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[ 신청곡 ]
1. Brahms, Piano Sonata No.2 in F-sharp Minor, Op.2
Helene Grimaud(Pf)
I. Allegro non troppo, ma energico
II.Andante con espressione
III.Scherzo - Allegro
IV.Finale. Introduzione. Sostenuto - Allegro non troppo e rubato
♣ 브람스 피아노 소나타 2번 F# 단조, Op.2
피아노 소나타 2번 Op.2는 제1번 소나타보다 먼저 작곡된 브람스의 최초의 피아노 소나타이며
브람스의 창작 초기의 특징이 잘 나타나 있다.
브람스는 슈만의 추천으로 악보를 출판할 수 있었고 그의 초기 작품들은 고전적 틀의 낭만적
정신이 담겨진 큰 소나타들이다.
피아노 소나타 C장조(1번), F#단조(2번)또한 초기 작품중에 일부이다.
이 작품 이전에 최소한 두 곡 이상의 소나타가 더 작곡되었으나 완벽을 추구했던 브람스가
스스로 모두 폐기 처분해 버렸기 때문에 오늘날은 전해지지 않고 있다.
현존하는 피아노 소나타는 독주용으로 C장조 소나타(1번), F#단조 Op.2(2번), Op.5가 있을
뿐이다.
그 후로 브람스는 더이상 피아노 소나타는 작곡하지 않았고 변주곡 작품에 관심을 기울이게
되었으며 후기에는 시적 감흥이 넘치는 소품들을 주로 작곡하였다.
이 세곡의 소나타 중에서 마지막 Op.5가 가장 많이 연주되며 1번이 남성적이며 야성미를
지닌다면 2번은 정열적이며 여성적인 섬세한 면이 깃들어져 있다는 평이 있다.
각 악장의 주요한 선율은 거의 모두가 상호 동기적, 선율적인 관계를 가지고 있어 브람스의
구성적인 의욕을 엿볼 수 있다.
꾸미려는 마음이 없이 직접적이고 거칠다고 할만한 경직성에 부드럽고 몽상적인 정서를
대비시키기도 한다.
엘렌 그리모 (Helene Grimaud, 1969. 11 ~ )
프랑스의 프로방스에서 태어났다. 아버지는 언어학자였으며 엑스 앙 프로방스 음악원에서
크루티에를 사사한 후 마르세유에서 바르비제를 사사했고 다시 파리 음악원에서 연찬을
쌓았다.
15세로 파리 음악원을 졸업할 때 라흐마니노프의 '음의 그림'을 연주하여 페를뮈테르에게
절찬받았다.
같은 해 여름 네덜란드에서 녹음한 라흐마니노프의 '음의 그림'과 소나타 제2번이 덴온에서
발매된 것을 계기로 극동에 데뷔했으며 바렌보임에게도 인정받았다.
엘렌 그리모는 투명하고 가녀린 외모와 상반되는 강인한 타건과 섬세함과 무게감이 균형을
이룬 음색으로 중성적인 매력을 발산하는 것으로 평가받고 있다.
그리모는 1987년 피아니스트 출신의 지휘자 다니엘 바렌보임에게 발탁돼 세계적인
교향악단과 협연하며 정상급 연주자로 성장했다.
그는 늑대를 애완동물처럼 키우는 환경론자로서의 삶과 음악에 대한 열정을 담은 책 '야생의
변주', '특별수업'을 펴내 베스트셀러 작가가 되기도 했다.
여류 피아니스트로서는 드물게 바흐, 베토벤, 쇼팽, 브람스, 라벨, 라흐마니노프 등 다양한
레퍼토리를 자랑하고 있다.
1986년 프랑스 디스크 그랑프리, 2005년 에코 클래식 선정 올해의 피아니스트 상을 받는 등
수상 경력도 여러 번 있다.
2. Tchaikovsky, Symphony No.1 in G minor Op.3 'Winter Daydreams'
Claudio Abbado(cond), Chicago Symphony Orchestra
I. Dreams of a winter journey - Allegro tranquillo)
II. Land of Desolation Land of Mists - Andante cantabile ma non tanto)
III. Scherzo. Allegro scherzando giocoso)
IV. Finale. Andante lugubre - Allegro moderato - Allegro maestoso - Allegro vivo)
♣ 차이코프스키 교향곡 1번 G 단조 Op.3 '겨울의 꿈'
차이코프스키의 첫번째 교향곡은 그의 나이 26세 때였던 1866년에 작곡됐다.
당시 차이코프스키는 새롭게 신설된 모스크바 음악원 교수로 초빙되었고 본격적인 작곡가
생활로 접어들던 시기였다.
교향곡 제1번은 1866년 가을부터 겨울에 걸쳐 작곡된 것으로 알려지고 있다.
차이코프스키는 자신의 첫번째 교향곡을 은사인 안톤 루빈스타인과 자렘바에게 보였지만
별로 좋은 반응을 얻지 못하고 냉냉한 평을 받았다.
은사의 호평이 나오지 않았음에도 그해 페테르스부르크에서 펼쳐진 러시아 음악협회의
연주회에서 2악장만은 연주가 되었다고 한다.
이 곡은 후일 모스크바 음악원의 원장인 니콜라이 루빈스타인에게 헌정되었으며, 계속적인
개작을 통해 1875년에 개정판이 출판됐다.
1악장과 2악장이 겨울의 여행과 풍경을 그린 것이라 하여 '겨울의 꿈'이라는 별명이 붙기도
했다.
이 곡의 제2악장에는 '음산한 땅' 또는 '안개의 땅'이라는 표제가 붙어있다.
아다지오 칸타빌레이기 때문에 부드러운 멜로디가 등장하는 악장입니다. 약음기를 붙인
현악 합주로 시작하여 바이올린이 도입부의 주제를 노래한다.
차이코프스키의 교향곡 중에서는 예외적으로 마음을 가볍게 해주는 작품이다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은
말러의 '교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Mozart Piano Concerto No.27 B-Dur KV 595
Clifford Curzon(Pf) / Istvan Kertesz(cond), London Symphony Orchestra
I. Allegro
II. Larghetto
III. Allegro
♣ 모차르트 피아노 협주곡 27번 B-Dur KV 595
모차르트는 피아노 협주곡 27번 B♭장조(K595)를 1791년 3월 빈 연주회에서 처음으로 연주했다.
그의 마지막 피아노 협주곡인 이 작품을 작곡한 지 두 달 후였다. 이 작품은 섬세한 부드러움,
감상의 완전한 배제, 그 어느 때보다 뛰어난 세련된 반주, 암시적으로 나타난 억제된 강렬한
감정의 암시 등이 돋보인다.
이러한 특징을 지닌 K595가 나오고 얼마 뒤 큰 성공을 거둔 클라리넷 협주곡, K622(모차르트의
마지막 협주곡)가 발표된다.
과거에는 그가 죽기 전 몇 달은 오로지 실패, 고난과 질병으로 가득했다고만 생각해 이 두
작품에서 자꾸만 절정기를 지난 고통과 자포자기와 같은 감정을 읽으려고 했다.
하지만 K595는 1788년 초에 작곡을 시작했을 것이라는 연구 결과가 나왔다.
그렇다면 기존의 관점을 수정해야 할 지도 모른다. 물론 곡의 분위기가 놀랍도록 정화된 것은
사실이다.
피날레에 사용된 8분의 6박자와 ‘봄을 기다림’과 흡사하다는 점을 고려한다면 기존의 견해를
완전히 버릴 수도 없다.
말년에 작곡한 다른 협주곡들처럼 이 곡도 표면적인 아름다움부터 먼저 귀에 들어온다.
하지만 그 아름다움의 이면에는 세련된 화성 진행이 숨어있다는 점을 간과해서는 안된다.
모차르트의 느린 악장 중에서 이처럼 소박하고 단순하며 감동적인 것은 없다. 마술 피리와 깊은
관계가 있는 곡이 분명하다.
클리퍼드 커즌 (Clifford Curzon, 1907.5.18 ~ )
영국의 왕년의 명피아니스트라고 하면 솔로몬과 헤스 그리고 커즌이다.
솔로몬은 제2차 세계 대전 후 활발하지 못했지만 커즌은 1950년에 걸쳐 영국 악단에 군림하여
피아니스트로서는 유일하게 '경'의 칭호도 갖고 있었다.
제자도 받지 않았고 만년에는 전혀 녹음도 하지 않은 고고한 존재였다.
그의 연주기법은 냉담할 만큼 허식이 없었으며 담담한 피아니즘을 자랑했다.
1968년경에 녹음한 것으로서 케르테스가 지휘한 런던 교향악단와의 모차르트 제23·24번(영국
데카)의 LP를 들으면 그의 특질을 잘 알 수 있다.
그밖에는 빈 P관악4중주단와 함께 영국 데카에 녹음한 프랑크와 드보르자크의 피아노 5중주곡이
좋다.
4. Robert Schumann, Concerto For Violoncello And Orchestra in A Minor, Op.129
Mstislav Rostropovich(Vc) / Gennadi Rozhdestvensky(cond), Leningrad Philharmonic Orchestra
I. Nicht zu schnell
II. Langsam
III. Sher lebhaft
♣ 슈만 첼로 협주곡 A 단조 Op.129
슈만이 작곡한 세 곡의 협주곡 중 가장 유명한 피아노 협주곡과 바이올린 협주곡 그리고 첼로
협주곡은 대체로 외면적으로 화려한 기교를 부리지 않고 독주부와 관현악부가 일체가 되어 슈만
특유의 시적이고 상상력 넘치는 분위기를 자아내고 있다는 것이 특징이다.
특히 '첼로 협주곡 A단조' Op.129는 이러한 특질을 가장 잘 띄고 있는 작품으로서 독주악기의
존재감을 화려하게 드러내보이지 않고 관현악 속으로 자연스럽게 몰입시킨 점이 다른 첼로
협주곡들과의 다른 점이기도 하다.
외향적인 성격보다 내면적인 모습 그리고 내면으로의 침잠이 아니라 외면을 향해 용솟음치는
고양감을 그러낸 작품인 만큼 독주자로 하여금 세심하면서도 대범한 연주기법과 상상력 풍부한
표현력을 요구하는 작품이기도 하다.
슈만 역시 첼로를 위한 협주곡을 작곡하는 데 많은 고민과 시간을 거쳤음이 분명하다.
협주곡을 작곡하지 않았던 슈베르트는 예외로 치더라도 그의 선배격인 모차르트나 베토벤은
물론이려니와 동시대 동료인 리스트나 쇼팽, 멘델스죤, 브람스 등등 역시 첼로 협주곡을
작곡하지 않았다.
19세기에 들어서자 바이올린과 마찬가지로 첼로를 위한 작품 수는 점차 감소했다.
그러나 한편으로는 낭만주의 시대의 작곡가들은 당시에 유행했던 피아노를 반주로 사용함으로써
첼로라는 악기의 가능성을 독주악기로서 개성을 발휘하게끔 이끌었다.
베토벤, 브람스, 쇼팽 등이 작곡한 첼로 소나타들의 경우가 바로 그 예이다.
첼로는 독주악기로서 그리고 오케스트라에서 사용되는 가장 서정적인 악기가 되었다.
베토벤 '교향곡 9번' 4악장에서의 환상적인 레치타티보도 그러하거니와 브람스의 교향곡에서도
선율을 주도하는 악기는 바로 첼로였다.
더군다나 브람스는 '바이올린과 첼로를 위한 2중 협주곡'에서도 첼로의 역할과 비중을 높게
할애해 독주 악기로서 첼로가 가진 가능성을 열어주기도 했다.
19세기 초중반은 첼로라는 악기에 대한 비르투오소적인 관점이 팽배해지던 시기였다.
드보르작의 '첼로 협주곡' 이후 첼로에 대한 관심은 본격적으로 증폭되기 시작했다.
생상스, 랄로를 비롯하여 미요, 뒤티외, 포레, 댕디, 미요, 뿔랑, 프로코피에프, 쇼스타코비치,
브리튼 등 20세기에 이르기까지 첼로에 대한 탐구는 계속되었다.
특히 드뷔시의 '첼로 소나타'와 코다이의 '무반주 첼로 소나타', 달라피콜라와 크세나키스 등의
작품들은 첼로에 대한 풍부한 가능성과 표현력을 확장시킨 걸작으로 평가받는다.
이 가운데 슈만의 '첼로 협주곡'이야말로 그 기법과 표현력 및 형식면에 있어서 선구자적인
존재라고 말할 수 있다.
첼로라는 악기는 첼로 협주곡을 작곡하기 이전부터 슈만에게 있어서 대단히 특별한 의미를
가지고 있다.
슈만과 첼로는 대단히 극적이며 특별한 인연을 맺고 있다. 그 인연은 슈만의 마지막 작품과
관련이 있다.
지금까지 알려진 그의 마지막 작품은 피아노 작품으로 1853년 10월 15일부터 18일 사이에 작곡한
'아침의 노래 gesange der fruhe' Op.133으로 알려져 있다.
그러나 정작 슈만의 마지막 관심 대상은 바로 첼로였다.
1853년 11월 뒤셀도르프에서 작곡한 '첼로와 피아노를 위한 다섯 개의 로망스'라는 작품이 슈만의
진실된 마지막 작품인 것이다.
슈만이 세상을 뜬 뒤 40여 년이 지난 1893년에 클라라 슈만은 요하임의 권유로 이 작품을 불에
태워 파기해버렸는데 만약 이 작품이 지금까지 전해졌다면 슈만의 천재성이 최고도로 발휘된
감동적인 걸작으로 평가받았을 것임이 분명하다.
1849년에 슈만은 괴테 탄생 100주년을 맞이하여 드레스덴에서 체류하고 있었다.
슈만은 오랫동안 공을 들였던 괴테의 '파우스트'에 의한 같은 제목의 극음악을 드레스덴,
라이프치히, 바이마르에서 공연했다.
당시는 슈만에게 있어서 풍부한 결실의 해로서 수많은 합창곡과 관악기용 작품이 탄생했다.
'피아노와 호른을 위한 네 개의 행진곡' Op.76, '피아노와 클라리넷을 위한 환상 소곡집' Op.73,
'네 개의 호른과 대규모 오케스트라를 위한 콘체르트 슈튀크' Op.86 등이 이 시기에 작곡되었다.
그러나 이 시기 동안 슈만은 마음 속으로 불만을 가지고 있었다.
진정한 음악가를 만날 수 없다는 이유로 이 도시를 떠난 슈만 부부는 운 좋게도 1850년 가을
뒤셀도르프에 새로운 음악 감독으로 부임하여 융숭한 대접을 받게 되었다.
라인란트 지방의 자유롭고 친절한 분위기가 슈만 부부로 하여금 행복한 나날을 꿈꾸게 할 수
있었으며 무엇보다도 클라라는 남편이 지휘대에 오르게 된 것을 진정으로 기뻐했다.
이렇게 작곡과 연주 모두에서 로베르트는 진정한 음악적 기쁨을 맛볼 수 있게 되었다.
바로 이 시기를 대표하는 작품으로 11월과 12월에 작곡한 '라인 교향곡'과 더불어 '첼로
협주곡'을 꼽을 수 있다.
'첼로 협주곡'은 그가 라인강에 투신자살을 시도하기 4년 전 그리고 46세의 나이로 엔데니히
정신병원에서 숨져가기 6년 전인 1850년에 작곡한 작품이다.
슈만은 1850년 10월 10일부터 24일 사이, 단 2주만에 작곡을 끝냈으나 안타깝게도 슈만은 생전에
이 작품이 연주되는 것을 보지 못했다.
1851년 3월 23일 크리스티안 라이머가 솔로 파트만을 리허설했을 뿐 전곡이 온전한 형태로 대중들
앞에서 연주되진 않았기 때문이다.
이 곡의 초연은 그가 세상을 뜬 4년 뒤인 1860년 6월 9일 라이프찌히 게반트하우스에서 열린 슈만
탄생 50주년 기념행사에서 비로소 루드비히 에베르트의 독주로 이루어졌다.
이 작품은 첫 제시부의 긴 길이와 도입부의 초절기교적인 테크닉 때문에 슈만의 모든 작품들
가운데에서도 가장 대범하고 모험적인 작품으로 평가받는다.
자필 악보를 보면 슈만은 협주곡이라기보다는 콘체르트슈튀크(Konzertstuck)라고 명시해 놓고
있다.
이는 전통적 관점의 협주곡 양식과 결별해 작곡가 카를 베버로부터 비롯한 새로운 장르인
콘체르트슈튀크와 첼로의 가능성을 발전시키고 싶어했음이 분명하다.
그의 다른 협주곡들과 동일하게 이 '첼로 협주곡' 역시 환상곡풍의 스타일로 구성되어 있으며 세
악장이 쉼없이 연주되는 단악장 형식을 취하고 있다.
슈만은 악장 사이에 박수가 나오는 것을 혐오했다고 한다.
그런 이유로 협주곡에 악장 구분을 없앤 것으로 추측할 수도 있을 것이다.
짧은 오케스트라 도입부에 이어 첼로의 독주가 시작되고 이후 서정적인 멜로디를 따라 오케스트라와
첼로는 긴밀한 관계를 유지하며 3악장 론도에 이르기까지 독특한 음향과 개성적인 리듬을
만들어간다.
최근에는 마지막 코다 전에 등장하는 마지막 반주가 따르는 카덴차를 연주가 자신이 임의로 작곡한
무반주 카덴차를 등장시키기도 한다.
물론 슈만이 악보에 카덴차를 바꾸어 연주해도 된다고 지시한 사항은 아니다.
1악장 Nicht zu schnell 너무 빠르지 않게
2악장 Langsam 느리게
3악장 Sher lebhaft 매우 생생하게
■ 추천음반
슈만의 첼로 협주곡은 예로부터 훌륭한 연주가 많이 존재해왔다.
그 가운데 엔리코 마이나르디의 DG 레코딩(Spectrum)은 풍부한 서정성과 투명한 음색으로 이 작품의
목가적인 아름다움을 발견해낸 역사적인 녹음으로 손꼽을 만하다.
야노슈 슈타커의 녹음(Mercury)은 이 작품의 에너지감과 고전적 형식미를 정확히 읽어낸 호연
가운데 호연으로 그 명성이 이어져 내려왔다.
모리스 장드롱의 우아하고도 귀족적인 녹음(Testament)도 개성적인 뿐만 아니라, 나탈리 구트만과
클라우디오 아바도의 연주(DG)는 이 작품의 모든 디테일에 영혼을 불어넣은 현대적인 연주로 적극
추천한다.
므스티스라브 로스트로포비치 (Mstislav Rostropovich, 1927. 3. 27 ~ 2007. 4. 27)
20세기에는 수많은 첼리스트가 활동했지만 일명 '슬라바'라는 애칭으로 많이 불리는 므스티슬라프
레오폴도비치 로스트로포비치만큼 커다란 예술적 영향력과 뜨거운 열정을 가진 사람은 파블로
카잘스 외에는 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다.
로스트로포비치는 첼로 리사이틀은 물론 오케스트라, 실내악, 성악, 오페라까지 섭렵하며 자신의
음악적 재능을 발산했을 뿐만 아니라 후학을 위해 자신의 모든 것을 바칠 수 있는 겸허함도 갖고
있었다.
더군다나 70세 때 떠난 휴가지에서 따분함을 느낀 뒤 죽을 때까지 휴가를 가지 않겠다고
다짐했다는 일화에서 찾아볼 수 있듯이 그는 성실함이라는 미덕을 갖춘 음악가의 표상이었다.
로스트로포비치는 1927년 당시 소련의 일부였던 아제르바이젠의 바쿠에서 러시아인 부모(아버지는
벨라루스-폴란드계) 사이에서 태어났다.
어린 시절 이슬람권 도시인 바쿠에서 자란 로스트로포비치는 네 살 부터 유능한 피아니스트인
어머니에게 피아노를 배우기 시작했고 열 살 무렵에는 파블로 카잘스의 제자이자 저명한
첼리스트인 아버지로부터 첼로를 배울 수 있었다.
이후 2차대전이 발발하면서 그의 가족은 오렌부르크로 이사한 뒤 1943년에는 모스크바에
정착하게 되었다.
모스크바에 도착한 16세의 로스트로포비치는 모스크바 콘서바토리에 입학하여 첼로와 피아노,
지휘와 작곡을 공부했다.
3년 뒤인 1945년 그는 소련 정부가 개최한 젊은 음악가들을 위한 콩쿠르에서 처음으로 금메달을
수상하는 영광을 안으며 자신의 존재를 알리기 시작했다.
1948년 콘서바토리를 졸업한 그는 1956년까지 이 학교에서 첼로과 교수로 재직하며 교육에
헌신했다.
학교에서 교육자로 활동을 하는 한편 연주자 활동 영역 또한 서서히 넓혀나갔다.
1942년 첫 리사이틀을 연 그는 프라하와 부다페스트에서 개최된 국제 음악제에서 1등상을
수상하며 당시 소련에서 가장 촉망받는 첼리스트로 급부상하고 있었다.
1950년 23세의 나이로 그는 스탈린상을 받으며 명실상부한 소련 최고의 첼리스트로 인정받게
되었다.
레닌그라드 콘서바토리에서도 교수직을 맡게 되며 자국 내에서 최고의 인지도를 얻게 된 그는
1955년 볼쇼이 극장의 성악가인 갈리나 비슈네브스카야와 결혼하며 20대의 마지막을 화려하게
장식했다.
명성에 걸맞게 그는 소련 작곡가들로부터 많은 작품을 헌정 받았다.
1949년 22세의 나이에 프로코피에프로부터 '첼로 소나타 C장조 Op.119'를 헌정 받았고 이듬해
동료인 리히테르와 함께 이 작품을 초연했다.
이를 계기로 프로코피에프는 '첼로를 위한 신포니아 콘체르탄테'를 또다시 그를 위해 작곡하여
1952년에 초연할 수 있었고 작곡가의 서거로 완성을 하지 못한 첼로를 위한 콘체르티노는 이후
작곡가 카발레프스키의 도움으로 마무리 지을 수 있었다.
한편 쇼스타코비치는 두 개의 첼로 협주곡 모두를 그를 위해 작곡했다. 초연 또한 그의 손으로
이루어졌다.
그 외에 슈니트케, 패르트, 루토스와프스키, 메시앙, 뒤티외, 불레즈, 구바이둘리나 그리고
많은 영국 작곡가들로부터 작품을 헌정받은 만큼 그가 헌정 받은 작품들로 20세기 첼로를 위한
현대곡 목록을 완성할 수 있을 정도였다.
1963년 리에쥬 콘서바토리에서 키릴 콘드라신과의 협연을 시작으로 그는 서방 세계에서도
경력을 쌓을 수 있는 기회가 주어졌다.
특히 영국에서 벤자민 브리튼을 만나 전폭적 지지를 얻게 된 그는 이후 첼로 소나타와 세 개의
첼로 모음곡, 첼로 교향곡 등을 헌정받아 초연했다.
1976년 브리튼의 때 이른 서거로 그들의 파트너십은 지속될 수 없었지만 병상에서 브리튼은
하늘에서 언젠가 다시 만나 재결합할 수 있기에 죽음이 두렵지 않다고 말했을 정도로 그들의
음악적 신뢰는 대단히 높았다.
작품을 헌정하는 것에 끝나지 않고 브리튼은 직접 피아노를 맡아 로스트로포비치와 함께
앙상블을 만드는 것을 즐겼고 DECCA 레이블에서 발매된 슈베르트의 '아르페지오 소나타'와 같은
명반을 남길 수 있었다.
이 음반은 브리튼이 좋아했는데 그는 서거하기 직전까지 침대에서 이 음반을 들으며 기쁨의
눈물을 흘렸다고 그의 딸이 전한 바 있다.
그의 엄청난 음악성과 음악에 대한 열정은 첼로라는 악기에만 국한되지 않았다.
그는 1962년 11월 고리키시에서 '므첸스크의 멕베스 부인' 관현악 발췌와 쇼스타코비치 편곡의
무소르그스키의 '가곡과 죽음의 무도'를 지휘하며 처음으로 지휘봉을 들었다.
이후 1967년에는 볼쇼이 극장의 초청을 받아 차이콥스키 '예프게니 오네긴'을 지휘했고 이후
많은 곳에서 콘서트와 오페라를 지휘하며 제2의 음악인생을 시작했다.
그리고 1968년 8월 21일에는 영국 프롬스에서 소비에스 국립 심포니 오케스트라를 이끌고
지휘자로 서방 데뷔 무대를 가졌다.
한편 이 시기에 그는 카라얀과 만나 드보르자크의 '첼로 협주곡'(DG)을 함께 레코딩하여 희대의
명반을 탄생시길 수 있었고 이후 R.슈트라우스의 '돈 키호테'(EMI)와 베토벤의 '3중
협주곡'(EMI)을 카라얀과 함께 녹음하며 최고의 협연을 선보였다.
로스트로포비치는 예술의 뮤즈로서의 역할 뿐만 아니라 자유의 대변자로서의 역할 또한
열정적이었다.
특히 그는 민주주의적 가치와 자유에 대한 소신을 바탕으로 안락한 예술가로서의 삶을 포기했다.
1948년 모스크바 콘서바토리에 재학할 당시 21세의 그는 당시 형식주의 작곡가들이라고 비난
받던 자신의 스승 쇼스타코비치를 옹호하여 학교를 그만두기도 했다.
한편 1968년에는 그의 친구인 소련의 소설가 알렉산드르 솔제니친이 '수용소 군도'를 집필할
당시 그에게 은신처를 제공해 주기도 했다.
공산당 서기장인 브레즈네프에게 솔제니친을 옹호하는 편지를 각 신문사에 보내기도 할 만큼
용감했다.
그 결과 그와 그의 부인은 해외 연주회를 금지당한 채 감시 속에 모진 시간을 견뎌내야만 했다.
그런 까닭에 그는 1974년 스위스를 거쳐 미국으로 망명을 감행했다.
미국에서 새로운 삶을 시작해야 했던 그는 1977년부터 1994년까지 워싱턴 국립 심포니
오케스트라의 상임 지휘자를 맡았다.
런던 심포니 오케스트라와 같은 유수의 영국 오케스트라들을 지휘하며 활발한 지휘 활동을
펼쳐나갔다.
이후 1978년 반애국적 활동으로 국가의 위신을 손상시켰다는 이유로 소련 시민권까지 빼앗겼던
그는 1980년 파리에서 소련의 반체제 물리학자 사하로프의 석방을 요구하는 항의 콘서트를
열었다.
조국 러시아의 정치적 현실에 강하게 반발했던 그는 1990년이 되어서야 비로소 조국으로 돌아갈
수 있었다.
그리고 1989년 베를린 장벽이 무너지던 날 그가 서베를린 측 장벽 아래서 바흐의 '무반주 첼로
모음곡'을 연주하는 모습은 전세계 TV로 퍼져나가 커다란 감동을 안겨주었다.
1991년에는 러시아의 군부 쿠데타 시도를 막기 위해 크렘린 광장에 모인 시위대에 기꺼이
가담하기도 했다.
옐친과 두터운 친분을 나누기도 했던 그는 음악가라는 직업인 이전에 현대 러시아의 역사를
거론할 때 빼놓을 수 없는 중요한 러시아인이기도 하다.
이렇듯 바쁜 삶 속에서도 그는 여전히 첼리스트로서의 본분을 충실히 수행해 나갔다.
미국와 유럽을 오가며 지휘 활동을 하는 와중에 솔리스트로서의 활동 뿐만 아니라 동료 음악가들
및 젊은 음악가들과 함께 앙상블리스트로서도 많은 실내악 활동을 병행했다.
망명 전에는 에밀 길렐스와 스비아토슬라프 리히테르, 다비드 오이스트라흐, 레오니드 코간 등과
트리오 및 듀오를 이루어 러시아 음악가로서의 자긍심을 높이는데 앞장섰다.
망명 후에는 서방의 다양한 음악가들과 기꺼이 앙상블을 맞추어 음악의 본질적인 목적을
추구하는 데에 자신의 재능을 아끼지 않았다.
이러한 까닭에 그는 수많은 음악상과 훈장이 그에게 수여되며 20세기 세계 음악사에서 가장
영예로운 첼리스트이자 진정한 음악가로서의 지위를 누릴 수 있었다.
이후 그는 부인과 함께 로스트로포비치-비슈네브스카야 재단을 워싱턴에 설립하여 구 소련
어린이들의 건강과 교육을 향상시키는 사업을 벌였다.
2002년에는 자신의 고향인 바쿠에 로스트로포비치 박물관을 설립하였으며 아제르바이젠 국립
콘서바토리에서 첼로 마스터 클래스를 열며 후학을 양성하기도 했다.
특히 자신이 세운 로스트로포비치 국제 콩쿨에서 우승한 한국의 젊은 첼리스트인 장한나를
발굴하여 평생토록 그녀가 올바른 길로 나아가는 데에 정신적, 예술적 지도를 아끼지 않았다.
준엄함과 따스함을 동시에 갖춘 스승으로서의 참모습을 보여준 것이다.
그는 주로 1711년산 듀포르 스트라디바리우스와 스토리오니, 과르네리 이렇게 세 대의 악기로
많은 연주회와 녹음을 병행했다.
1950년대 이후 수많은 녹음을 남겼고 이들 어느 하나 빼놓을 수 없는 명반으로 남아 있다.
앞서 언급한 브리튼과 카라얀과의 명반 외에도 리히테르와의 베토벤 '첼로 협주곡 전곡'
(Philips), 루돌프 제르킨의 반주로 녹음한 브람스 '첼로 소나타집'(DG), 유진 오먼디
지휘로 녹음한 쇼스타코비치 '첼로 협주곡 1번'(SONY), 네빌 마리너와 녹음한 하이든 '첼로
협주곡 1, 2번'(EMI), 파울 자허와 휴 볼프의 지휘로 녹음한 바로크 '첼로 협주곡집'(DG,
Teldec) 등이 그를 언급하는 데 있어서 가장 보편적으로 거론되는 첼로 명반이다.
그 무엇보다도 생에 단 한 번 녹음한 바흐의 '무반주 첼로 모음곡'(EMI)은 그의 필생의
예술혼을 담아낸 역작으로 높은 평가를 받고 있다.
한편 에머슨 4중주단과 슈베르트 현악 5중주(DG) 및 안네-소피 무터와의 베토벤 트리오(DG)와
같은 실내악 앨범도 다수 남겼다.
지휘자로서의 명연 또한 솔리스트로서의 기량 못지 않다. 가장 먼저 쇼스타코비치의
'므첸스크의 멕베드 부인' 전곡 녹음(EMI)과 림스키-코르사코프의 '셰헤라자데'(EMI),
차이콥스키의 3대 발레 모음곡집(DG), 세 개의 오케스트라를 동원하여 제작한 쇼스타코비치
'교향곡 전집'(Teldec)이 가장 유명하다.
특히 쇼스타코비치를 존경했던 그는 소련을 떠나기 직전 작곡가에게 반드시 교향곡 전곡을
녹음하겠다는 약속을 작곡가 사후 20년 만에 지켰다는 점에서 그 의미가 크다.
그는 2006년 뉴욕 타임스와의 인터뷰에서 쇼스타코비치에 대한 그리움을 토로한 바 있다.
"가끔 지휘하는 도중에 스승의 얼굴이 나타난다. 종종 그의 표정은 행복해 보이지 않는다.
난 느린 템포를 좀 더 빨리 몰고 간다. 그러면 이내 그 얼굴이 사라지곤 했다."
한편 막심 벤게로프와 함께 한 쇼스타코비치와 프로코피에프 '바이올린 협주곡집'(Teldec)과
베토벤 '바이올린 협주곡'(EM) 또한 그 가치가 높고 13세의 장한나를 후원한 차이콥스키와
생상스 앨범(EMI) 또한 훌륭하다.
한편 피아니스트로서 아내인 비슈네브스카야를 반주한 러시아 가곡집(DG) 또한 빼놓을 수
없다.
1996년 6월 서울에서의 두 번째 내한 공연 때 앙코르 첫 곡을 연주할 때 갑자기 뒤로 돌아
연주하여 합창석 청중들에게 잊을 수 없는 배려를 보여줄 정도로 휴머니즘 넘치는 모습을
보여 준 로스트로포비치에게도 기어이 죽음이 찾아왔다.
2007년 3월 27일 80세 생일을 맞이하여 당시 러시아 대통령인 블라디미르 푸틴은 그를
크레믈린 궁으로 초청하여 성대한 파티를 열어주었다.
그러나 그의 건강은 암으로 점점 악화되어 4월 7일 병원에 입원했고 그 달 27일 세상을 떠났다.
4월 28일 로스트로포비치의 유해가 모스크바 콘서바토리로 이송되어 많은 사람들의 참배를
받았고 그 가운데에는 푸틴 대통령도 참석해 있었다.
그리고 그가 1990년 오랜 망명 생활을 접고 26년만에 고국 땅을 밟은 그가 가장 먼저 달려간
노보데비치 수도원 묘역에 안장되었다.
그 곳에서 비로소 먼저 떠난 정든 친구들과 함께 보드카 잔을 오랜 만에 나눌 수 있게 된
것이다.
약력
1945 소비에트연방 음악콩쿠르 우승
1948 모스크바 음악원 졸업
1950 스탈린상 수상
1962 소련에서 지휘자 데뷔
1968 영국에서 지휘자로 서방 데뷔 무대
1974 스위스를 거쳐 미국으로 망명
1977~1994 워싱턴 국립 심포니 오케스트라의 상임 지휘자 역임
1978 소련 시민권 박탈
1987 영국 명예 KBE훈장(외국인대상 명예훈장)
1995 폴라음악상 수상
5. Ravel, Piano Concerto in G
Arturo Benedetti Michelangeli(Pf) / Ettore Gracis(cond), Philharmonia Orchestra
I. Allegramente
II. Adagio assai
III. Presto
♣ 라벨 피아노 협주곡 5번 G 장조
미국 연주 여행에 성공한 라벨은 새롭게 피아노 협주곡을 써서 다시 도미하여 연주하려고
계획하고 있었다.
때마침 그 때 제1차 대전으로 오른손을 잃은 오스트리아의 피아니스트 파울
비트겐슈타인으로부터 '왼손을 위한 피아노 협주곡(협주곡)' 작곡 의뢰가 있었다.
이러한 경로로 때를 같이하여 2곡의 피아노 협주곡이 씌어지게 된 것이다. 이 두 곡은 어느
것이나 라벨 음악의 마지막 찬란함을 나타내는 걸작인데 고전 형식에 현대풍의 유희적
감각을 교묘하게 함께 담은 'G장조' 쪽이 보다 널리 애호되고 있다.
악기 편성은 오히려 소규모인데 캐스터네츠를 사용한 타악기군과 지휘봉의 사용이 날카로운
효과를 거두고 있다.
제1악장Allegramente(쾌활하게) G장조 2/2.
북과 첼로의 트레몰로 비올라의 피치카토가 교차하고 날카로운 지휘봉의 일격으로 피아노가
동시에 펼침 화음으로 나타나면서 곧바로 시작된다.
라벨과 어울리는 참신한 아이디어이다. 피콜로가 가볍게 제1주제를 제시하며 먼저 목관에
의해서 충실해지고 피아노는 글리산도로 화려하게 장식하고 일단 침묵한다.
주제는 다시 전개되어 고조되지만 급히 리타르단도하여 잉글리시 호른이 한 번 조용하게
회상한다.
여기서 피아노가 이국적인 음형을 새롭게 도입하고 다시 클라리넷과 트럼펫이 제2주제에의
경과구를 미리 앞서 연주하는데 심벌즈와 캐스터네츠에 의한 특이한 리듬이 효과적이며 이후
악곡 구성의 중요한 요인으로서 자주 나타난다.
이어 피아노가 제2주제를 제시하여 잠시 전개되고 코데타로 들어간다.
피아노가 특징적인 리듬을 반복하며 전개부로 들어간다. 여기는 제1주제를 중심으로 한 짧은
것인데 토카타 풍으로 현란한 악상을 잇는다.
피아노가 다시 옥타브의 경과구를 연주하며 재현부로 들어가는데 두 주제의 재현은 곡취를
돋우려고 열심이었던 것으로 새로운 효과를 거둔다. 피아노의 긴 카덴차 뒤 제1주제의 악상을
쌓아올리면서 간결하게 끝난다.
제2악장Adagio assai E장조 3/4. 세도막 형식.
피아노가 제1주제를 제시하고 이 단조로운 리듬이 악상을 일관하여 지배한다.
피아노 독주는 고음의 트릴에 의해서 끝나는데 목관군이 순서대로 이 트릴에 짧은 음표로
변주되면서 악상을 장식하여 간다. 중간부는 피아노가 고전적인 주제를 나타내는 곡이다.
피아노가 다시 음계풍으로 이것을 장식하면서 전개되고 이곳에서 이 곡은 절정을 이룬다.
또다시 잉글리시 호른이 제1주제를 노래하고 피아노가 이것을 장식하며 제3부로 들어간다. 전곡
중에서도 가장 아름다운 악장이다.
제3악장Presto G장조 2/4. 카프리치오 풍의 눈부신 피날레.
큰북의 트릴과 파곳·금관·비올라·첼로의 격렬한 스타카토에 큰북의 일격이 이어진다. 피아노가
현의 피치카토를 수반해서 주제를 제시하고 클라리넷이나 피콜로가 어지럽게 이것을 돕는다.
다음에 스타카토의 화음을 피아노가 연타하며 악상이 일단 가라앉지만 곧바로 바뀌어 경쾌한
경과구가 어지럽게 흐른다.
다시 악장 서두의 리드미컬한 악상이 재현되고 이어서 제3주제가 호른에 의해 유머러스하게
연주되고 트라이앵글이 이것을 받는다.
이후 이들 주제가 자유롭게 어우러지고 피아노가 수를 놓듯이 경과구를 나타내며 악상을
진행시키고 마지막으로 서두의 악상이 다시 나타나면서 끝난다.
아르투로 베네데티 미켈란젤리 (Arturo Benedetti Michelangeli, 1920. 1. 5 ~ 1995. 6. 12)
북 이탈리아 롬바르디의 옛도시 브레시아에서 태어난 피아니스트로서 모친은 유고슬라비아인이고
부친은 변호사였으나 피아노 교사의 자격을 가지고 있었다.
4세 무렵부터 피아노를 치기 시작해 브레시아 음악원에서 배웠다. 10세 때 밀라노 음악원에
입학하여 3년에 걸쳐 주세페안포시를사사했다.
그의 이름이 알려지게 된 것은 1939년 19세로 제 1 회 제네바 국제콩쿠르에서 우승하고부터이다.
이 때 심사원이던 코르토가 그 뛰어난 연주를 '새로운 리스트의 탄생' 이라고 격찬한 것은 지금도
유명하다.
그러나 곧 제 2차 대전이 발발했기 때문에 활동은 이탈리아와 독일에 제한되었다.
미켈란젤리의 이름이 국제적으로 퍼진 것은 전후인 1946년이 되어 영국과 프랑스에 연주 여행하여
센세이셔널한 성공을 거두면서부터였다.
그러나 약 10년 후에는 건강상의 이유로 한때 연주활동에서 떠나 보르짜노에 칩거하면서 교사로
있는 한편 시골 사람과 같은 생활을 계속 했다고 한다.
그리하여 1959년에 다시 연주 활동을 시작하여 유럽은 물론 미국에도 연주 여행하여 압도적인
성공을 거두었다.
또 교육에도 매우 열성이어서, 볼로냐, 베네치아, 토리노 등의 각 음악원에서 교편을 잡고
개인적으로도 많은 젊은 피아니스트를 육성하여 위대한 교사로서도 알려져 있다.
또 1965년부터는 출생지인 브레시아에서 그의 이름을 붙인 피아노 음악제가 열리고 있다.
베네데티-미켈란젤리는 현대의 피아노계에서 가장 고고한 피아니스트, 완전주의자로 지목되고
있다.
인간의 기교라고 생각되지 안을 만큼 명료하고 아름다운 음의 알맹이를 가졌으며, 투철한 울림과
색채를 가진 그 연주는 동시에 피아니스트라 하기 보다는 음의 사색가라고 부르고 싶은 작품에
대한 날카롭고 엄격한 안목을 느끼게 하는 아주 독자적인 스타일을 형성하고 있다.
그가 자주 연주회를 최소하고 레코딩에 대해 극히 신중한 것도 그러한 자기의 예술을 철저하게
연마하지 않고는 못배기는 자세에서 오는 것이기는 하다.
믿을 수 없을 만큼 아름다운 피아니시모에서 압도적인 포르티시모에 이르기까지 진폭이 큰 예리한
감각에 의해 놀랄 정도로 세련된 연주는 스카를라티에서 드뷔시까지 어떤 작품에 있어서도 다른
피아니스트에게서는 구할 수 없는 빛을 발휘한다.
미켈란젤리는 현대의 피아노 미학의 하나의 극치라고 할 표현을 잘 들려준다.
특히 베토벤에 있어서의 잘 연마된 표현력과 그 내적 긴장의 지속력, 드뷔시에 있어서의 음
색채의 아름다움과 음의 시라고 해도 좋을 정교하고 판타스틱한 세계 등은 참으로 놀랍다.
6. Saint-Saens, Cello Sonata No.2 in F major, Op.123
Christian Poltera(Vc) / Kathryn Stott(Pf)
I. Maestoso, largamente
II. Scherzo con variazioni
III. Romanza- Poco adagio
IV. Allegro non troppo grazioso
크리스티안 폴테라 (Christian Poltera, 1977 ~ )
크리스티안 폴테라는 스위스 취리히에서 1977 년에 태어났다.
낸시 추마첸코와 보리스 페르가멘스치코프에게 첼로를 사사했고 잘츠부르크와 비엔나에서
하인리히 쉬프에게서 배웠다.
그후 독주자로서 라이프치히 게반트하우스 오케스트라, 취리히 톤할레 오케스트라, 비엔나,
밤베르크, 뒤셀도르프 심포니 오케스트라, NDR 라디오 필하모닉 오케스트라, 바덴 바덴
SWR 라디오 심포니 오케스트라, 프라이부르크, 베를린, 바젤과 루체른 심포니 오케스트라,
오슬로와 코펜하겐 필하모닉 오케스트라, 스타방게르 심포니 오케스트라, 몬테 카를로
필하모니 오케스트라, 모스크바 라디오 심포니 오케스트라, BBC 심포니 오케스트라, 영국의
노던 신포니아, 로마의 산타 체칠리아 오케스트라 등 세계 유수의 오케스트라들과 협연했다.
또한 그는 블라디미르 페도세예프, 아담 피셔, 하인즈 홀리거, 하인리히 쉬프, 레오나드
슬라트킨, 마리오 벤자고, 마르첼로 비오티, 아르민 조던, 데이비드 친만 등 많은 저명한
지휘자들과 연주활동을 해왔다.
최근에는 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 리카르도 샤이와 공연하였고 SWR 심포니
오케스트라와 함께 독일의 바덴바덴, 프라이부르크 등지를 순회연주하였다.
그리고 미국의 에이버리 피셔 홀에서 프랭크 마틴의 '첼로 협주곡'을 카네기 홀에서
루토슬라프스키의 '첼로 협주곡'을 비록하여 실내악 프로그램으로 연주하였다.
프랭크 피터 짐머만, 앙트완 타메스티트와 트리오를 결성해서 유럽 여러 도시에서 연주하고
있다. 또한 피아니스트 폴리나 레스첸코와 듀오로 뉴욕과 유럽에서 연주했다.
2004년 크리스티안 폴테라는 명성있고 뛰어난 재능을 보이는 젊은 아티스트에게 수여하는
권위있는 보레티-부이토니 상을 수상했다.
2006/2007 시즌에는 피아니스트 폴리나 레쉔코와 함께 '유럽 콘서트 홀 위원회'에 의해
"떠오르는 별"(Rising Star)로 선정되기도 하였다.
그들은 주요 유럽의 많은 콘서트홀과 뉴욕 카네기 홀에서 많은 연주회를 가졌다.
최근에는 로열 리버풀 필하모닉 오케스트라와 함께 캠브리지 축제와 퀸 엘리자베스 홀에서
연주회를 가졌다.
2007년 10월 그는 2007 년 프라하 가을 축제의 폐막 밤에 BBC 스코틀랜드 심포니
오케스트라와 함께 드보르자크 '첼로 협주곡'을 연주했다.
그리고 퀸 엘리자베스 홀에서 피아니스트 미츠코 우치다와 실내악을 연주했다.
7. Bazzini, Trois morceaux en forme de sonate, Op.44
Chloe Hanslip(Vn) / Caspar Frantz(Pf)
I. Allegro giusto
II. Romance
III. Finale. Allegro vivace
안토니오 바치니 (Antonio Bazzini, 1818 ~ 1897)
파가니니의 격려를 받고 어린 나이에 연주 활동을 시작하여 특히 슈만과 멘델스존으로부터
찬사를 받았다.
에스파냐·덴마크·프랑스·독일 등 유럽 각지를 순회하며 연주한 뒤 브레스키아로 돌아와
작곡에 몰두하여 여러 곡의 오페라 판타지아와 '라 롱드 데 뤼탱 La ronde des lutins'
'르 뮐레티에 Le muletier' 등의 캐릭터피스(character-pieces:19세기에 유행한 자유로운
형식의 소품)를 썼다.
1873년 밀라노음악원 작곡교수가 되었으며 이어 1882년에는 원장에 취임했다.
그의 밑에서 알프레도 카탈라니, 피에트로 마스카니, 자코모 푸치니 등 유명한 음악가들이
배출되었다.
8. Johann Baptist Vanhal, Double Bass Concerto in D major
Chi-Chi Nwanoku(Db) / Paul Goodwin(cond), Swedish Chamber Occhestra
I. Allegro moderato
II. Adagio
III. All
요한 밥티스트 반할 (Johann Baptist Vanhal, 1739 ~ 1813)
보헤미아 출신의 요한 밥티스트 반할은 빈에서 활동하며 하이든과 모차르트와 교류했으며
여러 곡의 교향곡과 사중주를 작곡했다.
반할의 음악은 최근 들어 조금씩 들을 기회가 많아지고 있는데 페터 스자보는 신포니에타
파노니카와 함께 그의 첼로 협주곡 세 곡을 녹음했다.
독주와 합주가 어울리는 모습이 바로크 협주곡과 비슷하지만 질풍노도 양식의 다양한 감정을
내포하고 있어서 일종의 하이브리드 작품이라는 느낌이다.
특히 느린 악장이 특히 아름답고 첼로의 음역을 효과적으로 쓴 좋은 작품이다.
비교대상이 없지만 첼로 독주와 오케스트라 역시 신뢰감을 주는 안정된 연주를 들려준다.
9. Chopin, Piano Sonata No.2 in B flat Minor, Op.35
Grigory Sokolov(Pf)
I. Grave - Doppio movimento
II. Scherzo
III. Marche funebre. Lento
IV. Finale. Presto
♣ 쇼팽 피아노 소나타 2번 B 플랫 단조 Op.36
엄청난 에너지를 함유하고 있는 쇼팽의 '피아노 소나타 2번'은 쇼팽의 창작력이 최고조에 달한
시기에 음악적 축복을 담뿍 받고 탄생한 피아노 레퍼토리를 대표하는 걸작으로 손꼽힌다.
1839년 여름 조르주 상드의 별장이 있는 노앙에서 작곡된 이 작품은 비관습적인 스케일을
차용해 대작을 작곡하려 한 쇼팽의 천재적 상상력의 산물이다.
드라마틱한 스타일로 시작되며 뒤이어 짧은 동기들이 작품의 대부분을 차지하고 있는 거칠고
난폭한 표정들을 요약해버린다.
쉼 없이 다채로운 분위기가 흐르는 동시에 감상자들의 시선을 여기저기로 분산시킨다는 점에서
이 소나타는 다른 쇼팽 작품들과는 다른 변별성을 띄고 있다.
그리고 이따금씩 강렬한 충동적인 욕구가 등장하면서도 그 드라마틱한 열기가 끝나고 다시
시작할 때까지 휴식을 취하거나 충분히 반영을 할 시간을 허락하는 모습은 일종의 병적인
흥분-이완 상태를 묘사하는 듯하다.
쇼팽은 작품에 고정된 프로그램을 부여하는 것을 거부했지만(출판업자와 후대 사람들에 의해
'빗방울 전주곡' 혹은 '혁명 연습곡'과 같은 부제가 붙기도 했다) 그의 많은 작품들은 시적
상상력을 통해 스토리를 환기시키고 있음을 부정하기란 어렵다.
예를 들어 스케르초 같은 작품은 폭풍우가 몰아치는 듯 흥분적이며 자기반성적인 요소를
망각케 한다.
폴로네이즈는 영웅적인 이미지를 가진 캐릭터의 삶과 고뇌의 과정을 생각게 하고 전주곡은
시적 화자의 머릿 속에 반영된 이미지들에 대한 인상주의적 환영을 상징한다.
19세기 이후의 많은 피아니스트들(특히 알프레드 코르토)은 이러한 자연과 개인의 심상으로부터
기인한 '이미지'를 나름대로의 방식대로 쇼팽의 음악에 각인해 왔다.
쇼팽은 1839년 8월 경 자신의 친구인 줄리앙 폰타나에게 쓴 편지에 이렇게 언급한 바 있다.
"나는 여기서 Bb단조의 소나타를 작곡하고 있다네. 자네도 알고 있는 '장송 행진곡'이 이 안에
포함될 것일세. 먼저 알레그로 악장이 있고 다음으로 Eb단조의 스케르초, 이어서 '장송 행진곡'과
세 페이지 정도 되는 짧은 피날레로 이루어져 있지. 장송 행진곡 다음에 등장하는 짧은
악장에서는 왼손과 오른손이 긴 유니즌으로 수다스럽게 떠들어댈 것일세"
여기서 "자네도 알고 있는 장송 행진곡"이라는 대목에서 확인할 수 있듯이 쇼팽은 1837년경에 이
작품을 이미 작곡해놓은 상태였다.
당시 쇼팽은 16세 연하의 제자인 마리아 보진스카와 헤어지면서 받은 마음의 상처에서 쉽사리
헤어나오지 못하고 있었다.
1835년 여름 쇼팽은 파리에 있는 동향의 친구인 안토니 보진스카의 집을 방문하여 그의 여동생인
마리아의 아름다움에 빠져들었다.
이듬해 1836년 그들이 머물고 있는 마리엔바트 온천지를 방문했을 무렵 이 두 사람은 연인 관계로
발전했고 본인들끼리 약혼까지 했지만 아버지의 반대로 둘의 관계는 깨지게 되었다.
그 이후 쇼팽은 마리아와 주고 받았던 편지들을 묶어 '나의 비애'라는 제목까지 붙여 보관했다고
한다.
이 소나타가 쇼팽에게 있어서 상처에 살이 차오른 뒤 떨어져나간 딱지인지 아니면 여전히 간직하고
있는 추억의 편린들인지는 확인할 길이 없지만 어찌 되었든 쇼팽의 진솔한 감정들이 여과 없이
드러나는 명곡임에는 이견이 있을 수 없다.
감정적인 층위 뿐만 아니라 형식적인 면에 있어서도 이 '피아노 소나타 2번'은 대단히
혁신적이다.
낭만적인 열정과 비극적인 우울함으로 가득 찬 1악장 Grave-Doppio movimento가 그 대표적인
예이다.
쇼팽은 전통적인 소나타 양식을 벗어나 반복을 하지 않는 대신 두 개의 주제가 양립하는 새로운
부분을 대치했다.
게다가 대범한 전조와 과감한 도약들이 음악을 더욱 낯설면서도 카리스마 넘치게 만드는 모습 또한
전통적인 소나타 형식에서는 찾아보기 힘든 자유로운 발상이다.
비틀린 감정과 전통에 대한 거부가 서로 시너지 효과를 일으켜 새로운 내용을 담은 양식을
창조해낸 진정한 쇼팽의 천재성이 돋보이는 불가사의하면서도 드라마틱한 악장인 것이다.
2악장은 Scherzo로서 앞선 악장의 상상력을 자극하는 음울하고도 거친 분위기를 견지하고 있는
동시에 스케르초(aba)-트리오(cdc)-스케르초(aba)-코다의 구성으로 이루어진 비교적 전통적인
스케르초 양식으로 구성되어 있다.
특히 3박자의 옥타브 연타로 액센트를 찍어내는 프레이징은 빠르기와 힘에 있어서 피아니스트에게
어려움을 안겨주는 대목이다.
이 스케르초 주제 선율과 Piu lento로 지정된 느린 트리오 부분의 구조적 균형과 감정적
긴장감을 이루는 것이 이 악장의 묘미이기도 하다.
이렇듯 쇼팽의 '피아노 소나타 2번'은 이질적인 에피소드들의 부침, 불안정한 분위기의 연속으로
인해 전통적인 소나타 양식과는 다른 관점에서의 균형감과 통일성을 강조한다.
이 소나타의 중심을 이루는 3악장 Lento, Marche Funebre, 즉 장송 행진곡은 통렬한 주제 선율을
중심으로 이를 더욱 비장하게 장식하는 장례 행렬이 뒤따른다.
A-B-A로 구성된 단순한 구조는 단순한 만큼 그 비통한 멜로디를 강조한다.
이러한 이유로 이 선율은 당시 유럽인들의 뇌리에 강하게 박혔고 일상적으로 장례식 대부분에서
이 음악을 사용하게 되었다(1907년 스웨덴을 배경으로 한 잉마르 베리만의 영화 '화니와
알렉산더'의 장례식 장면에도 이 음악이 등장한다).
대중적으로 널리 유행한 만큼 쇼팽의 장송 행진곡은 오케스트라를 위한 편곡(에드워드 엘가의
편곡이 가장 유명하다)을 비롯하여 다양한 악기를 위한 대중적인 버전도 많이
등장하게 되었다.
한편 이그나시 얀 파데레프스키와 같은 몇몇 19세기 낭만주의 피아니스트들은 이 악장에서
특별한 효과를 내기 위해 마지막 주제가 재현되는 부분에서 육중한 왼손 옥타브를 한 옥타브 더
내려 연주하여 비장함을 더하기도 했다.
마지막 악장 Finale는 소나타의 마지막 악장으로서는 너무나 짧은 길이를 가지고 있는
수수께끼와도 같은 대목이다.
긴 유니즌으로 이루어진 프레스토로서 숨이 턱에 닿을 때까지 달려나가기만 하는 만큼 그
방향성과 내용을 정확하게 알 수는 없다.
더군다나 쇼팽은 첫 마디에 sotto voce e legato(낮은 소리의 레가토)라고 적힌 것과 마지막
코드의 포르티시모를 제외하고는 그 어떤 표현기호도 기입하지 않았기에 이 악장의 메시지에
대한 궁금증은 증폭되어 갈 수밖에 없었다.
장송 행진곡 뒤에 위치했다는 이유 때문에 리스트의 제자인 칼 타우지히는 "죽은 자들의
떠도는 영혼"이라고, 러시아의 대 피아니스트인 안톤 루빈스타인은 "교회 묘지를 휩쓸고
지나가는 밤 바람의 윙윙대는 소리"라고 묘사하기도 했다.
특히 파데레프스키 판본에는 "이러한 기보는 의도적인 것으로서 수수께끼, 폐허의 황량함,
무한한 공허, 꿰뚫을 수 없는 격리된 슬픔, 그밖에 음표 그 자체로서 전달되는 모든 감정들을
상징한다"라고 기술해 놓았다.
이렇듯 3악장까지의 모질고 허망한 고뇌를 한낱 일장춘몽으로 끝내려는 비극적이면서도
단호한 역설에 가깝다는 견해가 지배적이다.
슈만이 이에 대해 "비웃는 듯한 미소를 머금은 스핑크스와 같다"라고 평한 것이 이 짧은
악장에 대한 정확한 이해의 시발점이라 할 수 있다.
■ 추천음반
블라디미르 호로비츠가 CBS 스튜디오에서 남긴 스테레오 레코딩(SONY)이 이 작품의 악마적인
요소들과 드라마틱한 흐름의 조화를 개성적인 필치로 살려낸 명연으로 손꼽을 수 있다.
현존하는 피아니스트들 가운데에서는 마우리치오 폴리니의 이지적이면서도 자연스러운 2008년
신녹음(DG)과 예술적 심미안이 번뜩이는 미하일 플레트네프의 연주(Virgin) 또한 주저함 없이
추천하기에 적합하다.
기인 그리고리 소콜로프의 설득력 높은 전율적인 연주(Naive) 또한 주목할 만하다.
그리고리 소콜로프 (Grigory Sokolov, 1950. 4. 18 ~ )
그리고리 소콜로프는 러시아의 피아니스트이다.
소콜로프는 5살때 피아노를 시작했으며 7살때 레닌그라드 음악원에서 리야 젤리흐만를
사사하였으며 후에 모이세이 할핀를 사사하였다.
12살때 모스크바에서 첫 리사이틀을 열었으며 16살에는 1966년도 차이콥스키 국제 콩쿠르에
심사위원의 만장일치로 우승하였다.
이후 러시아에서 인상깊은 활약을 보인 반면 국외에서는 연주여행이 러시아 당국에 의해
통제되었기 때문에 서쪽으로는 그에대한 소문만이 알려진 존재였다.
하지만 1980년대 이후로 다시 연주여행이 허용되어 주로 러시아를 중심으로 유럽에서 활동하고
있다.
[앨범감상 ]
10. Albinoni Adagio - Pachelbel Canon
Orpheus Chamber Orchestra
1) Pachelbel: Canon, in D major for Strings and Basso Continuo
2) Albinoni/ Giazotto: Adagio in G minor for Strings and Organ
3) J. S. Bach: "Jesu, joy of man's desiring" from Cantata BWV 147 - Arr: Figueroa
4) Purcell: Chacony in G minor for Strings and Basso Continuo
5) J. S. Bach: Air - from: Orchestral Suite No.3 in D major, BWV 1068
Corelli: Concerto in G minor (Christmas Concerto) Op.6 No.8
6) I. Vivace - Grave
7) II. Allegro
8) III. Adagio - Allegro - Adagio
9) IV. Vivace
1) V. Allegro - Pastorale. Largo
Handel, The Arrival of the Queen of Sheba: Sinfonia in B flat major - from: 'Solomon': Act III
11) I. Allegro
12) II. Largo - in F major - from 'Serse'
Vivaldi: Concerto for 4 violins in B minor Op.3 No.10 - from: L'estro armonico RV 580
13) I. Allegro
14) II. Largo
15) III. Allegro | 
