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1. Modest Mussorgsky, Pictures at an Exhibition
(orch. Maurice Ravel)
Fritz Reiner(cond), Chicago Symphony Orchestra
I. Promenade
II. Gnomus
II. Promenade
IV. The Old Castle
V. Promenade
VI. The Tuileries Gardens
VII. Bydlo
VIII. Promenade
IX. Ballet of the Chickens in Their Shells
X. Samuel Goldenberg and Schmuyle
XI. The Market-place at Limoges
XII. The Catacombs (Sepulchrum romanum)
XIII. Con mortuis in lingua mortua
XIV. The Hut on Fowl's Legs (Baba-Yaga)
XV. The Great Gate of Kiev
♣ 무소르그스키 '전람회의 그림'
"무소르그스키는 흉내낼 수 없다. 모든 음악 국가 중 가장 색채 없는 독일에서조차도
무소르그스키의 방식으로 작곡할 수 있는 사람은 없다"
알프레드 아인슈타인의 말이 아니더라도, 모데스트 무소르그스키는 '러시아 국민악파
5인조' 가운데서도 가장 독창적인 작곡가로 평가받고 있다.
그러나 그의 작품들은 그 독창성에도 불구하고 아니 오히려 그 독창성 때문에 전 세계인의
사랑을 받고 있으며 그 가운데서도 '전람회의 그림'은 언제나 이 작곡가의 대표작 내지는
작곡가의 작품 세계로 입문하는 관문으로 여겨진다.
그러나 우리가 '전람회의 그림'을 관현악으로 들을 때는 그 음악이 작곡가의 의도와
반드시 일치하지는 않을 수 있다는 사실을 알 필요가 있다.
무소르그스키가 건축가이자 디자이너, 화가인 빅토르 알렉산드로비치 하르트만과 알게된
것은 블라디미르 스타소프(평론가로서 '러시아 5인조'의 활동을 이론적으로 강력하게
뒷받침했다)의 소개를 통해서였다.
그러나 이들의 깊은 우정은 그리 오래가지 못했다. 하르트만이 1873년에 동맥류 파열로
급사했던 것이다.
엄청난 슬픔에 빠진 무소르그스키는 스타소프에게 보낸 편지에서 이렇게 썼다.
"얼마나 끔찍한 재난입니까! 개나 말, 쥐 따위 조차도 생명이 있는데('햄릿'에 나오는
대사이다) 왜 하르트만 같은 인물이 죽어야 한단 말입니까!"
스타소프도 친구의 죽음에 적잖은 충격을 받았다.
그는 하르트만의 유작을 모아 1874년에 추모 전람회를 개최했으며 여기에는 수채화나 데생,
유화 작품만이 아니라 건축 설계 스케치나 보석, 생활용품, 무대 배경, 의상 등의
디자인까지 포함되었다.
'전람회의 그림'에 영감을 준 것은 바로 이 전시회였다.
전람회에 전시된 열 개의 작품에 대한 음악적 묘사에다 작곡가가 하르트만의 작품 사이를
거니는 모습을 형상화한 '프롬나드'(Promenade: 산책이라는 뜻)를 덧붙인 이 작품은
스타소프에게 헌정되었다.
이 곡은 원래 피아노곡으로 작곡되었다. 그러나 그 힘차고 개성적이며 색채적인 악상은
보기 드물 만큼 풍부한 관현악적 가능성을 담고 있으며 이를 간파한 많은 음악가가 이 곡의
편곡 작업에 매달렸다.
맨 먼저 미하일 투시말로프의 시도가 있었으며 헨리 우드, 레오 푼텍, 레오폴드
스토코프스키, 블라디미르 아시케나지 등이 각자의 관점에서 편곡판을 내놓은 데다
최근에는 피아니스트이자 작곡가인 나오우모프가 편곡한 피아노 협주곡 버전도
음반화되었다.
그러나 이 가운데 가장 큰 성과를 거운 사람은 라벨이었다.
그의 편곡판은 발표되자마자 '마법'으로 칭송받았고 지금까지도 모든 음악대학의 관현악법
과목에서 필수 분석대상으로 자리 잡고 있다.
이후의 모든 관현악 편곡 작업은 라벨을 뛰어넘으려는 게 아니라 그와의 차별화를 꾀하려는
지난한 시도의 연속이었다.
이들 편곡판 각각의 특징을 밝힐 수 있다면 좋겠지만 이야기가 너무 번잡해질 것이므로
여기서는 라벨 버전을 기준으로 해설하기로 한다.
작은따옴표 안의 설명은 초판 악보에 적힌 내용을 옮긴 것이다.
프롬나드 1
장중하고 당당한 악상이 친구의 유작을 접하는 무소르크스키의 감회를 묘사한다.
1곡 난쟁이 (Gnomus)
'스케치가 안짱다리로 절뚝거리며 달려가는 조그만 난쟁이를 묘사한다.' 불규칙하고
저돌적인 악상이 불안정한 느낌을 준다.
프롬나드 2
첫 번째 프롬나드보다 더 부드럽고 은근한 음향이 이어지는 곡의 분위기를 암시한다.
2곡 고성 (Il vecchio castello)
'중세의 옛 성 앞에서 음유시인이 노래를 부른다.' 애상적인 바순 선율이 고적한 노래를
부른다.
프롬나드 3
다시 장중하고 힘찬 악상으로 돌아와 다음 곡으로 그대로 이어진다.
3곡 튈르리 궁전. 아이들이 놀이 뒤에 벌이는 싸움
(Tuileries. Disput d’enfants apres jeux)
'프랑스 튈르리 궁 정원의 가로수 길에서 아이들과 보모들이 놀고 있다.' 밝고
아기자기한 악상이 사랑스럽고 귀여운 느낌을 잘 전해준다.
4곡 비들로 (Bydlo)
'커다란 바퀴가 달린 폴란드의 소달구지이다.'
저음현의 무겁고 규칙적인 반주 위로 금관이 우울한 노래를 부른다. 클라이맥스에
도달한 뒤 그대로 멀어진다.
프롬나드 4
애상적인 단조 선율이 비들로 그림을 보고 난 작곡가의 서글픈 심정을 전해준다.
5곡 껍질을 덜 벗은 햇병아리들의 발레 (Ballet of unhatched fledglings)
'하르트만이 어느 발레의 한 장면을 위해 고안한 장식 디자인이다.' 불규칙한 리듬이
뒤뚱거리는 병아리의 모습을 귀엽게 묘사한다.
6곡 폴란드의 어느 부유한 유대인과 가난한 유대인
(Two Polish Jews, rich and poor)
일반적으로 '사무엘 골덴베르크와 시뮤일레'로 알려져 있지만 이 제목은 출처가
불확실하다.
현의 거드름스런 악상은 부유한 쪽을, 새된 소리로 빽빽거리는 트럼펫은 가난한 쪽을
묘사하고 있으며 둘 사이의 대화는 말다툼으로 이어져 부유한 유대인이 가난한 쪽을
한 대 치는 것으로 끝난다.
원곡에서는 이 자리에 다섯 번째 프롬나드가 오지만 라벨은 편곡 과정에서 생략했다.
7곡 리모주의 시장 (Limoges, The Market Place)
'프랑스의 시장에서 여자들이 격렬하게 싸우고 있다.'
부산한 악상이 프랑스의 소도시 시장에서 벌어지는 작은 소동을 묘사한다.
8곡 카타콤 (Catacombae)
'하르트만이 랜턴을 들고 파리의 카타콤을 조사하는 자신의 모습을 그린 그림이다.'
카타콤은 로마의 지하 묘지로 초기 기독교 시대의 기독교인이 많이 묻힌 곳이다.
무거운 금관 합주가 엄숙하고 위압적인 선율을 들려준 뒤 '죽은 언어로 말하는 죽은
사람과 함께'라는 표제와 더불어 프롬나드의 선율이 애상적이면서도 불길한 느낌의
단조로 제시된다.
9곡 닭발 위의 오두막 (The Hut on Fowl's Legs)
'하르트만의 그림은 아래에 닭발이 달린 시계 모양을 한 바바야가의 오두막을 묘사하고
있다.'
바바야가는 러시아 민담에 자주 등장하는 마녀이다. 변덕스럽고 광포하면서도 익살스런
악상이 빗자루를 타고 이리저리 날아다니는 마녀의 모습을 묘사한다.
10곡 키예프의 대문 (The Heroes’ Gate at Kiev)
'키예프 시의 대문을 위한 디자인 스케치로 슬라브 특유의 둥근 지붕 모양을 한 옛
러시아의 힘찬 스타일을 그대로 적용했다.'
전곡을 마무리하기에 손색이 없는 찬가조의 위풍당당한 악상이 드높이 울려 퍼진다.
중간에 ‘프롬나드’ 선율이 인용되어 작곡가 자신이 대문을 통과하는 성대한 행렬에
참여한 듯한 느낌을 준다.
프리츠 라이너 (Frederick Martin Reiner, 1888. 12. 19 ~ 1963. 11. 15)
프리츠 라이너는 헝가리 부다페스트 동쪽 페스트(Pest) 지역의 유대인 집안에서 태어났다.
부친의 권유로 처음에는 법률을 공부하다가 음악으로 진로를 바꾼 라이너는 프란츠 리스트
음악원에서 피아노와 피아노 교육 및 작곡을 공부했다.
음악원에서 마지막 2년 동안 그를 가르쳤던 스승은 벨라 바르토크였다.
부다페스트와 드레스덴의 몇몇 오페라 하우스와 계약을 맺고 지휘를 하던 중 라이너는
작곡가 리하르트 슈트라우스와 공동 작업을 하며 절친한 사이가 되었다.
이후 1922년 미국으로 건너가 신시내티 심포니 오케스트라의 수석 지휘자직을 맡았다.
1931년까지 신시내티에 있으면서 1928년에는 미국 시민권을 얻었고 펜실배니아 필라델피아
커티스 음악원에서 학생들을 가르쳤다.
당시 라이너의 제자들 중에는 레너드 번스타인과 루카스 포스 등이 있었다.
1938년부터 1948년까지 라이너는 피츠버그 심포니 오케스트라를 지휘하며 콜럼비아 레코드
레이블에서 몇 장의 음반을 녹음했다.
이후 1948년부터 메트로폴리탄 오페라에서 몇 년 동안 지휘를 했는데 이 시기 중 1949년
리하르트 슈트라우스 '살로메'의 전설적인 프로덕션을 이끌기도 했다.
'역대 최고의 살로메'로 불리는 불가리아 소프라노 류바 벨리치가 타이틀 롤을 맡았던 이
공연은 암표 가격이 당시 돈으로 100달러를 호가했다고 한다.
또 라이너는 1951년 이고르 스트라빈스키의 '난봉꾼의 행각' 미국 초연도 성공리에 이끌었다.
라이너는 1952년 소프라노 리제 스티븐스를 타이틀 롤로 캐스팅해 비제 '카르멘'을
메트로폴리탄에서 공연했다. 이 유명한 공연은 폐쇄회로 TV를 통해 중계되기도 했다.
라이너는 사망하기 직전에도 메트로폴리탄 오페라의 바그너 '신들의 황혼' 신연출을 준비하고
있었을 정도로 오페라에 열정을 쏟았다.
이보다 앞선 1947년 라이너는 음악 영화 '카네기홀'에 등장했다. 바이올리니스트 야샤
하이페츠와 협연하여 뉴욕 필하모닉 오케스트라를 지휘하는 장면이었다.
연주곡은 차이코프스키 바이올린 협주곡의 단축 버전이었으며 연주 전의 대기실 장면에서는
라이너와 하이페츠의 육성을 들을 수 있었다.
이후 하이페츠와 라이너는 시카고에서 이 곡의 풀 버전을 녹음해 RCA 빅터 레이블이 발매했다.
리빙스테레오 시리즈의 손꼽히는 명반이 된 이 앨범은 지금까지도 변함없이 사랑받고 있다.
라이너는 어떤 작품을 지휘하더라도 오케스트라 기능을 최대로 발휘했다.
냉철하면서도 근육질의 탄탄한 질감으로 순도 높은 표현을 보여주었다.
특히 리하르트 슈트라우스의 교향시와 조국 헝가리의 작곡가이며 개인적으로도 친분이 있던
바르토크, 압도적인 힘찬 느낌 넘치는 베토벤 교향곡 등의 연주는 현재도 평가가 높다.
라이너가 지휘한 빈 왈츠 모음집은 명소프라노 엘리자베트 슈바르츠코프가 "무인도에 가지고
갈 한 장의 음반"으로 선택했다고 알려졌다.
그 외에도 라이너의 녹음 중에는 하이든, 브람스, 차이코프스키, 무소르그스키, 드보르자크,
림스키 코르사코프, 레스피기 등 명연으로 평가되는 음반들이 즐비하다.
또한 시카고 교향악단 이외의 스테레오 녹음으로, 빈 필하모닉 오케스트라와 로열 필하모닉
오케스트라 등을 지휘한 것이 남아있다.
전술했듯 라이너는 오페라 지휘의 귀재였다. 드레스덴 슈타츠오퍼에서 바그너 '파르지팔'을
바이로이트 오페라 이외의 무대에서는 최초로 지휘했다.
드레스덴에서는 리하르트 슈트라우스의 공인 하에 '살로메' '엘렉트라' '그림자 없는 여인'등을
차례로 무대에 올렸다.
단 녹음으로 남아있는 오페라는 얼마 안 된다. 모노럴인 비제 '카르멘' (RCA 관현악단),
스테레오로는 리하르트 슈트라우스의 '엘렉 트라' 발췌(시카고 심포니) 등 소수만이 남아있을
뿐이다.
라이너의 지휘 모습은 긴 지휘봉을 크지 않은 동작으로 정밀하게 움직이는 독특한 스타일로
대표된다. 경제적이고 정확했다.
라이너의 지휘는 '베스트 포켓 비트'로 불렸는데 '조끼주머니 같은 지휘'란 뜻이다.
라이너 지휘 영상을 보면 몸짓은 그렇게 작은 아니지만 오른손의 지휘봉 리듬을 잡는 것만으로
왼팔은 다리 아래쪽으로 내린 채 전혀 움직이지 않고 나머지는 날카로운 눈빛으로 오케스트라에
지시를 내리는 상당히 독특한 모습을 확인할 수 있다.
미묘한 움직임 때문인지 이를 알아보기가 힘들었을 법도 하다.
피츠버그 심포니에서 한 단원이 장난삼아 쌍안경을 자리 앞에 놓아두었다가 발각돼 해고됐다는
일화도 있다.
그러나 라이너는 자신이 지휘하는 오케스트라마다 그의 미미한 바통의 움직임에 아주 잘 반응하는
오케스트라로 만들었다.
그 진가는 작품의 클라이맥스에서 라이너가 갑자기 크게 지휘봉을 치켜들 때 발휘되었다고 하며
그 효과는 절대적이었다고 전해진다.
시카고 심포니는 라이너가 떠난 이후에도 지휘에 잘 반응하는 오케스트라로 명성을 쌓게 되었다.
미국 음악평론가 해럴드 숀버그는 라이너의 바통 기술을 칭찬하며 '지휘자의 지휘자'라고 평하면서
"그는 오케스트라를 이용해 어떤 곡이라도 연주 가능한 놀랄만한 소양과 지식을 가진 음악가"라고
말했다.
작곡가 스트라빈스키는 라이너가 지휘하던 시절 시카고 심포니 오케스트라를 "세계에서 가장
유연하고 정확한 오케스트라"라고 불렀다.
라이너는 오케스트라의 날카로운 조련사였다.
지휘 및 연습에 있어 라이너의 엄격함은 단원들이 두려워했다고 한다. 예를 들어 수석, 부수석 등
주요단원에 대해서는 엄격한 실기시험이 예고 없이 부과됐다.
결국 그것을 통과한 멤버들이 오케스트라를 긴 세월에 걸쳐 계속 이끌었다.
라이너의 통치하에서 신시내티 심포니와 피츠버그 심포니는 미국의 일류 오케스트라로 인정받게
되었고 시카고 심포니 오케스트라는 세계 최고의 오케스트라로 발전을 거듭했다.
한편 라이너는 정치적 수완은 그리 좋지 못했다. 자존심이 강해 적을 쉽게 만들곤 했다.
신시내티 심포니 음악감독 시절 라이너는 단원들과 충돌이 잦았다.
당시는 지금과는 달리 음악감독이 절대적인 권한을 쥐고 있었던 시대였다. 라이너는 오케스트라의
관악기 연주자 전체를 한꺼번에 해고했던 적도 있었다고 한다.
신시내티 교향악단은 단원들이 미국 최초의 오케스트라 노동조합을 결성한 것으로 유명한데 따지고
보면 이것은 라이너의 폭정에 대한 대책의 의미가 있었던 것이다.
이렇게 단원들과 첨예하게 대립각을 세우고 있었기 때문에 라이너가 신시내티 심포니를 퇴임할 때
열린 송별 파티에는 단원은 단 한 사람도 참여하지 않았다고 한다.
1960년 시카고 심포니의 유럽과 러시아를 코스로 한 첫 해외 연주 여행이 계획되었지만 관계자들
사이의 대립 끝에 라이너의 반대로 계획이 취소되었다.
라이너가 과중한 스케줄을 걱정했기 때문이었다. 이것은 그간 해외 원정연주에 적극적이었던
단원들과 라이너 사이에 채워지지 않는 깊은 골짜기를 만들었다.
성난 단원들은 심지어 라이너의 모습을 한 인형을 대기실에 매달고 주요 부위를 칼로 고정시켜
"감사합니다! 프리츠!"라고 조롱하는 말을 써붙이기도 했다고 전해진다.
로마 극장에서 모차르트 '피가로의 결혼'을 연주했을 때 원래 있던 오페라 스코어에 이것저것
표시가 과도하게 되어 있었다.
그것을 참을 수 없었던 라이너는 연주 중에 지휘를 그만두고 지우개로 표시를 모두 지워 버렸다.
깐깐한 라이너는 협주곡 연주시 솔리스트와 충돌하는 일이 많았다.
일례로 스비아토슬라프 리히테르가 미국에 왔을 때 협연을 했지만 음악 해석의 견해 차이가 심했다.
콘서트 시에 독주자 리히테르와 지휘자 라이너는 서로를 완전히 무시하고 연주했다고 한다.
RCA에서 발매한 리히테르의 명반, 브람스 '피아노 협주곡 2번'의 오케스트라거 라이너가 거느렸던
시카고 심포니임에도 불구하고, 라이너가 아닌 에리히 라인스도르프가 지휘를 맡은 것은 이러한
사정이 있었기 때문이다.
라이너는 아르투르 루빈슈타인과 협연해 브람스 '피아노 협주곡 1번'과 라흐마니노프의 '피아노
협주곡 2번' 및 '파가니니 주제에 의한 랩소디'를 녹음, 명반을 남겼다.
그럼에도 불구하고 다음 순서였던 라흐마니노프의 '피아노 협주곡 3번'을 녹음하면서 심각한 갈등을
일으키고 녹음을 중지했다.
이후 루빈슈타인은 라이너와의 협연을 모두 거절했다.
이 사건의 경과는 이렇다. 당시 라흐마니노프의 피아노 협주곡 가운데서는 2번만이 인기 있었다.
영화 '샤인' 이후 오늘날에는 폭넓은 인기를 얻고 있는 라흐마니노프 '피아노 협주곡 3번'은
호로비츠 외에는 거의 연주하는 피아니스트가 없었다.
당시 이 곡을 즐겨 연주하고 있지 않았던 루빈슈타인은 연주 중 실수를 했다.
라이너는 냉소와 함께 핀잔을 줬고 이에 루빈슈타인은 무심코 "당신의 오케스트라도 실수할 때가
있지 않은가" 하고 큰 목소리를 냈다.
라이너의 대답은 한마디로 "실수 따위는 하지 않는다!"는 공언이었다. 이런 라이너의 태도에
루빈슈타인은 격노하고 그대로 녹음 스튜디오에서 나가버렸다.
RCA 레이블에는 이날 녹음 중 루빈슈타인이 떠나기 전 처음 15분 동안 분량의 테이프가 남아있는
것으로 알려져 있다.
바흐 연주로 유명했던 모 여성 피아니스트는 리허설 하면서 라이너가 자신의 연주에 너무 불평을
많이 표현하자 "나는 바흐의 길을 따를 뿐입니다!"라고 외쳤다.
반면 라이너는 꿈쩍도 않고 "그것이 바흐의 길이면 틀린 것은 바흐이다"라고 일갈했다 한다.
그러나 라이너가 모든 솔리스트들과 갈등을 빚었던 건 아니다.
블라디미르 호로비츠, 에밀 길렐스, 루돌프 제르킨, 바이런 재니스, 반 클라이번, 야샤 하이페츠
등과는 궁합이 좋은 편이었고. 이들과는 한 치의 오차도 없는 스케일 큰 명연을 펼쳤다.
라이너는 스승인 작곡가 바르토크와 매우 친하게 지냈다. 미국 이주 후 경제적으로 힘들었던
바르토크를 위해 여러 가지 일에 힘썼다.
ASCAP(작곡자 저작자 간행물을 위해 미국 협회)에서 의료 비용을 부담하도록 애썼고 보스턴
심포니 음악 감독 세르게이 쿠셰비츠키에 말해 바르토크에게 새 작품 작곡을 의뢰했다.
이렇게 해서 바르토크의 명곡 '관현악을 위한 협주곡'이 세상에 나올 수 있었다.
전술한 바와 같이 라이너는 적이 많아 정치적인 처세에 능하지 못했다. 그는 오랫동안 유명
오케스트라의 음악 감독에 취임하고 싶어 했지만 65세가 되어서야 비로소 시카고 심포니 음악
감독이 되어 그 뜻을 실현시킬 수 있었다.
1933년 커티스 음악원 지휘과 교수로 부임한 것도 필라델피아 오케스트라와 관계가 깊은 이
음악원에 적을 두어서 필라델피아 오케스트라 음악 감독에 취임하기까지의 길을 여는 목적도
있었다.
당시 필라델피아 오케스트라의 음악감독이었던 스토코프스키는 자신의 후임으로 라이너를
추천했지만 단원들은 매사에 깐깐한 라이너를 두려워하여 매사 원만한 유진 오먼디를 선택했다.
이에 분노한 라이너는 곧바로 커티스 음악원 교수를 사임하고 당시 지방 오케스트라에 불과했던
피츠버그 심포니로 이적했다.
1948년 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라에 옮겼을 때도 라이너는 세르게이 쿠세비츠키의 은퇴가
임박한 보스턴 교향악단, 음악 감독 부재로 혼란기에 있었던 뉴욕 필하모닉, 고령의 아르투로
토스카니니의 후임이 거론되고 있었던 NBC 심포니의 포스트를 희망하고 있었다.
그러나 보스턴 심포니는 1949년 샤를 뮌쉬를, 뉴욕 필은 1951년 디미트리 미트로풀로스를 음악
감독으로 선정했다.
1954년 토스카니니가 은퇴한 NBC 교향악단은 해산되었다. 라이너의 실망감은 깊을 수 밖에
없었다.
라이너의 지휘 활동은 그가 신시내티에 터전을 잡은 이후 대부분 미국에 집중됐다.
그러나 제2차세계대전 이후 그는 두드러질 정도로 유럽에서의 활동을 늘렸다. 1953년 시카고
심포니의 음악감독으로 부임했을 무렵 라이너의 명성은 전 세계에 퍼져 있었다.
라이너가 시카고에서 보낸 10년 동안의 기간이 그의 최전성기였다는 주장에는 그 누구도 이의를
제기하지 않을 것이다.
1954년부터 1963년까지 시카고 오케스트라 홀에서 시카고 심포니를 지휘해 RCA빅터에서 발매한
음반들은 라이너를 상징하는 기록들이다.
이들 가운데 최초는 1954년 3월 6일 녹음한 리하르트 슈트라우스 '영웅의 생애'였다.
RCA에서 시도한 스테레오포닉 사운드 녹음들 가운데 초창기 작품이었다. 라이너가 시카고에서
가진 마지막 콘서트는 1963년 봄에 열렸다.
라이너의 마지막 녹음은 리더스 다이제스트 스페셜 박스판 중 하나로 발매됐는데 런던
킹스웨이홀에서 로열 필하모닉을 지휘해 녹음한 브람스 교향곡 4번이었다.
이 음반은 퀸테센스(Quintessence)에서 LP로 발매됐고 체스키 레이블에서 CD화 됐다.
1960년 10월 심장마비를 겪은 후 라이너의 건강은 악화일로였다. 결국 라이너는 1963년 11월
뉴욕에서 세상을 떠났다. 향년 74세였다.
약력
1909 리스트 음악원 졸업
1910 오페라 '카르멘'으로 지휘자 데뷔
1914 드레스덴 슈타츠오퍼 지휘자(~1921)
1922 미국으로 가 신시내티 심포니 음악 감독(~1933)
1933 커티스 음악원 지휘과 교수
1938 피츠버그 심포니 음악 감독 (~1948)
1948 메트로폴리탄 오페라 지휘자 (~1953)
1953 시카고 심포니 음악 감독 (마지막 1962~1963 시즌은 음악 고문)
1960 심장병 발작으로 입원
1963 메트로폴리탄 오페라에서 '신들의 황혼' 준비 중 사망
2. Brahms, Symphony No.1 in C Minor Op.68
Claudio Abbado(cond), Berliner Philharmoniker
I. Un poco sostenuto - Allegro - meno Allegro
II. Andante sostenuto
III. Un poco Allegretto e grazioso
IV. Adagio - Piu Andante - Allegro non troppo, ma con brio
♣ 브람스 교향곡 1번 C 장조 Op.68
바흐, 베토벤과 더불어 독일음악의 3대 거장으로 불리우는 요하네스 브람스는 친구 헤르만
레비에게 다음과 같은 편지를 보낸 적이 있다.
"거인이 내 뒤로 뚝벅뚜벅 쫓아오는 소리를 항상 들어야 한다고 생각해 보게. 그 기분을
자네는 전혀 상상할 수 없을 걸세".
이 편지는 브람스가 베토벤의 9개 교향곡을 얼마나 의식하고 있는지 잘 드러내는 사례이다.
거인 베토벤의 9개의 교향곡이 유럽 음악계를 휩쓸고 지나간 후 그에 필적할 만한 교향곡은
좀처럼 나타나지 않았다.
베토벤 이후 많은 음악가들이 그가 완성한 위대한 교향곡을 모방하였고 그를 뛰어넘으려고
했다. 그러나 또 하나의 걸작은 탄생은 요원한 일이었다.
당시 뛰어난 음악비평가로 명성을 날리고 있던 슈만은 점점 활기를 잃어가는 가는 독일
음악계의 상황을 안타까워 하며 새로운 세대의 음악과 새로운 교향곡이 등장해 이 답답한
분위기를 쇄신해 줄 것을 바랬다.
그것은 슈만 그 자신조차에게도 어려운 문제였다. 베토벤의 벽을 어떻게 넘을 것인가?
드디어 여기에 브람스의 교향곡 제 1번이 등장한다.
브람스의 교향곡 제1번이 1879년 11월에 초연되었을 때 그의 나이는 43세였다.
마흔이 넘어 첫 교향곡을 발표한 것만 보더라도 브람스가 이 작품에 얼마나 신중하게 공을
들였는지 짐작해 볼 수 있다.
작곡에 첫 돌입한 시기는 22세였다. 당시 브람스는 슈만의 만프레드 서곡을 듣고 감동을
받아 한참 관현악에 대한 열정을 불태우고 있을 때였다.
그러나 최초의 구상 아이디어는 피아노 협주곡 2번으로 모습을 바꾸어 완성되었고, 교향곡
제 1번의 진도는 좀처럼 나아가질 못했다. 브람스의 구상은 지극히 신중했다.
언제나 베토벤의 9개 교향곡을 의식하고 있었기 때문이다.
1악장을 완성한 때는 1862년, 7년 뒤의 일이었다. 그리고 12년이 지난 1874년 다시
본격적으로 작곡에 착수해 1876년 9월에 드디어 최종적으로 완성본을 얻었다.
교향곡 제1번 탄생에 20년의 세월이 걸린 것이다. 엄격하고 고지식한 성품의 브람스는 작곡도
작품 발표도 신중했다.
드디어 교향곡 제1번이 초연되었을 당시 당대의 명지휘자 한스 폰 뷜로우는 "우리는 드디어
제 10번 교향곡을 얻었다"고 감격했다는 일화가 있다.
불멸의 9개 교향곡의 뒤를 잇는 또 하나의 교향곡이라는 뜻이었다.
당시 리스트와 바그너가 전통에서 탈피한 새로운 낭만주의 음악의 열풍을 한참 일으키고 있을
때에도 브람스는 독일 전통의 고전주의 음악을 굳건히 지키고 있었다.
한편으로는 지나치게 베토벤을 의식해 브람스 특유의 개성이 드러나지 않는 작품으로
여겨지기도 한다.
클라라 슈만은 그런 이유로 이 작품을 좋게 보지 않았다.
심각한 형식, 스케일을 살려내는 것에 몰두해 브람스 특유의 선율미는 느껴지지 않는다.
그러나 전통을 계승하고 이후 등장할 새로운 교향곡 출현의 산파 역할을 했다는 점에서 대단히
중요한 작품으로 평가받고 있다.
운명 교향곡을 모범적 스타일로 삼아 작곡한 교향곡 제1번은 베토벤의 인상이 강하게 느껴진다.
특히 1악장은 운명 교향곡의 1악장, 4악장의 주제는 합창 교향곡의 '환희의 주제'를 연상케한다.
이런 유사점을 간파하고 한스 폰 뷜로우는 10번 교향곡이라고 일컫기도 했다.
그러나 장중하고 엄숙한 분위기, 심원한 깊이의 선율과 우수에 젖은 목가적인 분위기, 특히
4악장 마지막 피날레에서 모든 갈등이 해결되고 강물처럼 흐르는 긴장감 해소는 브람스 만의
감수성이 빚어낸 표현으로 그가 20년을 바쳐 얻어낸 최고의 순간을 증명한다.
■ 추천음반
샤를 뮌쉬(1968, EMI)의 녹음은 오랫동안 인구에 회자되어온 음반으로 억제되지 않는 호방한
열기와 뜨거운 감정분출이 인상적인 연주이다.
줄리니의 연주(1991, DG)는 작품의 유장한 흐름을 느릿한 템포와 중후한 음색으로 그려낸 품격이
돋보인다.
오랫동안 독일 교향악을 지휘해온 귄터 반트(1989, RCA)는 큰 스케일과 정확한 비트가 돋보이는
명연이다.
아바도의 음반(1989, DG)은 폭발과 섬세함이 정확하게 교차하는 생명력 넘치는 연주이며 구하기는
어렵지만 칼 뵘의 1959년 DG음반이 명반으로 꼽히고 있다.
클라우디오 아바도 (Claudio Abbado, 1933. 6. 26 ~ )
이탈리아 밀라노에서 태어났으며 아버지 미켈란젤로는 바이올리니스트 겸 교육자, 형 마르첼로는
베르디 음악원의 원장, 조카 로베르토도 지휘자인 명문음악가 출신으로 어려서부터 토스카니니·
발터·데 사바타 등을 듣고 8세 때 지휘를 천직으로 생각했다고 한다.
밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 음악원을 졸업한 다음 빈에서
한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다.
1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다.
1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서
스칼라 오페라 극장에 데뷔했다.
1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다.
1965년 8월 14일 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의
'교향곡 제2번'이었다.
1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의
오페라 '카풀레티와 몬테키'였고 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 '세빌랴의
이발사]를 지휘했다. 이해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.
1970년에 베르디의 오페라 '돈 카를로'를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에
런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다.
1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다.
이해 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여 베르디의 오페라 '시몬 보카네그라'를 지휘하였다.
1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 '아이다'의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라
극장의 음악 감독으로 임명되었다.
올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 '레퀴엠'과
오페라 '아이다'를 연주한 것도 1972년의 일이다.
1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다.
이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고 빈
필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다.
이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 또한 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로
임명되었다.
1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 '피가로의 결혼'을 스칼라 극장에서
지휘하였다.
이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은
용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다.
1981년 봄까지 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의
음악 감독이었음에도 불구하고 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의 일반적으로 베리스모
오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다.
한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고 더욱 루이지
노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다.
아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며 오히려
지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다.
그의 연주는 언제나 명쾌하고 조금의 애매모호함도 없으며 그 작품의 양식적인 아름다움을
뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다.
지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을
잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다.
이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다.
1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며 1989년 카라얀의
사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을
집중시킨 바 있다.
또한 젊은 연주가의 육성에도 적극적인 관심을 가져 EC 유스 관현악단의 창립자일 뿐만 아니라
그것을 모체로 해서 조직된 유럽 실내관현악단의 예술고문으로서도 활약하고 있다.
3. Grieg, Piano Concerto in A Minor Op.16
Krystian Zimerman(pf) / Herbert von Karajan(cond), Berliner Philharmoniker
I. Allegro molto moderato
II. Adagio
III. Allegro molto moderato e marcato - Quasi Presto - Andante maestoso
♣ 그리그 피아노 협주곡 A 단조 Op.16
그리그의 피아노 협주곡 A단조는 힘차고 아름다운 피아노 협주곡은 '페르 귄트'와 나란히
그리그의 대표작으로 꼽히며 전 세계 공연장에서 청중들에게 가장 인기 있는 피아노
협주곡의 하나로 각광받고 있다.
그리그가 자신의 유일한 피아노 협주곡을 작곡한 것은 스물 다섯 살 때인 1868년의
일이었는데 당시 그는 생애에서 가장 행복한 시기를 보내고 있었다.
일단 1866년 10월 크리스티아니아(현재의 오슬로)에서 개최한 공연이 성공을 거두면서
노르웨이 음악계의 새로운 별로 떠올랐고 그 여세를 몰아 시립관현악단의 지휘자에
임명되었는가 하면 1867년 1월에는 노르웨이 최초의 교향곡 작곡가로 알려진 오토 빈테르-
옐름의 도움을 받아 '노르웨이 음악 아카데미'를 설립하는 등 음악가로서 탄탄한 성공가도를
달리고 있었다.
또 1867년 6월에는 사촌인 니나 하게룹과 결혼을 했고 그 이듬해인 1868년에는 첫째 딸
알렉산드라가 태어났다.
이처럼 승승장구하던 젊은 음악가의 당찬 패기와 원대한 포부 그리고 단란한 가정을 꾸린 한
남자의 순수하고 솔직한 기쁨과 긍정적인 전망이 이 협주곡에 고스란히 투영되었음은
물론이다.
그런데 이 곡은 전편에 생기와 활력 그리고 온화하고 감미로운 기운이 넘치면서도 단조를
기반으로 하고 있어서 사뭇 독특한 인상을 풍긴다.
그리그가 이 협주곡에서 취한 조성의 유래는 그의 독일 유학 시절로 거슬러 올라가는 듯하다.
라이프치히 음악원에서 공부하던 시절 그는 게반트하우스에서 열린 음악회에서 클라라
슈만이 남편의 작품을 연주하는 것을 들었다.
로베르트 슈만이 남긴 피아노 협주곡의 조성 역시 이 곡과 같은 'a단조'이며 그리그는
이밖에도 첫 악장을 시작하는 방식을 비롯하여 여러 모로 슈만의 스타일에서 영향을 받은
것으로 보인다.
이러한 연관성 때문인지 음반에 두 작품을 함께 수록하는 것은 일종의 공식처럼 관례화되어
있다.
하지만 그리그가 단조를 취한 것이 슈만의 영향 때문만은 아니었을 것이다.
어쩌면 그것은 노르웨이의 환경과 정서를 표현하기에 장조보다 단조가 더 적합하다고
판단했기 때문은 아니었을까?
이 협주곡은 무엇보다 그리그가 '노르웨이 민족음악'에 대한 의지를 본격화한 첫 번째
대작이라는 데에서 그 의의를 찾을 수 있다.
그리그는 라이프치히 유학 직후 크리스티아니아에서 피아니스트로 데뷔하여 대성공을
거두었지만 문화적으로 다소 낙후되어 있던 고국에서 안주하지 않고 보다 풍부한 경험과
자극을 찾아 당시 북유럽 문화의 중심지였던 덴마크의 수도로 건너갔다.
코펜하겐에 머무는 동안 그리그는 문화적, 환경적, 인간적으로 무척 뜻 깊고 즐거운 시간을
보냈는데 그 중에서도 가장 의미 있었던 일은 베르겐(그리그 자신의 고향이기도 하다) 출신의
음악가 리카르드 노르드로크와의 만남이었다.
그리그는 노르드로크를 만나자마자 노르웨이의 전통음악과 민족적 소재에 대한 그의 정열과
신념에 금세 감화되었다.
바야흐로 내면 깊은 곳에 자리하고 있던 노르웨이의 전설과 산맥, 피요르드와 농민의
이야기가 되살아나 숨쉬기 시작했고 그는 '진정한 노르웨이 국민음악'의 가능성을
본격적으로 모색하게 되었다.
동년배인 두 사람은 의기투합하여 다른 친구들과 함께 '오이테르페 협회'라는 단체를 만들어
당대의 스칸디나비아 음악을 연주하는 음악회를 열었다.
비록 노르드로크의 안타까운 요절로 두 사람의 공동작업은 오래가지 못했지만 음악으로
노르웨이의 정신을 표현하자던 친구와의 약속은 그리그에게 평생의 화두로 남게 되었다.
다시 말해서 이 협주곡은 그리그가 조국의 전통유산을 새로이 자각하기 시작한 증거물이라
하겠다.
여기서 그는 노르웨이 민요풍의 선율을 구사했고 노르웨이 산악지방에 전해 내려오는
도약무곡의 리듬을 사용했으며 노르웨이 민속악기인 '하르당게르 피들'의 연주 스타일을
모방했다.
또 노르웨이 전설 속의 이미지를 투영했는가 하면 악곡 전편에 면면히 흐르는 청명하고
서늘한 기운을 통해서 노르웨이 대자연의 분위기를 환기시키고 있다.
'피아노 협주곡 a단조'는 1868년 여름, 덴마크의 쇨레뢰드에 자리한 목가적인 별장에서
작곡되어 이듬해 봄 코펜하겐에서 초연되었다.
당연히 그리그 자신이 피아노 독주를 맡았어야 했지만 그는 크리스티아니아에서의 지휘자
업무 때문에 초연에 참석하지도 못했다.
닐스 가데, 안톤 루빈스타인 등 저명한 음악가들이 배석한 초연은 성공을 거두었고 작품의
악보는 1872년에 출판되었다.
노르드로크에게 헌정된 이 초판본은 출판되자마자 큰 인기를 끌었고 '피아노의 제왕'
리스트에게서도 격찬을 받았다.
리스트는 그리그와 두 번째 만났을 때 이 곡을 직접 연주했는데 작품에 큰 감동을 받은 듯
마지막 부분을 다시 한 번 연주한 다음 칭찬과 격려를 아끼지 않았다.
하지만 그리그 자신은 작품에 만족하지 못해서 적어도 일곱 번 이상 개정을 시도했다.
개정의 방향은 주로 전체의 구성과 관현악법을 보다 세련되게 다듬는 쪽이었던 것으로
보이며 마지막 개정작업은 1907년 9월에 그가 세상을 떠나기 몇 주 전까지 이어졌다.
그 결과로 1917년에 출판된 악보가 오늘날 일반적으로 통용되고 있는 개정판이다.
따라서 우리는 이 곡에서 그리그의 젊은 날의 열정과 시정 그리고 원숙기의 관현악
기법을 동시에 마주할 수 있다.
제1악장 : 알레그로 몰토 모데라토, a단조, 4/4박자
일명 '그리그 사인(Grieg's sign)'으로 불리는 유명한 도입부로 시작된다. 팀파니의
롤링 크레셴도에 이은 오케스트라의 투티와 함께 피아노가 튀어나와 강렬한 하행화음을
짚어나가는 이 도입부는 슈만 협주곡의 직접적인 영향을 선명하게 드러낸다.
슈만의 영향은 이뿐이 아니다. 슈만 협주곡의 첫 악장과 마찬가지로 이 협주곡의 첫
악장도 제1주제의 지배를 받으며 두 곡 모두 낭만적인 정열과 동경의 느낌으로 가득하다.
제1주제 선율은 목관파트에서 제시되는데 오보에로 연주되는 전반부는 소박한 북유럽
민요풍이고 클라리넷으로 연주되는 후반부는 낭만적 동경의 느낌을 머금고 있다.
아울러 이 선율의 배후에서 현악기로 새겨지는 토속적 리듬도 귀담아 들어둘 필요가
있다.
피아노가 제1주제를 다룬 후 음악은 계속해서 아니마토(animato, 생기 있게)의 경과부로
진행하는데 여기에서 부각되는 경쾌한 리듬은 노르웨이의 도약무곡을 연상시킨다.
이어서 피우 렌토(piu lento, 한층 느리게) 부분으로 넘어가 분위기가 가라앉으면
첼로에서 가요풍의 제2주제 선율이 등장한다.
피아노가 이 감미로운 선율을 이어받아 충분히 확장시키면 음악은 점차 고조되어 첫번째
클라이맥스에 이룬 후 제시부를 매듭짓는다.
제1주제를 중심으로 전개되는 발전부는 상당히 짧은 편이고 재현부는 고전적인 형식에
충실하다.
이 악장의 진정한 클라이맥스는 종결부 직전에 나오는 카덴차에 놓여 있는데 작곡가
자신에 의한 이 화려하고 당당한 카덴차 역시 제1주제를 바탕으로 치밀하게 구축되어
있다.
제2악장 : 아다지오, D♭장조, 3/8박자
'북유럽의 쇼팽'으로 일컬어지는 그리그 특유의 시정이 아로새겨진 완서악장이다.
제1부에서 약음기를 단 현악기에 의해서 폭넓게 펼쳐지는 주제는 다분히 명상적이면서도
동시에 뜨거운 기운을 내포하고 있다.
제2부로 넘어가면 피아노가 이 선율을 영롱한 음색으로 노래하는데 그 흐름에 섬세하고
우아한 장식이 가미되어 음악은 점차 화려한 모양새를 띠게 된다.
제3부는 제1부가 충실히 되풀이되는 가운데 피아노가 곁들여져 한층 더 풍부하고 고양된
아름다움을 느끼게 한다.
제3악장 : 알레그로 모데라토 몰토 에 마르카토, a단조, 2/4박자
론도 소나타 형식으로 구성된 피날레. 목관악기들의 독특한 앙상블로 행진곡풍 리듬이
부각되며 출발한다.
론도 주제는 경쾌하고 재기 넘치는 리듬으로 이루어져 있는데 이것 역시 노르웨이의
도약무곡을 연상시킨다.
또 관현악이 이 리듬을 넘겨받아 한층 강렬한 이미지를 자아내는 부분에서는 북유럽 전설
속의 '트롤들의 행진'이 떠오른다.
이 악장은 이처럼 '노르웨이의 이미지'들로 가득한데 무엇보다 중간의 정적인 부분에서
플루트로 제시되는 제2주제가 돋보인다.
노르웨이의 전원, 북유럽의 청명한 하늘 등을 강하게 환기시키는 이 주제는 아마도
그리그가 작곡한 가장 매혹적인 선율 가운데 하나일 것이다.
특히 마지막 클라이맥스에서 이 선율이 A장조로 더없이 힘차고 뜨겁게 울려 퍼질 때는
피요르드의 웅대한 절경 위로 그리그의 정신이 드높이 비상하는 듯한 느낌에 듣는 이의
가슴마저 벅차오른다.
한편 이 작품은 역사상 최초로 녹음된 피아노 협주곡이라는 기록을 가지고 있기도 하다.
1909년에 이루어진 그 역사적 녹음의 주인공은 독일의 거장 빌헬름 박하우스이다.
또 1868/1872년의 초판은 1993년 스웨덴의 피아니스트 로베 데르빙예르의 독주, 준이치
히로카미가 지휘한 노르쾨피니 교향악단의 협연으로 처음 음반에 수록되었다(BIS).
■ 추천음반
숱한 명반들 중에서도 '그리그의 조국' 노르웨이 출신인 레이프 오베 안스네스의
음반(EMI)을 우선적으로 거론해야 할 것이다. 안스네스 특유의 청신한 터치와 견실한
테크닉, 이지적인 표현이 곡상과 잘 어울릴 뿐 아니라 무엇보다 작품의 핵심적 요소인
'노르웨이의 정열과 시정'을 가장 선명하면서도 자연스럽게 살려낸 명연이다.
다음으로 지역색을 떠나 작품을 보다 보편적인 견지에서 바라보자면
코바세비치(Philips), 루푸(Decca), 페라이어(Sony) 등을 추천할 수 있겠다.
그 중에서도 스티븐 코바세비치의 연주는 일견 무난해 보이면서도 정교한 리듬감,
풍부한 활력, 영롱한 시정 등이 이상적인 균형을 이루고 있다.
크리스티안 지메르만의 음반(DG)에서는 관현악이 피아노를 압도하는 경향이 있다.
카라얀이 지휘한 베를린 필의 강력한 합주는 그렇지 않아도 '북유럽 환상곡'의 성격을
지닌이 작품을 더욱 스케일이 큰 '교향시'로 탈바꿈시켜 놓는 듯하다.
하지만 지메르만의 피아노도 만만치는 않다. 카라얀이 일으키는 거세고 드높은 파고를
꿋꿋이 헤쳐 나가며 제 목소리를 충분히 내고 있다.
다시 말해 이것은 피아노와 관현악이 팽팽한 긴장감을 연출하며 작품을 한 차원 높은
경지로 격상시키는 듯한 연주로 흡사 브람스 풍의 '교향적 협주곡'을 방불케 한다.
만일 독주자의 개성이 두드러지는 연주를 원한다면 올리 무스토넨(Decca)과 장 마르크
뤼사다(DG)를 주목할 필요가 있다. 특히 무스토넨만큼 튀는 개성으로 충만한 연주는
달리 찾아보기 어렵다.
끝으로 왕년의 거장들 중에서는 호르헤 볼레(Decca)의 빛나는 피아니즘이 특별한
기억으로 남아 있다.
크리스티안 짐머만 (Krystian Zimerman, 1956. 12. 5 ~ )
폴란드의 카토비체 근교의 사브지제 시에서 태어난 피아니스트로서 6세부터 피아노를
시작하여 카토비체 음악원에서 안제이 야신스키를 사사했다.
1975년 제 9회 쇼팽 콩쿠르에서 우승해 쇼팽의 조국 폴란드가 낳은 세 번째의 우승자가
되었다.
이후 세계적으로 인기를 얻고 프라하의 봄, 에든버러, 잘쯔부르크의 각 음악제를
비롯하여 베를린 필, 런던 교향악단 등의 일류 오케스트라와도 공연하여 가장 기대되는
신진 피아니스트의 한 사람으로 손꼽히고 있다.
짐머만의 연주는 결코 미완성의 불안정함이 없고 훌륭한 스카일과 개성을 몸에 익히고
있다.
테크닉이 잘 정돈되어 있음은 물론 아름다운 음색과 풍부한 리듬을 갖고 있어 어떠한
작품도 양식적으로 가려 칠 수 있는 실력을 갖고 있다.
특히 그 음악 속에 자기 주장을 가졌으며 감성이 풍부하고 신선한 연주를 보인다.
4. Vieuxtemps, Violin Concerto No.5 in A Minor Op.37 [ SACD ]
Jascha Heifetz(Vn) / Sir Malcolm Sargent(cond), New Symphony Orchestra Of London
1. Allegro Non Troppo
2. Adagio
3. Allegro Con Fuoco
♣ 비외탕 바이올린 협주곡 5번 A 단조 Op.37
네덜란드가 위대한 화가를 쉴 새 없이 배출했던 시기가 있었듯이 벨기에도 뛰어난
바이올리니스트들을 배출한 시기가 있었다.
그 시기는 샤를 드 베리오(1802~1870년)에서 시작해 아르튀 그뤼미오까지 1차 대전이
끝난 뒤로도 몇십 년이나 이어졌다.
이 황금기에 두 번째로 등장한 거장이 헨리 비외탕이었다. 그는 파리에서 베리오를
사사했으며 스승을 따라 바이올린 곡을 작곡하게 되었다.
비외탕의 작품들은 스승의 작품보다 더 오래 기억되고 있는데 특히 4번과 5번
협주곡이 유명하다.
앙토냉 레이하로부터 작곡을 배웠다는 점을 고려하면 그리 놀라운 일도 아니다.
선율이 아름다운 5번 협주곡은 1861년에 작곡되었으며 형식 면에서 매우 특이하다.
바이올리니스트가 기량을 마음껏 살릴 수 있는 1악장은 유난히 길고 극적인 분위기다.
2악장은 사랑스럽지만 무척 짧고 피날레는 그보다 더 짧아서 연주 시간이 1분을
간신히 넘길 정도다.
러시아 태생의 위대한 바이올리니스트인 야샤 하이페츠는 이 곡을 두 번 녹음했는데
두 번 다 말콤 사전트와 호흡을 맞추었다.
두 번째 녹음은 RCA의 리빙 스테레오 시리즈의 수준을 한껏 높여 놓았다.
특히 두번째 아다지오 악장에서 하이페츠의 프레이징은 마치 천상의 손길이 닿은 것
같다.
이 음반에는 브루흐의 작품도 수록되어 있다. 종종 하는 말이지만 하이페츠는 총주
부분에서 조금씩 연주를 덜어내는 경향이 있다.
다른 작품에 비해 비외탕의 바이올린 협주곡 5번에서는 그로 인한 해가 훨씬 덜한
편이다.
비외탕 (Henri Vieuxtemps, 1820 ~ 1881)
비외탕은 벨기에의 바이올린 대가이며 작곡자로서 1820년 2월 17일에 벨기에의
베르비에르에서 태어났다.
아버지는 피아노 조율사이며 악기 제조자였다. 어려서 시골의 교사에게 음악을
기초를 배웠다.
6세 때 공개 연주회에 관현악 반주로 출연하여 신동으로서 사람들을 놀라게 했으며
당시의 유명한 바이올린 명수 샤르를 드 베리오에게 인정을 받았다.
1828년 파리에 나가 여기서 연주하여 명성을 얻었다.
1833년부터 독일 여러 도시를 연주하며 여행하다가 이윽고 빈에 머물러 제히터에게
화성학과 대위법 등을 배웠고 이어 라이하에게 사사하여 작곡을 배웠다.
1838년에 러시아에 갔고 1844년 미국을 연주 여행한 다음 1846~52년 페테르부르크
궁정 전속 독주자 및 음악원의 교수가 되었다.
1871년~73년 브뤼셀 음악원 교수가 되었고 이 시의 파퓰러 콘서트를 지휘하고
있었으나 중풍으로 활동을 그만 두었다.
1881년 6월 6일 프랑스 식민지인 아프리카의 알제리에서 타계했다.
유명한 7개의 협주곡 · 소나타 · 베토벤의 바이올린 협주곡을 위한 3개의 카덴짜
등이 있다.
비외탕은 바이올린 주자로서도 당시 최고의 명성을 차지하고 있었는데 그 작품은
우아하고 아름다우며 기교를 구사한 탁월한 가락과 음색의 풍려함이 그의 뚜렷한
특색이 되고 있다.
야샤 하이페츠 (Jascha Heifetz, 1901. 2. 2 ~ 1987. 12. 10)
러시아의 서부 빌나에서 태어난 미국 국적의 명 바이올리니스트. 오케스트라 단원이었던
부친에게 3세 때부터 바이올린의 초보 교육을 받고 5세에 벌써 출생지의 음악원에
입학하여 드물게 보는 재능을 나타냈다.
9세경에 페테르부르크에 옮겨서 곧 아우어의 문하생이 되어 1911년에는 이곳에서 데뷔하고
그 이래 각지의 무대에 서서 신동으로 칭찬 받았다.
1914년에 니키시의 지휘아래 베를린 데뷔를 장식하고 그 센세이셔널한 성공에 의해
하이페츠의 이름은 서유럽에도 떨치게 되었다.
1917년에는 혁명으로 인해 미국 대륙으로 건너가 이후 미국을 중심으로 성대한 활동을
전개하여 거의 40년이 넘는 동안 금세기 전반의 바이올린계에 군림하는 대가로서 명성을
마음껏 떨쳤다.
또 루빈시카인, 포이어만과 초화화 트리오를 비롯하여, 실내악 활동에도 의욕을 보였다.
하이페츠는 해방 전인 1923년에 내한 연주회를 가졌다.
하이페츠는 전형적인 비르투오조 타입의 바이올리니스트로 그 높은 수준의 기술에 관한 한
실로 전인 미답의 경지를 개척한 사람이었다.
그리고 그것은 19세기의 대가들의 일부가 아마 행한 것 같은 아크로바틱한 방향이 아니고
어디까지나 순수한 음색의 아름다움, 세부가 잘 연마된 조탁, 혹은 한치의 빈틈도 없는
표현 등을 실현시키기 위한 힘이 되었던 것이다.
그 때문에 그의 음악은 넘칠 만큼의 표현력도 도움이 되어 밖으로 향해서 한없이 부풀어
가는 큼직한 표현임과 동시에 그 내부를 꽉 차게 메워 가는 집중력을 겸비하고 있다.
또한 연주에 임했을 때의 의욕이 언제나 놀라와서 특히 콘체르토에 있어서 오케스트라를
세차게 이끌어 가는 품격은 비길데가 없다.
레퍼터리의 넓이도 압도적이어서 바하에서부터 초연의 것을 포함한 현대 작품까지 그가
손대지 않았던 작품은 하나도 없다고 해도 과언이 아닐 것이다.
또 일부에는 양식 파악이 얼마간 약한 점이 있으며 바하, 모짜르트, 베토벤, 브람스 등은
그가 즐겨 손댄 것임에도 불구하고 다소 아쉬운 데가 있다는 의견도 있다.
그러나 이는 하이페츠의 개성이 너무나도 강렬했기 때문에 작품상을 온통 감싸지 못하는
경향조차 있었던 결과라 해야 할 것이다.
하이페츠는 이미 20세기의 전설이 되었다. 무쌍의 테크니션으로써 반 세기나 군림하면서
시대를 초월하여 항상 왕자의 관록을 유지했다.
5. Brahms, Double Concerto for Violin & Cello in A minor, Op.102
David Oistrakh(Vn) / Mstislav Rostropovich(Vc)
Kyrill Kondrashin(cond), Moscow Philharmonic Orchestra
I. Allegro
II. Andante
III. Vivace mon troppo
♣ 브람스 바이올린과 첼로를 위한 이중협주곡 A 단조 Op.102
브람스 바이올린과 첼로를 위한 이중협주곡 A 단조 Op.102
브람스가 마지막 관현악 작품인 이중 협주곡은 1887년 작곡되었으며 원래 교향곡 5번을
위해 썼던 곡이었고 같은 해 10월 18일에 초연되었다.
이중 협주곡은 브람스가 그의 작품에서 오케스트라를 마지막으로 등장시킨 작품이다.
그랬던 곡을 오랜 친구이자 바이올리니스트인 요제프 요아힘에게 전하는 직접적인
메시지를 담아 협주곡을 완성시킨 것이다.
이 곡은 브람스의 첼로 소나타 2번의 초연을 성공리에 마친 첼리스트 로베르트
하우스먼에게 보내는 선물이기도 했다.
뛰어난 두 연주가는 브람스의 실내악에 영감을 제공했다.
그러므로 이 협주곡은 고전주의의 신포니아 콘체르탄테의 범주에 들어가는 실내악
다이얼로그로 이해해야 할 것이다.
첼로와 바이올린의 선율은 화음의 조화를 이루거나 충돌을 일으키며 진행된다.
첼로가 오프닝 독주 선율을 연주하면 어느새 아름다운 음색의 바이올린이 받아 연주한다.
두 악기는 합주를 하며 화려한 느린 악장으로 들어간다. 이때 선율은 살짝 늘어지다가
경쾌한 댄스곡 풍으로 바뀌는 등 분위기가 변화무쌍하다.
또한 바로크 시대의 콘체르토 그로소 양식의 부활을 의도하여 2종류의 독주 악기를
사용했다고 알려지고 있다.
중후한 교향적 악상속에 차분하고 독특한 로맨티시즘이 스며든 명곡이다.
6. Franz Xaver Mozart, Cello Sonata E major, Op.19
Hartmut Rohde(Vo) / Ravinia Trio
I. Allegro
II. Andante espressivo
III. Allegro vivo
프란츠 크사버 볼프강 모차르트 (Franz Xaver Wolfgang Mozart, 1791. 7. 26 ~ 1844. 7. 29)
볼프강 아마데우스 모차르트와 콘스탄체 사이의 6번째 아이였으며 음악교사, 지휘자,
작곡가 활동을 펼쳤다.
모차르트가 사망할 당시 볼프강 주니어는 생후 4개월의 아기였는데 프란츠 크사버는
아버치 모차르트를 외형적으로 많이 닮았기 때문에 어머니 콘스탄체는 어릴 적부터
그에게 기대를 걸고 2살 때 부터 피아노 교습을 시작했다.
음악스승중에 당시 유명한 작곡가였던 '살리에리'가 있었다.
볼프강 주니어가 모차르트의 아들인지 아닌지에 대하여 의혹이 많았으나 '살리에리'는
성실히 지도해주었고 16세가 되자 백작의 음악교사로 추천장을 써주기도 했다.
콘스탄체는 덴마크의 외교관 게오르크 니콜라우스 폰 니센과 재혼한 후에도 프란츠
크사버에게 볼프강이라는 이름을 사용하게 했다.
그는 1796년 5살이 되던 해 첫 음악회를 열었고 1802년 첫 작품인 피아노 피아노
4중주곡을 작곡했다.
이후 프라하에서 볼프강 아마데우스 모차르트의 첫 전기를 쓰고 그의 형인 카를 토머스
(Carl Thomas, 1784-1858)와 친구인 프란츠 크사버 니메체크 교수의 지도를 받았으며
1797년 어머니와 함께 빈으로 돌아왔다.
이어 요제프 하이든과 노이콤의 제자가 되었으며 14살이 되던 1805년 4월 자신의 곡과
아버지의 피아노협주곡으로 연주회를 열며 빈에 성공적으로 데뷔했다.
이 콘서트는 재정적으로 큰 성과를 거두었고 이를 바탕으로 프란츠 크사버는 살리에리와
흄멜에게 계속 교육을 받을 수 있었다.
이 시기에 그는 피아노 교육도 시작했고 영어, 이탈리이아, 프랑스어를 배웠다.
1811년 14살때 작곡했던 피아노협주곡 Op.14번을 정식으로 출판했으며 스모란카의
갈리시아에서 음악교사를 시작했다.
여기서 프란츠 크사버는 빅토르 바바로프스키 백작의 두 딸에 대한 가정교사와
야니체브스키 가문의 음악교사로 3년 동안 있었는데 이후 그는 렘베르크(지금의 우크라이나
리보프)로 가서 음악교사, 지휘자, 작곡가 등 음악활동을 했으며 이곳에서 약 25년을
지냈다.
그는 1818~20년 사이에 러시아, 폴란드, 덴마크, 프러시아, 이탈리아, 스위스 등을 돌며
연주여행을 했으며 큰 성공을 거두었다.
1838년 빈으로 다시 돌아온 프란크 크사버는 인기있는 음악교사, 실내악 연주자로 활동했다.
잘츠부르크의 모차르테움(Internationale Stiftung Mozarteum)이 설립되었을 때 콘스탄체는
프란츠 크사버를 음악감독으로 앉히려 했으나 성공하지는 못했고 합창지휘와 기념연주회
협연자로 초청받았다.
작품세계는 초기 낭만파에 속했으며 생전이나 사후나 모든 작품들은 아버지 볼프강의 작품과
비교되었다.
평생 아버지의 재능의 그림자때문에 고통을 받으며 살았던 볼프강은 렌브르크라는 작은
마을의 피아노선생으로 제자 양성에 힘썼으며 지병인 위장병으로 고생하다 요양차 방문한
카를스바트에서 숨을 거두었다.
7. Brahms, Horn Trio in E flat major Op.40
Michael Thompson(Hn) / Luba Edlina(Pf) / Rostislav Dubinsky(Vn)
I. Andante-poco piu animato
II. Scherzo & Trio [Allegro]
III. Adagio mesto
IV. Allegro con brio
♣ 브람스 혼 협주곡 E 플랫 장조 op.40
브람스의 실내악곡 중에서 호른을 사용한 유일한 곡으로 브람스는 어려서부터 로맨틱한
울림의 이 악기를 좋아해서 '독일 Reqiem', 관현악용 세레나데 '제1번', '제1교향곡',
'제2교향곡', '피아노 협주곡 제2번' 등에서 호른에 중요한 역활을 부여하고 있다.
이 곡에서는 당시부터 현재에 이르기까지 보통으로 쓰이는 밸브 호른이 아니라 밸브 없는
호른을 사용하고 있다.
그 이유는 확실히 밝혀져 있지는 않으나 아마도 이 자연적인 호른이 밸브 호른보다 음색의
변화가 풍부하고 레가토면에서 뛰어나기 때문이기도 하며 브람스 자신이 이 악기를 더
좋아했기 때문이 었을 것이다.
곡은 4개의 악장으로 이루어져 부드럽고 로맨틱한 아름다움을 지니고 있으나 특히 느린
악장의 우수에 찬 분위기는 그의 돌아가신 어머니에 대한 그리움이 서려 있다고 한다.
또한 부드럽고 목가적인 것은 그가 바덴바덴에서 살 때에 숲이나 언덕을 거닐면서 이 곡에
대한 영감을 얻은데서 연유된다.
1865년에 완성되었으며 초연은 1865년 12월 7일에 이루어졌는데 피아노는 브람스 자신이
담당했다고 한다.
제1악장 : Andante Eb장조. 2/4박자. Rondo형식
브람스의 다악장의 곡 가운데 이 곡만이 소나타 형식이 아닌 제1악장으로 되어 있다. 곡은
바이올린에 의해 제1주제가 목가적으로 온화하게 시작되면 곧 호른으로 이어진 후 poco piu
animato, g단조, 9/8로 바뀌면서 어두운 느낌을 주는 제2주제로 들어간다.
이 주제는 차분하지 못하고 재촉하는 듯 하며 정열적이며 활발하게 진행되는 부분이 있은
후 다시 모습을 보인 후 템포, 조, 박자가 처음으로 돌아와 제1주제, 다음 박자가 바뀌고
제2주제가 내림나단조로 각각 나온 후 온화한 경과구를 거쳐 다시 제1주제(Gb장조)가 나와
전개되면서 Eb장조로 옮기면서 제1주제를 확장시키며 제1악장이 끝나게 된다.
제2악장 : Scherzo, Allegro, Eb장조, 3/4박자. 3부형식.
우선 피아노의 경쾌한 스타카토의 악구로 시작된 후 호른이 춤추는 듯한 새로운 선율을
Gb장조로 노래한다.
제1부는 이 두 선율에 의지하고 있으며 트리오는 어두운 내림가단조로 템포도 느러져서
피아노 반주 위에 애수에 찬 선율이 흐른다.
제3악장 : Adagio mesto, 내림마단조, 6/8박자. 소나타형식.
전곡 중에서 가장 브림스적인 악장으로 곡은 비가처럼 피아노로 시작하여 바이올린과 호른을
대위법으로 가담시켜 간다.
다시 피아노의 비가가 있은 다음 제1부가 끝나고 모방풍의 유화한 악구로 제2부가 시작되고
이어 피아노의 화음풍의 반주 위에 대위법이 펼쳐간다.
이것이 긴장을 느끼게 하는 정점에 달한 후 조용해지고 피아노의 비가 위에 제2부의 선율이
잠깐 나타나면서 제1부의 재현부에 해당하는 제3부가 시작된다.
코다는 제2부의 선율을 먼저 다룬 후 제1부의 선율을 바이올린이 노래하며 ff에 달한 후 다시
p가 되어, 피아노의 비가 위에서 이 악장이 조용히 끝난다.
제4악장 : Allegro con brio Eb장조 6/8박자. 소나타 형식.
동기적으로는 앞의 스케르쪼와 아다지오의 2개의 악장과 내용적으로는 스케르쪼와 관련되어
있으나 선율의 취급 면에서는 하이든을 생각나게 한다.
곡은 피아노 반주를 타고 나오는 바이올린의 바쁜 제1주제로 시작되고 역시 침착하지 못한
경과구가 있은다음 Bb장조로 종지하고 기분을 바꾸 듯이 잠시 침묵이 계속된다.
이어 바이올린과 피아노로 제2주제가 내림나단조로 노래불리고 전조를 거쳐 코데타에서
활발해지면서 제시부가 끝난다.
전개부는 맨 처음 제1주제가 나타나고 이어 혼으로 제2주제를 다루는데 열정적이지는 않지만
강약의 효과적인 변화와 교묘한 전조로 관심을 끌게 한다.
호른의 움직임이 끝나면 재현부가 되어 으뜸조로 제1주제가 나타나고 이어 내림마단조로
제2주제가 나온 후에 코태타 후에 제1주제로 힘찬 클라이막스를 이루며 곡은 경쾌하개 끝난다.
8. George Onslow, String Quintet in E minor, Op.74
Ensemble Concertant Frankfurt
I. Allegro grandioso
II. Menuetto - Moderato molto
III. Andantino grazioso
IV. Finale - Allegro molto animato
♣ 조르쥬 온슬로우,George Onslow (1784 - 1853)
조르쥬 온슬로우는 1784년 조부인 온슬로우 백작이 영국의 하원의장을 지내기도 했던 귀족
후예로서 프랑스 오베르뉴 지방에 이주 정착한 영국인 부친과 프랑스인 모친사이에
출생했다.
어려서부터 넉넉한 집안 덕에 소년시절부터 뒤섹, 크레이머 등에게 피아노를 배우며 간혹
소품을 작곡도 했던 그는 보다 체계적인 음악교육을 위해 파리로 가서 평생의 스승이 된
안톤 라이하(Anton Reicha)를 사사했다.
또한 당시 파리음악원장으로 있던 보케리니의 영향도 받게되어 실내악 작품을 집중적으로
작곡하는 계기가 되었다.
파리의 복잡한 생활을 싫어한 그는 주로 고향인 오베르뉴의 성에서 지내며 작곡을 하고
가끔씩 파리로 나가 작품발표를 하곤 하였다고 한다.
그는 생전에 상당한 평가를 받아 모차르트, 하이든 등의 이름과 함께 거명되었고 슈만 및
멘델스죤과 동급으로 인정 받기도 하였다.
또 수많은 현악4,5중주 덕택에 "프랑스의 베토벤"이라는 별명으로 불리기도 했던 그는
실내악 악기편성에 있어서도 베토벤 등 비엔나 풍을 따르기보다는 보케리니의 패턴을 즐겨
채택하였다.
전하는 얘기에 의하면 5중주곡 발표 연주회에서 제2첼로 주자가 갑자기 불참하여 난감해
하던차 마침 그 자리에 있던 유명한 베이스주자에게 부탁하여 연주를 마쳤는데 그 음향이
너무나 맘에 들어 이후에도 첼로 대신 더블베이스를 자주 활용했다고 한다.
즉,5중주의 경우 통상적으로는 바이얼린2 비올라 2 첼로1를 택했으나 보케리니의 영향으로
비올라 한 대 대신 첼로를 두 대로 편성하여 풍성한 저역을 선호하였으며 때로는 첼로 한
대는 더블베이스로 대체하기도 하였다.
1784년 오베르뉴에 정착한 영국인들의 후손으로 태어난 온슬로우는 당대의 다른
작곡가들과는 달리 기악곡 작곡에 심혈을 기울였으며 그 결과 36곡의 현악 4중주와 34곡의
현악 5중주를 비롯한 다양한 형태의 실내악 작품들이 태어나게 되었다.
작품 번호 16이라고 붙여진 3곡의 비올라 소나타는 그의 많은 실내악 작품들 중에서도 가장
빼어난 것들에 속하는 것이다.
루이스 스포르, 페르디난트 리스, 프리드리히 페스카와 온슬로우는 음악사에서 간과되어
왔던 심포니스트 세대의 한 명이다.
온슬로우는 1829년과 1846년 사이에 고전적 형식의 완성을 보여주는 네 곡의 교향곡을
남겼다.
하지만 그는 베를리오즈와 함께 프랑스의 관현악 전통에 독자성을 부여한 작곡가로 인정받고
있다.
이는 당시 프랑스 언론이 그가 남긴 네 개의 교향곡의 업적을 기려 그를 "프랑스의
베토벤"이라 불렀던 것에서도 알 수 있다.
그는 오페라 몇 개와 교향곡도 쓰긴 했지만 거의 대부분의 생애를 실내악 작곡에 바쳐 총
36개의 현악사중주곡과 34개의 현악 오중주를 남겼다.
그러나 온슬로우의 음악은 그의 생애 말년이후 자주 연주되지 않고 잊혀져 갔다. 그 이유로
그의 작품들이 연주하기에 무척 어려워서 후대 연주자들이 기피했다는 이야기도 있다.
최근 온슬로우의 재평가와 더불어 재발굴 노력이 활발해지면서 음반들이 몇 개씩 나오고
있다.
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