르트적인
성격이 강한 여덟 마디의 코다로 구성되어 있다.
우리에게 익숙한 빠르기인 안단테 칸타빌레가 일말의 동화적 환상을 부여한다면 이보다
조금 느린 아다지오 칸타빌레라는 빠르기는 여전히 동화적이지만 우울하고 염세적인
느낌이 기저에 깔려있는 절묘한 상상력을 자아낸다.
3악장 론도: 알레그로 (Rondo: Allegro)
노스탤지어를 자아내는 열정적인 1주제의 멜로디(첫 악장의 2주제를 차용한)와
목가적인 청량함을 머금은 중간의 에피소드가 상호 시너지 효과를 고조시키다가 마지막
짧고 드라마틱한 코드의 하행 아르페지오와 함께 이 작품 특유의 극적인 박력은
최고도에 이른다.
■ 추천음반
작품이 가지고 있는 '비창적인 효과'를 가장 극명하게 드러낸 연주는 단연 베토벤의
여사제로 불렸던 엘리 나이(Colosseum)다.
50년대 DG에서의 녹음도 훌륭하지만 콜로세움의 67년 녹음에 담긴 충격적이고도 비장한
분위기는 정신과 육체가 하나가 된 숭고한 경지를 보여준다.
루돌프 제르킨(SONY)의 연주는 현대적인 베토벤 해석의 효시로서 그 고집스러울 정도의
완강함과 냉정한 열정은 가히 찬탄할 만하다.
에밀 길렐스의 연주(DG) 또한 강철 타건과 강도 높은 무게감이 돋보이고 클라우디오
아라우(Philips)의 독일적이면서도 탐미적인 비창의 의미 또한 각별하다.
라두 루푸 (Radu Lupu, 1945. 11. 30 ~ )
루마니아의 동쪽 소련 국경에 가까운 갈라티에서 태어난 피아니스트이다.
갈타티에서의 피아노 수업을 마친 뒤 수도 부카레스트에 나가 리파티의 스승으로서도 알려져
있는 무지치니스크 여사의 가르침을 받았다.
1960년에 관비 유학생으로서 모스크바에 유학하여 모스크바 음악원에서 6년간에 걸쳐 유명한
네이가우스 부자를 사사했으며 특히 아들인 스타니슬라프의 영향을 강하게 받았다.
그리하여 1966년 미국의 제 2 회 밴 클라이번 국제 콩쿠르에서 우승한 것을 계기로 이듬해
1967년에는 모국 루마니아에서 에네스코 국제 콩쿠르에서도 우승하여 주목을 받았다.
그러나 루푸가 널리 국제적으로 인정받게 된 것은 1969년의 리즈 국제 콩쿠르에서 우승하고
부터이다.
루푸는 런던으로 옮겨 영국을 중심으로 유럽 각지에 연주 여행하여 호평을 받고 1972년에는
클라이번 콩쿠르 이래 오랫만에 미국을 방문하여 각지에서 연주회를 열어 성공을 거두었다.
데뷔 당시 데일리 텔리그래프 지에 의해 '1000명에 한 사람의 크리시스트'라는 말로 평한
것처럼 루푸의 피아노는 그 잘 연마된 음과 미묘한 뉘앙스에 의해 극히 아름다운 서정을
자아낸다.
그러나 그는 결코 그러한 일면만을 의지해 스스로의 음악을 만드는 연주가가 아니라 항상 작품의
내부 깊숙이 눈을 돌려 전통에 사로잡히지 않는 신선하고 개성적 아름다움을 나타낼 수 있는
유니크하고 뛰어난 음악성의 소유자이기도 하다.
특히 근년은 그 아름답고 맑은 자연에 넘치는 것 같은 노래에 보다 내면적인 깊이와 안정된
표현력을 더하여 상쾌하고 정돈된 연주를 들려 주고 있다.
7. Boccherini, String Quintet for 2 violas & cello in C major, G. 397 Op. 62/1
Ensemble 415
I. Allegro maestoso
II. Minuetto. Allegro risoluto
III. Larghetto con moto
IV. Allegro vivo
루이지 보케리니 (Luigi Boccherini, 1743 ~ 1805)
보케리니는 1743년 2월 19일에 이탈리아의 루카에서 태어났고 하이든보다 나이가 11살 적다.
부친은 베이스 주자로서 아들에게 기초를 가르쳤다.
14세 때까지 부친과 아바테비누치에게 첼로를 배웠으며 후에 로마로 나가 첼로와 작곡을
전공했다.
6년이 지나 루카로 돌아가 거기서 최초의 작품을 썼다.
보케리니의 천재성이 세상에 알려져 타르티니의 제자 필리포 만프레디와 온 유럽을 연주
여행했다.
1768년에 파리로 나가 거기서 작품 16개의 현악 4중주곡을 출판했으며 이어서 2개의 바이올린과
첼로를 위한 3중주곡집을 발표했다.
이 매력적인 실내악곡은 당시 파리 악단의 애호를 받아 보케리니의 이름을 높였다.
1769년 보케리니는 스페인 대사의 초청에 의해 스페인의 수도 마드리드로 갔르며 루이스 왕자와
왕으로부터 실내악의 명수로서 후한 대접을 받았다.
1787년 그는 프러시아의 프레데릭 빌헬름 2세에게 작품을 헌정한 것이 인연이 되어 궁정을
섬겼으나 1797년 왕의 서거와 함께 실직했다.
1805년 5월 28일 마드리드에서 사망했다.
작품은 현악 4중주곡 91, 현악 5중주곡 125, 피아노 5중주곡 12, 현악과 플루트를 위한 5중주곡
18, 교향곡 20, 첼로협주곡 4곡 등 다수에 달한다.
8. Maurice Ravel, From Le Tombeau de Couperin
Anders Miolin(Gt)
I. Prelude
II. Forlane
III. Menuet
IV. Rigaudon
♣ 라벨 '쿠프랭의 무덤'
라벨의 피아노 솔로를 위한 마지막 작품인 '쿠프랭의 무덤(Le Tombeau de Couperin)'은
1917년 작곡가가 서거하기 20년 전에 출판되었고 1919년 마르그리트 롱에 의해 초연되었다.
이 모음곡은 프랑스의 위대한 바로크 작곡가인 프랑수아 쿠프랭의 모음곡 형식인
오르드르(Ordre)에 대한 오마쥬이자 18세기 프랑스 음악에 대한 경의를 표한 작품으로서
프렐류드, 푸가, 포를랑, 리고동, 미뉴엣, 토카타와 같은 고전적인 무곡과 형식으로 구성되어
있다.
자유로움에 대한 진지하면서도 예리한 자아성찰을 담고 있는 이 작품은 형식적으로는
간결하지만 그 안에 완벽한 내적 완결성과 리듬에 대한 정확한 분석을 담고 있는 걸작이다.
라벨은 이 마지막 피아노 솔로작품을 통해 자신만의 독창적인 피아노 미학에 대한 굳은 신념과
더불어 신고전주의에 대한 관점 및 참담했던 현실을 받아들여야 하는 내면에 대한 반영을
완벽하게 보여주었다.
이 작품 대부분은 1차 세계대전이 발발한 뒤인 1915년경에 스케치되었지만 라벨이 자원입대를
한 탓에 전쟁이 끝난 뒤에야 완성되었다.
여섯 곡으로 구성된 쿠프랭의 무덤은 전장에서 함께 했던 동료들에게 각각 헌정되었는데 악보의
첫 페이지에 라벨은 전쟁으로 희생된 그들에 대한 헌사를 적어놓았다.
또한 작품이 출판된 1917년에는 라벨의 어머니가 세상을 떠났는데 작곡가는 이 충격에서
평생토록 쉽사리 벗어나지 못했다.
아마도 이 작품에서 배어나오는 '무덤'이라는 명제는 선배 작곡가들, 전장의 동료, 어머니를
포함하여 라벨보다 먼저 세상을 떠난 모든 프랑스인들에 대한 추모를 상징한다고 말할 수 있을
것이다.
알프레드 코르토는 이 작품에 대해 다음과 같이 묘사한 바 있다.
"그 어떠한 영광스러운 기념물도 명료한 동시에 유연함을 머금고 있는 이 빛나는 멜로디와
리듬들보다 프랑스에 대한 추억에 더 높은 경의를 표할 수 없다. 우리(프랑스)의 전통과 문화에
대한 실로 완벽한 표현이다"
높은 인기를 얻었던 이 쿠프랭의 무덤은 1919년 작곡가 자신이 푸가와 토카타를 제외한 나머지
네 곡을 오케스트라 버전으로 편곡하기도 했다.
여섯 가지 색을 띤 선율
제 1곡: 프렐류드(Prelude)
첫 곡은 전주곡(Prelude)으로서 섬세한 무궁동이며 극도로 평탄한 터치와 템포를 요구한다.
서정적인 터치들이 16분음표들을 거품처럼 방울방울 솟아나게 만드는 것이 관건이다.
제 2곡: 푸가(Fugue)
그다음 곡은 수수께끼와도 같은 푸가(Fugue)다. 라벨이 화성법에서 벗어나 작곡한 유일한
작품이기도 하다.
3분여의 짧은 곡이지만 3성부로 구성된 이 푸가에서 프레이징과 아티큘레이션을 정확하게
짚어내며 바로크적인 분위기와 라벨 특유의 감수성을 동시에 표현해내기란 대단히 어렵다.
라벨은 이 작품을 초연한 마르그리트 롱에게 이 푸가를 틀리지 않고 외워서 잘 연주할 수 있는지
모르겠다고 말한 적이 있을 정도다.
단순해 보이지만 표현하기가 대단히 어려운 이 푸가의 마지막 부분은 태엽식 뮤직 박스가 작동을
멈추는 모습을 연상시킨다.
평소 정교한 기계제품에 열광했던 라벨의 성격을 반영하는 대목이기도 하다.
작곡가 특유의 무균질적인 결벽증과 옛 양식에 대한 탐미적인 현대화를 통해 상상 그 이상의
세계를 반영하는 듯한 이 푸가는 연약하지만 강렬한 흡인력을 발산한다.
제 3곡: 포를랑(Forlane)
포를랑(Forlane)은 이탈리아에서 건너온 무곡(Frioule)으로서 그 생동감 넘치는 리듬 때문에
교회로부터 금지 당하기도 했다.
라벨이 살던 당시에 포를랑은 탱고와 더불어 가장 대중적인 무곡으로 널리 퍼졌던 만큼 쿠프랭의
무덤에 바치는 새로운 시대의 무곡으로서의 성격을 띠고 있다.
그러한 만큼 연주 시간도 여섯 작품 가운데 가장 길다.
첫 주제에 등장하는 연속하는 붓점 리듬은 지루해지지 않게 미묘한 역동성을 띄도록 연주해야 하는
동시에 매력적인 분위기와 더불어 방종적인 퇴폐미도 은유적으로 드러나야 한다.
두 번째 주제는 냉정하고 세 번째 주제는 순결하며 네 번째 주제는 어딘지 호전적이다.
화성에 대한 라벨의 특별한 감수성이 드러나는 명장면이다.
제 4곡: 리고동(Riguadon)
에너지 넘치는 리고동(Riquadon)은 전원적인 성격이 강하게 드러나는 무곡으로서 가운데 부분에
순진하면서도 천진난만한 트리오가 위치하고 있다.
오케스트레이션 버전에서 이 트리오 부분은 오보에와 플루트, 클라리넷, 잉글리시 호른 등등이
교대로 멜로디를 주도하며 음색을 미묘하게 변화시켜 나간다.
이러한 측면에 대해 코르토는 이 무곡을 샤브리에의 마을 사람들의 춤(danse villageoise)에
비교하기도 했다.
제 5곡: 미뉴엣(Menuet)
그다음 다섯 번째 곡은 귀족적인 분위기가 물씬 풍기는 미뉴엣(Menuet)이다. 이 작품의 분위기는
라벨의 '죽은 왕녀를 위한 파반느(Pavane pour une infante defunte)'와도 비슷한데 조성도
G장조로 서로 동일하다.
가운데 부분에 등장하는 뮤제트(musette)에서는 피아노의 소프트 페달을 사용하여 고결한 음향을
유지하다가 갑작스럽게 크레센도가 등장하여 응축된 클라이맥스의 힘을 발산한다.
이어지는 재현부는 두 개의 주제가 등장하여 화음을 만들어내는데 이는 그의 앞선 고전적인
미뉴엣(Menuet antique)이나 소나티네(Sonatine)의 미뉴엣 악장에서의 작법과 동일하다.
우아한 멜로디로부터 기인하는 깊은 감동의 층위를 만끽할 수 있는 대목이다.
제 6곡: 토카타(Tocata)
마지막 토카타(Tocata)는 '밤의 가스파르(Gaspard de la nuit)'의 스카르보(Scarbo)를 연상시키는
화려하고도 기교적인 작품이다.
18세기 프랑스 음악 전통에 대한 경의라기보다는 리스트 악파에 대한 존경을 담고 있다고 말할 수
있을 것이다.
그 현란함 가운데에서도 간헐적으로나마 등장하는 비극적인 암시와 시종일관 군대의 행진을 연상케
하는 진행은 이 작품이 전쟁에서 쓰러져간 전우에 대한 헌사를 담고 있음을 다시금 각인케 해 준다.
라벨 특유의 세공력과 바로크 양식 특유의 구축력이 빚어낸 이 비르투오소 아크로바틱의 향연은
승리를 약속하는 듯한 폭발적이고도 고양감 높은 마지막 코다를 마지막으로 끝을 맺는다.
■ 추천앨범
두 장의 모노널 레코딩이 라벨에 대한 가장 중요한 해석을 담고 있다. 하나는 발터 기제킹의 고전적인
연주(EMI)이고 다른 하나는 라벨과 밀접한 관계를 맺고 지냈던 로베르 카자드쥐의 권위적인
연주(SONY)가 그것이다.
시대를 초월하여 작곡가와 악기 자체에 대한 깊은 이해를 담고 있는 이들의 연주는 피아노의 정신을
직접적으로 역설하는 듯하다.
코르토의 제자인 블라도 페를레무터(Nimbus)는 아름다운 음향과 낭만적인 스타일의 전형을 보여주고
루이 로르티에(Chandos)는 현대적인 감수성에 의한 탐미적이고도 표현주의적인 관점을 이상적으로
해석해 냈다.
9. Joseph Martin Kraus, Viola Concerto in E-flat Major, VB153c
David Aaron Carpenter(Vo) / Janne Nisonen(cond), Tapiola Sinfonietta
1. Risoluto
2. Adagio e cantabile
3. Rondo- Moderato
요제프 마르틴 크라우스 (Joseph Martin Kraus, 1756-1792)
요제프 마르틴 크라우스는 1756년 6월 20일 독일 마인 강변의 밀텐베르크에서 태어났다.
모차르트가 아버지 레오폴트에게 여러 악기와 작곡에 대해 체계적인 교육을 받은 반면
크라우스는 평범한 촌부의 아들이었다.
그러나 운 좋게 어려서 음악에 눈뜰 수 있었고 열두 살부터는 만하임의 예수회
김나지움에서 독일과 라틴 어문학, 음악을 공부했다.
어린 시절 모차르트는 영국을 방문했을 때 토머스 린리라는 동갑나기 친구를 만난다.
바이올린에 능했던 린리와 모차르트는 바흐의 막내아들 요한 크리스티안 바흐의
사랑을 듬뿍 받았다.
그러나 린리는 1778년 템스 강에서 물놀이를 하다가 익사해 오스트리아에 있는 친구를
슬프게 했다.
린리와 더불어 음악사에 이름을 남긴 모차르트의 동갑나기가 또 있다.
모차르트가 아버지와 밀라노를 찾았을 무렵인 1773년에 마르틴 크라우스는 부모의 뜻에
따라 마인츠 대학에서 법학을 공부하게 된다.
그곳 대학에서 만족하지 못한 크라우스는 1년 뒤 에어푸르트 대학으로 옮겼고 이때는
음악 수업도 함께 받았다.
에어푸르트에는 가톨릭과 개신교 음악이 모두 융성했다. 크라우스는 법학 책을 덮고
음악과 문학에 탐닉했다.
그러던 중에 아버지가 중상모략으로 소송을 당하자 공부를 접고 집으로 돌아왔다.
이 무렵 크라우스는 3막의 비극 '톨론'을 직접 쓰면서 성 오스발트 교회를 위한 음악을
작곡했다.
집에서 1년을 쉰 크라우스는 이번에는 괴팅겐 대학에서 법학 공부를 이어갔다.
괴팅겐에는 '숲의 결사'(Hainbund)라는 문학 동아리가 있었다.
질풍노도 운동을 주도하며 자연에 대한 애정을 표현하던 이 동아리에는 향후 독일 문학에
씨앗을 뿌릴 젊은 작가들이 가입해 있었고 이들은 특히 프리드리히 코틀리프
클롭슈토크에 열광했다.
클롭슈토크는 괴테에게도 큰 영향을 미쳤고 뒤에 말러가 교향곡 2번에 쓸 시 '부활'의
작가였다.
크라우스의 예술적인 감수성은 깊어만 갔다.
열아홉 살 되는 1775년에 그는 주목할 만한 첫 작품 '레퀴엠'을 썼다.
모차르트의 마지막 작품 역시 죽은 자를 위한 미사였다는 사실과 비교하면 흥미롭다.
문학과 음악에 모두 재능을 보인 크라우스는 '예수의 죽음'과 '예수의 탄생'이라는
오라토리오의 대본을 직접 써 곡을 붙였다.
괴팅겐 시절 만난 스웨덴 친구 카를 스트리드베리는 크라우스에게 스톡홀름으로 가서
구스타프 3세의 궁정에서 일자리를 얻으라고 권한다.
1778년 채 스물두 살이 되기 전에 크라우스는 스웨덴 수도를 처음 밟았다.
구스타프 3세는 예술을 사랑하는 군주로 합스부르크의 요제프 2세와 비견할 만했다.
그가 다스리던 동안 스웨덴은 러시아를 벌벌 떨게 했고 문화적으로 융성해 백성들의
존경을 받았다.
그러나 그 점이 크라우스에게는 도리어 악재였다. 국왕이 그를 알아보기를 기다리는
3년 동안 궁핍한 삶을 살아야 했다.
크라우스의 오페라 '아치레'는 스웨덴 왕립 음악원에서 거절되었지만 그에게 두 번째
기회가 왔다.
구스타프 3세는 오페라 '프로세르피나'의 대본을 썼고, 크라우스는 여기에 곡을 붙여
왕실에서 연주해 큰 성공을 거두었다.
1781년 6월 6일의 일이었다. 뮌헨에서 '이도메네오'로 성공을 거둔 모차르트가 빈으로
건너가 정착한 것과 같은 해이다.
크라우스는 왕립 아카데미와 왕립 오페라의 부 지휘자가 되었다.
국왕은 크라우스에게 무려 5년 동안 전 유럽의 음악을 두루 배우고 올 수 있는 특전을
내렸다.
크라우스는 글루크와 마르티니 신부와 같은 당대 음악의 중심인물을 만났고
에스테르하차에서는 하이든에게 D장조 교향곡을 작곡해 선사했다.
1785년 런던에서는 헨델 탄생 100주년 축하 행사를 참관했고 파리에서 작품을 출판했다.
그가 스톡홀름에 돌아오지 못하게 하려는 반대 세력이 있었지만 이를 극복하고 1786년
무사히 귀환했다.
1787년 크라우스는 왕립 음악원 교감이 되었고 이듬해에는 프란체스코 안토니오 우티니에
이어 카펠마이스터가 되었다.
크라우스는 유럽에서 개신교를 대표하는 북유럽의 강국에서 음악의 모든 권한을 행사하는
존재가 되었다. 국왕의 신망은 더욱 깊었다.
1789년 구스타프 3세는 스웨덴 의회 리크스다그를 소집해 귀족들에게 러시아와 진행중인
전쟁을 추인해 줄 것을 요청했다.
시민과 농민층의 지지를 얻은 반면 귀족에게는 반감을 산 국왕은 자신의 행정권을 더욱
강화해 줄 것을 요구했고 크라우스에게 '리크스다그 행진곡'을 쓸 것을 명했다.
음악으로 맺어진 크라우스와 왕의 관계는 떼려야 뗄 수 없는 것이 되어 갔다.
1792년 1월에 크라우스는 볼테르의 '올랭피에'를 위한 부수 음악을 작곡했다.
그는 스스로를 오페라 작곡가로 생각했지만 걸작 '카르타고의 에네아스'(Aeneas i
Cartago)는 생전에 공연되지 못했다.
구스타프 3세는 3월 16일 밤 오페라 극장에서 열린 가면무도회에 참석했다가 암살당하고
만다.
그가 크라우스와 이룬 문화의 토대는 갑작스러운 정치적인 격변으로 와해될 위기에 처했다.
크라우스는 장례 칸타타 한 곡과 '장송 교향곡'(Symphonie funebre)을 작곡해 4월 13일
장례식에서 연주했다.
구스타프 3세를 잃은 뒤 크라우스의 건강도 갑자기 악화되었고 그해 12월 15일 결핵으로
세상을 떠난다. 그의 나이 서른여섯이었고, 모차르트가 세상을 떠난 지 꼭 한 해 뒤였다.
크라우스의 음악은 하이든과 모차르트에 견줄 만했고 단조로 된 질풍노도의 교향곡들은
베토벤을 예감케 한다.
국왕의 암살로 더 이상 후계를 갖지 못한 크라우스의 음악은 오랫동안 잊혔다.
10. Beethoven, Violin Sonate in A major Op.47 'A Kreutzer'
Nathan Milstein(Vn) / Artur Balsam(Pf)
I. Adagio sostenuto - Presto
II. Andante con variazioni
III. Finale (Presto)
♣ 베토벤 바이올린 소나타 A 장조 Op.47 '크로이처'
'크로이처'라는 별명으로 더 유명한 베토벤의 바이올린 소나타 제9번은 베토벤이 남긴
10곡의 바이올린 소나타들 중에서도 가장 뛰어난 바이올린 소나타로 평가된다.
톨스토이의 '크로이처 소나타'라는 소설 덕분에 '크로이처'라는 부제는 이 곡에 더욱
신비스럽고 강렬한 이미지를 던져준다.
그러나 사실 '크로이처'란 다름 아닌 프랑스 출신의 바이올리니스트의 이름이다.
베토벤이 이 소나타를 그에게 헌정했기 때문에 이 소나타는 '크로이처 소나타'로
불리게 된 것이다.
그러나 베토벤이 처음부터 이 소나타를 크로이처에게 헌정하려 했던 것은 아니었다.
그는 본래 이 곡을 바이올리니스트 브릿지타워를 염두에 두고 작곡했고 그에게 헌정하려
했었다.
브릿지타워는 아프리카 출신의 아버지와 유럽인 어머니 사이에서 태어나 주로 영국에서
활동했던 바이올리니스트로 화려한 연주 스타일과 뛰어난 기교를 지니고 있어 일찍부터
명성을 얻고 있었다.
베토벤은 그의 연주 스타일을 아주 좋아해서 그를 위해 이 소나타를 작곡하여 함께
연주했고 연주회는 대성공을 거두었다.
연주회 당시만 해도 베토벤과 브릿지타워의 관계는 무척 우호적이었고 브릿지타워 역시
베토벤을 음악적으로 매우 존경했던 것 같다.
그러나 언제부터인가 그들의 우정에 금이 가기 시작했는데 그건 여자 문제 때문이었다.
알려진 바로는 한 여인 때문에 서로 반목하게 되었다고 한다.
그래서 베토벤은 1805년에 그의 새로운 바이올린 소나타를 출판하면서 엉뚱하게도 이
곡을 프랑스의 바이올리니스트 크로이처에게 헌정하기로 마음먹었던 것이다.
베토벤으로부터 소나타를 헌정 받은 바이올리니스트 크로이처는 당시 바요 로드와
더불어 프랑스 바이올린 악파의 삼총사 중 한 사람이었다.
그는 음을 짧게 끊어 연주하는 스피카토 주법보다는 음과 음 사이를 연결해 연주하는
레가토 주법을 선호했던 전형적인 프랑스 악파의 바이올리니스트로서 특히 정확한
인토네이션을 구사하는 뛰어난 연주자로 정평이 나 있었다.
베토벤과는 1804년에 교류가 있었는데 이때 베토벤은 크로이처의 가식 없고 자연스러운
연주에 큰 감명을 받고 그의 바이올린 소나타 제9번을 크로이처에게 헌정하기로 했던
것이다.
그러나 정작 크로이처 자신은 이 소나타를 별로 좋아하지 않았을 뿐만 아니라 베토벤에
대해서도 못마땅하게 생각했다고 한다.
작곡가 베를리오즈의 증언에 따르면 크로이처는 그 자신에게 헌정된 베토벤의 바이올린
소나타를 “난폭하고 무식한 곡”이라 평하고 거들떠보지도 않았다.
그런데도 이 곡이 '크로이처'라는 이름으로 더 잘 알려져 있다는 사실은 정말
아이러니컬하다.
베토벤의 크로이처 소나타는 넓은 음역을 자유롭게 넘나들며 숨 가쁘게 펼쳐지는 피아노
파트가 특히 화려하다.
너무나 화려한 나머지 마치 바이올린을 위협하듯 공격적이다. 그러나 바이올린 파트
역시 만만치가 않다.
바이올린은 불을 뿜는 듯한 스타카토와 강렬한 악센트를 선보이며 피아노와 접전을
벌인다.
그래서 음악학자들은 이 곡이야말로 바이올린과 피아노가 서로 대등한 위치에 있는
진정한 의미의 듀오 소나타로 보기도 한다.
실제로 이 곡의 초판본을 보면 악보에 “거의 협주곡처럼 극히 협주곡과 같은 스타일로
작곡된 바이올린 오블리가토에 의한 피아노 소나타”라고 써 있는 것을 발견할 수 있다.
독일의 음악학자 아놀드 셰링은 그의 저서 '베토벤과 시'에서 베토벤의 '크로이처
소나타'의 협주곡적인 스타일에 착안하여 매우 흥미로운 분석을 시도한 적이 있는데
그의 해석은 베토벤의 '크로이처 소나타'를 이해하는 데 많은 도움을 준다.
셰링은 16세기 이태리 시인 타쏘의 '예루살렘의 해방' 중 제 12가에 나오는
‘탄크레디와 클로린다의 싸움’의 이야기를 베토벤의 '크로이처 소나타' 1악장에
그대로 대입하여 이 곡이 바이올린과 피아노의 ‘싸움’과 같다고 설명했다.
‘탄크레디와 클로린다의 싸움’에 의하면 십자군의 용사 탄크레디는 아름다운
클로린다를 사랑하지만 안타깝게도 그녀는 적국의 회교도 여전사이다.
클로린다가 사라센의 전사 아르간테와 더불어 십자군 성채에 불을 지르고 도망치자
이를 뒤쫓은 탄크레디는 자신이 뒤쫓고 있는 전사가 클로린다인 줄도 모른 채
그녀에게 1대 1의 결투를 신청한다.
'크로이처 소나타'의 제1악장은 서로를 알아보지 못하는 연인들의 싸움처럼 처절하고
비극적이다.
결국 1악장 후반부에 나타는 피아노의 강한 일격에 바이올린이 맥을 못 추게 되면서 이
비극적 드라마는 종막으로 치닫게 된다.
셰링에 의하면 이 부분이 바로 탄크레디의 칼끝이 클로린다의 아름다운 가슴을 꿰뚫는
장면이다.
이후 클로린다의 괴로운 숨결은 방황하듯 표류하는 화성으로 표현되고 바로 그 때
클로린다의 투구를 벗긴 탄크레디는 | 
